Rómulo León Alegría
"EN NUESTRO PAÍS HAY MUCHA DESCONFIANZA"

El sentenciado Rómulo León Alegría, principal implicado en el caso del escándalo petrolero que ha involucrado a altas esferas del gobierno peruano, hace declaraciones en entrevista de Frecuencia Latina.

"Entonces yo seguía la cuerda en unas conversaciones con Quimper, irresponsables, adjetivadas... y yo le seguía la cuerda como seguramente él me la seguía a mi. Dentro de audios que si usted los pone en el plano coloquial, todos debemos reconocer que así lo hacemos. Pero si usted los pone en la televisión, para el país entero resultan siendo un disparate", dice.

Después de ver esto, me apena la familia. A Romulito lo sacaron del trabajo y no tiene con qué pagar su departamento ni su camionetita nueva. A la pobre Lucianita la han estigmatizado... y él, cuando salga de la cárcel, ¿en qué va a trabajar? ¿quién le va a dar la mano?

Cuando salga de la cárcel váyase a Hollywood, que, actuando o escribiendo guiones, se puede ganar la vida. Porque lo hace muy bien. Además, tengo un contacto que está buscando actores para la nueva versión de El Flautista de Hamelin. Aunque, con esos lagrimones, más rápido podría conseguir trabajo en Bollywood. Allá en la India, estaría más lejos de todos nosotros. Y posiblemente nadie lo volverá a llamar rata.

¿Y los emails? También eran adjetivados y de manera coloquial?

Javier Lishner
Santa Clara, California
30 de noviembre de 2008

La Dinastía Jethro Tull
EL REY IAN ANDERSON DE ESCOCIA

Cómo se puede hacer una recopilación de temas y ponerlos en un disco, si cada uno de esos temas forma parte de una obra conceptual. Es como crear un híbrido, que solo el comercio puede producir.

Ian Anderson, el Rey de Jethro Tull en 1975. (Póster revista Pop).

Así pienso ahora, pero no en 1976 cuando uno de mis hermanos llevó a casa el primer álbum de Jethro Tull que formó parte de la colección. Ese hermano fue el mismo que un año después compraría en el exterior un disco de Kin Ping Meh. En el Perú, el álbum en cuestión se llamó Lo Mejor de Jethro Tull. Creo que los genios de la disquera local tuvieron la feliz idea de cambiar la carátula original del disco (un poco simplona) y hacerla más atractiva, al menos para nuestro mercado. Le colocaron la imagen a todo color de su líder máximo (y rey absoluto de la flauta), Ian Anderson. Debo haber escuchado el disco un millón de veces hasta que me tocó, por mis propios medios, llevar el Volumen II; otra recopilación, la que no tuvo tanta acogida como el primero... ni una foto a color en portada.

Por esos días, un compañero de clases había obtenido el Too Old to Rock 'N' Roll: Too Young to Die!, de 1976, y, junto a algunos otros de Emerson, Lake & Palmer y David Bowie (todos importados de los Estados Unidos), organizábamos encerronas en las que, en su equipo al que él orgullosamente llamaba "octofónico", tocábamos todos los discos a alto volumen. Por ahí también andaban el Wings Over America, y, A Day At The Races, de Queen. A través de los años, algunas de esas pre-históricas placas, finalmente, pasaron a mi propiedad.

Creo haber escuchado por primera vez con atención a Jethro Tull en 1974, cuando alguien trajo a la casa el Thick As A Brick y, por el mimso tiempo, el Fish Out of Water de Chris Squire. Aunque aún tengo en la memoria la carátula del Stand Up -el segundo del grupo-, puesto en el estante de la discotienda a la que iba corriendo a comprar mis discos. El Stand Up apareció en versión nacional pero, por alguna razón, nunca lo obtuve.

[MR. TULL] Ian Anderson nació en Dunfermline -un pequeño pueblo considerado la capital histórica de Escocia- el 10 de agosto de 1946. Eso, automáticamente, lo hace un ciudadano elegible para obtener descuento de "senior" en algunas de sus tiendas preferidas.

Inició su carrera en los años sesenta pero no fue hasta que formó Jethro Tull -junto al bajista Glenn Cornick, ex-compañero en The John Evan Band-, en que comenzó a hacerse un nombre en el difícil mercado inglés dominado por figuras como Jimi Hendrix y Cream. El grupo tiene su origen oficial en 1968, entre Blackpool y Luton, lugar de donde llegaron los otros dos miembros originales: su primer guitarrista, Mick Abrahams, y, el baterista Clive Bunker.

Jethro Tull (1674 - 1741).

Líder indiscutible, excepcional flautista, trabajador incansable, excéntrico, Anderson, rápidamente llamó la atención de la prensa de aquellos días por sus entrebuscados términos, estilo vocal y valiosa interpretación de su instrumento favorito. El primer disco del nuevo cuarteto fue titulado This Was. Desde entonces, el flautista se encargaría de estrechar lazos con el blues, el jazz, lo clásico, el folk, y hasta el heavy metal, como veremos más adelante. Stand Up, en 1969; Benefit, en 1970; y, Aqualung, un año después, le dieron la base y estabilidad necesaria que todo artista requiere para abrirse su propio camino. Y Mr. Tull lo consiguió.

[¿QUIÉN FUE JETHRO TULL?] Si revisamos la historia de la agricultura, específicamente en Inglaterra, posiblemente, los que gustamos del rock progresivo nos encontraremos con un nombre muy familiar. Y, vaya, que ese nombre tiene relación directa con Ian Anderson, quien precisamente no fue agricultor. El único trabajo que se le conoce, aparte de músico, es el de vendedor de revistas y periódicos en un puesto en el que aprovechaba el tiempo para leer las Melody Makers y otras más, dedicadas a la música.

Jethro Tull, el agrónomo e inventor, nació en 1674 y tuvo el cabello tan largo como el del flautista. Inicialmente, se le consideró un poco loco por lo avanzado de sus teorías; sin embargo, sus innovaciones en el campo agrícola, a la postre, contribuyeron positivamente en la agricultura moderna.

Mientras Anderson en el siglo 20 se encargó de publicar discos; Jethro Tull, en el siglo 18, publicó un libro cuyo título fue The New Horse-Houghing Husbandry. Mr. Tull, el original, y de donde Ian Anderson sacó el nombre de su futura banda, murió en Berkshire, en 1741.

[SALTO AL PROGRESIVO] Thick As A Brick es el inició de una etapa que prácticamente marcaría la identidad del grupo, por más coqueteos que su amo iría hacer con otras corrientes musicales. Sucedió en 1972. Es la obra más conceptual de la banda, desde que la canción principal, "Thick As A Brick", con una duración de 44 minutos, debe utilizar ambos lados de los antiguos álbumes de vinilo. En ese se luce, amén de la flauta del jefe, el órgano Hammond, las guitarras y el violín. Y hubo otros instrumentos que el jefe creyó conveniente incluir, como trompetas, xilófono y clave (o clavecín).

Al Thick As A Brick le siguió A Passion Play, y, en 1974, War Child, que, con "Bungle In The Jungle", los volvió a meter en las listas. Minstrel in the Gallery apareció en 1975 y, el mencionado Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die!, al año siguiente.

Clásica formación: Evans, Barre, Palmer, Glascock, Anderson y Barlow.

La década terminaría con Jethro Tull involucrado, esta vez, con el folk. Songs from the Wood, Heavy Horses, y Stormwatch, fueron las tres obras que marcaron una diferencia con el trabajo previamente realizado, en los que Tull había sido, por un tiempo, colega de Yes, Genesis, Emerson, Lake & Palmer, King Crimson, y otros rimbombantes nombres de la escena progresiva.

