Luis Alberto Garibay
ENTRE CHIMBOTE, LIMA Y LOS ANGELES

En 1989, mientras firmaba contrato con Panamericana TV, en Lima; Magaly Medina, la actual conductora peruana de televisión, trabajaba como periodista en la Revista Oiga de Lima. Como siempre, Magaly era directa, sagaz y sarcástica. En una nota publicada, incluso, antes de mi primera aparición en las pantallas del canal de la Avenida Arequipa -en enero de ese año-, Magaly escribió: "Fuera de cámaras, Javier Lishner es un muchacho agradable, simpático, más delgado y menos alto de lo que parece en televisión, tiene la piel bronceada y muestra una incipiente calvicie. Si usted lo encuentra por la calle lo confundiría con cualquier joven de su edad". Y sigue.

Luis Alberto Garibay, productor en Los Angeles.

Ese párrafo escrito por la señora Medina poco menos de 20 años, se le podría aplicar casi exactamente a Luis Alberto Garibay, peruano, hombre de radio, muchacho sencillo, seguro, agradable y de piel bronceada. Garibay llegó a los Estados Unidos en 2001. Seis años después, es parte importante en la producción diaria del programa hispano más sintonizado en los Estados Unidos, habiendo logrado, además, la estabilidad que cualquiera busca después de dejar el nido.

Paradójicamente, Luis Alberto vivió unos años en la ciudad de San Jose y nunca nos vimos. Claro, San Jose, es una de las diez ciudades más grandes de este país y, aunque no es de las diez más pobladas, no es fácil encontrarse, mas aún, cuando ni siquiera sabemos quiénes vivimos aquí.

Nuestra reunión sucedió en uno de esos lugares a los que frecuento muy poco, porque ni tomo mucho café ni me gusta ir a establecimientos muy comerciales, a no ser que sea para un concierto u obra benéfica. Nuestro encuentro fue en un Starbucks, muy cerca en donde, Luis Alberto y su novia, se encontraban visitando a unas amistades.

Hoy vive en la ciudad de Glendale, "donde hay muchos armenios", nos dice mientras nos cuenta parte de sus experiencias en la radio norteamericana.

Al lado de la actriz Jessica Simpson.

- ¿Cuál es tu actual trabajo?
- Soy productor de El Show de Piolín por la mañana. Es un programa que se transmite en 23 estados de los Estados Unidos.

- ¿Desde cuándo te desempeñas en esa labor?
- Desde enero de 2003.

- Entiendo que es una posición envidiable para cualquiera que desee trabajar en el medio radial. ¿Cómo llegaste hasta ahí?
- Bueno, casi desde el primer día que llegué a los Estados Unidos, en julio del 2001, me dediqué a escuchar radios y a enviar demos con la idea de trabajar en alguna. Recuerdo que enviaba demos, llamaba a los programadores, iba a los lugares donde las radios hacían sus trasmisiones en vivo... me presentaba ante ellos. Les hablaba de mi intención y mis ganas de ingresar a la radio. Tras insistir ocho meses, finalmente, me dieron la oportunidad para ser operador de madrugada en una radio de AM.

- Antes de trabajar con Piolín Sotelo en El Show de la mañana, ¿Qué labor y dónde te desempeñaste?
- Antes de la radio trabajé asistiendo a personas con discapacidad física y mental. Personas en silla de ruedas, con retardo mental. Fue otra de las experiencias hermosas de mi vida. Los llevaba al parque, les daba de comer, los ayudaba en su aseo... Nunca me imaginé trabajar así pero eso me enseñó a ser paciente con otras personas. Trabajé de esa manera durante siete meses.
Luego fui operador de la madrugada en Entravisión, en la ciudad de San Jose. Era una estación de AM que transmitía los partidos de fútbol del Mundial 2002. De ahí pasé al Departamento de Promociones donde animaba pequeños eventos, pegaba calcomanías en la calle, etc. A las pocas semanas empecé a reemplazar a los locutores en la estación romántica, hacía noticias en otra de las estaciones, y hasta hablaba de deportes en otra.

- O sea, como dicen en el Perú, un pulpo.
- Sí. Mil oficios.

- Fuiste uno de los organizadores de la gran marcha de los inmigrantes que llegó hasta Washington D.C. ¿Qué experiencia te dejó esa actividad?
- El tema de la inmigración es vital en este país. Formar parte de la gestión de las marchas a través del territorio y, sobre todo, de la caravana a la capital de la Nación llevando más de un millón de cartas -sin duda- es una de las experiencias más importantes de mi vida. Llegar al Congreso en Washington, ser recibido y atendido por los legisladores, estar en un desayuno con el presidente de los Estados Unidos es, indudablemente, una de mis mejores experiencias. Lo que me deja todo esto es la confirmación de que todos podemos lograr grandes cosas.

- ¿Qué lograron con la marcha?
- Llamar la atención sobre el tema migratorio. Es un asunto difícil y preocupante para los políticos. Estuvimos cerca de lograr la reforma migratoria. Sabemos que se dilató por el asunto de las próximas elecciones.

- ¿Hay algún otro peruano que conozcas en ese medio radial? ¿Quién o quiénes? ¿Trabajas con alguno?
- Aquí en la oficina de Los Angeles hay dos peruanas, una en contabilidad y otra en ventas. En la TV, sí conozco a algunos en producción. Lili Escalante, por ejemplo, es productora de Sábado Gigante y de noticias en Univision-Los Angeles. Liliana es muy buena amiga.

- ¿Hay algún artista peruano que en cualquier género destaque en el área de Los Angeles?
- No.

- ¿A qué crees que se deba esto? Porque el talento no es propiedad de ningún país, verdad?
- De ningún país, es cierto. En el programa hemos tenido la oportunidad de conversar con Juanes. Vivía en Los Angeles. Pasó varios días comiendo solo arroz, ya no tenía dinero, nadie apostaba por él pero siguió insistiendo... Fher de Maná, lavaba carros en Houston y también esperaba su oportunidad... Obie Bermúdez, trabajaba en una lavandería mientras seguía escribiendo sus canciones. Y como estos, hay muchos casos.
Al escuchar las historias de los que han llegado a la meta pienso que todos tienen algo en común que le ha faltado a los buenos artistas peruanos: esa perseverancia y fuerza ante los malos momentos. Creo que Gianmarco y Pedro Suárez-Vértiz, por citar a dos, tienen tanto o más talento que muchos ganadores de tres o cuatro premios Grammy, la diferencia radica en que los que ganaron los Grammy supieron aguantar más. No decidieron por el camino fácil de volver a su patria y quedarse con el pequeño mercado...

- ¿Qué requisitos debe cumplir un artista para ser transmitido en un programa como el de Piolín?
- Hasta hace un par de años era más fácil ser parte del show. Ahora, cada pedido de entrevista pasa por un análisis tremendo; sin embargo, El Show es tan inesperado que podemos desechar una entrevista con Juan Luis Guerra y entrevistar a un anónimo que llegó con su demo a las 2 de la mañana buscando una oportunidad de darse a conocer.

J. Lo y Marc Anthony visitando el programa.

- Qué bien. ¿Y qué sabes del peruano Pepe Barreto?
- Trabajó mucho tiempo para KLVE, pero creo que hace poco más de dos años salió de la compañía. Tengo entendido que ahora se desempeña en otra estación radial. Lo he visto haciendo informes para Univisión TV-Los Angeles.

- Cuéntanos con qué experiencia llegaste a la radio en Estados Unidos. Tú habías hecho radio en el Perú.
- Sí. Trabajé en Chimbote en algunas emisoras. Luego en Lima, en Radio América cuando transmitía salsa; en Studio 92, en la época de Coco Valderrama, Juan Carlos Hurtado, Arturo Otoya, Héctor Felipe, todos, con Walter Gonzales a la cabeza. También pasé por Radio Ritmo donde trabajé con Sammy (Sadovnik) y Sonia (Freundt). Posteriormente, regresé a Studio 92. En América Televisión, fui voz de planta de El Canal de las Estrellas. También pasé por Radio Ke Buena!

