THURSDAY'S CHILD

El jueves es, por definición, el cuarto día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el quinto. Es aquel que se encuentra entre el miércoles y el viernes, y cuyo nombre proviene del latín Iovis dies, día de Júpiter; en la mitología romana, principal deidad del panteón. Dios supremo.

Bautizado como David Robert Jones, David Bowie publica su primer disco en 1967. Al año siguiente graba Space Oddity, el cual aparece en 1969, coincidiendo con la llegada del hombre a la Luna. Un par de discos después, en 1972, lanza The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. El disco lo consagró como una de las más importantes figuras de la época. Desde entonces grabaría unos veinte discos más, amén de participar en unas cuarenta películas; algunas de ellas, documentales. Conocido también por el sobrenombre de "The Thin White Duke", David Bowie es, sin duda, uno de los artistas más innovadores de la música contemporánea.

"Thursday's Child" es una canción que fue originalmente compuesta por Bowie y el guitarrista neoyorquino Reeves Gabrels para el juego Omikron: The Nomad Soul. Finalmente, fue incluída en el disco 'hours...' de Bowie, publicado en 1999. Y, aunque para alguno el tema no sea nada del otro jueves, hoy se lo presentamos a ustedes.

Javier Lishner
Santa Clara, California
30 de abril de 2009

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WAITING FOR WEDNESDAY

El miércoles es, por definición, el tercer día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el cuarto. Es aquel que se encuentra entre el martes y el jueves, y cuyo nombre proviene del latín Mercurii díes, o día de Mercurio; en la mitología romana, el dios del comercio.

Lisa Loeb es una cantautora y actriz norteamericana nacida en Bethesda, Maryland, pero criada en Dallas, Texas. Se dio a conocer en 1994 con "Stay (I Missed You)", tema que le dio su primer número uno. La canción perteneció a su disco Tails, aunque un año antes había aparecido como parte de la banda sonora de la película Reality Bites, producida por Danny DeVito y protagonizada por Ben Stiller y Winona Ryder. Tails, de 1995, también incluyó "Waiting for Wednesday", el cual llegó al Top 40 americano al año siguiente.

Desde entonces mucho ha sucedido en la carrera de Loeb, incluyendo unas diez producciones, la conducción de programas de televisión, actuación en películas y su cercanía a los niños de escasos recursos a través de The Camp Lisa Foundation. Recién en enero de este año, fue desposada por Roey Hershkovitz, un joven graduado en la Universidad de Long Island, diez añitos menor que ella. ¡Qué miércoles!

Javier Lishner
Santa Clara, California
29 de abril de 2009

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TUESDAY AFTERNOON

El martes es, por definición, el segundo día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el tercero. Es aquel que se encuentra entre el lunes y el miércoles, y cuyo nombre proviene del latín Martis díes, que significa día de Marte; en la mitología romana, el dios de la guerra.

Days of Future Passed, muy aparte de que nos guste o no, ha de ser uno de los discos mejor realizados en la historia de la música contemporánea. Por lo menos, de los años maravillosos. Apareció en noviembre de 1967 y fue el segundo de un grupo llamado the Moody Blues, originario de Birmingham, Inglaterra. En la placa, aparte del debut de Justin Hayward y John Lodge entre sus integrantes, participó la London Festival Orchestra. La sola fusión de una orquesta con un grupo de rock -en plena época de la psicodelia-, le daba al rock refulgencia.

"Tuesday Afternoon", fue parte de una obra conceptual, como lo fue el álbum en cuestión. Originalmente llamada "Forever Afternoon (Tuesday?)", fue escrita por Hayward. Fue uno de los dos temas más populares del disco. El otro fue el clásico "Nights in White Satin", también de la pluma de Hayward. De acuerdo al cantante y guitarrista, "Tuesday Afternoon" fue escrita mientras se encontraba sentado en el medio de un campo cercano a su residencia, en Inglaterra. Era una hermosa tarde de primavera, diría más tarde el compositor. Por esas cosas de la vida, el músico andaba con su guitarra entre manos, y la canción, según él, fluyó de manera casi natural. Luego sería grabada con sus compañeros John Lodge, Mike Pinder, Ray Thomas y Graeme Edge. Lo demás es historia.

Javier Lishner
Santa Clara, California
28 de abril de 2009

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I DON'T LIKE MONDAYS

El lunes es, por definición, el primer día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el segundo. Es aquel que se encuentra entre el domingo y el martes y cuyo nombre proviene del latín dies lunae que significa día de la luna.

