Wednesday, June 11, 2008

CHRISTINE PERFECT: Antes de Fleetwood Mac

Cuando se habla de las damas en el rock, muchas veces se ignora a Christine Perfect -posteriormente conocida como Christine McVie-, la pianista, cantante y compositora de tantas canciones; entre ellas, "Don't Stop" y "You Make Loving Fun", con Fleetwood Mac. Y, si alguien lo hace, como sucedió con aquella lista de VH1, no se le da tanta importancia.

Christine Perfect en el centro de los Chicken Shack.

Nacida como Christine Anne Perfect, tiene en su haber casi lo que cualquier artista aspira encontrar en su carrera. Dicen que, siendo hija de un violinista y a pesar de que desde muy niña aprendió a tocar el piano, no fue hasta los 11 que le prestó atención a la música.

Chicken Shack fue un importante grupo de blues en la escena británica de fines de los sesenta. Y ahí, detrás del piano, andaba una joven blonda, con quien tendrían más de un éxito. Casi desde que se sentó frente al que en adelante sería su instrumento, el piano, se convirtió en el centro de atención de la banda de Stan Webb. Además, por aquellos días, no habían muchas damas inglesas que vendieran su alma al blues. Cuentan que por momentos se cruzaban con otro grupo que era el furor de la época. Se llamaba Fleetwood Mac. Christine Perfect, admiraba a Peter Green, su guitarrista, fundador de los Mac. No obstante, sería otro de sus músicos quien, entre rosas y alcohol, la atraería no solo al seno del grupo inglés sino al de su corazón.

John McVie, bajista, es miembro original de Fleetwood Mac. Aunque a decir verdad, en los albores hubo uno antes que él. El grupo, que se llamó originalmente Peter Green's Fleetwood Mac, se hizo popular en la escena del blues británico por su interpretación de exquisitas piezas como "Black Magic Woman", "Oh Well", "The Green Manalishi" y "Albatross". El primer encuentro entre McVie y Perfect habría sido durante el Windsor Jazz Festival, en el que los combos de ambos fueron invitados.

Luego del suceso que les trajo "I'd Rather Go Blind" (de Jordan y Foster), la artista dejó a Chicken Shack para casarse, dedicarse a su esposo, y, posteriormente, unirse a Fleetwood Mac. Cuentan que Perfect era muy bella, lo que hizo que el barbado bajista de los Mac no le quitara el ojo (ni el oído) de encima. Aunque la invitación oficial al grupo estuvo a cargo del baterista Mick Fleetwood. Por esos días, Perfect había grabado un disco solista, autotitulado, el que hasta hoy no es de su embeleso. A pesar de ello, ganó el premio de Melody Maker a la mejor vocalista femenina del 69 y 70.

Christine y John cuando todo tiempo pasado era mejor.

El debut oficial de Perfect en Fleetwood Mac, ya con el apellido del esposo, Christine McVie, fue en New Orleans el 8 de agosto de 1970. Peter Green, quien antes había reemplazado a Eric Clapton en los Bluesbreakers de John Mayallen mayo de ese año, había dejado a Fleetwood y a Mac. La historia de Christine McVie, como parte de Fleetwood Mac, a partir de entonces, sería otra.

Javier Lishner
Santa Clara, California
11 de junio de 2008

NOTA RELACIONADA:
- STEVIE NICKS: Antes de Fleetwood Mac

Tuesday, June 10, 2008

Escándalo y hospital
CHARLY GARCÍA: Yo no quiero volverme tan loco

Dice hoy Associated Press que Charly García, el popular cantante y compositor argentino, fue internado el lunes con diversos cortes en el cuerpo, luego de discutir con sus músicos y destrozar muebles de dos habitaciones de un hotel donde se hospedaba en Mendoza.


Luis Gil, jefe de prensa del Hospital Central de esa ciudad argentina, a 1.100 kilómetros al oeste de Buenos Aires, dijo que García estaba descontrolado. Bueno, en realidad, no dijo mucho.

Afirmó el señor Gil que el músico recibió asistencia por parte diversos especialistas, entre ellos un psiquiatra. Lo cierto es que con "ataque de ansiedad" o no, García fue llevado al hospital boca abajo y con esposas.

Hoy paso el tiempo,
demoliendo hoteles
mientras los plomos juntan los cables
cazan rehenes.
Hoy paso el tiempo,
demoliendo hoteles
mientras los chicos allá en la esquina
pegan carteles.

- "Demoliendo Hoteles" - Charly García.

Por su parte, la agencia DYN señala que el cantautor golpeó a uno de sus músicos, destrozó muebles y sufrió lastimaduras. Una empleada del hotel mendocino subrayó al canal TodoNoticias que García le arrojó un matafuegos (extintor), aunque no indicó si el músico había resultado herido.

Charly García estuvo alojado en el hotel Solaz de los Andes, tras dos presentaciones musicales en San Juan y Mendoza el útimo fin de semana. Es conocido como uno de los estandartes del rock en español en Latinoamérica y, sin duda, uno de los más influyentes.

Como se sabe, no es la primera vez que García protagoniza escándalos públicos. Por coincidencia, en 1998, también en Mendoza, saltó desde el noveno piso de su habitación cayendo en una piscina.

Charly vuela desde el noveno piso del Hotel Aconcagua.


En abril pasado, García golpeó y lesionó con su guitarra a dos actores colombianos que presenciaban su recital en un bar de Buenos Aires. Pasó entonces cuatro horas arrestado y, a su salida, se declaró "jefe de la policía" y se puso a darle órdenes a los agentes de seguridad. Todo un caso que resultaría anecdótico si el hombre tuviera 18 o 21 años pero no de un señor que, en tres años, estará cumpliendo sesenta.

Entre la pose y el rídiculo, hay una diferencia. Aunque, entre el ridículo y la enfermedad, también. Creemos que, aunque él no quiera volverse tan loco, lo está. Y, por ende, necesita ayuda profesional. A estas horas, el músico se encuentra internado en una clínica privada y, según voceros, su vida no corre peligro. Así sea.

Javier Lishner
Santa Clara, California
10 de junio de 2008


Monday, June 09, 2008

KING DIAMOND: Líbranos de todo mal

Kim Bendix Petersen, nacido en 1956, es de la generación de La Toya Jackson, Paul Young, Johnny Rotten, y Peter Hook, el bajista británico de Joy Division y New Order. King Diamond, seudónimo del señor Petersen, formó su propio grupo en 1985, tras la desaparición de Mercyful Fate. La cantidad de músicos que han pasado por las filas de King Diamond, al igual que en las de Alice Cooper -una de sus obvias influencias- ha sido larga. Me atrevería a decir que más de una docena.


Mercyful Fate, tan danés como su líder, fue muriendo a inicios de 1985. Eran los días de Rock in Rio, USA for Africa, Mikhail Gorbachev y del debut profesional de un joven boxeador en Albany, New York. Se llamaba Mike Tyson. Lo cierto es que, en abril, Mercyful Fate dijo adiós a su unión. King Diamond, el vocalista de registros altos, decidió formar otra banda con dos de sus ex-compañeros de grupo: el guitarrista Michael Denner y el bajista Timi Hansen. Hank Shermann, el otro miembro de los Mercyful, no fue invitado debido a que fue con él con quien hubo diferencias.

[MERCYFUL FATE] El primer disco de la banda fue un EP de nombre Nuns Have No Fun, el cual fue seguido por Melissa, una placa conceptual que tiene su propia historia, muy aparte de haber llegado al tope de las listas. Si bien es cierto que la música de Mercyful Fate fue considerada heavy metal, hay otros que indagaron un poco más y la insertaron en el black metal.

Sin abandonar su interés por el ocultismo, en 1984, Mercyful Fate lanza Don't Break the Oath. La acogida que obtuvo la placa fue extraordinaria y, aún, es considerada por muchos como la mejor obra del grupo. Además, una de las más distinguidas del metal. Desafortunadamente, al año siguiente, sucedió lo del primer párrafo. Hubo una reunión en 1992 que duró unos siete años (paralela a King Diamond, y con seis discos más de por medio) pero hoy, su cantante y líder, no quiere resucitar a un muerto que, según él, no le da suficiente dinero para vivir.


"The Floating Head" - King Diamond.

[KING DIAMOND] Cuentos, brujas, horror, ocultismo. Palabras que rodean a King Diamond y su banda, cuyo primer disco fue, No Presents For Christmas, publicado en diciembre de 1985. Se trató solo de un simple, pues la primera producción completa se llamó Fatal Portrait y vio la luz el siguiente año. En él se desenvuelve la historia de Molly, el espíritu de una niña que vivió presa en un desván.