- ¿Cuál es tu trabajo ideal?
- En este momento me siento en el lugar ideal. En dos años me veo manejando una estación de noticias.

- Llegaste a la producción radial de un muy sintonizado programa. ¿Cuál es tu siguiente paso?
- Dirigir una estación a nivel nacional.

- ¿Qué te falta para lograrlo?
- Que llegue el 2010.

- ¿Podría preguntarte porqué tan específico con el 2010?
- Porque termina mi contrato con Univisión.

- ¿Hay algo no necesariamente relacionado a la radio que te llame la atención?
- Tener una cadena de restaurantes.

- Ah! Eso sí que suena interesante. ¿Cocinas?
- No cocino.

- Hmmm. Entonces, ¿de dónde te nació ese interés?
- El asunto es que cada vez que llevo a mis amigos a restaurantes peruanos, les gusta la comida. Tengo guitarras firmadas por los artistas, fotos de los artistas... De hecho invitaría a algunos artistas al restaurante. Sé que llamaría mucho la atención. Mi novia está llevando algunos cursos de manejo de negocios, específicamente, manejo de restaurantes. Lo veo como una oportunidad de negocio.

- Bueno, cuando te animes me avisas. Podríamos ser socios de un mismo sueño.
- Está bien. Yo pienso que se puede aprovechar el asunto de los artistas para llamar la atención y llevar gente al negocio. Por supuesto que además de dar un buen servicio y exquisita comida para mantener el público.

- Yo te digo una palabra y tú me contestas con otra.
- Machu Picchu. Perú.
- Coca Cola. Bebida.
- Radio. Negocio.
- Yma Sumac. Exito.
- Rio. 80's.
- Producción. Mi elemento.
- Chimbote. Mi vida.
- Pepsi. Bebida.
- iPod. Música.
- Los Angeles. México.
- México. Mi flaca
- Dieta. Gordo.
- Gordo. Mi compañero que cada semana empieza una dieta.
- Esa respuesta fue como para ocho preguntas. (Risas)
- Internet. Información.
- Microsoft. Monstruo.
- Amor. Mi flaca.
- Dinero. Ayuda.
- Salud. Gimnasio.
- Piolín. Exito.
- Perú. Chimbote... solo que un poco más grande.

- Tienes alguna recomendación para la juventud que desea ingresar al mundo radial de aquí o de allá?
- Todo es posible. Absolutamente, todo es posible.

- ¿Eres religioso?
- Gracias a Dios soy ateo.

- ¿Eres deportista?
- Practico el fútbol. Voy al gimnasio tres veces por semana.

- ¿Cómo se llama tu mascota?
- Cookie.

- ¿Cuáles son tus mejores recuerdos del Perú?
- Cada vez que viajo al Perú, religiosamente, me aviento un plato de cabrito de S/.3.50 en el mercado Alfonso Ugarte de Chimbote...

- O sea que, gracias a Dios, todavía te queda algo de religioso.
- (Risas) Bueno, recuerdo el plato de cabrito, mi familia, mis sobrinos, Radio Studio 54 (La Gira Perú Rock y un programa de concurso el fin de semana), Radio Studio 92 (dos días con todos los disc jockeys en La Hacienda), América TV (habiendo sido elegido, entre muchos locutores, la voz oficial del Canal).

Con el actor Johnny Depp durante una ceremonia en Los Angeles.

- ¿Tienes en mente hacer alguna marcha en el Perú? Bueno, no la de los Cuatro Suyos pero...
- (Risas) El Perú me da mucha pena. Saber que los BMW y Mercedes que veo por aquí a cada momento son ajenos a mi Chimbote querido. Me duele pensar que ahora que vaya, seguramente, no veré uno solo... Me duele la frustración de mis hermanos... la de la afición peruana por el fútbol.
Cuando llego a Chimbote lo único que hago es reunirme con mi familia, mis amigos, con los que quieran escucharme para decirles que todo es posible. Que sigan soñando, que busquen sus metas, que no se dejen vencer, que pueden tener éxito y que pueden lograr todo aquello que imagine su mente. Hay que creer en uno mismo, alentar a los demás, sonreír, visualizar lo que se quiere y, el resto, el mundo conspira para lograrlo.

Sin duda alguna, una buena recomendación. Mientras tanto, Garibay continúa despertándose muy temprano en la mañana para estar al frente de cada matutina audición del locutor que, con mucha música, chistes y retos, hoy pasa por sus quince minutos de fama, no dejando de lado sus innumerables hazañas de solidaridad, una de las características de Univisión, la sólida empresa para la que, con empeño, Luis Alberto trabaja.

Javier Lishner
Santa Clara, California
29 de noviembre de 2007

NINA MUTAL: Con el viento a su favor

Sin temor a equivocarme, casi desde que nos conocimos con Nina Mutal, hubo una especial empatía que se prolongó hasta el día que yo viajé a California. Primero, con La Banda Azul; luego con Gin Zen y, desde 1990, como solista, Nina siempre fue muy dedicada en lo suyo. Además, tenía cualidades personales que la hacían muy agradable. A diferencia de Danai -la otra personalidad femenina de la movida ochentera en el Perú, a quien Nina admiraba-, Nina no era misteriosa. Y creo que durante el tiempo que les tocó compartir la escena, las dos se llevaron muy bien.

Nina Mutal, lista para su nuevo lanzamiento.

Hace unos días, antes que me llegara la nota de prensa de no sé quién, ya había visitado su sitio de Internet y hasta había pasado sus fotos a través de la red haciendo saber que Nina estaba de vuelta. Y es que se le ve y se le oye tan bien, que da ganas de promoverla.

[LOS INICIOS] Debo haber conocido a Nina cuando era parte de un nuevo grupo que llegó a Radio Miraflores durante los últimos meses de 1986. Fue un día de octubre cuando arribaron al programa los miembros de La Banda Azul, que lideraba Micky "El Coyote" Denegri bajo la supervisión técnica de Manuel Garrido Lecca. Pero Nina aún no aparecía en escena. En realidad, la primera presentación oficial de Nina, con La Banda Azul, fue en La Taberna de Barranco en 1987.
Con el grupo hizo dos discos, La Banda Azul y Cuestión de lugar. Y es que por los tiempos que pasaba el Perú, con el irresponsable gobierno de Alan García, haberse gestado entre el 86 y 87 no le aseguraba a nadie larga vida. Y eso fue, justamente, lo que le sucedió a La Banda del guitarrista Denegri, siendo él uno de los primeros en abandonar la nave, y hasta el país. No obstante, Nina no se amilanó.

[GIN ZEN] La vocalista, una de las pocas féminas con que contaba la movida local, armó su propio combo y lanzó Nina & Gin Zen. Si bien es cierto que el grupo publicó una producción -en plena crisis económica- del cual, relativamente, se escuchó "Playboy", esa etapa de Nina nunca me terminó de convencer. Casi lo mismo me sucedió -y es una opinión muy personal- con el Pateando Latas de Danai. Coincidentemente, ambas bandas fueron lideradas por casi las dos únicas mujeres que tenía el pop-rock de la época. A pesar de los años, sigo considerando a ambos grupos solo como una breve transición a la carrera solista tanto de Nina como de Danai. Y así lo fueron. Ambas, en muy corto tiempo, Danai luego de un disco 45 y Nina luego de un cassette, terminaron haciendo lo propio.

Con el viento a tu favor. Nina Mutal con miras al 2008.

[DANAI] Recuerdo cuando en una entrevista a Nina, hablamos de Danai. Y, como escribí en el primer párrafo, Nina tenía esa cualidad transparente no muy común en la gente. Me dijo de ella: "Danai es una persona muy bacán. Mientras estuvo en Lima, intercambiamos muchas ideas. Sin llegar a la amistad, tengo muy gratos recuerdos de ella. Danai era mística, yo no...". Tal y como a mi me parecieron. Una mística y la otra no.
"Yo transmito misticismo en mis canciones, Danai transmitía misticismo con su sola presencia. Ella era sensual. Bueno... yo también", terminó diciendo aquella vez la cantante de "Cuerpo a cuerpo", tema que lanzó en 1990. Los comentarios los hizo Nina cuando Danai había regresado a Chile mientras, en el Perú, nuestro presidente seguía luchando para darnos el "futuro diferente" que había ofrecido durante la campaña. Y, a pesar de todo, Nina & Gin Zen, fue una de las poquísimas producciones nacionales que se lanzaron en 1988. Años después, nos enteramos del deceso de Danai, en Chile.