La triste historia de la canción comienza cuando Bob Geldof escuchó que Brenda Ann Spencer, desde su casa en San Diego, había disparado al patio de la escuela que quedaba en frente, matando a dos adultos e hiriendo a ocho niños y a un oficial de la policía. Sucedió el 29 de enero de 1979 en el Cleveland Elementary School. Cuando la interrogaron a Spencer preguntándole porqué había hecho eso, la joven de 16 años solo atinó a decir: "I don't like Mondays". Desde aquel lunes, la asesina se encuentra entre rejas.

Los Boomtown Rats se formaron en Dublin, Irlanda, en 1975. Un año más tarde estaban en Londres, y, un año después, lanzaban su primer disco titulado The Boomtown Rats. "I Don't Like Mondays" fue escrita por Bob Geldof, su vocalista (ver video), y formó parte de su tercer disco, The Fine Art of Surfacing, co-producido por Robert "Mutt" Lange, quien también había puesto su esfuerzo en las dos primeras grabaciones. El tema llegó al primer lugar de las listas en varios países del mundo (Inglaterra, Irlanda y Australia, entre ellos) pero, sorprendentemente, no en los Estados Unidos, en donde solo alcanzó el puesto 73. La versión original del video puede ser vista presionando aquí.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de abril de 2009

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SUNDAY BLOODY SUNDAY

El domingo es, por definición, el séptimo día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el primero (el día inicial de la Creación). Es aquel que se encuentra entre el sábado y el lunes, y cuyo nombre proviene del latín dies Dominicus, que significa día del Señor (en referencia a Jesús). En la antigua Roma se le llamaba dies solis, o día del sol, por lo que en el idioma inglés se dice Sunday y en el alemán, Sonntag.

"Sunday Bloody Sunday" fue parte del disco War, el tercero en la carrera de U2, lanzado en 1983. Esa fue la placa que tuvo a "New Year's Day" como caballito de batalla. War, fue también el único que pudo poner de lado al Thriller de Michael J., quien por esos días, entre otras cosas, andaba obteniendo sendos récords con su producción. "Sunday Bloody Sunday" hace referencia al acontecimiento del 30 de enero de 1972 en Derry, Irlanda del Norte, cuando un batallón británico disparó contra varios manifestantes. Aquel domingo, trece personas murieron en el acto. Siete de ellos eran adolescentes.

El disco de U2 fue producido por Steve Lillywhite, conocido esos días por sus trabajos con Ultravox, Siouxsie & the Banshees y Peter Gabriel. Lillywhite, además, había estado al frente de Boy y October, los dos primeros discos del cuarteto irlandés. Ese año, el combo formado por Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr., fue considerado como uno de los mejores actos en vivo. Y "Sunday Bloody Sunday", desde entonces, se empezaba a convertir en una de las piedras angulares de sus presentaciones.

Javier Lishner
Santa Clara, California
26 de abril de 2009

SATURDAY NIGHT FEVER

El sábado es, por definición, el sexto día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el séptimo y último (el día final de la Creación). Es aquel que se encuentra entre el viernes y el domingo, y cuyo nombre proviene del latín sabbatum, y éste del hebreo shabbat, que significa descanso.

Saturday Night Fever fue el título de la película producida en 1977 por Robert Stigwood y estelarizada por un veinteañero de nombre John Travolta. El filme, enteramente musical, tuvo una banda sonora que se convirtió en el disco de película más vendido de la historia. En ella participaron algunos de los más populares nombres de la época. Entre otros, Yvonne Elliman, Kool & the Gang, Tavares, The Trammps y, por supuesto, los más codiciados, the Bee Gees. Fueron justamente los Bee Gees, quienes acapararon el éxito de la placa. Algunas de las canciones que interpretaron fueron "Stayin' Alive", "How Deep Is Your Love", "More Than A Woman", y, el tema principal, "Night Fever" (ver video).

El filme fue dirigido por John Badham, el inglés de nacionalidad norteamericana que, con años de experiencia en televisión, tuvo su big break con Saturday Night Fever. La música disco estaba en todo su esplendor.

Javier Lishner
Santa Clara, California
25 de abril de 2009

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THANK GOD IT'S FRIDAY

El viernes es, por definición, el quinto día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el sexto. Es aquel que se encuentra entre el jueves y el sábado, y cuyo nombre proviene de la lengua latina Veneris díes, o día de Venus, la diosa romana del amor y la belleza.

Thank God It's Friday fue el título de una cinta cinematográfica producida en 1978 por Casablanca Filmworks y la Motown Productions. En la película, enteramente musical, participaron algunos de los más populares nombres de la época. Entre ellos, Diana Ross, Thelma Houston, Santa Esmeralda, The Commodores y, por supuesto, la reina de todos, Donna Summer. Fue Summer, por "Last Dance", la que al final del año ganaría un premio de la Academia y un Golden Globe.