Well, I have not seen an alien, but again I cannot say they do not exist simply for the fact that we don’t even know how big the Universe is, so to say that they cannot exist in this Universe we as humans can’t comprehend [is ridiculous]. We were never built that way, that we would have a chance to understand the Universe. There is always the question of where does it end… well, what is on the other side? Why wouldn’t there be a place over there so far away that we might never experience it? I think it is certainly possible. But I certainly have had many experiences with ghosts and a lot of them you find in the album.

- King Diamond en entrevista sobre Give Me Your Soul...Please.

Hasta el final de la década, King Diamond lanzó discos a razón de uno por año. En 1987, Abigail; en 1988, Them; Conspiracy, en 1989; y, The Eye, en 1990. Aunque con, The Dark Sides, un EP lanzado antes de Conspiracy, King tuvo un pequeño problemita. Y lo tuvo recién llegado a Los Angeles, en donde la banda se reubicó para servir mejor al mercado norteamericano.

The Dark Sides incluyó, entre otros, "Halloween" y "Them", lanzados anteriormente. La carátula del disco, en la que aparecía el rostro pintado del vocalista, le fue una máscara muy parecida a una que Gene Simmons (el eterno bajista de Kiss) conocía muy bien. Y, el eterno bajista de Kiss, adujo que el maquillaje de King era muy similar al que lo hizo famoso (a él). Y, tras deliberaciones, King optó por cambiarle un par de líneas a su blanquinegra mascarilla. Entonces llegaron las cruces inversas en las mejillas y eso...

Miembros iban y venían, y discos también. Entre el 95 y 96 publicó, The Spider's Lullabye y The Graveyard. En 1998 produjo Voodoo y, dos años después, House of God. La historia de King Diamond, que va camino a sus bodas de plata, continuó en 2007 con el lanzamiento de Give Me Your Soul...Please, el que apareció en junio en ambos lados del Atlántico, aunque con diferentes compañías discográficas.


"Give Me Your Soul" - King Diamond.

Alejado de todo mal (a excepción de la hernia en la espalda, que obligó a cancelar su gira de abril de este año), pero cerca de los espíritus, King Diamond sigue su vida en su residencia de Dallas, Texas, entre la música de su grupo, composiciones (las que en muchos casos recibe la colaboración de LaRocque) y cuidando esas líneas del maquillaje. En Austria, en el Rock In Allhau Festival, llovía -como se dice- a cántaros. Al turno de King Diamond, la lluvia automáticamente dejó de caer. A los ojos de los asistentes, pareció como si los fémur en forma de cruz que soportan su micrófono hubieran hecho el milagro.

Como decía aquel artículo sobre Neil Young en Pelo, la vieja revista argentina dirigida por Osvaldo Ripoll: Ámelo u ódielo... pero haga algo. Aunque sea pídale que nos libre de todos los males. Stay Heavy!

Javier Lishner
Santa Clara, California
9 de junio de 2008

Sunday, June 08, 2008

Bo Diddley
LA DESPEDIDA DE UN GRANDE

La pérdida de cualquier ser humano es siempre triste. Aquello sucedió el pasado 2 de junio cuando las noticias informaron sobre el fallecimiento de Ellas McDaniel, bautizado Ellas Bates y conocido en el ambiente de la música como Bo Diddley. Recién ayer se le dio el último adiós en Gainesville, Florida. Durante cuatro horas, amigos y familiares del músico, cantaron, bailaron y celebraron la vida de una de las piedras angulares del rock and roll. No en balde fue conocido también con el remoquete de "The Originator".

Con sombrero, el cuerpo del pionero yace en Gainesville. (FOTO: AP).

Dice the Associated Press que, ante la presencia de varios cientos de personas, una banda de música gospel se encargó de interpretar "Bo Diddley", primera canción grabada por el fallecido músico. Al paso de su inerte cuerpo, la multitud aplaudía y gritaba Hey, Bo Diddley!

Garry Mitchell, uno de sus nietos, hizo hincapié que, en 1955, su abuelo mantenía a las multitudes rocking and rolling, incluso, antes que Elvis Presley. A su turno, Pegeen Hanrahan, alcaldesa de Gainesville, dijo que "cuando se pregunta, Who do you love?, la respuesta eres tú, Bo". Fue en mención a uno de los famosos temas de Diddley. El funeral fue seguido de un concierto dado por su grupo de acompañamiento y algunos invitados.

Eric Burdon, es otro de los viejos rockeros que no pueden olvidar la influencia de Bo Diddley. De su generación son muchos los que han dedicado sendas palabras para el acaecido artista. Mick Jagger, Jeff Beck, Bruce Springsteen, y Robert Plant, son solo algunos. El legendario vocalista de The Animals, quien atendió al servicio, dijo que fue seguidor de Diddley desde los 16 o 17 años de edad. "Es posible que uno de mis primeros discos haya sido uno de Bo", le dijo a la audiencia. Burdon compartió con todos su experiencia de haberlo visto el año pasado en Australia y "aunque no se le veía muy bien de salud, puso tremenda energía en el show", dijo el líder de una de las bandas más populares durante la llamada invasión británica (seguramente la tercera, solo seguida de los Beatles y los Stones).

Amén de sus lentes de marco grueso, el sombrero negro, y su guitarra rectangular, Diddley también fue conocido por sus sensuales movimientos en escena. Algunos presumen que Elvis fue influenciado en ello. "Bo se caracterizó por su agresividad en el escenario... Si es que estaba con los Stones, ponía a Keith Richards en su sitio", afirmó Burdon ayer.

Pero no todo era agresividad. Diddley también tuvo su otra parte. Era de las personas que siempre andaba sonriendo y se paraba en la tienda para conversar. Amaba a Dios y a su familia, se dijo en el funeral. Diddley estuvo casado cuatro veces y tuvo cuatro hijos, quince nietos, quince bisnietos y cuatro tataranietos. Buenas razones que tuvo para amar a su familia.

En el nuevo milenio junto a B.B. King (FOTO: AP/Richard Drew).

En la ceremonia hubo muchos invitados, y, en lo que todos coincidieron, fue en la energía y la fuerza que Diddley ponía en cada interpretación. Dijeron que solía decir, "esto es lo que me ha dado Dios para mantener a mi familia... y tendré que hacerlo hasta que Él diga que es suficiente". Y así fue.

Diddley, será recordado no solo por sus canciones y la influencia que tuvo en el origen del rock and roll, sino también por su generosidad manifestada en eventos caritativos como conciertos para los necesitados, y su labor con grupos de jóvenes. Y, por supuesto, como dice la noticia, por la pasión con la que hablaba con casi cada persona que conocía. Sin duda, simple y sencillo, un grande a quien me tocó conocer en tinta hace 33 años gracias a la revista Pelo de Argentina.

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de junio de 2008

NOTAS RELACIONADAS:
- Bo Diddley: MUERE PIONERO DEL ROCK AND ROLL
- BO DIDDLEY: Respuestas del corazón
- Bo Diddley: LEYENDA DEL ROCK EN CUIDADOS INTENSIVOS

Saturday, June 07, 2008

YES CANCELA GIRA DE 40 ANIVERSARIO


Hasta hace dos días tenía la mejor predisposición de estar en primera fila el próximo 19 de agosto, cuando Yes llegara a la Bahía de San Francisco para realizar el espectáculo de celebración por sus cuarenta años de formado. La reunión estaba programada a realizarse en el Shoreline Amphitheatre de Mountain View, en donde dos semanas después les seguiría la tropa encabezada por Judas Priest para el Metal Masters. Sin embargo, el reposo necesario del vocalista Jon Anderson (63), luego de su reciente ataque de asma, originó la cancelación de la gira que el grupo inglés tenía planificada iniciar en Quebec el 12 de julio. A continuación la nota oficial de prensa que nos devuelve a la última fila.

YES Cancels 40th Anniversary Tour

NEW YORK, NY. -– Legendary rock band YES announced that the group will unfortunately be canceling their 2008 40th Anniversary Tour. The 26-city tour was scheduled to kick off in Quebec next month and run through the summer.