[CUERPO A CUERPO] Cuerpo a cuerpo, se terminó en los Estudios Black Cat de Miami. Era 1990 y, hasta ahí, Nina había llegado con Garrido Lecca para trabajar en la mezcla al lado de Keith Morrison. La grabación la habían realizado en Lima, en los Estudios Amigos de Edmundo Delgado. Incluso, es anecdótico que, buenas partes de la misma, Nina y sus músicos, las hicieron utilizando un grupo electrógeno, debido a los permanentes apagones que acontecían en la capital por la insanía terrorista de aquellos días.
Su banda durante ese tiempo estuvo compuesta por Rubén Rojas, el fallecido guitarrista de Dudó; Freddy Neyra, en teclados; Edgar Cuentas, en bajo y, Paul Carrión, en batería. Como músicos de acompañamiento estaban Agustazo Castro, en percusión, y Gonzalo Polar en el saxo. Amén de "Cuerpo a Cuerpo", hubo otro tema que logró difusión. Se llamó "Loco amante" que, incluso, tuvo un video clip de apoyo. Detrás de esta nueva aventura estaba Sono Sur, su nueva casa discográfica.

En julio de 1995, promocionando el disco de aquel entonces.

[EL VIENTO A SU FAVOR] La última vez que vi a Nina fue en 1995. Sucedió en su departamento de San Isidro. Aquella vez escuchamos música, brindamos con agua por nuestros éxitos y hasta me obsequió su reciente disco titulado Ahora. Recuerdo que lo traje y lo tuve en el carro durante mucho tiempo. Se convirtió en uno de los más escuchados. En 2004, leí una entrevista a raíz de una nueva placa que tituló Nina Mutal. Habían pasado casi diez años.
Esta vez, Nina anda promocionando Con el viento a tu favor, su nuevo disco que será lanzado este jueves 29 de noviembre en el Centro Cultural La Noche, de Barranco. He escuchado cuatro canciones del mismo y me gustaron mucho. Bien lograda voz, buena y clara musicalización, y las ya consabidas letras, seguramente, salidas de las manos de Nina durante la oscuridad de la noche.
Celebremos juntos, con esta nueva producción, los primeros veinte años de una de nuestras más perseverantes cantantes. Noctámbula, simpática y humanitaria como buena acuariana, amante del mar y del surfing, apasionada. Esa es Nina Mutal, con la energía de siempre.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de noviembre de 2007

Una lágrima cayó del cielo
MURIÓ CANTANTE DE QUIET RIOT

Kevin DuBrow, el carismático cantante del famoso grupo ochentero Quiet Riot, fue encontrado muerto en su departamento de Las Vegas. El vocalista que había constituido el cuarteto desde sus inicios en el área de Los Angeles, posiblemente, fue el más interesado en la supervivencia de la banda.

DuBrow (derecha) al lado de K.K. Downing de Judas Priest.

Quiet Riot fue fundado a mediados de los setenta por el guitarrista Randy Rhoads. De acuerdo al propio DuBrow, el nombre del conjunto salió de una conversación entre él y Rick Parfitt, integrante original de Status Quo. Quiet Riot desapareció repentinamente cuando Ozzy (Osbourne) llamó a Rhoads para ser parte de su banda. Por esos tiempos, Osbourne acaba de ser echado de Black Sabbath.

En 1982, de manos de DuBrow, Quiet Riot reemerge con otros tres miembros. Ellos eran: Carlos Cavazo en guitarra, Rudy Sarzo en bajo y Frankie Banalli en batería. Con esa formación se harían populares durante la década del exceso. Fueron dos canciones originales de los británicos Slade, las que le dieron la oportunidad de escalar en las listas. Ellas fueron, "Cum on Feel the Noize" y "Mama Weer All Crazee Now". En 1983, con el álbum Metal Health, se convirtieron en el primer grupo de heavy metal que logró un número 1 en la (prestigiosa y comercialísima) revista Billboard. Todo lo demás es historia.

"Cum on Feel the Noize", Quiet Riot en 1983.

Quiet Riot, recientemente, había sido parte de la cartelera del Rocklahoma Festival, un evento en honor al glam-rock.

Las autoridades aún no han informado la causa del deceso. El mes pasado, DuBrow había cumplido 52 años celebrándolos en New Orleans. Demasiado joven para morir.

Javier Lishner
Santa Clara, California
26 de noviembre de 2007

LA TINA QUE HA DE VOLVER

Hace unos días, visitando una tienda, escuché un tema que inmediatamente llamó mi atención. De aquellos que ni siquiera se acercan a las locuras a las que se referían en casa, cuando inocentemente empezaba a descubrir el rock and roll. Nada parecido a lo hecho por Uriah Heep, Kin Ping Meh, Jethro Tull o Emerson, Lake & Palmer. Ni siquiera a los admirados Tigres del Norte.

Una niña, de la mano de su madre, intentaba tararear la melodía. Era "River Deep, Mountain High", acreditada a Ike & Tina Turner, a pesar de que Ike no participó en ella por el trato que hicieron Ike y Tina, con el productor Phil Spector, uno de los compositores del tema. A Ike Turner le gustaba mucho meter la mano, cosa que Spector no aceptó, al menos, para esta canción (su favorita).

En 2006, Tina a sus 67 en el Festival de Cannes.

Cuando George Harrison dijo que, de principio a fin "River Deep, Mountain High" era perfecta, el beatle solo estaba diciendo la pura verdad. Y la cantante, tuvo mucho qué ver en eso.

No recuerdo qué año sería pero, en las listas semanales de la otrora Radio Atalaya de Lima -que se transmitían los sábados en la mañana, y de las que yo era asiduo oyente-, me encontré con mi primer problema músico-gramatical a la hora de escribir el título de una canción. La pronunciación que le daba cada disc jockey, me hacía más difícil la ecuación, por mas que en clases me esforzara por aprobar el curso de inglés. Aún no sabía de "perlas". Hasta que un día vi el título impreso en un disco de recopilación. Los intérpretes eran Ike & Tina Turner, que, luego, entendería que eran esposos y se habían casado en México el año que yo nací.

El rótulo en cuestión era "Nutbush City Limits", un tema medio biográfico de Tina Turner sobre la ciudad en la que creció, en Tennessee, donde de niña recogió algodón, y soñó con ser enfermera ("A little old town in Tennessee. A quiet little community. A one-horse town..."). Irónicamente, tuvo mayor éxito en Europa que en los Estados Unidos y, de acuerdo a su biografía oficial, fue el útlimo producto importante del dueto, antes de su separación. Mañana, en el coliseo de Oakland, posiblemente, Bob Seger, su compañero de sello discográfico, haga su propia versión. Porque, Seger, oriundo de Detroit, la incluyó como parte de su álbum de 1975. Y Bobby está de vuelta en el ruedo, después de diez años, con su Silver Bullet Band. Y ahí estaremos acompañándolo.

"Nutbush City Limits", por Ike & Tina Turner.

