Entre vivos y muertos

THE MAMAS & THE PAPAS: Tributo

"If you remember the Sixties, you weren't there."

- Grace Slick (Jefferson Airplane)

La desaparición de Denny Doherty, en enero último, nos hizo reflexionar sobre el futuro de aquellos legendarios grupos de rock que, desde los años sesenta, labraron el camino de lo que hoy otros continúan. El integrante de The Mamas & The Papas, piedra angular de la música popular californiana, dejó sola a la bella Michelle Phillips, para contar el resto de las memorias del cuarteto de Los Angeles, que, alguna vez, inmortalizara temas como "California Dreamin'", "Monday, Monday", "I Saw Her Again", "Dancing In The Street", y una de mis preferidas, "Creeque Alley", de 1967, la que narra parte de la historia del grupo.

"California Dreamin'".

En 1974, mucho antes de la aparición de la Internet, leí la noticia de la muerte de Cass Elliot, conocida como Mama Cass, en la revista Pelo, publicación mensual argentina que llegaba atrasada al Perú. Se dijo que la muerte de la grande cantante, tanto por su tamaño como por sus cualidades vocales, fue por atragantamiento de un sandwich. Creo que hasta no hace mucho, esa era la versión oficial que hasta suena jocosa. Cass Elliot murió de una falla cardíaca, en el departamento londinense de su amigo Harry Nilsson, luego de un espectáculo sold out en el famoso Palladium. Cuatro años después, en otra de esas coincidencias que tiene el rock, Keith Moon -el loco baterista de The Who-, sería encontrado muerto exactamente en el mismo lugar. Tras esos sucesos, Nilsson, el intérprete de "Without You", y gran amigo de Ringo [Starr], decidió vender la propiedad. Se la compró Pete Townshend. Para ese entonces, Cass, ya estaba en el cielo, y Moon, posiblemente, en la Luna.

"Monday, Monday".

En 2001, mientras me encontraba trabajando en una compañía de alta tecnología en el corazón del Silicon Valley (la ciudad de Santa Clara), me enteré de la muerte de John Phillips, cariñosamente llamado Papa John, e indiscutible líder del grupo. La razón, aquella vez confirmada, fue un paro cardíaco. Recuerdo que en homenaje a su vida y su obra, coloqué su foto, como fondo, en mi computadora del trabajo. Como quiera que recién estábamos arribando al nuevo edificio de Align Technology, mi escritorio aún estaba en medio del camino. Por esa razón, varios compañeros se enteraron de la muerte del ya veterano músico. Un buen número de mis colegas, en esa empresa, gustaban del rock. Phillips -al lado del productor Lou Adler-, fue la mente creadora del Festival de Monterey, el cual -por dos años-, precedió al de Woodstock. Fue, él, quien tiró la moneda al aire para ver quién, entre Jimi Hendrix y The Who, cerraba el mencionado evento al aire libre. Esa vez, ante la ira de Pete Townshend, la suerte estuvo del lado del guitarrista norteamericano. Y le correspondió a The Who, el último día del festival, tocar antes de Hendrix; y, al músico de Seattle, ser el estelar. Phillips, fue también quien compuso "San Francisco", que, en 1967, se convirtió en himno en la voz de Scott McKenzie, su amigo y ex-compañero en The Journeymen. Dos décadas después, ambos escribirían juntos, "Kokomo", para sus contemporáneos Beach Boys, el que fue hit en 1988.

"I Saw Her Again".

El pasado 19 de enero, a los 66 años de edad, Denny Doherty, el tercer miembro del cuarteto, siguió las huellas imaginarias de sus ex-colegas Phillips y Elliot... y Hendrix y Moon. Quienes hemos tenido oportunidad de ver la historia del grupo, hemos podido notar que, si bien es cierto el ambiente que vivían los cuatro era "fenomenal" (entre alcohol y alucinógenos), Doherty era como la chispa de la banda. Su primer contacto con el resto del futuro combo fue a través Elliot. Dicen que fue ella quien lo presentó a John y a su esposa, la modelo Michelle Phillips, la cuarta integrante del conjunto. John, aún lideraba The New Journeymen. Luego, los cuatro fundaron uno de los grupos más populares de los años sesenta y uno de los más influyentes de su generación. Cass siempre vivió enamorada de él, mientras él anduvo enamorado de la esposa de John. Leí que Cass Elliot, incluso, le propuso matrimonio, lo que Doherty rehusó. El cantante había enviudado en 1998.

"Dancing In The Street".

Michelle Gilliam, por su parte, inició muy joven su promisoria carrera. A los 18 años, contrajo matrimonio con John Phillips, de quien abrazó su apellido. Sus condiciones vocales tanto como su belleza física, la encumbraron rápidamente como símbolo de la música popular de su época. El matrimonio le dio a una hija a la que llamaron Chynna (más tarde, una de las Wilson Phillips). Debido a su supuesta infidelidad con su esposo, el líder del grupo, fue separada y reemplazada inmediatamente por Jill Gibson, enamorada de Lou Adler, el productor. No obstante, la Gibson duró menos de tres meses, cuando el público, Cass, y Doherty (y el propio John), empezaron a extrañar a la hermosa vocalista. Michelle volvió al cuarteto y siguieron adelante, pero no por mucho tiempo. Las heridas de amor no habían sanado del todo... La biografía de la señora Phillips cuenta, además, que ha participado como actriz en varias películas. Entre las más importantes, Star Trek: The Next Generation, Valentino y Spin City. Nos alegra, eso sí, que en menos de una semana, el 4 de junio, esté cumpliendo un año más, y siga tan linda y guapa, casi como toda la vida.

"Creeque Alley".

La aventura de The Mamas & The Papas, que a mediados de los sesenta había comenzado exquisita, placentera y primorosa, terminó tan solo tres años después por el apasionado intríngulis. Se sabe que el acercamiento de Doherty a la bella esposa de Phillips, fue aquello que originó el desbarajuste del grupo. En tanto, Mama Cass, platónicamente, seguía enamorada de Doherty. Ay, el amor.