[ETAPAS] Han de ser unas veinte diferentes formaciones la que ha tenido Mr. Tull a través de sus casi cuarenta años de vida. Y, sin temor a equivocarme, la dinastía de Blackpool, debe haber servido de hogar a una treintena de músicos, entre ellos, Tony Iommi, guitarrista de Black Sabbath; Eddie Jobson, feroz violinista de Roxy Music y U.K.; y, Tony Williams, bajista de Stealers Wheel, grupo en el que se inició Gerry Rafferty (No confundirlo con su homónimo, Tony Williams, el vocalista de the Platters ni con el extraordinario baterista de jazz, fallecido en 1997).

Para muchos de los seguidores, incluyendo a quien suscribe, la que pudo ser la mejor encarnación de las tantas que tuvo Tull, fue aquella que se desenvolvió entre 1976 y 1979. En esa Corte que acompañaba al Rey de la Flauta andaban: Martin Barre, en guitarras, quien en 1968 había reemplazado a Mick Abrahams; John Glascock en bajo, quien en 1975 suplió a Jeffrey Hammond; John Evan en piano, quien les dio el alcance en 1970; David Palmer en sintetizadores, quien se unió formalmente en 1976; y, Barriemore Barlow en batería, quien reemplazó a Clive Bunker en 1971. A la muerte de Glascock, en noviembre del 79, es cuando ingresa, justamente, Williams, a cumplir la función de bajista. Sin embargo, muy pronto, Dave Pegg, de los Fairport Convention, lo supliría en el puesto y de paso se convertiría en el bajista de más larga duración en la biografía del grupo.

Jethro Tull en vivo: Bursting Out de 1978. (FOTO: Javier Lishner).

Mención aparte merece Martin Barre, el sólido guitarrista hijo de Birmingham, quien sigue al lado de Mr. Tull y sus ironías desde el mismísimo 1968, aunque no fue estríctamente de la partida. Barre, en tres días, el 17, estará cumpliendo años.

[HEAVY METAL] En 1988, una parte del mundo que seguía de cerca la premiación más cursi de la música popular después de Billboard, el Grammy, quedó, de pronto, atónito. En el rubro de Hard Rock/Metal Band, se anunció como nominado a Jethro Tull, por su disco Crest Of A Knave.

Como era de esperarse, los sensatos integrantes, encabezados por Ian Anderson, conscientes de que no tenían vela en ese entierro, no asistieron a la premiación de alfombra roja. Claro, imagino que pagar tanto dinero para un asiento y no ganar, como que no valía la pena. Era la primera vez que la organización incluía aquella categoría. Los miembros de Metallica, también nominado por su álbum ...And Justice For All, muy por el contrario, se encontraban en primera fila. En realidad, al lado del escenario. Los otros nominados fueron AC/DC y, aunque parezca increíble, Iggy Pop y Jane's Addiction. Pero lo anecdótico que aún hasta hoy, después de más de 25 años, crea polémica, es cuando le tocó a Alice Cooper -acompañado de Lita Ford- anunciar al ganador, el grupo de Blackpool: Jethro Tull!

Cuando finalmente, en 1992, Metallica ganó por primera vez una distinción de esas (por su álbum negro, Metallica), Lars, el baterista, dijo: "Lo primero que tenemos que agradecer es a Jethro Tull, por no haber publicado un álbum este año". Bueno, lo jocoso no fue tan cierto. Jethro Tull, sí sacó un disco el 91, Catfish Rising, para muchos, incluso, el mejor de los noventa. Pero, la organización no volvió a caer en el mismo error... para felicidad de Metallica (y de Jethro Tull).

Días después del galardón, y de la crítica que se le vino encima por lo que aparentaba un injusto premio del heavy metal; Chrysalis Records, la casa de Jethro Tull, publicó en una revista de música una página completa felicitando a su protegido. El anuncio decía: "La flauta es un instrumento de metal" (ver foto).

Diario Expreso de Lima. 27 de noviembre de 1989.

[1989: LA FRUSTRACIÓN] El 24 de noviembre de 1989, Jethro Tull se presentó en el James L. Knight Center de Miami. El grupo inglés andaba promocionando Rock Island, su disco número diecisiete (sin contar recopilaciones ni placas en vivo). Su formación, además de Anderson, Barre y Pegg, incluía a Martin Allock en teclados, y Doane Perry en batería.

Nosotros, que habíamos viajado la semana anterior para ver a los Rolling Stones, tuvimos que regresar a Lima solo tres días antes de esa actuación. Algo en la conciencia nos persiguió por mucho tiempo.

[1993: EL DESQUITE] El 2 de octubre de 1993, Jethro Tull se presentó en el Muelle Uno de Lima. El grupo inglés no estaba promocionando ningún disco en especial, pues fueron épocas de remasterización y recopilaciones. Su formación, además de Anderson, Barre, Pegg y Perry, incluyó a Andrew Giddings en teclados.

Nosotros, que residíamos en Lima y que volveríamos a ver a los Rolling Stones al año siguiente, pudimos asistir a la celebración en compañía de muchos de nuestra generación. Y ese algo en la conciencia, no nos persiguió nunca más.

[EL HOY] La partida del bajista Dave Pegg, en 1992, de regreso con los Fairport Convention, coincidió con el giro musical que Anderson había estado planeando para el conjunto. Por esos años, también, el músico lanza su segunda placa solista titulada Divinities: Twelve Dances With God, que fue instrumental y basado en el artefacto que mejor domina. A ese le siguieron dos más, uno en 2000 y, otro, en 2003. Ese mismo año, Jethro Tull, hasta se atrevió a publicar un disco de canciones navideñas.

Chrysalis los felicita por su Grammy al Mejor Grupo de Heavy Metal.

En marzo de 2007, The Best of Acoustic Jethro Tull vio la luz con 24 canciones, tomadas de diferentes discos. En tanto, el mes pasado, se publicó Live At Montreux 2003, un CD (con DVD incluido), grabado el 4 de julio en la ciudad suiza a la ribera del lago Geneve, cerca en donde hoy se vendió un diamante a 16.2 millones de dólares.

Se especula que, aparte de su siempre apretada agenda de conciertos -los que su legión de seguidores no termina de pedir-, Jethro Tull está de vuelta en el estudio, con más del cincuenta por ciento de sus miembros estrenando el carné de la banda.

Así transcurre la vida de uno de los grupos de más larga duración en el reino del rock and roll.

Javier Lishner
Santa Clara, California
14 de noviembre de 2007

ME HA PROVOCADO SER CONGRESISTA

Después de esto he decido volver a estudiar y prepararme para postular a un escaño. Creo que haría algo bueno por mi país y por mi bolsillo. Mi abuelo materno estaría orgulloso.

¿Qué es APEC? La respuesta correcta está tan solo apretando cinco (5) teclas. En el cuadradito de búsqueda (recomendamos usar Google), primero, se presiona la letra "A", luego la "P", luego la "E" y, finalmente, la "C". Le aparecerán varios millones de posibilidades. Solo presione el ratón sobre la primera opción que es "Asia-Pacific Economic Cooperation". Así se encontrará en la página oficial de la Cooperación Económica Asia-Pacífico.

En esa página hallará información y noticias como esta: "Peruvian President, Alan Garcia considers the global financial crisis with a sense of optimism in his keynote address at the APEC CEO Summit 2008".

Nunca es tarde para aprender o recobrar el optimismo.