Sin embargo, fue a Love and Kisses, un grupo originalmente formado en estudio, a quien le correspondió interpretar la canción principal de la cinta (ver video). Love and Kisses fue obra del productor Alec Costandinos (el egipcio de padre armenio y madre griega, que había trabajado con Aphrodite's Child), en tanto que "Thank God It's Friday" se convirtió en uno de los temas más populares del álbum; por supuesto que de la mano del éxito comercial que obtuvo dicha película distribuida por la Columbia Pictures. Qué tiempos de música disco.

Javier Lishner
Santa Clara, California
24 de abril de 2009

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JOHNNY THUNDERS: Evocación

Lo que sucedió el 23 de abril de 1991 en New Orleans, Louisiana, con Johnny Thunders, es todavía un misterio. El común de las biografías señalan que el músico de 38 años murió por sobredosis. Sin embargo, hay quienes afirman que Thunders tenía leucemia y esa fue la razón por la que el guitarrista y cantante no realizó tantas presentaciones en vivo durante su último año de vida. Lo cierto es que John Anthony Genzale, quien había nacido en 1952 en Queens, New York, murió en la habitación número 37 del St. Peter House Hotel, a escasos pasos de la famosa Bourbon Street, en el corazón de Louisiana. Allí se descubrió que muchas de sus pertenecias habían desaparecido.

Johnny Thunders fue enterrado en el cementerio de Mount Saint Marys, en Flushing, N.Y. (FOTO: Elliot).

Como guitarrista fundador de los New York Dolls, al lado de Arthur Kane, Billy Murcia, David Johansen y Sylvain Sylvain, Thunders influenció a muchos grupos que aparecieron un lustro después; entre ellos, the Sex Pistols. Cuando a mediados de los setenta los Pistols comenzaban a dar sus alaridos en Londres, los Dolls se iban separando y, Thunders -al lado del baterista Jerry Nolan y de Richard Hell, bajista de Television-, iba creando una nueva banda llamada The Heartbreakers. En 1978 grabó So Alone, su primer disco solista en el que incluyó, entre otros, a miembros de los Sex Pistols, Phil Lynott de Thin Lizzy, Chrissie Hynde de The Pretenders y a Steve Marriott, el guitarrista y cantante de Humble Pie, quien por esas conexiones que tiene la vida, murió solo tres días antes que él.

El legado de Johnny Thunders es valorado tanto como su discografía, la que incluye varias placas piratas y en vivo. Su última grabación fue "Born to Lose", originalmente publicada en el álbum L.A.M.F. de 1977 de los Heartbreakers, la que, según cuentan, hizo con el grupo Die Toten Hosen solo 36 horas antes de dar su respiro final en el suelo de New Orleans. Que descanse en paz, Johnny T., músico de culto.

Javier Lishner
Santa Clara, California
23 de abril de 2009

HAPPY BIRTHDAY PETER FRAMPTON

Peter Frampton ha de ser el último bastión de esa gran generación de músicos que aún no llega a los sesenta años. Y, aunque se inició en la misma cuadrilla que los Gillans, Bowies, Plants y Hendrix, el otrora "niño dorado del rock" ha cumplido hoy únicamente 59. Y es que el guitarrista, cantante y compositor, al igual que sus paisanos Steve Winwood (60) y Rick Wakeman (cumplirá 60 en mayo), debutó relativamente temprano en la liga de mayores.


Lo primero que suele decirse cuando se habla de la biografía de Peter Frampton, es sobre sus inicios en The Herd en el lejano 1966. Allí formó la banda con Andy Bown en teclados, Gary Taylor en bajo, y Andrew Steele en batería. De más está decir que, el guitarrista y cantante, era el menor del grupo. Lo que poco se conoce es que, a los diez años de edad, el pequeño Frampton ya era miembro de The Little Ravens, una banda que solía tocar en la escuela al lado de George and the Dragons, otro conjunto en donde uno de sus miembros se llamaba David Jones. A raíz de su afición por la música, Peter y David, y otro compañero de nombre George Underwood, se hicieron amigos. Los tres pasaron buena parte de sus recreos escolares tocando la música de Buddy Holly y Eddie Cochran. El tiempo hizo que David Jones cambiara su nombre a David Bowie. Así, no se confundiría con uno de los Monkees, quienes andaban en pleno apogeo. Y que Underwood, terminara diseñando algunos de sus discos, entre ellos, el Ziggy Stardust.