Javier Lishner
Santa Clara, California
30 de mayo de 2007

En el nombre del Padre y del Hijo
ENTRE CRUCES Y OTROS AMULETOS

Es muy posible que la primera vez que vi una cruz al lado de uno de mis ídolos de infancia haya sido una que andaba en el fondo de un escenario de Black Sabbath. Fue la primera gran impresión que me causó al ver un símbolo tan respetado en medio de música que parecía diabólica. Luego entendería el significado del nombre del grupo de Birmingham, cuya imagen era un hijo de la guayaba llamado Ozzy Osbourne. Pero Osbourne no era el único hijo de la guayaba. A su lado había otro sujeto, generalmente vestido de negro, que también adornaba su vestuario con una gran cruz que le pendía del cuello. Su nombre era Tony Iommi, el encargado de la guitarra y, a la postre, también, la pieza angular de mantener a Black Sabbath alejado de los cementerios, lugar adonde fueron a dar, paradójicamente, otros más angelicales. El grupo Pilot (con alitas y todo), por ejemplo.

Black Sabbath con Ozzy o sin él.

Blue Öyster Cult, en los Estados Unidos, asumió el mismo símbolo religioso como parte de su campaña de mercadeo. Las letras de sus canciones, incluían fuego y flamas, las que, en vivo, rodeaban las cruces casi en cada escenario que visitaban. Al lado estaba la espada. "Cities On Flame With Rock And Roll", "Hot Rails to Hell" y "Career of Evil" son solo un ejemplo del camino que tomaron. La cruz y la espada representaba a Saturno, el dios romano. BÖC fue otro de los que se atrevió a hacer su propia versión de "Born To Be Wild", de Mars Bonfire, conocida en el mundo gracias a Steppenwolf.

Alice Cooper -bautizado Vincent Furnier-, a lo oscuro, le añadió sangre y serpientes, lo que hizo su aparición en escena un tanto más atrayente. A los reptiles los complementó con letras de las que (nunca antes) nadie había escrito. Como, "School's Out" y "Only Women Bleed". Cuentan que el nombre del grupo, que luego lo asumió como propio, fue tomado de una dama quemada viva en Salem, luego de ser acusada de brujería (aunque años más tarde, cuando ya se había alejado del alcoholismo, daría otra versión). Este sí fue un verdadero hijo de puta, como diría CacaoRock al referirse a Alvin Lee, el contemporáneo guitarrista de Ten Years After. Antes que nadie, Cooper, incluyó en sus espectáculos, desde guillotinas hasta sillas eléctricas, abriéndole los ojos a muchos sobre lo que podía llegar a hacer el hijo de un Ministro de la Iglesia, o lo que ello signifique.

Iron Maiden Ensemble. (Celebrity Pictures Archive).

Un lustro más tarde, apareció Iron Maiden utilizando muchos de los amuletos que venían mostrando Alice Cooper, Blue Öyster Cult y Black Sabbath. A eso le agregó escenas de horror y, a Eddie, su inconfundible mascota, con el que los vimos 2 Minutes to Midnight en 1985. De sus inicios, recordamos los álbumes, Killers, de 1981, y The Number of the Beast, o sea, el 666, de un año después. De los noventa, No Prayer for the Dying y, del nuevo milenio, Dance of Death, y A Matter of Life and Death. Los títulos de sus discos son más que sugestivos. Por esas cosas de la vida, el nacimiento de Maiden fue, como Jesucristo, un 25 de diciembre.

Regresando a los Estados Unidos, Metallica, también le hizo al juego del oscurantismo en el rock. El grupo californiano, que tuvo influencias de Maiden y, posiblemente, de Motörhead, no se formó el día de Navidad, pero su primer viaje fuera de California (para residir en New York), lo hizo un 1 de abril que, en la Unión Americana, es el Día del Tonto. Estando allá, en la otra costa, fue cuando una mañana, James Hetfield y Lars Ulrich, despertaron a (Dave) Mustaine, para informarle que estaba fuera del grupo. Casi inmediatamente llegaba (Kirk) Hammett, melodioso alumno de Joe Satriani. En 1984, la gira Seven Dates of Hell, los convirtió en teloneros de Venom, reyes del black metal y otro de sus santos de adoración. Luego vendría la muerte de Cliff Burton, su bajista, y la llegada de Jason Newsted. Lo demás es historia conocida, incluido su disco más lóbrego ...And Justice for All.

Rob Zombie. Sin pelos en la lengua.

No sabría cómo definir la música de Rob Zombie. Lo cierto es que con él, hablamos de una nueva generación de rockeros sin pelos en la lengua (solo en la lengua). La Sexorcisto: Devil Music, Vol. 1, fue su Big Break, en 1992, cuando aún andaba con su banda, White Zombie, la que había formado en New York en 1985. Años después, cuando decidió una carrera solista, lanzó un disco con temas como "Living Dead Girl" y "Dragula" ("Superstition, fear and jealousy"), que lo mantuvo en el mismo sendero, entre lo oscuro e industrial, entre lo metálico y gótico, no sé. Pero siempre fuerte y claro. Zombie, también, ha escrito películas como the Werewolf Women of the S.S., y, recientemente, The Haunted World of El Superbeasto, las que no parecieran muy santas.

Non-Sancto Marilyn Manson. Video de "Rock Is Dead".