Javier Lishner
Santa Clara, California
28 de noviembre de 2008

PRODUCCIÓN: Enemigos Íntimos

ESO NO SE HACE SEÑOR GARCÍA

Cuando me tocó trabajar en Radio Nacional del Perú, en los días de 1988 cuando Alan García le cambió de nombre a Pachacutec, hubo un señor, trabajador de la radio, como de la edad de mi padre, que, al conocer mi apellido, se me acercó y me preguntó si era familiar de José Antonio Lishner Tudela. Le dije que sí, que era mi tío. Me contó que él había visto la escena cuando el tío Lishner fue muerto por el ejército ecuatoriano en el conflicto de 1941. El Perú lo premió haciéndolo héroe nacional. Aunque fue triste, no hubo rencor. Así son las guerras, aunque nos guste la paz.



Lo que me parece una exageración relacionada a la historia y los rencores, esta vez con Chile, es la actitud del presidente de todos los peruanos, Alan García Pérez, al llamar a la presidenta de Chile, Michelle Bachalet, para brindar una disculpa antes de que si quiera Chile se hubiera quejado de las desafortunadas palabras del General Edwin Donayre, las que hizo en una reunión privada (ver video). Sin embargo, lo que acabo de leer esta mañana, sobre las declaraciones de Alejandro Foxley, el canciller chileno, es verdaderamente preocupante. "Chile espera que García cumpla su palabra y destituya a Donayre", declara Foxley. ¿Quién es Chile para inmiscuirse en las decisiones del Presidente peruano? ¿Dónde quedó la dignidad de la que se hizo gala hace una semana en la reunión de APEC? ¿Hace el Perú lo mismo con su vecino del sur? Absolutamente, no.

No es el estilo de este blog colocar artículos de otros, lo cual por supuesto no tiene nada de malo. Pero, mientras haya tiempo y capacidad de escribir algo de nuestra propia cosecha, lo seguiremos haciendo. No es el caso de hoy, y no es ni por falta de tiempo (aquí es feriado) ni de capacidad sino porque el periodista, director de La Razón -uno de los pocos medios que se ven independientes en el Perú-, de una manera concreta y directa, da en el clavo. El artículo trata de las palabras del General Donayre, el video en YouTube, y las vergonzosas disculpas de nuestros gobernantes.

ANTES LOS CHILENOS QUE DONAYRE

Los caviares están de fiesta. Qué tal manera de batir palmas en sus medios y de cebarse con el comandante general del Ejército peruano, general Edwin Donayre. ¿Y qué fue lo que dijo el alto oficial en una reunión privada? Pues mucho, mucho menos de lo que dijo, en público, su homólogo sureño, Óscar Izurieta: “Chile no tiene entre sus planes invadir a Perú porque lo puede comprar”.

¿Llamó acaso Bachelet al presidente García para pedir disculpas por ese insulto público a nuestro país del comandante general del Ejército chileno? No. ¿Salió la prensa chilena a reclamar por el comentario de Izurieta? De nuevo, no. ¿Se puso bravo nuestro canciller por el asunto, como sí lo hizo Foxley ante la alusión de Donayre? Otra vez, no. ¿Los congresistas peruanos reclamaron airados como ahora lo hacen sus pares mapochos? Nones.

Hay pues una asimetría clarísima en la relación con el vecino. En Chile puede un general decir incendios del Perú y no pasa nada. Puede un candidato a la alcaldía hacer campaña basado en insultos a los compatriotas que viven allí y nadie dice ni jota. Pero aquí no se puede tocar a los chilenos ni con el pétalo de una rosa. De inmediato salen las almas delicadas a rasgarse las vestiduras y a deshacerse en disculpas.

¿Y por qué esta reacción histérica? El general Donayre, en una reunión privada con otros altos oficiales, hace ya dos años, expresó lo que cualquier militar suele decir cuando se refiere a un enemigo potencial. Y, no seamos hipócritas, lo que dijo es agua de malvas comparado con los cánticos y arengas que se lanzan en la Escuela Militar de Chorrillos cuando entrenan los cadetes. E igual hacen en los cuarteles chilenos con sus reclutas.

Grave, gravísimo error el del presidente García al telefonear a Bachelet, que ni siquiera estaba enterada del asunto. Y patética la actitud del canciller García Belaunde, al exigirle a Donayre que se disculpe en público. Primero que se disculpe Chile por saquear la Biblioteca Nacional , por incendiar Chorrillos, por violar mujeres, por fusilar bomberos y por repasar heridos. Y encima dice Joselo que Donayre no representa el sentir del Gobierno ni del pueblo. Del Gobierno, seguro. Del pueblo...

Fuimos testigos de cómo el general dijo lo mismo cuando la Municipalidad de San Miguel lo nombró vecino ilustre, meses atrás. Y las trescientas y pico de personas que estaban allí lo aplaudieron a rabiar. Claro, había puro pueblo, peruano de a pie. Y ningún felón para filmarlo y colgar el vídeo en youtube.

Grau y Cáceres deben estar revolcándose en su tumba. (Uri Ben Schmuel).

Ayer, en el programa radial de Rosa María Palacios, las llamadas al aire de los oyentes hizo saber el verdadero sentimiento de los peruanos acerca de las declaraciones del general. Y no fueron, precisamente, el sentimiento de García y su triste ministro de relaciones exteriores.

Nunca ha sido de mi agrado guardar rencor. Y, menos, en contra de otras naciones, las que se merecen el mismo respeto que quiero para la mía. Pero hay cosas, y cosas.

Imagino que mi tío también debe estar revolcándose en su tumba.

Javier Lishner
Santa Clara, California
28 de noviembre de 2008

JONATHAN LIVINGSTON SEAGULL - "Be"

Si algún día me pidieran llevar cinco discos a una isla desierta, no dudaría en elegir entre ellos el Juan Salvador Gaviota de Neil Diamond. Posiblemente, los otros cuatro serían música para locos, como hace cuatro décadas algunos le llamaban a mi música favorita. Entre ellos, seguramente, alguno de Jethro Tull.

Richard Bach es un escritor norteamericano nacido en Oak Park, Illinois. Uno de sus más famosos libros lleva por título Jonathan Livingston Seagull, el que publicó en 1970. Debido a su extraordinario éxito en ventas, y a solo tres años de su publicación, la Paramount Pictures decidió hacer una película. Fue dirigida por Hall Bartlett, quien por coincidencia había nacido un día como hoy, en 1912. En 1974, el filme, en el que no participó ningún actor, y más bien fue realizado con imágenes naturales, no fue bien recibido ni por la crítica ni por el público que, seguramente, andaba esperando ver películas como El Exorcista, Dillinger o La Aventura del Poseidón. No obstante, fue nominado a dos premios de la Academia. Ese mismo año, ganó un Golden Globe y un Grammy. Ambos, gracias al talento de uno de los mejores compositores de nuestro tiempo: Neil Diamond, quien escribió la música.

"Be"
(Letra: Richard Bach / Música: Neil Diamond)

Lost
On a painted sky
Where the clouds are hung
For the poet's eye
You may find him
If you may find him
There
On a distant shore
By the wings of dreams
Through an open door
You may know him
If you may

Be
As a page that aches for a word
Which speaks on a theme that is timeless
While the one God will make for your day
Sing
As a song in search of a voice that is silent
And the Sun God will make for your way

And we dance
To a whispered voice
Overheard by the soul
Undertook by the heart
And you may know it
If you may know it

While the sand
Would become the stone
Which begat the spark
Turned to living bone
Holy, holy
Sanctus, sanctus

Be
As a page that aches for a word
Which speaks on a theme that is timeless
While the one God will make for your day
Sing
As a song in search of a voice that is silent
And the one God will make for your way

El año anterior, Diamond había publicado un apetitoso álbum que marcó toda una época. Se llamó Hot August Night. El disco doble, que fue en vivo, fue grabado el 24 de agosto de 1972 y resultó ser parte de una serie de diez noches que el cantautor neoyorquino había hecho en el Greek Theatre de Los Angeles.