Said Jon Anderson, “In the wake of my recent respiratory attack, doctors have advised me to spend the coming months resting and recovering. Unfortunately, this means I won’t be able to tour with Yes this summer as originally planned. I’d like everyone know how deeply disappointed I am by this turn of events. I was looking forward to celebrating our music with the amazing family of Yes fans once again; but as we all know, health must come before anything else. Wishing you all the very best…”

Said Chris Squire, “We were all looking forward to performing for our fans after a prolonged leave of absence from touring. I am especially regretful of the fact that I know many of our fans and friends have probably laid out non-refundable airfares and hotels, etc. in order to enjoy the Yes shows this summer. Please join me in wishing Jon a speedy return to health, which at this point in time is our main concern.”

Yes frontman and founding member Jon Anderson was admitted to the hospital last month after suffering a severe asthma attack. He has now been diagnosed with acute respiratory failure and was told by doctors this weekend that he needs to rest and not work for a period of at least six months or suffer further health complications. Upon receiving this news the band has determined that their tour plans need to be put on hold.

Ticket refunds will be available at the point of purchase.


Una lástima. Todo sea por la mejoría de Jon y por el bien de la banda. Ojalá que si la reprograman, incluyan a Rick Wakeman en el elenco artístico. Después de todo, el músico de 59 años, presidente de la Classic Rock Society, tuvo mucho qué ver con el sonido del grupo. Felices cuarenta, muchachones.

Javier Lishner
Santa Clara, California
7 de junio de 2008

NOTAS RELACIONADAS:
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Friday, June 06, 2008

Diana García de Palacios
CINCO AÑOS HACE DE SU PARTIDA


El 7 de junio de 2003, podría asegurar que por el educado músico Rulli Rendo, me enteré a lo lejos de la partida de uno de los seres más queridos que encontré en la historia de los micrófonos, los discos, y la radiodifusión: Diana García de Palacios. Como a tantos, antes y después de ella, una enfermedad mermó su salud y nos la robó antes de tiempo. A la distancia tuve la oportunidad de comunicarme con Diana, no tanto como si hubiera estado en Lima, pero lo suficiente como para saber de ella y de su adorable familia.


Con el músico Saúl Cornejo, la periodista Aury Tang y los maestros Rojas y García. (FOTO: Víctor Becerra/Archivo Perú Rock).

Hoy, han pasado cinco años desde aquella vez que la radio musical y deportiva del Perú, estuvo de duelo, porque Diana, aunque dio su vida por la música, fue la primera dama en el Perú -y, posiblemente en Latinoamérica- que anduvo metida entre narradores de fútbol, comentaristas deportivos y cables en medio de estadios, lo que hace treinta y cinco años era una labor exclusivamente dedicada a los hombres. Fue la dama pionera en locución comercial deportiva. Que lo ratifique Rulito (Pinasco), porque don Eduardo San Román, otro de sus compañeros de mil y un faenas, partió antes que ella. Desde Rock Around the Blog, Diana -y con el perdón de los visitantes-, nunca nos cansaremos de hablar de tí.

COSAS DE LA VIDA: Recordando a Diana García

Sigo convencido de que llegué a la radio debido a que la Frecuencia Fina de América se llevó de Radio Miraflores a la tan prestigiosa Diana García. Era 1980 y, de manos de Diana, también se fueron, el locutor Speedy González y, los operadores técnicos Raúl Rosales y Chepito Ríos; estos dos últimos, nombres con los que, junto al de Diana, yo había crecido escuchando la radio.

Junto a la inolvidable propulsora del rock por excelencia, Diana García de Palacios, el 13 de agosto de 1993, luego de un especial radial de dos horas dedicado al festival de Woodstock 69. (FOTO: Víctor Becerra/Archivo Perú Rock).

Ricardo Palma, no solo era el nombre del tradicionista peruano del siglo 19 sino también era el dueño de Radio Miraflores, popular emisora enquistada en la calle Alcanfores. Fue él, Buby, como muchos lo llamaban, el que le encargó a Enrique Llamosas, uno de sus experimentados locutores, a dirigir un concurso de Nuevas Voces para cubrir los espacios que habían quedado vacíos. La voz promocional de Pedrito Roncallo, otra institución de la radio, fue la que una noche me motivó a inscribirme en aquel evento en el que participamos 492 individuos y del cual fui uno de los felices ganadores. De aquella competencia se recuerdan nombres como los de Dennis Alberto Contreras (a) Randy Calandra, Henry Venegas y Jorge Muñiz, quien actualmente hace cine en Toronto. También estuvieron hasta la fase final, la (tempranamente) desaparecida Vicky Obregón, y el posterior congresista Gustavo Pacheco.

Pero no fue hasta 1983 en que, durante mi primera crisis con Palma, llegué a las instalaciones de la FM de América para conocer personalmente a Diana, a quien había visto solo una vez, en el entierro de la señora Nélida Cancino, madre adorada de Johnny López, mi colega y amigo. Me quejé con Diana de Buby y solo recuerdo una frase que me impactó: "El corazón de la radio no era tan grande como nosotros pensábamos", literalmente me dijo, en directa alusión al popular slogan de "la radio chiquita de corazón grande". De ahí nació una relación. Al poco tiempo yo ingresaba al elenco de Radio Panamericana, instalada a poco más de una cuadra desde donde Diana salía al aire en los 94.1 del dial. Asumí la conducción de Buenos días, día -de lunes a viernes desde las siete de la mañana-, y la responsabilidad en el Departamento de Programación, trabajo que también había desempeñado hasta mi último día en Radio Miraflores.

A fines de 1985 llegó mi salida de la emisora de Mariano Carranza (Radio Panamericana), por la culpa de un chupamedias. Al día siguiente, Sammy Sadovnik, en el mayor acto de lealtad que jamás experimenté, y en claro apoyo a mi integridad, presentó su carta de renuncia. Una semana más tarde, ambos, iniciábamos Instantes (y luego Perú Rock) de vuelta en Radio Miraflores, la estación que nos había visto comenzar nuestras respectivas carreras. Luego, tomaríamos el mando de la programación de manos de David Lemor, a quien no mucho tiempo antes habíamos recomendado en la emisora. En tanto, Diana, seguía en América, radio y TV.

El "paquetazo" del gobierno de Alan García, en septiembre de 1988, me hizo alejar de R.M. por segunda vez. Sammy, para ese entonces, ya había partido para hacer televisión, bajo la dirección del maestro Pablo de Madalengoitia, en un programa llamado Agenda Personal, al que ambos fuimos originalmente invitados. Yo, siguiendo los consejos de mis socios de aquel momento, desistí de esa oportunidad. Eran los tiempos de mis socios de aquel momento, CATS Producciones, y de las giras con los artistas nacionales. Tras dos meses de constantes reuniones con Canal 13 (a través de Sonia Freundt), Branny Zavala, el mandamás de la empresa, me ofreció Mirando la Radio. Después de casi un año de (muy) gratas experiencias en el canal de Pueblo Libre, pero también de (contínuos) cambios en la programación, decidí alejarme de la pantalla chica. Al mes siguiente, una llamada del productor Fernando Guille cambió mis planes, y empecé -como nunca antes- a gritar diariamente (en horario estelar). Sucedía en los sets de Panamericana Televisión. Después de casi un año, el elenco empezó a ir en aumento, y nuestros minutos en pantalla en el sentido contrario. Presenté mi renuncia y me fui a recluir a la casa de la calle Marconi. Un mes después, por gestión de Gastón Medina, me contrató Radio Efextos FM de Ica y, durante seis meses, me fui como Director a la ciudad de las tejas. Esa fue otra grata experiencia. Tuve constantes visitas de artistas nacionales como Julio Andrade, Mónica Gamarra, Rocky Belmonte, Toño Vega, el grupo S.O.S., y otros más.

Con Diana, Hugo Salazar y Alex Guadalupe, en marzo de 1994. (FOTO: Luis Guadalupe).

Cumplido el contrato, tras dejar encaminada la radio iqueña, regresé a Lima y, sin si quiera imaginarlo, pasé la peor época de mi carrera. Nadie me recordaba. Solo Chabela, la dueña del puesto de periódicos de la esquina, y, Poma, el chofer del ex-presidente Morales-Bermúdez -vecino de la acera de enfrente-, seguían siendo fieles aliados sin saber que mi procesión iba por dentro.