Los Angeles ha sido cuna de muchos engendros del rock. Uno de ellos es Marilyn Manson, una especie de no sé qué, que, a punta de huevos, se hizo un nombre dentro de la bien poblada ciudadela del rock. Cuando hace ya mucho tiempo vimos por primera vez su foto, lo primero que se nos vino a la mente fue, "copión del diablo". Y, claro, aunque nada es nuevo bajo el sol, Manson tuvo que -al igual que Alice Cooper- saturarse de maquillaje y, como si no fuera suficiente, adoptar un nombre de mujer. Así, parecíase más al original. Y, como ninguno de los dos canta muy bonito, su semejanza fue aún mayor. Sin embargo, Manson, a pesar de los veinte años (de adelanto) que lo separa de Cooper, llegó un poco más lejos con su mensaje obsceno, el que lo ha ahuyentado de más de un escenario, seguramente, manejado por fariseos e hipócritas. Yo lo ví y me gustó. Con su Antichrist Superstar o no. Y me gustó mucho más de lo que me hubiera imaginado. Por lo menos, con la cruz en el pecho, o detrás de su escenario, lo veo más sincero y real, que el mismísimo Papa cuando baja del avión en Brasil, con una cruz tan grande, cuyo brillo molesta.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de mayo de 2007

El retorno de Cream

LA CREMA Y NATA DEL ROCK

Parece un hecho más que un rumor. Ayer, Jack Bruce, a decir de muchos, el músico que, con su bajo, revolucionó el sonido del rock, dijo que es muy posible que la reunión con sus ex compañeros Eric Clapton y Ginger Baker, sea toda una realidad.

Clapton, Bruce y Baker: Cream en plena psicodelia.

(FOTO: PP/Star File Photo Agency).

La Crema, como era presentado en una radio de Lima, por el otrora disc jockey Enrique Llamosas, podría volver a ver la luz muy pronto de acuerdo a lo que anunció hoy el bajista escocés a la agencia Associated Press. Bruce, de 64 mayos, hace menos de dos semanas, dijo que era casi imposible la reunión de Cream debido a la relación entre él y el baterista Baker. Como es usual, el buen y tranquilo Clapton, no fue parte del problema.

A propósito de Clapton y las reuniones, el sábado último, mientras yo tomaba la autopista rumbo a San Francisco, el legendario guitarrista -luego de más de veinte años-, se volvía a parar en un escenario al lado de su amigo y ex compañero de Blind Faith, Steve Winwood. Sucedió en el Castillo de Highclere, en Hampshire, y revivieron juntos, entre otras joyas, "Presence Of The Lord", "Had To Cry Today", y mi favorita, "Can't Find My Way Home". También, "Gimme Some Lovin'", tema de la Spencer Davis Group, con el que, en 1967, Steve Winwood, con apenas 19 años de edad, se dio a conocer al mundo, mientras Mr. Slowhand, formaba parte del poderoso Cream.

Imagen de 2005 que podría repetirse. (FOTO: Jane Mingay/AP).

No hace mucho, también, Clapton dijo que este año en su Crossroads Guitar Festival de julio, tiene planeado hacer "algo" con Winwood, pues ambos tienen "un negocio pendiente" el cual nunca concluyeron. Hmmmm... Algunos suponemos que se refería a Blind Faith, acaso el primer súper grupo de la historia del rock, de muy corta duración. No obstante, nadie ha confirmado una reunión del cuarteto, el que completaron Baker y el desaparecido bajista Ric Grech.

En cuanto al posible convite de Cream, tampoco ha sido confirmado por los representantes, ni de Clapton ni de Baker. Esa podría ser la nata de todo este cuento.

Javier Lishner
Santa Clara, California
25 de mayo de 2007

¡QUÉ BUENA COPIA!

"With A Little Help From My Friends", según los libros, es la primera canción cuyo cover (o, copia), llegó a número 1 antes de la versión original. Y, el mérito de Joe Cocker no fue tan sencillo. Lo hizo con un tema de los Beatles, nada menos... y con la ayuda de algunos de sus amigos como B.J. Wilson en batería y Jimmy Page en guitarra. Bueno, Cocker desde siempre se caracterizó por ser un buen intérprete, pues temas de su puño y letra casi no se le conoce. Pero, qué buen intérprete.

Joe Cocker with a little help from the Beatles. Woodstock 1969.

Otro que hizo una muy buena versión de uno de los temas de Lennon y McCartney fue Aerosmith. Con Steven Tyler y Joe Perry a la cabeza, la banda de Boston logró un muy buen resultado en 1978 con "Come Together", el que fue parte de la película Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. El tema original había comenzado a ser escrito para ser parte de la campaña de Timothy Leary en su frustrado intento de llegar a la Gobernación de California, antes de ser enviado a la cárcel por posesión de eso que hoy cualquiera fuma.

Otro tema cuya versión pudo haber superado al original de John Sebastian fue, "Darlin' Be Home Soon", por el grupo Slade. La canción interpretada por el cuarteto inglés de Midlands vió la luz en 1972, como parte del popular álbum rojo, Slade Alive! El conjunto -que años más tarde recibiría de su propia medicina cuando Quiet Riot le copió dos temas que rebasaron, por lo menos en popularidad, a sus propias interpretaciones-, ya había grabado antes, en su primer disco, una canción muy difícil de superar: el "Born To Be Wild", de Mars Bonfire, que fue himno en la voz de John Kay y el grupo Steppenwolf.

Creo que la versión de "Live and Let Die" en la interpretación de Guns N' Roses no fue la mejor. Y es que la grabación original, de manos y voces del señor McCartney, estuvo tan bien realizada que pocos se hubieran atrevido a intentarlo. Pero Axl y el grupo lo hicieron, logrando solo el incremento de ventas de los discos del zurdo cantautor. Sin embargo, la versión que hicieron del clásico "Knockin' On Heaven's Door", de Bob Dylan (quien hoy está de cumpleaños), fue, en mi opinión personal, muy bien lograda.

"Dancing In The Street" de Marvin Gaye grabado por Martha & the Vandellas.