"Be", parte del Juan Salvador Gaviota, si bien a algunos nos trae cierta nostalgia por la época y los lugares en que lo escuchamos [en mi caso personal, muchas veces frente al mar], casi a cualquiera podría traerle un poco de paz en este mundo donde cada día necesitamos más de hacer un alto en el camino para revitalizar el espíritu. Creo que la música de Neil Diamond y sus respectivas imágenes, logran ese objetivo.

Si le gusta el mar, las olas, la naturaleza, la paz y la libertad, tal vez esta canción sea para usted. Del álbum en sí, hablaremos otro día.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de noviembre de 2008

EL TÍO GEORGE DEL PETROGATE PERDIÓ LOS PAPELES

Lo que más recuerdo de Jorge Del Castillo Gálvez, es la manera burlesca en que defendía lo indefendible cuando alguien exponía algún error del gobierno aprista. Era el perfecto asistente dispuesto a todo con tal de borrar cualquier huella negativa de su máximo jefe y líder. Es por eso que terminó siendo secretario general del APRA que, en buena cuenta, es algo así como ser secretario personal de Alan García, el actual presidente con 20% de popularidad.



Pausado, tranquilo, calmado, irónico y, muchas veces, cínico, fue generalmente con sus respuestas. Siempre tratando de desestimar de una manera sarcástica, si no al rival, las declaraciones de este. De aquellos que solo con una frase y una sonrisa a medias (cachosa, como se conoce en el Perú), intentaban terminar con cualquier bolondrón. De esos que hubo tantos.

Esta vez, "el tío George", no tuvo que defender a nadie. La entrevista que se le hace en Radioprogramas es acerca de su presunta participación en el Petrogate, el escándalo relacionado al actual gobierno peruano que el Presidente García muy inteligentemente -con su optimismo payasesco- trató de hacer olvidar con esto de la reunión de los países de la Cooperación Económica Asia-Pacífico.

Como se puede notar al final de la entrevista, el otrora primer ministro -defenestrado con parte de su gabinate, justamente, por el acto de corrupción en los contratos petroleros con la noruega Discover- pierde los papeles. Algo que nunca fue su costumbre. El tipo pausado, tranquilo e irónico, de momento, se puso furibundo ante el periodista. Por coincidencia o no, el periodista se llama Augusto Álvarez Rodrich, aquel que desde su puesto de director del Diario Perú21, fue para el gobierno de turno, su piedrecita en el zapato. Por coincidencia o no, hace un par de semanas, Álvarez Rodrich fue separado del diario del Grupo El Comercio.

Lo que sucede en el minuto 4:28 del video, pinta de cuerpo entero al ex-premier Del Castillo, quien sigue creyendo que el Perú es su chacra y, Radioprogramas, su hogar. Lo que pasa en el minuto 5:42 es aún peor, una vergüenza para el periodismo en el Perú. La intervención de Raúl Vargas es por demás abominable, deplorable, censurable. Abruptamente corta la entrevista diciendo: "Vamos a dejar allí la cuestión porque sino estamos entrando en un debate que no es el que se acostumbra en Radioprogramas". Que no es el que se acostumbra en Radioprogramas? ¡Qué bajo! ¿De dónde sacaron a este Vargas? Amén de que le agradezca llamándolo "señor primer ministro", título que no le corresponde a Del Castillo, ni de bromas; las que parece que se van alejando de sus costumbres. Por algo será que al político se le fue la sonrisa y contesta con tanta ira.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de noviembre de 2008

EL DÍA DEL PAVO

En las mesas de las familias que viven en los Estados Unidos, hoy, no debe faltar un plato que es tradicional durante la cena por el día de Acción de Gracias. El Thanksgiving, como se le conoce, es la fiesta de la cosecha. Y una ave del orden de las galliformes, es el símbolo que mejor la representa.

Como cada cuarto jueves de noviembre, las familias se reúnen y celebran juntas la llegada de los primeros peregrinos a tierras norteamericanas. Se comparte una agradable y acogedora merienda cuya estrella principal es el pavo asado. Alrededor, suelen acompañarlo otros potajes que por lo general se basan en productos que los peregrinos o colonizadores recibieron de parte de los pobladores nativos. Mucha fruta -frescas o secas-, y bandejas con diferentes pasteles de maíz, camote, calabaza, etc.

Lo más importante de la fiesta (que incluye un fin de semana largo que comienza el jueves), es el agradecimiento por todo lo sucedido durante el año. A diferencia de la Navidad, en Acción de Gracias no se intercambian regalos. Es sí, es una fecha profundamente familiar.

A los que viven en los Estados Unidos -porque los canadienses lo celebran cada segundo lunes de octubre-, el deseo de un Feliz día de Acción de Gracias. La comilona está asegurada.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de noviembre de 2008

Hubo una vez...

EN EL WINTERLAND DE SAN FRANCISCO

El fin de semana de Acción de Gracias, en 1976, estuvo marcado por un acontecimiento triste para la música en el norte de América. Aunque el evento tuvo ribetes de fiesta, en el fondo, hubo pena y mucha nostalgia. The Band, el grupo canadiense formado en Ontario, decía adiós a su exitosa carrera, la que había iniciado como tal en 1968. Aunque, en realidad, sus verdaderos orígenes fueron mucho antes. Aquella noche fue conocida como The Last Waltz

Sucedió una noche como la de hoy, 25 de noviembre, mientras una parte del mundo aclamaba a Peter Frampton en vivo, y, los más rebeldes, a los Sex Pistols. Coincidentemente, The Band, Peter Frampton y los Sex Pistols, sin casi nada qué ver musicalmente uno con otro, tuvieron un lugar común que se llamó Winterland.

Entre las calles Post y Steiner, en San Francisco, desde 1928, se ubicó un clásico local de patinaje. Dícese que costó la astronómica suma de un millón de dólares. Hasta que, en 1971, apareció Bill Graham, el promotor judío nacido en Berlin, quien llevó de la mano a numerosos artistas como Jimi Hendrix, Steve Miller, the Rolling Stones, Janis Joplin, Cream, Led Zeppelin, y los héroes locales, Jefferson Airplane y Grateful Dead. El coloso, llamado Winterland, quedaba a un par de cuadras del famoso Fillmore Auditorium de la calle Geary, y tenía una capacidad aproximada para albergar a cinco mil personas. Posiblemente, un poco más. Al cierre del Fillmore, el empresario cargó con todos sus sueños y se fue a la calle Post.

Prueba de sonido en el Winterland. The Band ensaya con Joni Mitchell.

El 14 de junio de 1975, Peter Frampton, en el Winterland, había grabado partes de su disco Frampton Comes Alive! el que sigue siendo una de las producciones en vivo más vendidas de la historia. Y, el 14 de enero de 1978, en ese mismo recinto, the Sex Pistols realizarían su último show, aunque, a diferencia de The Band, los Pistols no lo sabían.