La señora Turner, inició su carrera solista luego del rompimiento con el esposo que le dio el apellido (además de buenas palizas). Aún estábamos en el colegio, y, un viernes de 1975, antes de salir de fin de semana fuera de la ciudad con la familia, me fui a comprar un disco. Terminé en casa con la música de la película Tommy, escrita por Pete Townshend y dirigida por Ken Russell, con la estelar actuación de Oliver Reed y Ann-Margret. Lo desagradable de aquella tarde fue que no tuve tiempo de escuchar mi nueva adquisición (mi primer disco doble), pues inmediatamente salimos al paseo, donde, con toda seguridad, no íbamos a encontrar tocadiscos, como les llamábamos a esos aparatotes que hoy parecen piezas de museo. Ni en Chaclacayo ni en la Cantuta, iba a tener acceso a un tornamesas y, por consiguiente, a pesar de mi intención de cargar con mi nuevo juguete, tuve que dejarlo empolvarse por un par de días. Entre los intérpretes que participaban en la producción, estaban, Elton John, Eric Clapton, Arthur Brown, los cuatro integrantes de The Who (entre ellos, Keith Moon), y Tina Turner. Ella interpretaba una de las canciones que más me agradaron: "The Acid Queen", que fue el rol que desempeñó en el filme producido por el australiano Robert Stigwood, quien, a su vez, ya había hecho cosas como Hair y Jesus Christ Superstar y, poco tiempo después, llevaría de la mano a los Bee Gees a ser el grupo más famoso del mundo. Por esos días conseguí una revista Pelo, publicación argentina especializada en rock, cuya edición (que le heredé a mi amigo Hugo Salazar antes de venirme a los Estados Unidos), traía consigo un póster de Tina Turner. El póster, de unas 16 x 24 pulgadas, adornó mi habitación por dos décadas.

En 1978, ya divorciada de Ike, Tina Turner lanzó el disco Rough, sin mayor repercusión. La invitación de los Rolling Stones para abrir algunas de las presentaciones de su gira mundial de ese año, le sirvió para volver a la palestra. Sin embargo, lo que siguió fue un silencio de casi un lustro, con muy pocas apariciones en público, como la de 1981, acompañando a Rod Stewart, otro de sus fervientes admiradores.

La dama recién regresó en 1984, para convertirse, en adelante, en La Diva de la Música Soul. Antes había adoptado el sobrenombre de La Reina del Rock and Roll, título que aún conserva. Con Private Dancer, se ubicó como la número uno con canciones como "What's Love Got to Do With It", "Let's Stay Together" (de Al Green), "Better Be Good to Me" y la que llevó el rótulo del disco, copla escrita por Mark Knopfler. Al año siguiente, con "We Don't Need Another Hero", de la banda sonora de Mad Max: Beyond Thunderdome, se mantuvo en la cima de su carrera. Por respeto a Aretha Franklin, no me atrevería a llamarla la mejor, no obstante, sin temor a equivocarme, fue la más popular.

En Dinamarca, en 2005. Wow!

Lo que siguió en su carrera, es casi historia conocida. En una de esas, viajó a Sudamérica (bueno, a Brasil) y, en 2000, lanzó Live in Rio '88. En nuevos tiempos, 1999, también participó del show Divas Live al lado de frescos valores como Whitney Houston, Brandy, Mary J. Blige, Faith Hill y de sus contemporáneas Cher y Elton John, con quien tuvo un incomodísimo impasse, un punto muerto, sin salida.

Anna Mae Bullock, su nombre de pila, ha logrado lo que muy pocas mujeres de su generación pudieron, comenzando por la trayectoria. Sus giras fueron muy exitosas, solo comparables a las de los Rolling Stones y otros pocos. Estadios repletos deliraron por la mujer que, en el 2000, dijo adiós a los escenarios. Y si mal no recuerdo, en esa odisea, la acompañó Cyndi Lauper. Pero, como eso del adiós ya parece cuento chino (y creo que los Beatles fueron los únicos que lo cumplieron), aún abrigamos la esperanza de volver a verla con su frondosa cabellera, exquisita voz, bien cuidado cuerpo, talento y vitalidad, bailando sobre sus aún hermosas piernas. Este año, para no ir muy lejos, además de Bob Seger, regresaron, Genesis, Police, Van Halen (con David Lee Roth), y hasta Black Sabbath con Dio. ¿Por qué no habríamos de tener de nuevo a la reina y señora de la música y el baile? Solo tendría que dejar por un momento su residencia en el sur de Francia, y a Erwin Bach, el ejecutivo discográfico alemán, único amor desde que se alejó de Ike. A cambio, recibiría unos milloncitos y, por supuesto, los aplausos del respetable.

Mientras soñando espero, me voy a escuchar "River Deep, Mountain High", en la versión psicodélica que hizo Deep Purple con Rod Evans, su primer cantante, cuando Ian Gillan no aparecía, y David Coverdale, Erwin y yo, todavía íbamos al colegio.

Javier Lishner
Santa Clara, California
23 de febrero de 2007

NOTA RELACIONADA:
- Tina Turner: VUELVE, VUELVE, PRIMAVERA...

En Radio

¿PERLAS? LAS DE MI TIERRA

Siempre creí que aquello de la señora Dolores Fuertes, quien se casó con un señor de apellido Barriga y se convirtió en la señora Dolores Fuertes de Barriga, fue una leyenda urbana. Muy por el contrario, las historias que hoy vamos a compartir con ustedes, fueron, todas, reales. Y no necesariamente de la realeza.

Errores, cometemos todos. Algunos, los tomamos como experiencia y tratamos de mejorarlos; otros, en cambio, no les dan mucha importancia y siguen su vida igual. Sin embargo, los más pocos, hasta enfurecen cuando se les hace saber de su error. Pero, como escribió Ciro Alegría, el mundo es ancho y ajeno, y hay cabida para todos.

Ni domador ni catchascanista, Jean Paul "El Troglodita".

La mayoría de acontecimientos que hoy vamos a describir sucedieron dentro de las cabinas de locución limeñas, mientras algunos de nosotros, profesionales, presentábamos a nuestros artistas favoritos o, los favoritos de nuestros oyentes. El problema se suscitaba al otro lado, justamente, con los oyentes, quienes, por escuchar su canción preferida, tenían que pasar por la incomodidad de oír nuestros exabruptos. Afortunadamente, los exabruptos, a la postre, se volvieron automáticamente en anécdotas. La mayoría de las que describimos hoy, se escucharon durante la década del ochenta. Pero no todas. El Maestro Ricardo Blume, llamaría esto, "Perlas". Rulli Rendo y, seguramente, Johnny López -dedicados a la Lengua-, también.

LAS ANÉCDOTAS DE LA RADIO
- Personaje 1 en Radio Miraflores: "... Y aquí tenemos la nueva canción de Michael Jackson de título "Trailer" (Por "Thriller").

- Personaje 1 en Radio Miraflores: "Ahora nos toca presentar a Joe Jackson, hermano de Michael Jackson" (Por el cocoliso de "Steppin' Out").

- Personaje 1 en Radio Miraflores: "A continuación un tema de Latoya Jackson, la mamá de Michael Jackson" (O sea, los Jackson son una dinastía en la música. Empero la señora madre se llama Katherine, casada con Joe Jackson, pero no el de "Steppin' Out". Ambos tuvieron diez hijos. Latoya fue la quinta).

- Personaje 1 había presentado un tema en inglés y su pronunciación no había sido del todo correcta. Personaje 8, quien era su operador de turno, tuvo la mala fortuna de corregirlo. Personaje 1, enfurecido, le contestó: "Oyeeeeee, ¡Qué me vas a corregir a mí el inglés! Yo que he estado tres veces en Miami". (Miami, a place where most of the population speak Spanish).

- Personaje 2 en Radio Panamericana: "Aquí está John Lennon con su último éxito "Woman... Hombre" (Personaje 2 nunca había viajado a Miami a practicar su inglés).

- Personaje 3 en Radio 1160: "Esta es la banda norteamericana Beatles" (Si Condorito hubiera escuchado esto, se hubiera muerto para siempre).

- Personaje 4 en Radio Miraflores: "Aquí están las Pointer Sisters... Las hermanas Sisters" (Personaje 4 tampoco había viajado a Miami. Si tan solo hubiera aprovechado el tiempo para estudiar inglés en vez de estar parado en la ventana mirando a la calle).

- Personaje 5 en Stereo 100: "Ahora con ustedes los Shocking Blue y su canción "La Venus de Milo" (Por el tema "Venus").

- Personaje 1 en Radio Miraflores: "A continuación presentamos a ABBA y su tema "Sos" (Por "S.O.S.").

- Personaje 6 en Radio Studio 92: "Han escuchado "Pretty Woman" con el invidente Roy Orbison" (¿Por sus lentes? Orbison quedó invidente solo el día que murió en diciembre de 1988).

- Personaje 7 en Radio Miraflores: "Ahora tenemos a los gemelos Nelson, los hijos de Willie Nelson" (Por los hijos de Ricky Nelson).