A Van Halen también le ligó el "Dancing In The Street" que, más de una década antes, en 1964, habían popularizado Martha & The Vandellas. La canción escrita por Marvin Gaye y un par de colegas más, también la grabaron David Bowie y Mick Jagger, y the Mamas & the Papas, y Brenda Lee, y the Everly Brothers, y the Carpenters, y Neil Diamond, y the Grateful Dead, y Derek & the Dominoes, y the Kinks, y the Who, y creo que Queen, y hasta Matt Bianco.

Y como estas, existe un sinnúmero de composiciones que fueron producidas luego de la versión original. Muy pocas, la superaron y, la mayoría, no. Pero eso queda a criterio de cada uno. Creo que temas como "American Woman", "Bohemian Rapsody", o "Smoke On The Water", por citar solo tres clásicos ejemplos, son difíciles de superar a la original, aunque ya algunos hicieron la prueba. Respectivamente, Lenny Kravitz con el tema de los Guess Who; el propio Queen con la voz de Paul Rodgers, y, antes, el mismo Deep Purple, con la voz de David Coverdale, quien llegó en 1973 para reemplazar a Ian Gillan.

"Born To Be Wild". Los payasos de Slade imitan a Steppenwolf.

De todos los temas que alguna vez escuché, "My Way" o "Yesterday", han de estar entre los que mantienen un alto récord de interpretaciones, lo que en el mundo de la industria fonográfica se llama: llenarse los bolsillos con las regalías. Pero, tanto Paul Anka, quien escribió "My Way" (la melodía pertenece a un tema francés titulado "Comme d'habitude"), como Lennon y McCartney por "Yesterday", bien merecido que lo tuvieron.

Aunque es posible que nada supere las innumerables versiones de "Happy Birthday", y no me refiero a la compuesta por John y Paul, ni la de Stevie Wonder, sino a aquella que hoy le cantarán al gran Bob Dylan.

Javier Lishner
Santa Clara, California
24 de mayo de 2007

Cuarenta años después
TEN YEARS AFTER

Hoy, mientras volvía a casa, finalmente, escuché una hermosa canción de Ten Years After, reconocido y viejo cuarteto inglés. "I'd Love To Change The World" se convirtió en uno de sus mejores temas, y el más popular, a mediados de 1971. Perteneció al disco A Space In Time. Y me dije, hasta que al fin alguien se atrevió a tocar a Ten Years After.

"I'd Love To Change The World".

Creo haber sido afortunado al haber tenido la oportunidad de vivir los tiempos que siguieron a la psicodelia. Ten Years After fue una de aquellas piezas que, habiendo nacido en pleno furor de la llamada generación del amor (1967), pudo extenderse hasta la siguiente década, cosa que a otros -como Jimi Hendrix o Janis Joplin-, le fue negado.

Ten Years After fue una de esas bandas que se mantuvo incólume, con sus cuatro originales miembros: Alvin Lee, en guitarra y voz; Leo Lyons, en bajo; Chick Churchill, en teclados, y Ric Lee, en batería. Casi desde sus inicios, en el Windsor Jazz Festival de 1967, fue uno de los grandes números en los eventos al aire libre de aquella época. Más tarde sería puntal de Woodstock, en agosto del 69, en donde su versión de "I'm Going Home" se convirtió en himno. Al año siguiente participó en el acontecimiento que -junto a la muerte de Joplin y Hendrix-, cerraba toda una era: El Festival de la Isla de Wight.

Gira con T. Rex, aún Tyrannosaurus.

Entre sus discos, destacaron Ssssh (1969), Stonedhenge (1969), Cricklewood Green (1970) y, A Space In Time (1971). Recuerdo mucho el Positive Vibrations, aparecido en 1974, que no tuvo una gran acogida y que, seguramente, se convirtió en el último antes de su separación, la que dejó una huella muy grande. Alvin Lee, abríase paso solista para seguir guitarreando por los caminos del rock y el blues. El conjunto, que como muchos otros de su generación (incluidos los Beatles), había echado raíces en la ciudad de Hamburgo, volvería a juntarse en los ochenta, también como muchos otros, sin el mismo éxito obtenido antaño. Entre tanto, Lee, a fines de los setenta, había hecho realidad el proyecto Ten Years Later, y la Alvin Lee & Co.

LA CUERDA DE SU GUITARRA
Ahora más que nunca recuerdo a Claudio Pianca, el suizo que conocí en el Perú de 1989, dueño de un bar llamado El Pub Suisse, donde tantas noches limeñas pasé escuchando y viendo música, y, también, al estilo Keith Richards, haciendo algunas cochinadas. Una de esas noches, emocionado, Claudio me contó sobre la tarde aquella en que, en la granja de Max Yasgur, al lado de su padre, pudo ver a Ten Years After, el 17 de agosto de 1969. Y, al final de su show, el día de la tormenta, cuando Alvin Lee decidió compartir las cuerdas de su guitarra entre el medio millón de asistentes, a Claudio le tocó una. Esa fue la tarde en que Ten Years After pasó a la historia.

Ten Years After.

En la actualidad, los otros tres miembros, Lyons, Churchill y el Lee baterista, continúan con la banda al lado del joven guitarrista y cantante Joe Gooch, quien hace lo mejor para hacer olvidar a ese dios de la viola que un día fue considerado "el guitarrista más rápido del mundo". Y, claro, los Van Halen, Satrianis y Vais, aún andaban yendo a la escuela y, posiblemente, con un chupete entre sus manos. Mientras, en las manos de Alvin Lee, ya se asentaba su clasica Gibson ES-335 roja, con la que se convirtió en leyenda.

Un aplauso para Nikki Blakk de 107.7 The Bone, por transmitir a un grupo que muchas de las demás emisoras, so called classic rock, se olvidaron para siempre.