EL ÚLTIMO SHOW
The Band, que algún tiempo se hizo llamar The Hawks -cuando acompañaba a Ronnie Hawkins-, pasó, de momento, a ser el grupo de acompañamiento de un cantante llamado Bob Dylan. Corría la primera mitad de los años sesenta. El fenómeno Beatle aún no había explotado y, los Rolling Stones, según Bill Wyman, su bajista original, era un grupo con pocas posibilidades de duración. Fue recién en 1968, cuando comenzó a hacerse de un nombre propio. Algunas de sus canciones fueron: "The Weight", "Up On Cripple Creek", "The Night They Drove Old Dixie Down" y "Ophelia". Lo cierto es que The Band tuvo más aceptación dentro del gremio de músicos que en el sector del público. He leído que George Harrison y Eric Clapton, son dos de los que citan al quinteto como gran influencia en sus respectivas carreras. Vaya que ambos también compartieron, en distintos momentos, claro está, la misma esposa (ver nota aparte).

En 1976, The Band decidió invitar a algunos amigos y, bajo la dirección de Martin Scorsese, filmó su despedida. Entre aquellos amigos -aparte de Bob Dylan y Ronnie Hawkins-, estuvieron, Eric Clapton, Ringo Starr, Neil Young, Muddy Waters, Joni Mitchell, Van Morrison, Neil Diamond, y Ron Wood.

Gran final: Dr. John, Neil Diamond, Joni Mitchell, Neil Young, Rick Danko, Van Morrison, Bob Dylan y Robbie Robertson.

La celebración, materializada en el Winterland, había comenzado con baile y cena de pavo con ocasión del día de Acción de Gracias, la fiesta de ese fin de semana en la que el ave gallinácea, de cabeza y cuello desprovistos de plumas y cubiertos de carúnculas rojas, es lo más popular en la mesa de las familias estadounidenses. Con pavo y música, el espectáculo de Graham repletó el auditorio.

The Last Waltz apareció en 1978. Fue un disco triple que incluyó el repertorio del grupo homenajeado y, también, canciones de los invitados. Por ejemplo, The Band interpretó con Clapton, "Further On Up The Road"; con Young, "Helpless"; con Hawkins, "Who Do You Love"; con Dr. John, "Such A Night"; con Dylan, "I Shall Be Released", y así por el estilo.

Robbie Robertson, Rick Danko, Garth Hudson, Richard Manuel, y Levon Helm, los cinco miembros, forman parte del Rock and Roll Hall of Fame y del Canadian Music Hall of Fame; y, una noche como la de hoy, hace tres décadas, fueron protagonistas de una de las más interesantes películas musicales del siglo pasado. Amén, claro está, de su legado, del que destacan sus tres primeros discos: Music from Big Pink, The Band y Stage Fright.

Poster 2002: Comenzó como un concierto. Se convirtió en una celebración. Hoy es una leyenda.

Y, como en las mejores familias, los líos entre integrantes, impidieron una sana reunión. Robertson, el guitarrista y principal compositor de los temas, ante un intento de nuevas nupcias a mediados de los ochenta -como quisieron sus otros cuatro ex compañeros-, fue muy claro al contestar que, The Last Waltz tuvo un significado y lo iba a cumplir. Ahora, tras la muerte de dos de sus integrantes, no hay nada que pueda cambiar las intenciones de John Fogerty, perdón, de Robbie Robertson. El del Winterland fue, en efecto, el último vals.

Javier Lishner
San Jose, California
25 de noviembre de 2006

QUE ROGER HODGSON PODRÍA LLEGAR A LIMA

Me comentan que son ya varios sitios de Internet que están informando sobre la llegada de Supertramp a Lima. La legendaria banda no tiene la culpa. Hace unos días, como apelando a la nostalgia, publicamos una nota titulada: Solo un run run... QUE SUPERTRAMP LLEGA A LIMA EN 2009. Hoy nos enteramos que en febrero, su otrora vocalista y compositor, estará paseando su arte en América del Sur. Y esto sí es confirmado.


"Hay pocas voces que se pueden reconocer instantáneamente desde los primeros compases de una canción, y Roger Hodgson es, sin duda, uno de los de ese grupo". Sobre el ex-cantante y compositor de Supertramp, el londinense diario The Times escribió alguna vez: "su voz es tan inconfundible como el distintivo teclado de sus primeros éxitos...".

En 1998, justamente en noviembre, Hodgson inició la manga sudamericana de su gira en Brasil. En el país del samba cubrió varias ciudades antes de viajar a Asunción, Paraguay. De allí se fue a Argentina, haciendo incluso tres show en el Gran Buenos Aires. Esa gira, también incluyó al Perú, en donde el músico actuó el 14 de noviembre en el María Angola, de Lima.

Ahora, la página oficial de Hodgson dice que el músico ya confirmó su presencia el próximo 17 de febrero, en el Anfiteatro Sambil de Caracas, en Venezuela. El 25 del mismo mes tiene programado Viña del Mar, en Chile. Y lo que pase entre el 18 y el 24 es aún un misterio.

Si usted amigo lector tiene algún contacto o sabe de alguien que quiera presentarlos en el Perú, ese país puesto de moda últimamente por su extremadamente optimista presidente, escríbanos un par de palabras. Seguro que habrá alguien interesado en la otra línea para dialogar sobre la posibilidad de que, el co-fundador de Supertramp, llegue nuevamente al Perú. Dicen que ahora suena mejor en vivo que hace años en estudio. Y eso ya es bastante.

Lo de la llegada de Supertramp al Perú, parece que sigue siendo un run run. Lo de Roger Hodgson se convierte en una concreta posibilidad. Por ejemplo, mientras escribimos nos llega la noticia de que ya se confirmó su visita a Argentina.

Eso sí, quien quiera que lo lleve a tierras incas, esta vez sea más honesto con la publicidad y no confunda con el nombre de su ex-banda. Roger Hodgson tiene una carrera tan alucinante que él solo podría llevar a varios miles de seguidores. Por ahora, Supertramp dejémoselo a Rick Davies y su Corte. Que ellos también saben hacer lo suyo muy bien.

Javier Lishner
Santa Clara, California
25 de noviembre de 2008

NOTAS RELACIONADAS:
- Solo un run run. QUE SUPERTRAMP LLEGA A LIMA EN 2009
- SUPERTRAMP: El crimen del siglo

DE FREDDIE MERCURY Y QUEEN

El 6 de abril de 2006, luego de veintiún años de haber visto en vivo a la banda original completa, publicamos la siguiente nota con motivo de la reunión de dos de los miembros de Queen, con el cantante Paul Rodgers. Rodgers, conocido por sus trabajos con Free y Bad Company, amén de un sinnúmero de obras más, unió su experiencia y talento a Brian May y John Taylor. El resultado fue una apoteósica gira que les dió cuerda suficiente para realizar un trabajo en estudio: The Cosmos Rocks. El disco, a su vez, les dio una nueva gira en la que actualmente se encuentran.

Freddie Mercury al piano. (FOTO ARCHIVO: Javier Lishner).

La nota de aquella vez fue sobre el show que vivimos en el HP Pavilion de San Jose, California, en el que el espíritu de Freddie Mercury, su inolvidable cantante, siempre estuvo presente. Mercury terminó por luchar su batalla en contra del Sida, un día como hoy, en 1991.

QUEEN + Paul Rodgers

UNA NOCHE PARA RECORDAR

Un espectáculo que no dejó espacio para las comparaciones. Un homenaje a Freddie Mercury de parte de dos de sus ex-compañeros y de un vocalista con nombre propio, Paul Rodgers, quien solo hizo lo que aprendió durante los últimos 38 años en la escena del rock: cantar. Y, como es su costumbre, encantó.