- Personaje 2 en Radio Panamericana: "Aquí está el tema "Goodbye To You", del grupo Sa-can-dal" (Así, con la fuerza de voz en la última "a"... por Scandal, la banda de Patty Smyth).

- Personaje 12 en Radio Miraflores, durante su primera prueba al aire en 1980: "Para amenizar el programa tenemos un recuerdo con The Police" (Con la fuerza de voz en la "oooo" y no en la "iiii". Sonó así: The Póliz).

- Personaje 12 en Radio Miraflores en entrevista telefónica en vivo con Jon Anderson, vocalista de Yes: "Cuzco? Yeah, it's about 1 mile from Lima...". (Por las 352 millas, o, lo que es lo mismo, 567 kilómetros, que separan a Lima de la Capital del Imperio Incaico).

- Personaje 12 en Radio Miraflores: "Ahora tenemos en el programa al canadiense Christopher Cross..." (Si es el mismo Christopher Cross que en 1980 impuso "Sailing", ese nació en San Antonio, Texas, el Estado más grande de la Unión Americana, después de Alaska. Canadá es otro país).

- Personaje 13 en Radio Panamericana: "Este es el excelente grupo californiano Los Durs, liderado por el Rey Lagarto" (Así, con "u", por The Doors. Si al menos hubiera dicho Los Duros, hubiera estado más cerca de la realidad).

- Personaje 13 en Radio Panamericana: "Esta es la nueva banda inglesa King" (Por Freddie Mercury y compañía).

- Personaje 14: "En el Super Hit de 1992 tenemos también a Porno for Pyros con Perry Farrell, organizador del festival de Loyapaloza" (Por el Lollapalooza Festival. Pronúnciese, Lolapaluza, que, coincidentemente, la versión 2007, comenzó ayer y termina mañana en Chicago, donde sí se puede practicar el inglés... y el ruso, y el polaco).

"Strawberry Fields Forever". Gerardo Manuel interpreta a los Beatles.

UN PAR DE LA TELE
- Personaje 9 en Canal 13: "Van a ver el tema "All for Love" con los norteamericanos Sting, Bryan Adams y Rod Stewart" (El que canten en inglés no los hace automáticamente norteamericanos. Posiblemente, Personaje 9 y Personaje 3, estudiaron juntos).

- Personaje 5 en Canal 7: "The Police y su video "Tumbando velas" (Por "Wrapped Around Your Finger". Por lo menos, a diferencia de Personaje 12, Personaje 5 pronunció bien el nombre del trío inglés).

LILIANA Y LA HORA
Por muchos lustros, una de las voces más cotizadas de la radio en la capital peruana, fue la de Liliana Sugobono. Y su personalidad, superaba aún a su voz. En una oportunidad, en la cabina de Radio Miraflores, mientras conducía El Expreso de las seis, su exclusivo programa, me contó que tiempo antes le había sucedido una anécdota. Creo que trabajaba en América. Radio América, dicho sea de paso, fue, con ella, una de las primeras en presentar listas de las mejores canciones al final de cada año. Se llamaba Casillero 60.
Era día de pago. Liliana había recibido algunos billetes y el resto en monedas. La moneda peruana era el Sol (hoy es el Nuevo Sol). Corrían los años setenta. Y, mientras contaba sus monedas en la cabina de locución, el operador técnico intempestivamente le dio salida al aire. Y Liliana dijo así: "Esta es la hora en nuestro programa, son las seis de la tarde y quince centavos".

ENTRE IMBÉCILES Y MAMARRACHOS
Personaje 9 en Panamericana Televisión:
- ¿Quién fue el imbécil que escogió a Gerardo Manuel para cantar "Strawberry Fields Forever" en el Concierto con la Filarmónica?
- Personaje 10: ¡Yo!

Personaje 12 en 2007, alejado de la radio.

El 21 de marzo de 1989, la embajada de la hermana República argentina en Lima, organizó una parrillada de confraternidad con la prensa local, entre los que estuvo invitado Personaje 12. En la reunión, mientras Personaje 12 se encontraba debajo de uno de los arcos de la antigua construcción, casi en el límite con el jardín posterior de la inmensa casona de la avenida 28 de julio, llegó un periodista de la página de Sociales de un importante diario de circulación nacional. Encontrándose frente a él, no le quedó más que presentarse a sí mismo y, de paso, preguntarle su nombre. Le dijo que era Personaje 12 y que trabajaba en el Canal 13. Casi sin dar tregua, y tras estrecharse las manos, el experimentado periodista le preguntó:
- Oye hijito, ahora que estás tú aquí y que trabajas en el 13, ¿puedo hacerte una pregunta?
- Claro, ¡cómo no, señor!, le respondió educadamente.
- ¿A quién se le ocurrió poner ese mamarracho en la programación de las seis de la tarde?
Y, con el temple que siempre lo caracterizó, Personaje 12 contestó:
- Señor, ese mamarracho se llama Mirando la Radio y desde hace unas semanas, yo soy el presentador. (Mientras con la mirada le decía: Mamarracho son las cursilerías que usted escribe en Sociales, viejo idiota!).

LA ÚLTIMA LA TRAIGO YO
Residiendo una década en el Silicon Valley, y alejado de las perlas de mi tierra, en 2004 recibí la última:
La noticia había sido transmitida por las radios limeñas. Jean Paul "El Troglodita", legendario cantante de la movida rockera peruana de los sesenta, había fallecido. Personaje 11, quien había escuchado superficialmente la información, esperó llegar a la radio (Z Rock & Pop) para preguntarle a sus colegas:
- ¿Por casualidad alguno de ustedes sabe de qué época era ese catchascanista que murió ayer?

De todo esto pueden dar fé algunos de mis colegas a quienes les presenté un tiempo atrás en la nota titulada, En Lima: LA VOZ DE LOS OCHENTA... Y ALGUNOS MÁS.

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de agosto de 2007

PD: UNA MÁS.
Personaje 15 en La Más Más, el otrora popular espectáculo masivo de Radio Panamericana:
- "Y ahora presentamos a Basilio, moreno de nacimiento..."

Hermanos de sangre

ROCK 'N ROLL EN FAMILIA

Cuando hace unos días escribíamos una pequeña nota sobre los Doobie Brothers, nos preguntamos cuál habría de haber sido la razón para que los Doobies le agregaran aquello de Brothers. Que se sepa, no hay, ni nunca hubo, hermanos en ese grupo oriundo de San Jose, California.

Gregg y Duane Allman el 4 de julio de 1971 (FOTO: Carter Tomassi)

Muy por el contrario, the Allman Brothers Band, su contraparte de Macon, Georgia, tuvo en los hermanos Allman -Duane y Gregg-, su núcleo original. Es cierto que, a pesar de haber perdido a cuatro de sus integrantes a través de sus 38 años de carrera (incluyendo a Duane), la banda se convirtió en una verdadera familia, con hijos y sobrinos a lo largo de su existencia.

[LOS WILSON: THE BEACH BOYS] Si de familias se trata, hubo un grupo que, sin utilizar su apellido, se caracterizó por la relación sanguínea entre sus miembros. Pudieron haberse llamado los Wilson Brothers, incluso, mucho antes que, en 1969, nacieran los Allman. Sin embargo, prefirieron llamarse the Beach Boys. Ahí estuvieron, los hermanos Brian, Carl y Dennis Wilson, y, el primo de ellos, Mike Love. Completó el quinteto, Al Jardine. Su obra cumbre la publicaron en 1966 y se llamó Pet Sounds. Es una de las placas mejor logradas de la historia de la música contemporánea, tanto por sus letras como por su instrumentación. Y las armonías vocales, también.

The Beach Boys: "California Girls"

Mientras Brian continúa haciendo giras como solista (una de cuyas presentaciones vimos la noche de Halloween, en 1999), sus dos hermanos partieron al cielo. Dennis en el 83, y Carl, quince años después. En tanto, Love y Jardine, mientras continúan disputándose el nombre, siguen, cada uno por su cuenta, paseando las canciones que alguna vez los hicieron el grupo más popular en Norteamérica, hasta que llegaron los Beatles.