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de mayo de 2007

Rock rock till you drop

SOBRE SWEET Y EL GLAM ROCK

En 1974, Fanny Adams fue uno de los primeros discos que adornó mi colección personal. "The Ballroom Blitz", uno de sus surcos (solo en la edición peruana), había sido un tremendo éxito en las radios de música moderna en Lima, y, el nombre del grupo, Sweet, comenzaba a apoderarse por un corto tiempo de nuestra memoria. Fanny Adams debe haber sido el álbum que más veces escuché mientras seguía aprendiendo que había otras bandas y solistas que, bajo la denominación de glam rock, iban haciendo música popular.

Carátula del Fanny Adams de Sweet. 1974.

Entre ellos estaban, Slade, T. Rex, David Bowie, Rod Stewart, Alice Cooper y, muy cerca, incluso, el grupo Queen, que estaba listo para impulsar lo que, con su granote de arena, se denominaría el rock ópera. Claro, nadie antes de Pete Townshend para haber creado esa clasificación con su obra Tommy. Pero, The Who, no pertenece a esta historia, a pesar de que parte de la influencia del glam, tuvo mucho qué ver con los Mods, de los cuales, The Who, había sido el más importante. Otros, por ejemplo, fueron the Small Faces.

[SWEET] Fue un cuarteto formado un poco antes de 1970. Sus orígenes incluyen al futuro vocalista de Episode Six y Deep Purple, Ian Gillan. Aún no se llamaban Sweet pero sus integrantes, sin incluir a Gillan, fueron el núcleo del futuro grupo. La primera canción que escuché de ellos en la radio, aunque con poca intensidad, fue "Poppa Joe", en 1971. El tema, simple y de fácil tonada, era uno de los escritos por el dúo que conformaban Nicky Chinn y Michael Chapman. Pero no fue hasta el afamado "Ballroom Blitz", en que le presté atención a la banda. "Alboroto en el salón de baile", como se le conoció en la capital peruana, también fue escrito por Chinn y Chapman.

[GARY GLITTER] Es, tal vez, el primer nombre que recuerdo de la corriente del glam. Canciones como "Rock and Roll (Parts I and II)", "I Love You Love Me Love" y "I'm the Leader of the Gang (I am)", del que, en su momento, adquirí el disco simple (y también lo escuché un millón de veces), fueron algunas que transmitieron las radios musicales de la época. Gary Glitter fue símbolo de idolatría, la cual se fue derrumbando con el paso de los años y, terminó de caerse, luego de verlo acompañando a The Who en su obra cumbre, Quadrophenia, cuando en 1999 se destapó su relación con pornografía infantil, entre otras perlas más.

Gary Glitter, ¿Rey del Glam?

[SLADE] Fue uno de esos grupos que nunca escuché en la radio. Ni siquiera en los programas de Gerardo Manuel, quien siempre llevó la batuta en esto del rock. Tampoco en los de Diana García, la inolvidable Diana, de quien recuerdo como si fuera ayer, la energía con la que presentaba a Suzi Quatro; no obstante, nunca le escuché a Slade. Afortunadamente, tuve entre mis compañeros de escuela, un grupo al que nos unía la pasión por la música. Y, así, entre ellos, y con el apoyo de uno de mis hermanos mayores que había obtenido el disco En Vivo, pude conocer y escuchar las producciones de este cuarteto inglés. Slade tuvo mucho impacto en Europa, principalmente en Alemania, más no en el Norte de América. Slade In Flames fue su película de 1974.

[SUZI QUATRO] Positivamente, la primera artista femenina de rock que, mucho antes de las Joan Jett y compañía, vi con instrumento eléctrico en mano. Suzi Quatro también rondó por los senderos de Sweet, Glitter y Slade. Con populares canciones como "Can The Can" y "The Wild One", las que conocí gracias a Diana, se impuso a mediados de los setenta. Catapultó su fama saliéndose del libreto, con una balada cantada con Chris Norman (del grupo Smokie), en 1979, y titulada "Stumblin' In". La Quatro fue descubierta por Mickie Most, el mismo señor que llevó de la mano a Sweet. Por esas cosas de la vida, la cantante y bajista estadounidense, al igual que el grupo inglés, salió del anonimato con canciones de Chinn y Chapman.

Slade en vivo.

[T. REX] Podría haber sido el nombre más honesto de todos los que poblaban la industria fonográfica por esos días. T. Rex, formado alrededor de 1968, tenía en su imagen a un bajito llamado Marc Bolan. Este era -como John Lennon-, guitarrista, cantante y compositor. A la postre, anduvo en el círculo de amigos del propio ex-Beatle. Y hasta coincidieron en su temprana partida. Uno por accidente automovilístico, en 1977, y el otro por una acción de un enajenado mental, tres años después. A pesar de su popularidad, fueron muy pocos los temas del glam rock que llegaron a número uno. "I Love You Love Me Love" de Gary Glitter fue uno de ellos y, "Bang a Gong (Get It On)", de T. Rex, fue otro. Con esa canción, justamente, es con la que supe de Marc Bolan y T. Rex, en 1971.

El glam fue una vertiente del rock, conocida por su éxito comercial (bubble gum, chicle o música fresa, como le llaman en México), el glamour que derrochaban sus exponentes, y, por la ambigüedad en el sexo (lo andrógino). Las ropas femeninas y el maquillaje utilizados por hombres fue parte de eso. En el caso de Suzi Quatro, fue lo opuesto. Los pantalones de cuero, la pose y el instrumento colgado. Las viejas fotos de Bowie o Alice Cooper, o los ojos de Marc Bolan, lo dicen todo. El glam fue también conocido como Glitter Rock.

"Love Is Like Oxygen" fue el tema más popular de Sweet. Cuando andaba en su apogeo, en 1978, la fiebre punk ya había arrasado los pocos vestigios que el rock progresivo le había dejado. Y, Brian Connolly, Steve Priest, Mick Tucker y Andy Scott, sus cuatro miembros, solo pudieron ponerse del lado más pop. El glam, con el paso de los King Crimson, Emerson, Lake & Palmer y Yes, el nacimiento del punk, el éxito de la música disco y la muerte de Marc Bolan, había cerrado su ciclo.