Una producción bien balanceada con temas clásicos de Queen, y varias de Bad Company. Y, para el cierre, hasta se animaron a interpretar el viejo "All right now", que Rodgers, junto a otros tres monstruos, hizo éxito en 1970 bajo el nombre de Free, sugerido por el maestro Alexis Korner.

El escenario que Queen mostró anoche no necesitó de muchos efectos especiales, más allá de un buen juego de luces y tres pantallas para acercar a los miles de espectadores que se dieron cita a la gira que el grupo inició el año pasado en Europa.

Momento álgido de la noche fue la presencia de Freddie Mercury, en pantalla, interpretando "Bohemian Rapsody", para, luego de varios minutos, darle la posta a Rodgers, quien dejó bien en claro dos cosas: Primero, que no llegó a la fiesta para reemplazar al difunto Mercury (quien para la mayoría de fans, es irreemplazable) y, segundo, el porqué es considerado uno de los mejores cantantes de la historia del rock.

Brian May hizo lo suyo. El lúcido guitarrista puso su experiencia al mando de la banda y su sola presencia llenó parte del escenario. Tal vez, su cercanía a Mercury, es lo que lo sigue haciendo un poco enigmático, por más sencillo que realmente sea. May cantó "Love of my life" en la parte delantera de la pasarela donde, en aquel momento, su guitarra, fue su única compañera. El público le respetó el tema hasta el final, cuando irrumpió con una tremenda ovación, en instantes en que ya había aparecido el jovial vocalista de 56 años, para apoyarlo. May demostró calidad con la guitarra, y derrochó destreza, arte, primor y propiedad en más de un solo que produjo.

Roger Taylor, desde el fondo, mantuvo la sección rítmica acompañado por un correcto bajista neoyorquino de origen latino (Danny Miranda), poco conocido a pesar de su trabajo con Blue Öyster Cult. Taylor también se atrevió a cantar. Le encargaron "These are the days of our lives" y "I'm in love with my car", esta última, composición propia, que fue parte del álbum blanco de 1975. El baterista también interpretó "Radio Ga-Ga" (otra de su pluma), cediéndole el micrófono a Rodgers, para que continuara con la segunda parte del tema. El baterista Taylor es de por sí un cantante.

Para quienes fueron a escuchar temas clásicos, el show debió haber sido perfecto. "Crazy little thing called love", "Fat bottomed girls", "The show must go on", "Another one bites the dust", "We will rock you" o "Under pressure", fueron prueba de ello. Para los que fuimos a ver algo más, también.

Y, después de dos horas y fracción, el apoteósico final llegó con "We are the champions". Nos retiramos con la sensación de haber escuchado a una gran banda con un cantante de lujo. Lo que vimos anoche, no sucede frecuentemente Después de todo, demoramos más de dos décadas años para volver a ver en vivo a Su Majestad. Esta vez, con Paul Rodgers. ¡Qué viva Freddie Mercury!

Javier Lishner
San Jose, California
6 de abril de 2006

NOTA RELACIONADA:
- LA RAPSODIA DE QUEEN (1985)

DE MICHAEL HUTCHENCE E INXS

La noche del 21 de noviembre de 1997, Michael Hutchence y su padre se reunen en el restaurante Flavour of India. Michael andaba de vuelta en Sydney, preparando la nueva gira mundial de su grupo, INXS. Ninguno de los dos sabía que ese sería su último encuentro. Al día siguiente, una de las empleadas del Hotel Ritz, donde se hospedaba el cantante, se toparía con una inesperada escena.


Algunos que me conocen saben que los ochentas no fue mi década favorita, muy a pesar de haberla vivido detrás de un micrófono y presentando canciones casi todos los días. Durante aquellos años, fui testigo del nacimiento de muchos grupos, locales y foráneos, y, también, del ocaso de otros. Lo cierto es que, a pesar de ello, como alguna vez escribí en este mismo espacio, la noche más fantástica que hube de haber pasado, en cuanto a conciertos de rock se refiere, fue la de INXS. Sucedió un par de días antes de mi cumpleaños número treinta, y la celebración la había comenzado ese mediodía luego de una reunión de prensa, creo que con Faith No More.

INXS se formó en Sydney en 1977. Por coincidencia, su primer disco fue lanzado en 1980, el mismo mes que yo comencé a hacer radio. Lo titularon INXS y, a decir verdad, no pasó mucho. Más o menos como mis primeros programas. Luego de un par de discos, mientras el grupo iba moldeando su sonido entre el new wave y el pop, publica The Swing. Era 1984 y uno de sus productores había sido Nile Rodgers, el genio detrás de Chic. Casi sin pedir permiso, "The Original Sin" irrumpió en las radios. Al menos, en algunas partes del mundo, más allá de Australia.

"Bitter Tears". INXS en Rio 1991.

Con el éxito de "The Original Sin", y del siguiente llamado Listen Like Thieves, su nombre comenzó a ganar una posición muy particular. "What You Need", de ese álbum, ayudaba a ponerlos nuevamente en vitrina. Pero el boom llegaría recién en 1987 bajo la tutela de Chris Thomas. El disco, lanzado en Estados Unidos por el sello Atlantic, fue titulado Kick. Dicen que no hay quinto malo; pero, para INXS, el sexto fue aún mejor. Para muestra: "New Sensation", "Devil Inside", "Need You Tonight", "Never Tear Us Apart" y "Mystify", todas, de la pluma de Michael Hutchence y Andrew Farriss, uno de los tres hermanos cofundadores del grupo. Los otros dos eran Timothy (Tim) y Jonathon (Jon). Garry Gary Beers y Kirk Pengilly, completaban el combo.

Con el siguiente disco, X, fue cuando comenzó mi corta pero inolvidable vinculación con el grupo. Era medianoche y me encontraba en los camerinos del Maracaná, convertidos momentáneamente en oficinas, esperando por mi credencial de prensa. De pronto un fuerte ruido afuera, en el campo de juego, me hizo salir rápidamente por el mismo lugar por donde tantas veces, a través de la televisión, había visto salir a Pelé. Ante mi sorpresa, allí, en el inmenso escenario montado a un lado de la cancha, vi a INXS comenzando su prueba de audio. Puedo asegurar que había muy poca gente. Tal vez, un par de guardias de seguridad, Roberto Medina -el multimillonario promotor del evento- y su esposa Alice. A su lado, un poquito más atrás, un peruano con ganas de no perdérsela. Aunque no me crean, ese preciso momento me hizo recordar a Feiser, el grupo peruano con quien tantas veces estuve en ensayos. Y con Feiser, a la mayoría de grupos peruanos de aquellos días. Netamente informal. INXS comenzaba una canción y la repetía una y otra vez mientras nivelaba el sonido... Que la tarola, que el bombo, que el volumen de la guitarra... lo que siempre había escuchado en Lima. Sumado a las conversaciones y joda entre sus integrantes. Ni bien ni mal, simplemente, informal. El ensayo de Prince que vino después, fue todo lo opuesto. Pero esa es otra historia.