[LOS FOGERTY: CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL] Casi al mismo tiempo del nacimiento de los Beach Boys, en 1961, un poco más al norte, en la Bahía de San Francisco, aparecía un grupo llamado the Blue Velvets. Luego, le cambiaron el nombre a the Golliwogs y, los cuatro, incluyendo a los hermanos Tom y John Fogerty, finalmente, decidieron llamarse Creedence Clearwater Revival. Completaron el grupo, el bajista Stu Cook y el baterista Doug Clifford, ambos, compañeros de escuela de John, el menor de los hermanos.

Su primer disco como CC Revival lo lanzaron en 1968 y, desde entonces, se convirtieron, al igual que los Beach Boys, en un ícono de la música popular norteamericana. Fueron ellos los de "Suzi Q", "Proud Mary", y "Bad Moon Rising", entre otros. La historia final del grupo, que sucedió en 1972, es más que penosa. Entre otros lamentables acontecimientos, Tom fue separado por su propio hermano. Aun peleados, en 1990, Tom partió al cielo. Cuando, en 1993, Creedence fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, la esposa de Tom llevó al estrado la urna con las cenizas de su difunto marido. Parecía que después de tantos problemas (y años), los líos entre sus integrantes, sobre todo, entre John y los otros tres, había llegado a su fin. Pero, lo aparente no fue cierto. La que pudo haber sido una noche de reconciliación, tocando en vivo John, Stu y Doug, con Jeff -el hijo músico de Tom-, quien también se hizo presente, no sucedió. John, quien siempre se sintió el más importante del conjunto (por más que fuera cierto), llamó a Robbie Roberston (de The Band) y a Bruce Sprinsgteen, para interpretar los temas de CC Revival. Clifford y Cook, y sus respectivas familias, abandonaron el auditorio mostrando su total inconformidad.

Tom y John Fogerty, al lado de Cook y Clifford: Creedence Clearwater Revival (FOTO: Jim Marshall)

Actualmente, el bajista y el baterista, forman parte de su propia banda, la que iniciaron en 1995, y con la que suelen estar de gira como Creedence Clearwater Revisited. Como el perro del hortelano, el nombre original, ni lo usa John, ni los otros dos. Pero, con seguridad, las arcas de todos aumentan, cada vez que se escucha una de sus canciones.

[LOS YOUNG: AC/DC] En la ciudad de Sydney, que, en contra de lo que muchos creen, no es la capital de Australia -aunque sí la más populosa-, en 1973, se formó un grupo con un nombre corto y original, que nada tenía que ver con sus integrantes. En él, andaban los hermanos Angus y Malcolm Young, ambos, guitarristas. Se unieron a varios músicos, antes de encontrar la fórmula del equipo ideal.

La decisión de invitar a su chofer, de nombre Bon Scott, como primera voz, les abrió las puertas a la internacionalización. Sucedió en 1974. Con ellos estaban Mark Evans, en el bajo, y, Phil Rudd, en batería. Aunque su más clásica configuración (por utilizar un término muy común en el Silicon Valley, por eso de las computadoras), incluiría al bajista Cliff Williams. En 1980, sobrevino lo que parecía inminente: la muerte del cantante por esas cosas que no necesariamente son del amor. Y, AC/DC, tuvo que afrontar lo que para cualquier grupo musical se convierte en la etapa más dura: la de encontrar a un sustituto para el vocalista. Lo que sucedió con el combo australiano de los hermanos Young, posiblemente, no ocurrió con ninguna otra banda en la historia del rock. El reemplazante, Brian Johnson, superó, con creces, el éxito de quien lo precedió, ganando, inclusive, al fantasma de la muerte, que siempre juega un papel importante cuando se trata de buscar a una nueva figura frente al micrófono. Casos excepcionales como los de Freddie Mercury o Jim Morrison, de Queen y The Doors, respectivamente, son un asunto aislado. Y lo sabían los otros miembros del grupo. Lo de Deep Purple, con Coverdale; lo de Van Halen, con Hagar; o, lo de Black Sabbath, con Dio, rindió un buen resultado, pero, en honor a la verdad, los fans siempre quisieron ver a Gillan al mando de Deep Purple, a Roth saltando en Van Halen, y a Ozzy frente a Black Sabbath. Muy aparte de la calidad de los tres vocalistas que tuvieron en sus espaldas, la responsabilidad de llenar el vacío, dejado por los tres mencionados. Lo de Phil Collins con Genesis que, si bien es cierto, aventajó en popularidad a su predecesor (el genio creador Peter Gabriel), es una historia diferente, pues Collins ya era miembro del grupo. A propósito, mientras Purple continúa con Gillan como cantante y Van Halen alista gira con Roth (después de más de dos décadas), Dio hace lo propio con Iommi, Butler y Ward, los otros tres miembros de Black Sabbath, rememorando los tiempos en que le tocó ser parte del súper grupo de Birmingham. Por su parte, Genesis, también regresó este año, aunque, una vez más, sin Gabriel. Punto aparte.

Angus, uno de los hermanos Young, en acción (FOTO: Javier Lishner)

Volviendo a AC/DC, con el equilibrio y la solidez de los hermanos Young, a quienes vimos dos veces en 1985, sigue siendo considerado como uno de los grupos de rock pesado más influyentes de las últimas tres décadas. Aunque ellos, parafraseando a Mick Jagger, digan que lo que hacen es solamente rock and roll.

[LOS VAN HALEN: VH] Cuentan que Alex y Eddie Van Halen arribaron a la Unión americana en 1962, de manos de su padre holandés y su madre indonesia, que llegaban del Reino de los Países Bajos. Desde muy niños, los dos fueron muy unidos y, en casa, se les enseñó música. Esa sería la semilla que, años más tarde, germinaría como una de las bandas norteamericanas de rock más populares en la segunda mitad de la década del setenta y que llevaría el apellido de la familia.

El reinado de Van Halen duró unos años, hasta que, abruptamente, en abril de 1985, se quedó sin cantante. Sucedió en el preciso momento en que el disco que acababan de editar, titulado, 1984, se había convertido en un éxito sin precedentes. Michael Anthony, el bajista, siguió con ellos. David Lee Roth, el cantante, se fue. Y se fue para no volver... hasta hace muy pocas semanas. En el interín, lo reemplazaron Sammy Hagar, un reconocido vocalista que llegó con su propia fama, y, Gary Cherone, popular por su trabajo en Extreme. Mientras Hagar duró una década con la banda (1985-1996), Cherone no sobrevivió a ella más de un disco (Van Halen III). Y del 99 al 2004 no pasó casi nada. Creo que fue cuando Eddie empezó a consumirse con eso de los problemas con su bella esposa, la actriz Valerie Bertinelli.

Anthony, Roth y los hermanos Van Halen en 1978 (Foto: Chris Walter/Photofeatures)

En 2004, Van Halen regresó con Sammy Hagar al frente y cumplió una exitosa gira. Ahí los vimos por segunda vez (Antes lo habíamos hecho en 1995, durante el periplo del disco Balance). Pero, la buena nueva aconteció la noche del 8 de septiembre de 2006, cuando en el show de Howard Stern, el guitarrista del grupo dejó muy clara su apertura al retorno del rubio cantante, con quien los hermanos Van Halen iniciaron su carrera en el área de Los Angeles, en 1974. Hoy, la noticia es confirmada: David Lee Roth ha vuelto y el grupo se encuentra en la preparación de un nuevo tour. Al menos, en esta banda, la reconciliación sí se dio. Pero, como todo no podía ser tan perfecto, y las cosas debían quedar en familia, Michael Anthony, el bajista original, no será de la partida. Para ello, los Van Halen encontraron su reemplazo a muy pocos metros, en la misma residencia. Se llama Wolfgang Van Halen, y es el hijo del más venerado guitarrista estadounidense de las últimas dos décadas.

[LOS ROBINSON: THE BLACK CROWES] Los Robinson, no solo es la familia de la vieja serie televisiva Perdidos en el Espacio. Es también el dúo de hermanos oriundos de Atlanta, Georgia -Chris y Rich-, que fue la esencia que dio origen a the Black Crowes, acaso uno de los grupos más exitosos de la década del noventa, que no perteneció a la corriente grunge que emergió en el noroeste americano con nombres como Mudhoney, Nirvana, Pearl Jam o Soundgarden.