Javier Lishner
Santa Clara, California
19 de mayo de 2007

La Reunión Acústica

RICK AND ROLL: A propósito de su cumpleaños

Reunión Acústica fue el nombre de mi primer programa de radio, en 1980. Y, una parte del disco Journey to the Centre of the Earth, de Rick Wakeman, fue la musicalización que utilizamos para identificar al nuevo espacio. Sin su permiso, por cierto.

Como buen seguidor de Yes desde los años setenta, Wakeman, fue siempre uno de esos artistas favoritos. El rubio teclista fue quien había reemplazado a Tony Kaye en Yes, en 1971. Hoy lo recordamos en el quincuagésimo octavo aniversario de su natalicio. El afamado músico vegetariano cumple un año menos que su colega Steve Winwood, otro que, como él, ingresó a las grandes ligas desde muy joven. Winwood con the Spencer Davis Group y, Wakeman, al lado de David Bowie.

La foto corresponde a septiembre de 1993. Happy 58th Birthday, Richard Wakeman.

Javier Lishner
Santa Clara, California
18 de mayo de 2007

Bo Diddley

LEYENDA DEL ROCK EN CUIDADOS INTENSIVOS

En 2006, Bo Diddley en Praga

No es la primera vez que ingresa a un hospital, pero, en esta oportunidad, no fue por su larga historia médica de diabetes e hipertensión. Bo Diddley, legendaria figura del blues, guitarrista, cantante y compositor, se encuentra hospitalizado en cuidados intensivos, en un centro médico de Omaha, Nebraska, el famoso lugar de los steaks.

La parálisis de una parte de su cerebro, el área izquierda, le ha impedido comunicarse verbalmente. Una de sus representantes dijo a la agencia Reuters que Diddley fue internado el domingo en la noche luego de una presentación en Council Bluffs, Iowa, en la que "actuó desorientado". Ni la fuente ni los médicos del hospital están en condiciones de dar mayor información sobre el estado del músico de 78 años de edad.

Deseamos la pronta recuperación del creador de tantos temas, entre ellos, "You Can't Judge a Book by Its Cover", "Pretty Thing" (de donde tomó el nombre el grupo londinense de los sesenta), y "Who Do You Love?", que muchos le han interpretado. Desde los Doors y Bob Seger, hasta Quicksilver Messenger Service y Ronnie Hawkins.

El popular "Originator", como también es conocido, pudo haber sido boxeador de no haber virado su carrera a otra que le dió mucho más que golpes.

Javier Lishner
Santa Clara, California
16 de mayo de 2007

La historia de siempre

EL HERMANO MAYOR

Sería principios de 1972 cuando, una tarde de fin de semana, fui llamado por mi hermano mayor a su habitación para escuchar una canción la que me presentó diciéndome: "Después de la separación de los Beatles, este es el grupo número uno del mundo...". Como quiera que yo aún no comprendía a cabalidad lo que significaba "la separación de los Beatles", el impacto de la frase se me hizo, incluso, más interesante. Tenía que empezar por descubrir quiénes eran los Beatles, para luego entender a esos Emerson, Lake & Palmer, a los que se refería mi hermano.

Foto promocional de Emerson, Lake & Palmer a principios de los setenta. Bueno, Emerson, Palmer & Lake.

Al poco tiempo, el disco Trilogy llegó a la casa y, desde ese preciso instante, se convirtió en una de las más respetadas placas de nuestra aún incipiente discoteca de "música moderna". La compró mi hermano. Como quiera que, por mi corta edad, aún no tenía muy definida mi línea musical, opté por el camino más fácil, siguiendo, como se dice, sus pasos. Poco tiempo después, llegaba yo, muy orondo, con otra placa bajo el brazo, del mismo trío británico que aquella tarde me había cautivado con el tema, "From The Beginning". La composición de Greg Lake, una extraordinaria melodía acústica, se difundió en las emisoras limeñas de la época, más en Miraflores que en Atalaya, ambas, en Amplitud Modulada. Las dos, next to each other, como se diría por estos lares. Miraflores, "la radio chiquita de corazón grande", en el canal 1250, y, a su costado, en los 1300 del dial, Atalaya, la radio de "la nueva generación".

There might have been things I missed
But don't be unkind
It don't mean I'm blind
Perhaps there's a thing or two
I think of lying in bed
I shouldn't have said
But there it is

- From The Beginning, 1972

Con el perdón de Rick Wakeman, a quien he admirado casi desde que escuché sus primeros discos, siendo, por ejemplo, una parte de su Journey to the Centre of The Earth, la cortina musical de mi primer programa de radio (Reunión Acústica), en 1980; decía, con el perdón de Mr. Wakeman, debo decir que Keith Emerson y todo lo que hizo por esos días, fue como una tormenta en mi aún inocente intelecto. Eso, sumado a mi profesor de Educación por el Arte que, en la escuela, en horas de clase, nos hizo escuchar el Pictures at an Exhibition y realizar una crítica.

Trilogy. Afamado disco de 1972.

Brain Salad Surgery, fue el título del disco con el que me presenté en la casa uno de esos días de 1973 en que acababa de recibir la propina sabatina. Después de conseguirme las letras, me lo aprendí de memoria. El disco, además, fue muy popular entre los amigos del colegio, quienes ya empezábamos a intercambiar información un poco subterránea dado que, en el Perú, eran tiempos de gobierno militar pro soviético que impedía la importación de discos de rock en el idioma de Richard Nixon, quien, en plena guerra fría, dirgía los destinos de la Unión Americana.