La noche del 19 de enero de 1991 fue inacabable. El festival de diez días había comenzado la tarde anterior y (nosotros) aún estábamos frescos. Además, el cartel del segundo día era por demás sugestivo. Santana, sin tanta verborrea ni proverbios (como lo escucharíamos años después), y, más bien, al más puro estilo Woodstock, se mandó con lo más clásico de su repertorio (un par de cuyas obras originales de aquella noche conservo en lo más recóndito de mis propiedades). Le siguió "el barón blanco del rock", Billy Idol. Todavía en sus treintas, con mucha energía y no tan adicto a las drogas como pocos años después (de la que afortundamente salió), Idol hizo un inolvidable paso por Rio. Y, a pesar de que fue su primera gira sin Steve Stevens, su excelentísimo brazo derecho, el músico inglés se catapultó en tierra carioca. Por esas cosas que dan las credenciales de prensa, pude ver muy de cerca su show, sus movimientos, sus gestos... casi todo.

El cierre era con INXS. El sexteto australiano que hizo su aparición faltando diez minutos para las dos de la mañana, andaba con su X Factor World Tour y con varias canciones en las listas de mercadeo. La gira la habían comenzado en octubre del año anterior en Australia y ya habían pasado por varios países de Europa, incluyendo Francia, Alemania e Inglaterra (con cuatro noches seguidas en Wembley). Pero, el 18 de diciembre, en Irlanda, pararon. Luego de las fiestas de fin de año, el grupo viajaría a Latinoamérica para recalar en México, Brasil y Argentina. Fue cuando llegaron hasta el Maracaná, uno de los recintos deportivos más famosos del mundo, alquilado por unos días al rock.

Como muchas veces he tenido que explicar, la noche más fantástica no necesariamente es la mejor. Y, hoy, luego de tantos años, sigo pensando lo mismo. La de INXS no fue la mejor. No obstante, por tantos factores que suceden durante un show, fue la que más disfruté. El ambiente, la hora, el local, los teloneros, los sentimientos de uno, la edad de uno, las experiencias de uno hasta ese preciso momento, el artista o grupo, la actitud del artista o grupo (en este caso INXS), el público, la actitud del público, la cantidad de público, mil cosas que uno vive a su manera individual a pesar de estar al lado de otras cien mil personas. Y si a todo eso, le agregamos que el particular evento en Rio iba paralelo a una guerra que acababa de comenzar, como la del Golfo Pérsico, entonces, eso hizo la noche aún más especial. "Suicide Blonde", "Calling All Nations", "Bitter Tears", "Need You Tonight", "What You Need", "New Sensation", "Dissapear", "Devil Inside", en vivo, sellaron para siempre mi personal alianza con la banda australiana que, esa noche, entre permanentes llamados de paz, concluyó su presentación con "Never Tear Us Apart".

Un par de años después, mientras conducía El Gusano Eléctrico en Radio Miraflores, tuve oportunidad de conversar por teléfono con Kirk Pengilly, uno de los guitarristas y saxofonista del grupo. INXS andaba promocionando su Get Out of the House Tour, y su representante en el Perú tuvo la deferencia de propiciar la comunicación con el músico australiano. La entrevista fue transmitida en vivo por los 96.1 de la FM limeña.

Al igual que con Billy Idol, mi cercanía al escenario me hizo ver casi cada movimiento de Hutchence. Recuerdo que, por momentos, cuando el artista se acercaba al borde del escenario, me hacía ir para atrás para poder enfocarlo mejor. En un momento -cuando se sentó en el tablado- sus botines negros fue casi todo lo que pude ver. Yo estuve allí, en frente. Desafortunadamente, la algarabía, la bulla, los brindis y, porqué no, la emoción, no me hicieron perder los papeles pero sí los rollos de fotos de aquella segunda noche. Los papeles los perdí otro día. Mi tristeza la compartí con Johnny López y Noemí del Castillo, el presentador peruano y la recordada actriz argentina, quienes me visitaron al día siguiente en el Othon de la céntrica avenida Atlântica. Cuando llegamos a Lima, pude disfrutar de una gráfica en blanco y negro que Johnny se tomó con Michael, mientras ambos compartían un trago en la barra del hotel.

A Michael Hutchence, el divertido, sencillo y carismático cantante de INXS, le tocó su turno un día como hoy, en 1997. Su cumpleaños fue siempre un día después del mío. Al momento, el músico tenía 37.

Javier Lishner
Santa Clara, California
22 de noviembre de 2008

EL PEROL: Delicious Peruvian Cuisine

Enclavado en pleno barrio latino de San Francisco, allí está El Perol. Uno de esos lugares en donde, sin mucha pompa ni adornitos, se puede disfrutar, posiblemente, de la más exquisita comida peruana en el Area de la Bahía.

Causa rellena de pollo.

Habrá sido hace unos cuatro o cinco años que fui por primera vez. Me llevó un músico peruano, quien hoy es ingeniero de sonido del grupo Smash Mouth y que, no hace mucho, recorrió el mundo entero haciendo el mismo trabajo para Julio Iglesias. De la manera que me describió el restaurante y su cocina, no me dejó otra alternativa que ir a visitarlo.

Lomo saltado.

El barrio de la Misión o the Mission District, es como se le llama a los alrededores de la Mission Street, en San Francisco. Es un vecindario multicultural y económicamente diverso. Poco más de la mitad de su población es hispana. Fue el lugar donde alguna vez habitaron los Ohlone, una tribu pacífica que vivía básicamente de la agricultura y la caza. Pero todo terminó cuando llegaron los colonizadores, algunos con clergi, y prácticamente, desapareció la tribu. Pero dicen los historiadores que, antes de su desaparición, tuvieron que realizar la labor de esclavos y terminar la hermosa Misión de San Francisco de Asís, de donde le llega el nombre a esa hoy concurrida zona.

Chicha morada, jugo de maracuyá y de papaya.

En el Perol, enquistado en la misma Mission Street, entre las calles 21 y 22, uno puede encontrar un variado menú que va desde las más exquisitas entradas, como la papa a la huancaína o causa de pollo, hasta segundos como el clásico lomo saltado, bistek apanado o un filete de pescado. Se ofrece también caldos de pollo y res ("carne", para los peruanos), y su vitrina de postres es variada. Incluye arroz con leche, crema volteada ("flan" para los peruanos), pionono y alfajores.

Arroz con pollo.

Esa tarde, mientras combinábamos los platillos con una chicha morada, veíamos pasar al público delante nuestro, ordenando algunos de los deliciosos potajes peruanos. El Perol está situado en un pasaje y, por ello, sus mesas están ubicadas en medio de este. No es un restaurante convencional, que es lo que lo hace más informal. Perfecto para la gente que trabaja o vagabundea por "La Misión". Podría decir que sus precios comienzan desde los $5.00 y llegan hasta los $15.00, dependiendo del pedido. Es el promedio de lo que cuesta cualquier restaurante que no sea de comida rápida. Claro, los que le agregan una zanahoria en forma de estrella al arroz, o colorean el borde del plato con un chisguetito, cuestan un poco más. No es el caso de El Perol, donde la comida es como la de casa, sencilla, sabrosa y, por lo general, abundante. Porque como nos dijo Nancy, la dueña, "seguimos las recetas de la abuela y de mamá, tal y como nos enseñaron a cocinar en casa". Mamá estaba allí, ayudando a Nancy en la caja, mientras a ella le brillaban los ojos explicándonos su diaria labor al frente de este rinconcito peruano en el corazón de la Mission Street.

Enormes empanadas.

El próximo que pase por la Bahía, avise para hacerle una tour. Seguramente, Nancy, su madre, y yo, estaremos contentos de ofrecerles lo mejor de la olla peruana. Bueno, yo solo pongo la movilidad y, estas simpáticas señoras, lo mejor de sus embrujos. Les aseguro que les gustará, sobre todo, si hace tiempo que no visitan la Patria. Aunque el último que vino de Lima, quedó verdaderamente satisfecho. Servido.