Un buen día de abril de 1992, luego de reunirme con Sammy Sadovnik en América Televisión, me encontré en los pasillos con Diana. Me invitó a tomar un café, y, mientras caminábamos, siempre llamándome Javiercito, me preguntó si quería volver a Radio Miraflores. Le dije que no. En realidad, que no sabía. Sería la tercera vez que regresaría a trabajar con Buby, y, en esta ocasión, también con sus hijos. Ella había regresado a la radio de sus grandes éxitos, y estaba muy ilusionada. Había vuelto con Tú, yo y mis discos, y Memories (de 5 a 7 p.m.). Una semana después, volvió a comunicarse conmigo y me insistió a que volviera. Yo lo necesitaba en todo el sentido de la palabra, pero no quería hacérselo notar a ella y, menos, a su Director-Gerente. Dos días más tarde, recibí la llamada del ingeniero Palma ofreciéndome un espacio. Conversamos y me metí como un tubo en la programación. Diana me había hecho un milagro.

Era una nueva década. De inmediato, Johnny López, mi amigo y colega, me ofreció la sociedad en Talentvs, una institución artístico-educativa, la cual también acepté. Trabajé los dos últimos años de mi vida en Perú, entre Talentvs y la radio que me vió crecer, y a la que, a decir de la última grabación, dejé con cuatro auspiciadores. El 20 de abril de 1994 junto a Diana y Armando (su esposo), y a Hugo Salazar, fui a ver al dúo America en El Muelle Uno. Sin saberlo, ese sería mi último concierto en el Perú.

La primera semana de junio, cuando me preparaba para venir a Estados Unidos, y antes de despedirme de la audiencia y compañeros de radio a través de El Gusano Eléctrico -nombre del programa que conducía-, en la casa de Diana, con Armando (su esposo), Lucho Guadalupe y su hermano Alex, y el mismo Hugo, se realizó la última de mis despedidas. Terminamos al día siguiente. Allí, oliendo a amanecida, le regalé a Diana el afranelado e inmenso gusano que siempre tuve en mi oficina de la Asociación Talentvs y que, alguna vez, una alumna me había obsequiado. Grande fue mi sorpresa cuando al año siguiente, luego de asistir a la operación de cuatro marcapasos a mi padre, la visité en su casa de Las Amapolas. Era julio de 1995. En una repisa, estaba el gusano. Fue la última vez que lo vi.

En dos semanas mi padre cumplirá 81 años y, hoy, Diana se nos fue para siempre. Cosas de la vida.

Javier Lishner
San Jose, California
8 de junio del 2003

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SAN MARCELINO: No nos dejes caer en tentación

Hace más de tres décadas, en un día como hoy, debíamos afilar nuestras cuerdas vocales y, como ningún otro día del año escolar, cantar a voz en cuello el himno del colegio.


Desde que llegamos al kindergarten y hasta nuestro último año en la escuela, cada 6 de junio habríamos de esmerarnos para la interpretación del himno Marista -como diría el cantautor- a todo pulmón. Es que era el día de nuestro padre fundador, Marcelino Champagnat.

Me lo presentaron cuando era beato, ese nivel al que llegan algunos suertudos que dedicaron su vida a hacer obras de caridad y se alejaron de los placeres mundanos. Claro, el nivel es imaginario; sin embargo, a pesar de eso, alienta al pueblo católico a seguir los pasos del susodicho.

Marcelino José Benito Champagnat nació el 20 de mayo de 1789 en el municipio francés de Marlhes. Para hacer corta su historia, se entregó al Señor prácticamente desde los 17 años luego de ingresar al seminario menor de Verrières. Una década más tarde, sería ordenado sacerdote. Al día siguiente -junto a otros de sus compañeros- hizo la promesa de constituir la Sociedad de María consagrándose a la madre del Hacedor y proponiendo la creación de los Hermanos Maristas "para la educación cristiana y la alfabetización de los niños de las zonas rurales".

Recién, el 2 de enero de 1817 funda los Hermanos Maristas. A ellos se dedicó por completo hasta el último día de su vida, un 6 de junio. Dicen que, en el plano educativo, "adoptó un nuevo método de lectura, el fonético-silábico, en remplazo del tradicional del deletreo; introdujo la enseñanza del canto en la escuela, la educación física, la teneduría de libros y la agrimensura (topografía). Introdujo igualmente el catecismo mariano, hizo practicar la disciplina preventiva y prohibió todo tipo de castigo físico" (cosa que algunos profesores del siglo XX nunca supieron). Falleció en 1840 y, tras el usual proceso que la Santa Sede realiza sobre los candidatos a subir a sus altares, fue hecho beato por el Papa Pío XII el 29 de mayo de 1955. Los Maristas, que habían llegado al Perú en 1909, para ese entonces, ya habían fundado algunos de sus más representativos colegios: el San José del Callao, en 1909; el San Luis de Barranco, en 1923; el Champagnat de Miraflores, en 1927; y, el San Isidro, en 1934.

Y, aunque estamos lejos de creer en estos títulos otorgados por el Santo Padre para mantener la fé de nosotros los bautizados, debo ser honesto en decir que los Hermanos Maristas nunca fueron ni sectarios ni fanáticos, siempre dieron lo mejor de sí a sus alumnos, y, a excepción de ese director que nos pusieron en 1973 -que nunca supo el lema de Champagnat, "Para educar hay que amar"- todos los curas fueron de grata recordación.

El 18 de abril de 1999, S.S. Juan Pablo II elevó al beato a los altares (canonización que le llaman), desde donde seguramente San Marcelino velará por nosotros y permanecerá hasta el fin de los tiempos.

Javier Lishner
Santa Clara, California
6 de junio de 2008

Thursday, June 05, 2008

ALICE COOPER: Perdónanos nuestras deudas

Billion Dollar Babies fue el primer disco de Alice Cooper que llegó a la casa, y, como algunos otros, llegó fuera de tiempo. En el Perú, el gobierno militar de ese momento, pro-soviético, no hacía fácil conseguir piezas de rock and roll. La placa, que en 1973 había llegado al tope de las listas en ambos lados del Atlántico, incluyó "Elected", "Hello Hooray" y "No More Mr. Nice Guy".


Alice Cooper, cuyo nombre original es Vincent Furnier, nació en Detroit, Michigan, en 1948. Es uno de aquellos de la promoción que este año está cumpliendo 60. Steve Winwood los acaba de celebrar en mayo y, Ozzy Osbourne, los cumplirá en diciembre. Creo que es uno de los artistas que experimentó con distintos tipos de música sin tener que desviarse del rock.

Desde Pretties for You, su primer disco en estudio grabado en 1968 y lanzado un año después, hasta Along Came a Spider (Alice Cooper album) que ya terminó de grabar y que aparecerá en julio, es una larga historia que merece una completa atención. Sin duda, es uno de los capítulos más interesantes del rock and roll. Dicho capítulo incluye sus inicios en un grupo de nombre Nazz, el que tuvo que cambiar al descubrir que Todd Rundgren llamaba así a su banda; la llegada a las manos de Frank Zappa, quien les firmó contrato para sus tres primeros discos; la elección de Alice Cooper como nombre, tomado de una bruja del siglo diecisiete, según dicen algunos, en las que Vincent Furnier se encarnó jugando a la ouija; su admiración por el arte surrealista que influyó en su puesta en escena; sus puestas en escena, que fueron ejemplo para otras bandas que le siguieron (Kiss, entre ellas) y, además, un nuevo estilo de rock denominado shock rock (King Diamond y Marilyn Manson saben de ello). Aunque, antes que nadie hubo un nombre que jugó con todo eso y fue Screamin' Jay Hawkins, el verdadero pionero. Con eso y muchísimo más, Alice Cooper se convirtió en uno de los artistas que nunca dio tregua al tiempo.

Melody Maker - 3 de marzo de 1973.

Aún recuerdo la vez que recibí de mi hermano el disco importado Flush the Fashion, publicado en 1980, que marcó otro drástico cambio en la música de la banda. Alice Cooper, siguiendo el camino de Gary Numan, le hizo el juego al new wave. En el Perú, Gerardo Manuel andaba con un bisoño programa de televisión llamado Disco Club (que está cumpliendo 30 años. ¡Aleluya!). Ahí, el productor y presentador limeño (aunque algunos afirman su origen en Ica, Perú), presentaba el tema clave del disco, "Clones (We're All)", que se ubicó en el Top 40. La placa, que llegó a mis manos al lado de sus contemporáneos Love Stinks de J. Geils Band, Duke de Genesis, y 21 at 33 de Elton John, fue producida por Roy Thomas Baker. Baker era el productor de moda con el éxito que le estaba dando a los primeros discos de The Cars y su trabajo en los primeros cuatro de Queen, incluido A Night at the Opera.