En esa placa, la quinta en la carrera de ELP, hubo específicamente una canción, de la pluma del argentino Alberto Ginastera (1916-1983), cuya versión del trío, con arreglos de Keith Emerson, me rompió el coco. Se llamaba "Toccata", y la escuché un millón de veces en el recientemente adquirido tornamesas Garrard. Entretanto, a todo volumen y con los ojos cerrados, en stéreo, me iba imaginando a ese cura persiguiendo a las monjitas mientras -al ritmo de la música-, el cura subía las escaleras exteriores del convento, monasterio o algo así, atrapándolas en el campanario. Coincidentemente, Palmer, en la grabación, le pegaba dos veces al gong, ese inmenso disco de metal, que sonaba a campana, y que siempre tenía detrás de su imponente instrumento, la batería.

Sin ir muy lejos, si ustedes levantan la mirada a la presentación de este blog, se darán cuenta que ese Welcome back my friends to my blog that never ends, I'm so glad you could attend. Come inside! Come inside!, es solo una parodia a una de las canciones del Brain Salad Surgery que dice lo mismo, con la inclusión de la palabras the show, en vez de my blog, que fue mi "aporte". Como si fuera poco, la cortina musical de mi último programa de radio, al cual hago mención en mi nota anterior -publicada hace dos días-, fue también de ELP, aunque compuesta por Henry Mancini, el célebre "Peter Gunn".

[DESDE EL PRINCIPIO] Emerson, Lake & Palmer, fue formado luego de que el teclista, Keith Emerson, dejara de lado una oferta de un guitarrista norteamericano llamado Jimi Hendrix, para formar juntos una banda. Emerson era el líder de Nice, para muchos, el grupo pionero de toda la onda progresiva que le siguió, entre otros, con Genesis, Yes, el propio ELP y King Crimson. Justamente, de este último, llegaba el cantante y guitarrista, Greg Lake, quien había grabado los dos primeros discos de Crimson, con el genio-loco Robert Fripp, quien, dicho sea de paso, merece un lugar muy especial en la historia de la música. Sus creaciones futuristas y su adelanto en la parte tecnológica, le deben mucho. Lake conoció a Emerson, aquisito nomás, en San Francisco, cuando su grupo, King Crimson, compartió el cartel con The Nice. Carl Palmer, el último tercio de la banda, a su vez, llegó de un grupo llamado Atomic Rooster, del que también fue miembro Vincent Crane, su ex-compañero en the Crazy World of Arthur Brown.

Y pensar que tú y tu música me destronaron, pareciera estar pensando Keith Emerson al ver a Johnny Lydon, vocalista de los Sex Pistols.
(FOTO: Keithemerson.com/Marzo 2006).

El pasado domingo, mientras veleteaba por las calles de Santa Cruz, se me ocurrió meterme en una discotienda de esas que no son muy populares pero que, algunos lo sabemos muy bien, son donde se encuentran esos discos especiales que las otras no tienen. Y, en la sección DVDs, me topé con el video del feroz debut del trío, en el festival de la Isla de Wight (26-30 de agosto de 1970). Rompieron. ¡Qué grupazo!, por más de lo que opinó, en aquella época, John Peel.
Creo, después de todo, que afortunadamente Emerson no aceptó la oferta de Hendrix, porque, posiblemente, ya se hubiera muerto.

Solo la llegada de la música punk, con los Sex Pistols y compañía, a mediados de los setenta, les pudo quitar el trono por el resto de sus días. God Save ELP... and my Big Brother.

Javier Lishner
Santa Clara, California
10 de mayo de 2007

El Gusano Eléctrico

ALGO MÁS QUE MÚSICA FRESA

Kola Inglesa es una bebida gaseosa que, a pesar de su nombre poco original, paradójicamente, es hecha en el Perú. El último sábado la ví en botella de vidrio, por primera vez desde que dejé el nido hace ya más de una década. En horas de la noche, aunque muchos que me conocen no podrían imaginar, quedé beodo con ella mientras preparaba mis cosas para ir al día siguiente a Santa Cruz, tranquilo balneario a 30 minutos de la Capital del Silicon Valley.

"La Chaposa más sabrosa".

La información que provee el envase es mínima. Lo novedoso es que, al igual que la Inca Kola que, cuando llegó al Norte de América, le agregaron "The Golden Kola", a esta, que es de color rojo, le han agregado "The Red Kola".

Mientras bebía y bebía, y, como los peces en el río, volvía a beber, aparte de recordar momentos de mi niñez cuando en las fiestas de la infancia era un refresco muy popular en las mesas (es sabido que el color rojo y el sabor a fresa atrae mucho a los niños), también tuve remembranzas de mis últimos años en la radio de Perú, cuando, del 92 al 94, fue el principal auspiciador de mi programa en los 96.1 del dial, Miraflores FM.

Conducía por esos días, El Gusano Eléctrico (no confundir con "El Tren Eléctrico", ese elefante blanco con DNI que ofreció García Pérez a mediados de los ochenta y que dejó inconcluso hasta hoy). El Gusano Eléctrico iba de 3 a 5 de la tarde, inmediatamente antes del clásico Tú, yo y mis discos de Diana García, la maestra de todos.

UN COMERCIAL Y REGRESO
Kola Inglesa fue el leal patrocinador de El Gusano Eléctrico, el que salió al aire por última vez el 8 de junio de 1994. Y nunca tuvo ingerencia en la programación del mismo. La botella y la bebida me provocaron escuchar la emisión y, cual doctor Tony Newman, me transporté en el túnel del tiempo. Las canciones que difundimos al aire aquella tarde limeña, luego del comercial de Kola Inglesa, fueron:

1. The Life Of Riley - LIGHTNING SEEDS
2. Meet The Flintstones - BC 52's
3. Say Something - JAMES
4. Stay (Live) - U2
5. Fast Car - TRACY CHAPMAN
(Comerciales)
6. Under The Same Sun - SCORPIONS
7. The Calling - YES
8. Substitute - THE RAMONES
9. You Can Be Sure - PETER FRAMPTON
10. Kiss Me, Deadly - LITA FORD
(Comerciales)
11. Cleopatra's Cat - SPIN DOCTORS
12. Love Shack - B-52's
13. Take It Back - PINK FLOYD
14. Mr. Jones - COUNTING CROWS
15. Crazy - AEROSMITH
(Comerciales)
16. Girl In A T-Shirt - ZZ TOP
17. We Hate When Our Friends Become Successful - MORRISEY
18. Oblivion - DEVOLVISION
19. 10 Miles High - LITTLE ANGELS
20. Rocks! - PRIMAL SCREAM

Como verán, se transmitía un poco de todo. Y cómo pasa el tiempo, no? Opine usted. Hic! Hic!