Chris y Rich Robinson con The Black Crowes en Seattle (FOTO: Javier Lishner)

Influenciados por Led Zeppelin y the Faces (la ex-banda de Rod Stewart), lograron rápidamente su ubicación con temas como "Jealous Again", "Hard to Handle" y "Remedy". En 2001, poco tiempo después del lanzamiento de su disco Live at the Greek, el que grabaron con el guitarrista Jimmy Page, tuve oportunidad de verlos en la ciudad de Seattle. Fue una noche inolvidable, mientras, al momento, contaba con toda la colección de sus discos, incluyendo el recientemente publicado, Lions. Al año siguiente, sin haber pasado por ningún contratiempo entre sus miembros, el grupo anunció su separación. Se entendió, que no sería definitiva. Fue así que, en 2002, vimos a Chris, como solista. Esa noche, en Santa Cruz, California, nos alcanzó el tiempo para extenderle la mano después de su presentación. Fue una noche acústica.

Tres años después, el grupo se reunió en el Hammerstein Ballroom de Nueva York. El éxito de esos siete shows en la Gran Manzana, hizo salir de la jaula a the Crowes, y, los Robinson, volvieron a sus viejas andadas. A principios de 2006, tenía todo planeado para su presentación en el Fillmore de San Francisco. Un amigo peruano, ex-disc jockey de mis tiempos de radio, venía de Lima. Era una excelente oportunidad para, al igual que los Crowes, volver a juntarnos alrededor de la música. Pero, no se comunicó. Y, casi como nunca, mi plan quedó trunco. Al poco tiempo, en marzo de 2006, lanzaron aquella presentación del Fillmore, en un disco que titularon Freak 'n' Roll Into The Fog. The Black Crowes, con los hermanos Robinson, sigue volando por todo lo alto.

[LOS GALLAGHER: OASIS] Oasis apareció en primeras planas, casi desde el primer día que se supo de ellos. Al principio por su similitud con los Beatles, y, luego, por los entredichos entre Noel y Liam, los dos hermanitos Gallagher.

Juntos para siempre: Noel y Liam Gallagher de Oasis (FOTO: Jill Furmanovsky)

Originales de Manchester, ciudad donde a principios de los sesenta nacieron los Hollies, aquellos de "Long Cool Woman (in a Black Dress)", quienes, coincidentemente, realizaron su primera función en un club llamado Oasis. De la relación entre Noel, el guitarrista y cantante, y su hermano, el vocalista principal, cinco años menor que él, se ha escrito y dicho tanto que preferimos dejarlos tranquilos haciendo su música.

Ah! Y es de suponer que el grupo que manejan dos volubles personajes, haya tenido cambios permanentes entre sus integrantes. Uno de ellos fue el baterista Alan White. Por si acaso, White, no es el sosegado, apacible, pacífico, serio y juicioso batero de Yes, quien, en 2001, estuvo, al igual que nosotros, de curioso, en el Bumbershoot Festival, en la cuna del grunge. Ahora, es Zak Starkey -hijo del no menos famoso Ringo Starr-, quien acompaña a Oasis en el puesto de White. A Zak, lo hemos ojeado varias veces con The Who.

Además de su inconsistente formación, Noel y Liam, también han brincado varias veces de casa discográfica (Creation Records, Epic Records, Columbia Records, Big Brother Recordings). Sin duda, una novela familiar diferente con un final imprevisible.

Javier Lishner
Santa Clara, California
11 de febrero de 2007

Hubo una vez...

EN EL COW PALACE DE SAN FRANCISCO

Cuentan que alguien le echó un poco de tranquilizante para caballos al vaso de Keith Moon. Era un día como hoy, 20 de noviembre. The Who andaba en una de sus mejores épocas, aún con su formación original y, frente a un público relativamente exigente como el del Área de la Bahía de San Francisco.

Roger Daltrey, el cantante, tenía 29 años de edad; Pete Townshend, el guitarrista, enérgico e irascible, un año menos; el bajista John Entwistle, la edad de Daltrey y, Keith Moon, el baterista, mágico y misterioso, el menor del grupo, tenía 27.

Roger Daltrey en acción, en 1973. ¿Será que de ahí aprendió algo David Lee Roth? (FOTO: Michael Zagaris).

El Cow Palace fue inaugurado en 1941, y su primer evento fue una exposición de ganado vacuno de la raza Holstein. Pronto, serviría para espectaculares presentaciones de rodeo. Sin embargo, en muy poco tiempo, Estados Unidos fue presa de un ataque en Pearl Harbor y el local terminó siendo rentado al gobierno federal para albergar tropas que se embarcarían desde ahí al frente de guerra. El alquiler fue de $1.00 por año.

En 1946, terminada la guerra, el Cow Palace volvió a ser el centro de actividades ganaderas, pero, también, políticas, deportivas y artísticas. Actuaron en ese coloso, desde Liberace hasta U2, y the Rolling Stones, Elton John, Neil Diamond, the Wings de Paul y Linda McCartney, Yes, Prince, y, entre tantos más, Elvis Presley y the Beatles.

La noche del 20 de noviembre de 1973, en tanto, mientras the Who hacía su presentación de la obra Quadrophenia, el baterista cayó desplomado. Como muchas paradojas alrededor de la vida (y de la muerte) de Keith Moon, el grupo -a la hora del incidente-, tocaba "Won't Get Fooled Again". La banda se vio obligada a retirarse del escenario y, aproximadamente treinta minutos después, volvió con sus cuatro miembros.

Desafortunadamente, el baterista no quedó apto para enfrentarse a ese público que asistía al debut de la gira norteamericana. Pete Townshend, cuyo carácter ya era conocido, iracundo, explotaba en chispas. Mientras los asistentes del escenario se llevaban nuevamente el cuerpo (y alma) de Moon para seguir atendiéndolo, el guitarrista y compositor solicitó la ayuda de la audiencia.

Afirma un website de The Who que, Townshend, líder indiscutible de la banda, dirigiéndose a la concurrencia, gritó: "¿Hay alguien que sepa tocar batería?" Y un muchacho de 19 años, que se jaraneaba cerca del escenario, por el ala izquierda, apareció cruzando la guardia de seguridad y, según dicen, con un empujón del propio Bill Graham (el conocido empresario), pasó al otro lado del mismo. "No tuve ni tiempo de ponerme nervioso", recordaría años después, Scott Halpin, originario de Carmel. El grupo -según versión oficial-, interpretó cuatro canciones con Halpin, antes de despedirse de la platea.

Ahora en el anonimato, Scott Halpin escribió con The Who una historia muy particular.

Muchos años después, y antes de retirarse al anonimato, Halpin hizo pública su admiración a la banda inglesa por su energía y vitalidad. "A la tercera canción yo ya estaba muerto", reconoció el baterista, quien nunca más se dedicó a la música. Actualmente reside en Indianapolis, lejos de la bulla y el tumulto que una noche como hoy, en San Francisco, hace 33 años, lo catapultó y lo hizo parte de una de esas simpáticas historias de su majestad, el rock and roll.

Dos días después, the Who, con Keith Moon repuesto, continuaba su gira en la ciudad de Inglewood, una pequeña localidad en el área de Los Angeles.

Javier Lishner
San Jose, California
20 de noviembre de 2006

Once upon a time...

THE BLACK & WHITE PICTURES

Pete Townshend, The Who guitar master, rockin' in the seventies.

Whitesnake singer David Coverdale with The Government, his band before the Deep Purple era. Nobody would believe he is the dummy wearing shades.

At a young age, Carlos Santana holds a book about Ciencias Físicas y Naturales.

Peter Frampton comes alive! Behind him, megastar Rick Wakeman looking at the camera. Those seventies...

Two of my favorites female singers together on stage. Janis Joplin and my all-time favorite, Ms. Grace Slick, from the Jefferson Airplane and Starship's fame, at the SF Winterland during the New Year's Eve of 1968.