La historia de Frampton, en tanto, lo llevó a ser parte de The Trubeats y, luego, de otra banda estudiantil llamada The Preachers. El productor de The Preachers se llamaba Bill Wyman. A los dieciséis funda The Herd y, dos años después, es elegido como "La cara del 68". No muy satisfecho con el pop que hacían los Herd ni con la identificación que la prensa le achacaba con música para adolescentes, Frampton decide dejar el grupo. Fue por esos días que junto a Steve Marriott, quien aún pertenecía a los Small Faces, deciden formar Humble Pie. Con ellos estuvieron Greg Ridley en bajo y Jerry Shirley en batería. Su unión con los Pie solo duró hasta 1971, cuando decidió iniciar su carrera solista. El joven, con un futuro prometedor, tenía un mundo por delante. Ese mismo año, a los 21, participó del primer disco solista de George Harrison titulado All Things Must Pass. Al siguiente año, mientras lanzaba Winds of Change, su primer disco en solitario, se daba tiempo para colaborar en el Whistle Rymes de John Entwistle y en el Son of Schmilsson de Harry Nilsson.

Nuevo siglo, nueva imagen. (FOTO: David Dobson).

Hasta que un día, ese mundo que tenía por delante, finalmente le llegó en 1976. Había lanzado tres discos más, a razón de uno al año. Sin embargo, fue con el Frampton Comes Alive! con el que su carrera recibió el premio mayor. La placa, grabada entre San Francisco y Nueva York, incluyó algunos temas que a partir de ese fonograma se convertirían en puntos neurálgicos de su carrera. Entre otros, "Show Me the Way", "Baby, I Love Your Way" y "Do You Feel Like We Do". Escribir sobre el disco doble del 76, merece una nota especial. Al momento, con 6 millones de placas vendidas en los Estados Unidos y 16 millones alrededor del mundo, se convirtió en el disco en vivo más vendido de la historia. Y muy pronto, debido al éxito, le fue ofrecido protagonizar -al lado de los entonces popularísimos Bee Gees- la película Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Sin quererlo, debido a la desastroza recepción que obtuvo el filme, su carrera, así como se elevó, también cayó. Por esos días un accidente automovilístico en las Bahamas casi lo deja sin vida. Y como si no hubiera sido suficiente, la relación con su novia, luego de su divorcio, llegó a su fin. Pero como hoy es día de celebración, no vamos a tocar esa etapa que, además, el mismo músico recuerda muy bien.

En las últimas tres décadas, Peter Frampton ha preferido mantenerse al margen del mainstream. No ha grabado tantos discos como pudiéramos pensar, pero ha participado en un sinnúmero de colaboraciones. Entre las que recordamos, con los Rhythm Kings de Bill Wyman, con la All-Starr Band de Ringo Starr, en la gira del Never Let Me Down de David Bowie y con Grand Funk en su concierto para Bosnia. Su más reciente placa apareció en 2006 y la tituló Fingerprints. En ella, una vez más rodeado de buenos amigos, grabó al lado de Matt Cameron, Mike McCready, Hank Marvin, Warren Haynes, Charlie Watts, Bill Wyman y Courtney Pine, el extraordinario saxofonista inglés, entre otros más. Fingerprints es un disco netamente instrumental.

Frampton firmando autógrafos. Detrás, Rick Wakeman. (FOTO: Internet).

Es hora de que los ejecutivos del Rock and Roll Hall of Fame dejen un rato las cuentas bancarias, y pongan al músico de Beckenham en el lugar que le corresponde. Peter Frampton, otra leyenda viviente del rock, que celebre hoy por todo lo alto. Amén.

Javier Lishner
Santa Clara, California
22 de abril de 2009

OTRA DE CHABELO, EL SINVERGÜENZA

Que una hija haya nacido fuera del matrimonio, no es problema de la hija. Es problema del infiel que, al menos en nuestra cultura, no cumplió su palabra de honor con la firme y se metió con la otra. Eso es exactamente lo que le está sucediendo a Xavier López, el artista mexicano más conocido como Chabelo, y la relación con su hija Leslie. Hoy, saliendo del Correo Central de San Jose, me topé con la última edición de Fronteras, el periódico en español que aparece semanalmente en el norte de California. Allí imprimieron en primera plana: ¡No paga! Se referían al señor López.