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de mayo de 2007

KEITH RICHARDS: El eslabón viviente del rock

Personajes del rock ha habido muchos pero, a saber, ninguno como el de la foto. Es el mismísimo Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones que, un día como hoy, en 1965, en Clearwater, Florida, despertó y encontró compuesto el riff de una canción que, luego, su grupo, llamó "(I Can't Get No) Satisfaction". Dicen las malas lenguas (incluída la de él), que encontró la melodía en su grabadora.

La noche anterior, el conjunto, que aún no era popular en los Estados Unidos, había actuado en el Jack Russell Stadium, interpretando solo cuatro temas de su incipiente repertorio. Eran tan desconocidos que la prensa llamaba Jaggert a Jagger, y Richard a Richards. Cinco días después, el vocalista, Mick Jagger, ya le había puesto letra.

Da, da, da-da-daaa da-da-da. El riff en cuestión

Qué habría estado haciendo usted, Mr. Keef, en su habitación del Hotel Fort Harrison. Si tan solo pudiera darnos la fórmula. Tengo tantos amigos músicos que estarían interesadísimos en hacer lo que sea durante la noche, con tal de levantarse temprano y encontrar un riff como ese compuesto en sus grabadoras (FOTO: Tomada del sitio de Blue Lena)

* "(I Can't Get No) Satisfaction", en muchas encuestas a través de los años, ha sido considerada la canción más popular en la historia del rock and roll. Unas veces después de alguna de los Beatles, otras veces, antes de alguna de Aretha Franklin.

Javier Lishner
Santa Clara, California
6 de mayo de 2007

KIMBERLY: Do Ya Think I’m Sexy?

She was born while Daddy was married to Alana and still having big time with "Do Ya Think I’m Sexy?" It was during the summer of '79. Her name is Kimberly Stewart, born in Holmby Hills, California.

Kimberly, who is a professional model (like Mommy used to be), has also her own clothing line. She plays the piano and violin, and I heard that she is currently taking singing lessons.

Don't be surprised if anytime soon, you see a CD with her name on it in your favorite record store... and some lingerie around.

* Do ya know? A plagiarism lawsuit by Brazilian singer-songwriter Jorge Ben Jor confirmed that Daddy's song was derived from Ben's composition "Taj Mahal". After the lawsuit, Daddy agreed to donate all his royalties from the song to UNICEF. The international hit was co-written with drummer Carmine Appice, elder brother of Vinny, drumboy for Heaven and Hell, which I saw last week.

Javier Lishner
Santa Clara, California
May 4, 2007

En el recuerdo

JAMES BROWN: La música en el alma

James Brown y señora, en el Alexandra Palace, a su llegada al UK Music Hall of Fame 2006

El 25 de diciembre del año anterior, en el blog, escribimos una nota con motivo de la desaparición de James Brown, mítico personaje en la historia de la música popular estadounidense. Hoy, Mr. Dynamite, como también se le conoció, hubiera celebrado un año más de vida.
Posiblemente, en algunos lugares de la Unión Americana se le rendirá merecidos homenajes a quien durante cinco décadas -como cantante, compositor, productor y hasta bailarín-, supo cautivar audiencias, por más rompecabezas personales y líos en los que estuvo metido.
El recuerdo para un grande, en el séptimo cuarto aniversario de su natalico.

Javier Lishner
Santa Clara, California
3 de mayo de 2007

NOTA RELACIONADA: MURIÓ JAMES BROWN, EL PADRINO DEL SOUL

A propósito de Foreigner
LOU GRAMM: UN AÑO MÁS

Fundador de la banda neoyorquina de blues Black Sheep, como todo buen cantante, admirador de Paul Rodgers, y uno de los miembros originales de Foreigner, Lou Grammatico, conocido en el mundo social del rock como Lou Gramm, se desenvuelve localmente con su propio grupo, mientras su ex-banda (a la cual dedicó 27 años de su vida), hace lo mismo por el mundo, con su reemplazante, once años menor que él.

Peso pesado del rock. Lou Gramm solista en 2004 (PHOTO: Andy Knoll)

"Feels Like The First Time", "Dirty White Boy" y "Waiting For A Girl Like You", o su solista "Midnight Blue", son canciones en la que se reconoce su poderosa voz.
Ayer, Edgardo Canal, un viejo amigo de la radio en Perú, escribió en el blog que, "Foreigner ya no es lo mismo sin Lou Gramm". Yo agregaría además que, Gramm, ya no es lo mismo sin Foreigner. Lo positivo es que el vocalista, quien al igual que Mick Jones un día también accedió a tomarse una foto con el suscrito, superó el problema de un tumor en el cerebro que, aunque no era cancerígeno, tampoco era saludable para su integridad física.

Al frente de Foreigner durante los días de gloria

Celebrando sus tres primeras décadas desde que sucumbió en el showbiz internacional, Lou Gramm continúa su ya larga carrera actuando en hoteles, casinos y pequeños festivales. Su banda solista incluye a dos de sus hermanos y ex-miembros de su antiquísima banda Black Sheep. Happy Birthday, Jukebox Hero.

Javier Lishner
Santa Clara, California
2 de mayo de 2007