The man in black. The one and only Ritchie Blackmore leading DP at his highest.

The Glimmer Twins at Hotel Bolivar in downtown Lima (1969). The story tells that Jagger and Richards were asked to leave the premises because of some unknown reasons. You figure it out.

Carlos Santana arrived in Lima back in 1971. The Military Junta who ruled the country did not allow the band to play as expected. The picture above shows Carlos and guitar player Neal Schon (later with Journey) walking through the streets of the Peruvian capital on their way to the Prefectura, the local government.

Compilation by Javier Lishner (Photos: Internet)
San Jose, California
August 21-22, 2006

CHACHI LUJÁN: Un esperado retorno

Una de las satisfacciones que brinda la Internet es, sin duda alguna, el poder retomar de una manera rápida y fácil, la comunicación con viejas amistades, principalmente, cuando uno está lejos. Así, por ejemplo, en 2006, tuve la oportunidad de recibir un mensaje de alguien a quien aprecio mucho y del que, incluso, escuché su música años antes de saber que algún día lo iría a conocer. Y es que, mi sueño de ser futbolista, aún no encontraba lazos con esos hippies que Nelly Mendívil tocaba en la radio cuando yo llegaba del colegio muerto de hambre, con los zapatos sucios y la cara pintada.

De amarillo, llevando la batuta de los rockeros reunidos en Radio Miraflores. 1987 (FOTO: Víctor Becerra/Archivo Perú Rock).

Desde la época de "La juventud peruana avanza, se eleva y triunfa", con Nelly, es bastión del rock que se viene realizando en el Perú. Me consta de primera mano que es un luchador infatigable de la música y el arte. Fue, además, uno de los primeros rockeros que verdaderamente conocí, cuando andaba en Radio Panamericana (1983-1985) y, él, acababa de llegar del extranjero para sumirse en un nuevo proyecto dentro del renaciente movimiento local de esos años.

Dr. No fue un súper grupo de nuestra escena, posiblemente el primero en mucho tiempo, creado por Chachi Luján a su regreso de los Estados Unidos. Con él, estaban embarcados en la misma aventura, el bajista Ernesto Samamé; el teclista de Frágil, Octavio Castillo, y su viejo compañero de Telegraph, el baterista Walo Carrillo. Por ese tiempo, primeros meses de 1983, acababan de lanzar un disco sencillo titulado "Turn Out The Lights", así, en inglés, y, era la banda predilecta de la emisora de Mariano Carranza para sus famosos espectáculos masivos llamados La Más Más. El disco fue grabado con Kevin Norris, alguna vez teclista del grupo Malo de Jorge Santana, hermano de Carlos. Viajé con Chachi y con los demás integrantes por alguna ciudad del país. Tiempo después, fue puntal en casi cada obra en la que mi imaginación me metió. Siempre, como se dice, empujando el coche. Para muestra, hay suficientes botones como para regalar a los que les ganó la modorra y el aburrimiento. A Chachi, no.

Escena que podría repertirse después de más de tres décadas. Telegraph en vivo.

A mediados de 1985, luego de la lógica ruptura de Dr. No, cuyos integrantes tenían suficientes proyectos como para atarse a uno más, Chachi continuó su carrera en solitario. Pero siempre rodeado de talentosos colegas. Por ahí recuerdo, por ejemplo, a Lucho Salazar, el Luciano Figallo de Trama y Los Perros; Julio Caipo, músico, compositor y productor de trayectoria reconocida; Pepe Ortega, compositor y dedicado músico radicado en Oklahoma; Carlos Páucar, músico graduado en la Berklee College of Music y propietario de un importante estudio de grabación en la Florida; Carlos Kakutani, asediado guitarrista de bandas de heavy rock en España; Manuel Miranda, compositor y uno de nuestros mejores instrumentistas especializado en vientos, y, Jorge Aguilar, de Combo La Revelación, según dicen, la mejor banda latina en Australia.

Grabó "Gracias" y "Sola", en los estudios de Miki Gonzalez, y, luego, "Eres para mí". Las canciones fueron irradiadas y, en su debido momento, escalaron posiciones en las listas de algunas de las más emisoras juveniles de la época. Poco tiempo después, con la tremenda facilidad que tenía para hacer amigos, conoció a los integrantes de El Tri, quienes habían llegado a Lima por primera vez y, con un par de ellos, a quienes convenció en una noche de copas, fue al estudio a grabar partes de los que serían sus próximos temas ("Angustiado", fue uno de ellos). Recuerdo que la movida fue rápida pues Lora y sus compañeros solo estaban de paso. Me lo contó mientras nos encontrabábamos en casa del baterista Carrillo, otro de esos inolvidables amigos. Era junio del 86. Luego vino su Banda de Oz.

Pesos pesados. Carlos Guerrero, Luján, Gerardo Manuel, Pico Ego Aguirre y Tavo Castillo en Radio Panamericana. 1985. (FOTO: Víctor Becerra/Archivo Unidos).

Si a estas alturas me pidieran describir a Chachi Luján, lo primero que diría es que fue un activista del rock, en el mejor sentido del término. Lo recuerdo en entrevistas radiales, en los encuentros del rock nacional, en las reuniones de la obra Unidos, en las conferencias de prensa de sus colegas, en la escenificación de Construyendo en el Teatro Canout, en las giras al interior del país, con Indochina (en francés), con Jon Anderson (en inglés), con los grupos argentinos (en che), en fin, en casi todo lugar donde había, si quiera, un poco de esperanza a lo que pedía el rock en español en ese momento: apoyo. Y, cuando me uní a CATS Producciones, en 1987, ahí, también estuvo. No por gusto Chachi Luján había sido, en mayo del 86, nuestro primer entrevistado en el recién estrenado programa Perú Rock, dedicado a los artistas nacionales o, también, el invitado especial, en febrero del 89, cuando me despedía de "Los Caminos del Rock", en Radio Nacional, la emisora que el Presidente de aquel entonces -que es el mismo de ahora-, Alan García Pérez, le cambió el nombre a Radio Pachacutec, en honor al soberano que gobernó el imperio incaico entre 1438 y 1471, que supo mucho de comunicaciones pero nada de radio, casi como el Presidente.

Clásico disco de Telegraph Avenue. 1971.

Para fines de este mes, Chachi anuncia, como primicia (término que no escuchaba desde que llegué aquí hace más de una década), la posible reunión de Telegraph, la banda que él, al lado de Bo Ichikawa, Alex Nathanson y Walo Carrillo, ayudó a hacer realidad a fines de los sesenta. Por ahí también anduvo un poco más tarde, "el Mono" Germán Cabieses.

Chachi nos informa que ha aparecido un disco de Telegraph y que hay gente interesada en reagruparlos. "Es posible que contemos con algunos músicos de apoyo", nos cuenta, mientras confía que se haga realidad lo que es un sueño largamente acariciado. Por lo menos, el CD de Telegraph Avenue, de 1971, lo conseguimos no hace mucho tiempo atrás, en una conocida discotienda de Berkeley, ahí, frente a la Universidad, en la misma esquina de la famosa Telegraph Avenue.

Mario Luján entre Sammy Sadovnik y quien suscribe. 1986. (FOTO: Víctor Becerra/Archivo Unidos).

Finalmente, comparte con nosotros su pena de no haber hecho posible el retorno de Dr. No por la súbita muerte de su bajista, el Perrito Samamé, "quien hace unos meses se fue pal cielo", nos dice con evidente tristeza.

Si existe gente que conoció muy bien mi carrera, uno de ellos es Mario Luján, quien, por lo que veo, al igual que su compatriota, el Puma Rodríguez, no pierde su fe en Dios. Venga un abrazo, varón. O, barón, como mejor lo desees (Nunca supe a cuál de las dos te referías cuando nos llamabas así). Por ello es que existe gente que te llama "El barón del rock", apodo que ahora debes estar compartiendo con Billy Idol, a quien -alguna vez escuché-, lo viste cuando recién comenzaba, y tú -al lado de Bo, Alex y Walo-, ya habías sido una figura en el Perú, la tierra que supiste amar.

Javier Lishner
San Jose, California
12 de septiembre de 2006