Pretender hacer una lista de los músicos que pasaron por las filas de Alice Cooper sería un poco difícil, pero hay unos cuantos que no podrían pasar desapercibidos. Entre ellos, Glen Buxton, el original guitarrista de la banda, que grabó los primeros siete discos, incluyendo Billion Dollar Babies; Dennis Dunaway, bajista, quien ayudó a escribir clásicos como "I'm Eighteen" y "School's Out"; y, Kip Winger, el bajista que lo acompañó entre 1985 y 86 para los discos Constrictor y Raise Your Fist and Yell, respectivamente. En la actualidad, la banda de Alice está compuesta por los guitarristas Keri Kelli y Jason Hook, el bajista Chuck Garric, y el popular baterista Eric Singer.

Welcome to my Nightmare, de 1975.

Desde hace cuatro años, Vincent Furnier, es, además, un popular disc jockey. Su espacio, Nights with Alice Cooper, es un sintonizado programa. Mientras tanto, alejado del alcohol, sigue haciendo música, jugando al golf y, sinceramente no sé si practicando la ouija. El 6 de julio se lanza a su nueva gira, iniciándola en la rockerísima ciudad de Kavarna, en Bulgaria.

A Alice Cooper le deberíamos otra entrada con mayor especificación de sus teatrales shows y su discografía completa, incluyendo los álbumes School's Out y Welcome to my Nightmare, y los simples "I Never Cry" y "How You Gonna See Me Now". Esa deuda espero que, al menos por ahora, se nos sea perdonada.

Javier Lishner
Santa Clara, California
5 de junio de 2008


Wednesday, June 04, 2008

GONZALO FARFÁN:
"Algún día todo el mundo se va a empinchar y no van a grabar nada"

No hace mucho encontré el siguiente artículo en la Internet y lo tomé -por decirlo de un modo decente- para publicarlo en Rock Around the Blog. Es sobre Gonzalo Farfán, peruano, cantante y guitarrista, fundador de G3, y actual miembro de Inyectores, banda punk que, ya hace buen rato, formó al lado de Gabriel Bellido, su ex-compañero en G3.


"Última parada" - Inyectores

Lo último que recuerdo de Farfán es que en 1992, cuando se anunció la llegada de la película The Doors a Lima, nos reunimos con la idea de planificar un show con un grupo que interpretaría algunos de los clásicos temas del combo californiano (Todavía, ni remotamente, se pensaba que algún día Manzarek y Krieger irían a tocar en Perú, como lo hicieron este año). Incluso, habíamos hecho los contactos para iniciar nuestro temporal proyecto el día de la presentación oficial del filme. Desafortunadamente, la repentina propuesta para dirigir una radio en Ica (ciudad al sur de Lima) me obligó a dejar la idea a medio camino. Los músicos siguieron y, así, nació Backdoor Men. Todo lo demás que he sabido de Farfán, ha sido a través de la Internet o de la familia, porque Gonza es lo que llaman el primo hermano.

Escribe: Daniel.

En una vieja casona de la avenida Reducto en Miraflores, Gonzalo Farfán, vocalista de Inyectores, la banda punk de más éxito en la escena local actual, se sienta frente a su lap top en un cuarto completamente rojo y ahogado de posters de música. Hay dos guitarras en el piso, una eléctrica y otra acústica. Parece que estuvieran así siempre, que ese es su lugar. Parece que la música rodea a Gonzalo de manera natural.

Gonzalo Farfán estaba destinado a ser músico. Hijo de padre fanático de los Beatles y madre apasionada por los Rolling Stones, creció en un ambiente lleno de música, pero sobre todo, lleno de Rock and Roll.

“Mi primer acercamiento con la música fue como fan y a manera de “chongo” con los vecinos de mi barrio empezamos a tocar con baldes y cosas que encontrábamos. Pero oficialmente empecé en quinto de media, a los 17 años”.

Fue a esa edad que Gonzalo, junto a amigos del colegio, decidió formar su primera banda de rock a pesar de que nadie en la banda sabía tocar aún.

“Habíamos ido a aun ensayo de una banda llamada MASACRE y al día siguiente fuimos a una casa de ensayo que quedaba en La Victoria. Primero formamos la banda y luego aprendimos a tocar. Un día fuimos a una casa de ensayos que quedaba en La Victoria. Ahí nos pusimos a “Jammear” un poco. Nos vaciló y dijimos para formar la banda que se llamó Autopsia. Todo fue muy rápido”.

Eso fue en octubre de 1984. Autopsia duró cerca de un año y llegaron a producir un demo que se popularizó en el mundo punk limeño. Para 1985, aprovechando una corriente muy fuerte de ese género musical, nació G3, formado por Gabriel Bellido, Guillermo Figueroa y Gonzalo Farfán.

“Con G3 empezamos a ensayar más seguido. Hicimos un demo en el 87, después de dos años de formados, y empezamos a mandarlo a contactos que teníamos afuera. No había Internet, ni el formato digital de ahora, así que lo que hacíamos era mandarlo por correo a gente que intercambiaba música por todo el mundo”, cuenta Farfán con ojos de nostalgia y sonrisa de añoranza.

Luego de grabar cinco discos con G3, hacer giras por Chile y Argentina, tocar en el décimo aniversario de Ataque 77 en el Estadio de Ferrro y ganar muchos fanáticos dentro y fuera del país, la banda se desintegró.

“Después de 14 años, Guillermo decidió irse a España porque quería estudiar allá. Nos sorprendió a todos. Fue muy rápido, no teníamos idea de que iba a pasar eso. Pensamos en reempezarlo hasta que venga. Pero Felipe Villarán, quien se había integrado a G3 hacía unos años, dijo que ya no sería lo mismo y se quitó para hacer Fuckin Sombreros y quedamos Gabriel y yo que hicimos Inyectores. Sin embargo, sucedió que a los seis meses regresó Guillermo y nos encontró cada uno con su banda. Si hubiéramos sabido que regresaba tal vez podríamos haber seguido como G3”.

Esta nueva etapa le permitió seguir haciendo la música que le gustaba junto a Gabriel Bellido y Gerardo Rojas, amigo de ambos. Sin embargo, Farfán reconoce que es duro empezar una nueva banda.

“Es difícil porque tienes que acostumbrarte a las personas con las que trabajas. Es como una familia. Te has acostumbras a las mañas y las idioteces de cada uno. Pero depende con quien trabajes. Hay gente problemática y gente fácil para trabajar. Yo trato de hacer las bandas, no con los mejores músicos, sino gente que sean mis amigos”.

Gonzalo Farfán puede presumir que se parece a Superman. Ha pasado una gran parte de su vida repartiéndose en dos mundos: de día: un tranquilo y sereno empleado de banco con saco y corbata. De noche: un cantante apasionado por el punk, el rock y los ensayos.

“Todos los de la banda, y en otras bandas también, tienen miembros con otras carreras, porque acá vivir solo de tu música es fregado. Hay abogados, mecánicos, ingenieros, diseñadores, fotógrafos. Y todos trabajando fuera de la banda. Yo he estado 17 años trabajando de terno y corbata. Pero, este año hemos formado un estudio de grabación y ahora me dedico a eso, a producir a nuevas bandas”.

Lamentablemente, la pasión y dedicación por la música no son suficientes sino se les acompaña de apoyo. Ni las radios, ni las municipalidades, ni el gobierno ayudan, opina Gonzalo, en fomentar el desarrollo de la música punk en nuestro país.

“Acá hay un montón de bandas, tantas como en el extranjero. Pero allá tienes más locales, acá quieres hacer un concierto en un local privado o municipal, y los primeros que te ponen trabas es la Municipalidad. Constantemente en conciertos donde hemos tocado llegan los de serenazgo. Incluso, teniendo permiso de Defensa Civil, de la municipalidad, igual. Desalientan, en vez de alentar la música local”, sostiene con una voz indignada.

Estos problemas para la difusión han provocado un efecto contradictorio. Nuestros artistas se sienten más apreciados fuera de su país.

“Me siento más apreciado en otros países. Afuera nuestra música da vueltas en las radios. Hemos pensado en irnos a vivir a otro lado, como muchos ya se han ido. Pero nosotros nos identificamos con lo que hemos empezado, soy parte de las personas que empezamos a formar esta escena. Sentiría que abandonamos lo que comenzamos”.

No obstante, el vocalista de Inyectores tiene muy claro qué temas puede soportar y cuales no. Y, uno de los que nunca podrá soportar es el de la piratería.

“Acá es al revés, en cualquier parte del mundo un músico gana por sus conciertos y la venta de discos, pero acá la piratería ha tirado los precios al piso. Tanto que apenas recuperas tu inversión y una minucia para ver si puedes invertir otro disco o pagar los gastos de la banda”.