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de noviembre de 2008

JOAN BAEZ: GRACIAS A LA VIDA

Bastaron solo segundos para escucharla decir: "Yes, we did it". El miércoles último, en San Francisco, esa fue la respuesta de Joan Baez a los aplausos ante su aparición en escena, en un Teatro Herbst completamente copado. Se refería al reciente triunfo de Barack Obama, a quien le endosó su voto. La primera dama del folk norteamericano, celebraba con nosotros, sus cincuenta años de vida artística.

Desde el aire
IMBORRABLES IMÁGENES DE LOS DÍAS FELICES

El 12 de junio de 1976, en el estadio JFK de Philadelphia, Yes, con sus teloneros Peter Frampton y Gary Wright -el intérprete de "Dream Weaver"-, logró lo que se ve en esta imagen aérea.

Un año después, el 4 de junio de 1977, en el estadio Soldier Field de los Chicago Bears, Emerson, Lake & Palmer, junto a otros invitados, entre ellos, Foghat -los intérpretes de "Slow Ride"-, lograron este impresionante conglomerado visto desde el aire.

Por aquellos años ya había aparecido el punk rock, y, el rock progresivo, daba sus últimos manotazos antes de que bandas como The Ramones, Sex Pistols y The Clash, terminaran de quitarle para siempre su corona. El rock y sus ciclos, no perdona.

Javier Lishner
San Jose, California
29 de mayo de 2006

Solo un run run
QUE SUPERTRAMP LLEGA A LIMA EN 2009

La profecía de Johnny López, parece que finalmente se hará realidad en el Perú. Aunque ya no es la época de los patines ni de "Lord, Is It Mine", la balada que marcó una era mientras los patinadores estuvieron de moda. A la capital peruana, por ejemplo, llegaban algunas de las más brillantes figuras norteamericanas del patinaje; y era, Johnny López, el encargado de presentarlos.


Hubo en Lima, durante 1980, un programa radial diario dedicado a Supertramp. Hubo, también, un joven empresario artístico que prometió llevar al legendario grupo inglés que, por esos días, sonaba mucho con un disco doble en vivo llamado Paris, que incluía algunas de sus más populares canciones, las que, con aquella placa, incrementaron, por cierto, su nivel de popularidad. Entre ellas, "School", "The Logical Song", "Breakfast In America", "Take the Long Way Home", pero, sobre todo, "Dreamer".

La Hora Supertramp fue como se le conoció al espacio y era conducida cada tarde por Johnny López, posiblemente, el más popular de los disc jockeys de la Radio Miraflores de aquel entonces. El juvenil comunicador aún no había dado el paso a la televisión, donde, poco tiempo después, también cosecharía éxitos.

Fue durante esa audición radial que algunos pudimos conocer un poco más sobre la historia de Supertramp. Johnny había adquirido algunos discos durante su estada en Buenos Aires, hasta donde llegó con el colega Hugo Salazar, para seguir un curso de especialización en Comunicaciones. Pero, así como comenzó un día La Hora Supertramp, también llegó a su fin. Algunos bromeaban con aquello de que al empresario de espectáculos, solo le faltaron cincuenta dólares para contratar a la banda. Luego salió con que llevaría a Santana y a Peter Frampton, y de allí, nunca más nadie le hizo caso. A propósito, al poco tiempo desapareció del ambiente artístico-fonográfico y nunca más se supo de él.

Esta vez, un lector de Rock Around the Blog, nos escribe diciendo que ayer se confirmó que Supertramp -o lo que queda de ella (Rick Davies, Bob Siebenberg y John Helliwell)- llegará a Lima en febrero de 2009. La página oficial del grupo, liderado por Davies, no tiene publicada si quiera la gira. Pero, sabemos que no siempre los sitios de Internet andan al día con las noticias. (La foto grupal que publicamos corresponde a su más clásica formación. La del 73 al 83).


Por el momento, solo nos queda la nostalgia de esa Hora de Supertramp, con un Johnny López siempre atento y avisorando el futuro. Allí, en esa vieja cabina de la Amplitud Modulada, fue justamente donde lo conocí. Sucedió una vez que no se hizo presente en su programa, Disco Sour, y el director-gerente me pidió que lo reemplazara. Johnny, que vivía a una cuadra de la radio, supongo que al escuchar la voz de un desconocido presentando Disco Sour, se levantó de la cama y en escasos minutos se apareció en la cabina. Lo que aconteció a su llegada, será motivo de otro post.

Bienvenido serás, Supertramp. Aunque 28 años después de que Johnny López les dedicó un especial diario y soñaba con su arribo. Cuando vayan pregunten por él. Es tan popular como el Pisco Sour.

Javier Lishner
Santa Clara, California
18 de noviembre de 2008

NOTA RELACIONADA:
- SUPERTRAMP: El crimen del siglo

THE PRIESTS: LA LOCURA

Creo que fue entre mayo y junio de este año, cuando leí por primera vez sobre un contrato que tres sacerdotes católicos habían firmado con la Sony BMG Music. Eran irlandeses, tenían pinta de nerds, y el contrato que anunciaban era de 1 millón de euros. Como gran notición declaraban que cuando eran estudiantes habían cantado delante del Papa. Al momento, todavía Juan Pablo II. Los tres, Eugene O'Hagan, Martin O'Hagan y David Delargy, quienes pertenecen a la misma diócesis, decidieron formar este año el grupo al que, luego de romperse la cabeza pensando en un nombre, denominaron The Priests.

"Cuando cantamos no solo cantamos, también rezamos", es la frase que los identifica en su moderno sitio de Internet. Los tíos, que cuentan entre 45 y 49 años de edad, no cantan rock and roll como otros curas loquitos de quienes hemos tenido oportunidad de escribir (ver NOTA RELACIONADA), sino que hacen clásicos espirituales. Entre los temas que interpretan están, "Ave Maria", "O Holy Night" y "Benedictus". Su primer disco, autotitulado, apareció el viernes último justo como para que reviente durante la temporada navideña. Fue producido por Mike Hedges, el ingeniero que durante más de dos décadas ha trabajado con nombres como The Cure, Siouxsie and the Banshees, Maniac Street Preachers, Travis y U2.

DPA, la agencia alemana de noticias, informó que, "pese a que Sony BMG hizo funcionar la máquina de marketing para estos sacerdotes católicos como para las estrellas pop, ellos no quieren que se los vea como "Boygroup". Nos causó risa, "Boygroup".

"Nosotros somos ante todo sacerdotes. Con el álbum queremos construir un puente entre la Iglesia y el mundo", dijo el Padre Delargy. Para luego agregar que su primer álbum fue el Parallel Lines de Blondie, ese discazo producido por Mike Chapman que nos recuerda los bisoños días de universidad.

The Priests visitan el Vaticano.

En Sony BMG están seguros que, con los cantos cuasi angelicales del trío, alcanzarán una buena facturación. "Creo que encontramos tres astros pop", afirmó Nick Raphael, el director de Epic Record, la discográfica de Sony BMG. "Ellos serán unos maravillosos superastros mundiales", aseveró el ejecutivo.

Ah! Eso sí, dicen los sacerdotes que todo el dinero que logren recaudar con la música será para obras de caridad. Es agradable escuchar ello. Buena suerte frailecillos, y no se olviden de rezar un Padre Nuestro por el alma de Leonardo da Vinci.

Javier Lishner
Santa Clara, California
17 de noviembre de 2008

NOTA RELACIONADA:
- De Elvis a Metallica. LOS VERDADEROS PADRES DEL ROCK AND ROLL