Esta situación, tan crítica, ha llevado a algunas bandas a colgar su música en páginas webs. Hartas de que les roben su música, prefieren regalarla.

“Hay bandas que ya se tiraron al abandono. Antes que me roben te regalo mi música. Algún día todo el mundo se va a empinchar y no van a grabar nada. Y ya hay bandas que no graban y solo hacen conciertos”.

"Bombardero" - Inyectores.

Pero la música no solo se ve afectada por la piratería, sino también por agentes que no deberían influirla. Sucede que en nuestro país existen tantos casos de fraudes con tarjetas de crédito, que ahora Gonzalo ya no puede comprar los discos que antes compraba por Internet.

“Antes compraba por internet. Encontré una tienda que vendía todo lo relacionado al punk y mensualmente comparaba 1 o 2 discos. Pero ahora ya no puedo, ya no aceptan tarjetas de crédito del Perú porque hay mucho fraude. Tratas de comprar y te sale el mensaje que su país no está calificado para aceptar tarjetas de crédito por la cantidad de fraudes cometidos. El peruano es muy sapo para la pendejada, no le gusta construir sino aprovecharse. Así vivimos”.

Así vive Gonzalo Farfán. Inmerso en un mundo que trata de devorarlo, que trata de consumirlo y que espera que en algún momento se de por vencido. Pero, aunque tenga problemas para organizar conciertos. Aunque las municipalidades lo tengan entre ceja y ceja. Aunque ya no pueda comprar los discos que le gustan. Y a pesar de que existe la piratería, Gonzalo recupera energías y vocación cada vez que toca su guitarra.

(Nota tomada de Catarsis: Descargas emocionales y mentales)

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de junio de 2008

NOTA: Para visitar las páginas de Inyectores en la red, presione aquí o aquí.


Tuesday, June 03, 2008

BREAD: El pan nuestro de cada día


Desde la primera vez que escuché "Baby I'm a Want You", me convencí de que era la mejor canción que había oído hasta ese entonces. Bueno, tampoco había oído mucho.

"Baby, I'm A Want You".

Era fines de 1971, y se preparaban los vigésimos Juegos Olímpicos de Munich para el siguiente año. El 72, Sporting Cristal se coronaría campeón del descentralizado peruano y, Universitario de Deportes, sub-campeón de la Copa Libertadores de América. Se realizaría el match del siglo en Reykjavik entre los ajedrecistas Fischer y Spassky, y mucho más. Una española irrumpía en las radioemsioras con "Soy Rebelde". Se llamaba Jeanette, tenía 21 años y había nacido en Londres; en tanto, Deep Purple, al que acababa de conocer en la radio con "When a Blind Man Cries", estaba de gira en Tokio y Osaka preparando el estupendo Made in Japan... En 1972 adquirí mi primer disco, un 45 rpm, de la argentina Tormenta.

Bread se formó en Los Angeles, California, en 1969. Lo integraron originalmente David Gates en voces, Jimmy Griffin en guitarras y Robb Royer en bajo. Su primer disco lo grabaron con la ayuda de Jim Gordon en batería. Al año siguiente, Mike Botts asumiría el puesto permanente de baterista, y Royer sería reemplazado por Larry Knetchel, un afamado músico de sesión que había colocado sus créditos en discos de Simon & Garfunkel y en el Pet Sounds de los Beach Boys, nada menos.

Fue con su segunda placa, On The Waters, con la que lograron su primer número uno. El tema fue "Make It With You", el que llegó a la casa, de manos del hermano mayor, en forma de disco simple. Era 1970. La voz de David Gates, y las profundas melodías del grupo, comenzaron a llamar la atención robando algunos corazones, entre ellos, el mío. Era una época de transición en la música, en la que las muertes de Jimi Hendrix y, dieciséis días después, de Janis, habían puesto punto final a la psicodelia. Los Beatles estaban por separarse y, la música pop, tal vez por primera vez, andaba sin rumbo fijo. El boom de los cantautores aún no había explotado de la mano de Carole King, James Taylor y Carly Simon. Y muchos más, por supuesto (Gordon Lightfoot, Jackson Browne, Joni Mitchell, Cat Stevens, entre otros). Lo cierto es que, en esa transición, con su llamado soft-rock, Bread se ubicó en primera fila. A su lado anduvieron otros como Seals & Crofts, Steely Dan y los Carpenters, por coincidencia, dúos.

"The Guitar Man" - Bread

A fines del 71 apareció "Baby I'm a Want You", el primer simple del que sería el cuarto disco del grupo. Ya estaba Knetchel con ellos. "Everything I Own" y "Diary", del mismo álbum, también subieron en los charts. Su siguiente placa fue titulada Guitar Man, y siguió el camino exitoso del anterior. Ahí se encontraba una canción que llevaba el nombre del disco y que, para fines de año, Radio Miraflores (y no sé si alguna otra), la elegiría como la mejor del 72: "The Guitar Man". Fue esa emisora limeña la que, a la vez, ese año, mantendría por varias semanas la exclusividad de "Aubrey" ante su más férrea competidora en la capital peruana, Radio Atalaya (sin relación con el Reino de Jehová).

Con Bread, por su inmenso suceso en tan corto tiempo, sucedió lo que a muchos les empezaría a pasar (y a los Beatles les acababa de suceder): la tensión en el grupo y el desenlace, el colofón, el final. Fue ahí cuando Elektra Records decidió lanzar The Best of Bread y, a uno de los genios de la disquera El Virrey en el Perú, publicarlo en edición nacional. En mi cumpleaños pude completar el monto de 200 soles (la moneda peruana) y comprar el álbum que tenía esa peculiaridad de que la carátula o tapa se abría en dos. Fue mi primer álbum (S/.180.00 era el precio regular de los long plays). Afortunadamente The Best of Bread no se abría en tres, de lo contrario no me hubiera alcanzado el dinero... Supongo que a mis recién cumplidos doce años, era la posesión más valiosa que tenía. Normalmente, las propinas eran invertidas en galletas y chocolates. Porque ni a las películas para mayores de 14 me dejaban entrar... Pero aquella vez descubrí un lugar en donde comenzar a invertir mi dinero. Y quedaba solo una cuadra más lejos que el galletero.

1989. En casa con The Best of Bread en las manos. (FOTO: Revista Sí).

The Best of Bread fue tocado en una y mil fiestas a las que, desde ese preciso año, comencé regularmente a asistir. "Make It With You", "The Guitar Man" y "Baby I'm a Want You", fueron infaltables en esas reuniones de luces psicodélicas, tocadiscos, y niños vestidos de pubertad. Bread fue como el pan nuestro de cada día.

Javier Lishner
Santa Clara, California
3 de junio de 2008


Monday, June 02, 2008

Bo Diddley
MUERE PIONERO DEL ROCK AND ROLL

En Archer, Florida, Bo Diddley acaba de dar su respiro final. Uno de los últimos padres vivientes del rock and roll ha muerto. Inspirador de muchísimos músicos por los efectos de guitarra que él innovó, Diddley, murió meses después del infarto que lo dejó semi postrado desde agosto del año pasado. Tres meses antes, había sufrido una parálisis mientras se encontraba de gira en el Estado de Iowa.

Bo Diddley (1928 - 2008).

La noticia informa que los doctores declararon que la parálisis le había quitado la facultad de hablar y se encontraba en Florida para dar continuidad a su rehabilitación.

Diddley, conocido por su guitarra rectangular, lentes oscuros y sombrero negro, fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1987 y, posteriormente, recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. En 1999, le fue entregado el mayor galardón de parte de la organización de los premios Grammy. Aunque Diddley agradeció las distinciones, no dejó de comentar que que sus premios no pusieron "dígitos" en su cuenta bancaria. Y agregó con gracia, "If you ain't got no money, ain't nobody calls you honey".

Ellas Otha Bates, su nombre original, fue también conocido en las páginas del rock and roll como "The Originator". En una entrevista realizada en 1999, Diddley confesó que nunca supo porqué sus compañeros de escuela lo empezaron a llamar Diddley. Hay otros que tienen sus propias conjeturas. Su primer disco, publicado en 1955, se llamó así, "Bo Diddley".

Los que saben de música refieren que su ritmo fue el bomp ba-bomp bomp, bomp bomp, que, entre otros, Buddy Holly tomó para su famosa canción "Not Fade Away". Fue con ese tema, que los Rolling Stones ingresaron por vez primera, en 1964, a listas norteamericanas. Al año siguiente, otra banda inglesa de nombre The Yardbirds, con un guitarrista llamado Eric Clapton, entró a las mismas listas con "I'm a Man", uno de las originales composiciones de Diddley. The Who incluyó esa misma canción en su primer álbum, My Generation, lanzado en 1965.

Hoy, el tocadiscos dejó de sonar.

Otras de sus canciones fueron, "Say Man", "You Can't Judge a Book by Its Cover", "Shave and a Haircut", "Uncle John", "The Mule" y "Who Do You Love?".

En los libros y en la red hay muchas opiniones e historias sobre la vida de Diddley, varias de ellas con cierto rencor de parte del artista... por aquello de las regalías que nunca recibió y eso. Lo cierto es que, hoy, el rock and roll está completamente de luto. "The Originator" tenía 79 años.

Javier Lishner
Santa Clara, California
2 de junio de 2008

NOTAS RELACIONADAS:
- BO DIDDLEY:
Respuestas del corazón
- Bo Diddley:
LEYENDA DEL ROCK EN CUIDADOS INTENSIVOS

Sunday, June 01, 2008

EL SUPERHUAMÁN: Ficción o realidad

Hubo más de una Luisa Lane por las que quien suscribe hubiera podido defender de las garras de los villanos. Pero, aquella vez, hubo una que lo traicionó y lo puso en el banquillo de los acusados por siete días. Sucedió en 1990 mientras quien suscribe compartía su tiempo entre el programa de televisión, la radio y la prensa.

Ahora que el original Superman está por cumplir sus primeros 70 años desde que llegó de Kriptón, es agradable recordar con gracia lo que una publicación peruana presentó a sus lectores en la sección que hizo llamar El Superhuamán de la semana. Ya antes, otros periodistas como Sofocleto, por ejemplo, habían dedicado una sección de sus publicaciones para ridiculizar a algún personaje (en el caso de Sofocleto, por lo general eran políticos). La Metiche, afortunadamente, no pasó de ser una revista del espectáculo que entretenía por sus ocurrencias, más que por la importancia de sus noticias o revelaciones.

Aquella vez, el Superhuamán no tuvo que encontrar una cabina telefónica para cambiar de identidad. La periodista lo tomó, lo vistió y lo echó a volar. A la distancia y el tiempo, me alegro que, aunque hubo peores cosas, no las publicó. Después de todo, entre el Hombre de Acero y el Superhuaman, siempre hubo una semejanza de fondo: la de luchar hasta el fin por sus ideales.

Javier Lishner
Santa Clara, California
1 de junio de 2008

NOTA: Aunque no he consultado con mi wawqi Delfín Garay, cuzqueño de nacimiento y artista por convicción (y supongo que empresario por necesidad); el término "huamán", que ha de venir del vocablo quechua "waman", signfica gavilán o aguilucho cordillerano. En el Perú, "un huamán", al menos en el argot popular de hace un par de décadas, era un "aquí te las traigo", referido solo a los del género masculino.

Saturday, May 31, 2008

FRANKENSTEIN: Venga a nosotros tu Reino

Del área de Beaumont–Port Arthur, en Texas, no solo emergió
Janis Joplin. También hubo un par de hermanos, albinos los dos, que, haciendo blues, salieron a la palestra uno antes que el otro. Se apellidaban Winter y si bien, Johnny, el mayor, se dedicó a la guitarra; Edgar, el otro, se convirtió en multi instrumentalista y excelente compositor. Sin duda que 1973 fue su año. Con "Frankenstein" y, más tarde, con "Free Ride", escribió su propio episodio en la historia del rock.

"Frankenstein" por The Edgar Winter Group.

Edgar Winter nació en 1946. Desde pequeño tuvo afición por la música. Bueno, eso se dice de todos y no dice tanto. Habemos demasiados que de pequeños tuvimos afición por la música y no pasó mucho.

Winter lanzó su primer disco solista en 1970. Incluyó "Tobacco Road". Después de esa experiencia formó su propia banda a la que denominó White Trash. Con ellos publicó únicamente dos discos. Pero, fue en 1972, con la elección de Dan Hartman, Ronnie Montrose y Chuck Ruff, con los que haría historia. Se llamaron The Edgar Winter Group.

Aún recuerdo el impacto que me causó "Frankenstein", para comenzar, por el nombre. Y, luego, por su instrumentación. Era fines de 1972 e ingresaba por la puerta grande a la programación de la limeña Radio Atalaya, en los 1300 del dial. De inmediato se encaramaría en la relación de las veinte de la semana para luego ocupar el primer lugar de la lista que cada sábado en la mañana presentaba Roly Cadillo.

Por esos días, la imagen del rubio músico texano se hizo muy popular. No solo aparecía en sendos artículos sino en las carátulas de algunas de las más prestigiosas revistas de la época. Circus y Creem, entre ellas. Su disco They Only Come Out at Night de 1973 llegó hasta las primeras ubicaciones. Es muy posible que haya sido este Winter uno de los primeros músicos que puso al sintetizador como instrumento principal de una canción. Sucedió en "Frankenstein", en donde además se le ve simpatizar con los timbales y el saxo.

Al año siguiente, el guitarrista Montrose se fue a formar su propia banda (con un cantante de nombre Sammy Hagar). Lo reemplazó Rick Derringer, otro capacitado músico quien había producido el exitoso disco de the Edgar Winter Group. A "Frankenstein" le siguió "
Free Ride". De ese álbum hubo más exquisitos temas, entre ellos, "Alta Mira". Con Derringer grabó el siguiente titulado Shock Treatment. En él, Dan Hartman se lució como compositor. Y, si bien es cierto, el disco no obtuvo los lauros de su antecesor, tuvo buena acogida en las listas norteamericanas. Hartman es el mismo guitarrista que en 1984 popularizó "I Can Dream About You".

The Edgar Winter Band en 2000: Melvin Brannon, Mitch Perry, Winter y Rick Latham. (FOTO: Marko Shark).

No fue sino hasta el año 2000, cuando en una tarde de verano me tocó reconocer al mismo personaje que tantas veces había visto en publicaciones. Al poco rato me tocó ver su show casi en primera fila. Los que por ahí andaban, sabían muy bien de quién se trataba. Además, la carrera del albino artista no había acabado en los setenta. Siguió grabando y participando en un sinnúmero de películas, aunque, posiblemente, nunca sea mejor recordado que por "Frankenstein". Aquella tarde, en San Jose, California, pude finalmente apreciar todo su talento en la interpretación de esa especial melodía. Estaba con la Edgar Winter Band.

Viendo tan de cerca al menor de los Winter, se me vino a la mente aquellos días en que escuchaba la radio en un pequeño aparato a transistores y todavía soñaba con el momento en que me dejaran ingresar al cinema a ver películas para mayores de 14 años. Por esa razón, mientras "Frankenstein" hacía furor, no pude ver La Aventura del Poseidón, cuyo tema principal, "
The Morning After" -grabado por Maureen McGovern-, ya teníamos en casa. De pronto, Winter bajó del escenario y lo vi tan frágil, tan humano, tan real, que para siempre se me fue la idea de relacionarlo con el Prometeo moderno.

Javier Lishner
Santa Clara, California
31 de mayo de 2008

Thursday, May 29, 2008

IRON MAIDEN: Santificado sea tu nombre

Bruce Dickinson podrá no tener el cabello tan largo como lo usaba hace veinticinco años pero, por lo visto anoche en el coliseo de Concord, California, podría asegurar que sigue tan atlético, por lo menos, como cuando llegó al escenario de Rio en enero de 1985, y aún eran quinteto. Seríamos injustos comparándolo en escena con Mick Jagger, por los quince años menos que tiene, y ni si quiera con David Lee Roth, y sus otrora saltitos, quien le lleva cuatro años de ventaja. Pero la energía, la actividad que realiza, y la fuerza en la interpretación, a sus casi cincuenta, seguramente, muchos quisiéramos tener al llegar a esa edad.


El Concord Pavilion fue construido en 1975 en la ciudad de Concord, a 33 millas (53 kilómetros) al Este de San Francisco, y diseñado por Frank Gehry, el mismo arquitecto que tiene en su haber titánicas obras como el Museo de Guggenheim en Bilbao o el Experience Music Project en Seattle, Washington. El coliseo cambió de nombre a the Chronicle Pavilion y, luego, aunque suene gracioso, a una compañía de colchones. Se llama the Sleep Train Pavilion. Pero sigue siendo el mismo local para unas 13 mil personas. En el Concord Pavi... perdón, en el Sleep Train Pavilion han actuado muchos nombres famosos como Bob Dylan, Diana Ross, Eric Clapton, Fleetwood Mac, KISS y Stevie Ray Vaughan. También Prince, 'N Sync, Destiny's Child y Avril Lavigne. Bing Crosby, por ejemplo, hizo allí su último concierto americano.

Como hubiera dicho Roberto Livi, la de anoche fue una fiesta inolvidable; o, como se hubiera referido el maestro Iván Márquez, "la noche de anoche fue más que espectacular". Cual fiera, Iron Maiden salió a matar o morir. Esa fue mi impresión cuando sus ahora seis integrantes se aparecieron luego de la introducción con las palabras de Churchill durante la guerra (el 4 de junio de 1940), y se lanzaron sin compasión a interpretar "Aces High", escrita por Steve Harris -su bajista fundador-, y que fue parte del álbum Powerslave, de 1984. Acto seguido, "2 Minutes to Midnight", del mismo clásico disco, continuó con la introducción al programa. Los primeros minutos del show presagiaban lo mejor.


El setlist que habíamos abrigado fue reformado aunque la base siguió siendo la misma. Como dicen, el orden de los factores no altera el producto. Terminada la primera hora de show habían cumplido con unas siete u ocho canciones, entre ellas, "Revelations" y "The Trooper". Por el ala izquierda, derecha para el público, Janick Gers, "el polaco" nacido en Hartlepool, Inglaterra, hace lo que quiere con la guitarra. No lo habíamos visto pero sí sabíamos, por palabras de su compañero, el guitarrista Dave Murray, que es capaz de tocar desde una hermosa y suave melodía hasta el más feroz riff de guitarra. Como añadió Murray, Gers es de por sí un espectáculo.

De los otros músicos en escena, el que permanece más tiempo al lado de Gers, diría que es Steve Harris, el músico guerrero que fundó la banda a mediados de los setenta. Y es que Harris le sigue a Dickinson en movimientos sobre la tarima. El bajista alienta al público por donde quiera que pase. En la otra punta, comparten el estelar entre Murray y Adrian Smith, el guitarrista que dejó la banda en 1990 para volver nueve años después. Y Maiden decidió que su reemplazo, Janick Gers, se quedara para siempre. Ahora, con Murray, son tres los guitarristas. Atrás, en la retaguardia, aunque muy escondido con semejante escenario, se encuentra Nicko McBrain, el baterista que ya cumplió veinte años con la Maidenmanía.


Para la segunda parte dejaron temas como "Can I Play With Madness?, "Heaven Can Wait", "Powerslave", "Run To The Hills", "Fear Of The Dark" y "Iron Maiden". Y, así, se despidieron no sin antes haber podido percibir a Eddie, la inmensa mascota que por tanto tiempo los acompaña, quien hizo su aparición durante "Iron Maiden".

Lo dijo la gente:

- "I was right there in the front. Right at the barrier! It was phenomenal! Iron Maiden is God! Up the Irons!!!"

- "This show rocked! Best concert ever! IRON MAIDEN!"

- "These guys are like fine wine, better the older they get!!!"

- "Fucking loved being there... I had lawn seats with two friends of mine. Probably the best live performance I have ever seen."

- "This show was so epic, especially the gigantic 12 foot robot Eddy walking around. and the demons, and Bruce, and everything else, this show kicked ass."


Como se presagiaba, el público no se movió. En realidad, el local, que se vio repleto, solo esperó la reaparición de los músicos que minutos después volvieron para rematar con "Moonchild", "The Clairvoyant" y el célebre "Hallowed Be Thy Name", con el que dijeron adiós a su paso por la Bahía de San Francisco. El olor, como que alguien hubiera estado quemando hierba, seguía siendo el mismo.

La gira Somewhere Back In Time, continuaba su curso bajo la guía del capitán Dickinson, vocalista de noche y piloto (de día) de la aeronave del grupo cuya tripulación llegó hoy a Irvine, en el sur de California. Ahí harán dos funciones. Nosotros, en tanto, prometemos no esperar otros 23 años para verlos de nuevo. Los 30 dólares de gasolina verdaderamente que sí valieron la pena.

Javier Lishner
Santa Clara, California
29 de mayo de 2008

NOTAS RELACIONADAS:
- EN LATINOAMÉRICA: IRON MAIDEN Y LA PRENSA
- En el nombre del Padre y del Hijo: ENTRE CRUCES Y OTROS AMULETOS

Tuesday, May 27, 2008

AYACUCHO

Para quienes fuimos creciendo en los años ochenta, que fuimos bastantes, la sola mención de Ayacucho, seguramente, nos recuerda demasiado. La década trágica para el Perú en donde la insanía, por un lado, y la brutalidad, por el otro, hicieron que todo un país viviera pendiente de un hilo; hilo que se quebraba a cada momento y casi en cualquier lugar. De eso, se ha hablado y escrito muchísimo, aunque las heridas queden siempre en lo más profundo de nuestras ánimas.


El hombre subió y habló:
Disculpen un momento, perdón
Yo no soy cantor pero canto
y esta es mi forma de pedir amor...

- "Ayacucho" - Jorge Mora

Ayacucho es uno de los veinticuatro departamentos en los que geográficamente está dividido el Perú y, a la vez, capital de la provincia de Huamanga. Su historia, su arte y su cultura, son parte de un rico legado. Sino que lo digan los Huari, quienes establecieron un imperio y levantaron numerosos centros urbanos para garantizar la producción y el control de sus recursos. Ahí, por ejemplo, el 9 de diciembre de 1824, se selló la independencia del Perú. Ayacucho está situada en Los Andes a 2,750 metros sobre el nivel del mar (unos 9,000 pies de altura).

Estando en la radio, no fuimos ajenos a la realidad que vivía el país. En 1985, siguiendo la notoriedad que iba alcanzando USA for Africa; en Lima, organizamos una cruzada para los niños huérfanos de la insanía terrorista en ese lugar del Perú. Una Asociación, un disco, y el trabajo de muchos, hizo que la campaña alcanzara la meta esperada. Se llamó Unidos y los fondos fueron a dar a casas-hogares en Tambo, Huanta y Huancapi. El nombre creo que lo sugirió Mache, la canción la escribió José Escajadillo, los arreglos recayeron en "Coco" Salazar, y la producción ejecutiva en Sammy Sadovnik y quien suscribe. Participaron artistas de diversos géneros y la obra fue encaminada por la Asociación Emergencia Ayacucho.

Cuando tiempo después un ex-compañero de colegio regresó de la zona, me visitó en la radio. Me comentó que en algunas tiendas aún quedaban los afiches que en 1986 habíamos impreso para promover la venta del disco. Lo escuché casi entre lágrimas, pues a nosotros el deseo de ir a Ayacucho se nos había sido privado por "razones de seguridad".

Ayer, leyendo el blog de Jorge Mora -el cantante Coco Silva de los ochenta- me topé nuevamente con Ayacucho, esta vez, con su canción que lleva el título de esa histórica ciudad. Cuenta Jorge que un día, estudiando Letras en la Universidad Católica, un menudo hombre subió al autobús que lo llevaba cada mañana al centro de estudios. "Empezó a cantar algo en quechua (el idioma hablado por los antiguos peruanos)". Le llamó la atención su modesta y sencilla vestimanta, "... pero muy pulcra", anota Mora. Mientras algunos pasajeros se alistaban para darle una propina -que es lo que se suele hacer con quienes suben a autobuses a demostrar algún tipo de arte-, el señor dejó de cantar y les contó su historia. Era un campesino de Ayacucho a quien, aparentemente, le iba bien hasta que apareció Sendero Luminoso y, luego, el ejército... Su vida y la de su familia, entonces, se convirtieron en un infierno. Les dijo el campesino que solo quería seguir sembrando y cosechando sus tierras. Pero no pudo. El destino, y las constantes amenazas de uno y otro bando, lo hizo salir de su cuna, de su pueblo, de su procedencia. La historia conmovió al estudiante, futuro psicólogo y -para bien de la música en el Perú- vocalista de Mix ("Blancas Ilusiones"), Espectro y Pax. Al llegar a la universidad, Mora no pudo prestar atención a nada.

Dicen que Ayacucho es uno de los centros turísticos más importantes para quienes aman el arte y la arquitectura colonial. Hay casi una iglesia en cada esquina, comentan. "Ayacucho", el tema compuesto por el propio Jorge puede ser escuchado aquí. Tiene mucha fuerza.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de mayo de 2008