Cuando en febrero de 2008 publicamos una nota sobre el veterano actor y presentador de la televisión mexicana, esta no fue precisamente para resaltar sus cualidades artísticas sino por el robo (o "utilizar sin permiso", escribimos aquella vez) de una composición hecha por un peruano, difunto ya, de nombre Jorge Álvarez Segura. Nos referíamos al tema "Qué tráfico compadre", cuya música le pertenece a Jorge Pérez, también peruano. De acuerdo a la nota que nos llegó aquella vez, firmada por Jorge Álvarez Von Maack, hijo del compositor, "los mexicanos Chabelo, del programa En Familia, de Televisa, y el cantautor Pedro Fernández, utilizan esta composición sin nombrar a los autores e, incluso, la graban y comercializan a través de un CD que se vende vía Internet, sin autorización alguna de los autores, eludiendo todo pago de derecho de autor".

Leslie Pérez es mexicana, tiene 18 abriles, y fue producto del amor que hubo entre el actor y la señora Oralia Pérez. Desde Ciudad de México, Eduardo Fernández escribe que, en marzo, un Juez dictó sentencia en favor de Leslie. No obstante, a través del programa Ventaneando, la familia de la adolescente dio a conocer que Chabelo no ha cumplido con sus responsabilidades y, muy por el contrario, ha decidido apelar a la decisión judicial. El desvergonzado actor se niega a pasarle a su hija una pensión por los últimos dieciocho meses, hacerse una prueba de ADN, pagar los honorarios de los abogados, darle atención psicológica a su hija y dinero para los útiles escolares de este y el próximo ciclo.

Aunque aparentemente el tema resulta de índole familiar, no lo es. Se trata de un personaje público que, además, tiene más de cuarenta años trabajando con niños a través de En Familia, un espacio que jamás vi pero que tiene historia en México y en muchos países de Latinoamérica.

De la pirateada de "Qué tráfico compadre", la polka peruana escrita por Jorge "El Pato" Álvarez y musicalizada por Jorge "El Carreta" Pérez, no he tenido noticia. Solo sé que algún conchudo le cambió la letra (claro, hablar del Jirón de la Unión en México como que no pega), y se la dió a Pedro Fernández, quien la grabó (excelentemente) para ser incluída en un disco titulado Los Cuates de Chabelo. El disco -que resultó un homenaje para el actor- apareció en 1999 y fue producido por el mismo sinvergüenza. La familia Álvarez, en Lima, no recibió ni las gracias.

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de abril de 2009

NOTA RELACIONADA:
- En Familia, CON CHABELO o CONCHA VÉLO

STEVE MARRIOTT

De los ingleses, Steve Marriott es quizá uno de los más subestimados vocalistas en la historia del rock and roll. Fue líder y fundador de los Small Faces, una de las más exitosas bandas de los sesentas en el Reino Unido, y, luego de su separación, en la que dos músicos tuvieron que reemplazarlo, formó Humble Pie. Esos dos músicos se llamaron Rod Stewart y Ron Wood. En Humble Pie, cuya historia comienza el 69, tuvo a su lado a otro joven con ganas de llegar muy lejos. Se llamó Peter Frampton.


Un día como hoy, 20 de abril, en 1991, Steve Marriott, el guitarrista, cantante y compositor nacido en Londres, murió sofocado en su residencia del siglo XVI, en Arkesden, Essex. Acababa de regresar de una gira por los Estados Unidos y había ingerido gran cantidad de alcohol y valium para vencer su temor de volar en avión. La investigación no pudo determinar si a la hora de su muerte, el músico había estado fumando en su cama o había dejado encedida una vela cerca de la lámpara que le servía para su lectura nocturna.

En la Corte se escuchó decir que las llamas del incendio fueron tan grandes que el humo cubrió la High Street de Arkesden. Y que el artista había tomado tanto licor y pastillas, que si la casa no se hubiera incendiado esa madrugada, probablemente, Marriott, de 44 años, igual hubiera tenido un desgraciado final. Maldita aerofobia.

Javier Lishner
Santa Clara, California
20 de abril de 2009

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- HUMBLE PIE: La primera historia

EL DISC JOCKEY: Un poco de historia

El disc jockey, también llamado deejay, es el personaje que, detrás de un micrófono, generalmente dentro de una cabina y, muchas veces, rodeado de una amplia discoteca, se encarga de tocar la música a través de determinados aparatos con los que cuente la radioemisora. Y habla, y presenta las canciones, y en la actualidad, desafortunadamente, hasta menciona más productos comerciales que artistas. Muchas de las veces termina siendo una personalidad. Algunas, de manera local, y, otras, a nivel nacional. En determinados casos, incluso, más allá de las fronteras de su país de operaciones.

Ray Newby frente a su maestro Charles Herrold, operando un pequeño transmisor en el Herrold College of Engineering and Wireless en San Jose, California. 1909.

Si bien es cierto que el término fue acuñado por Walter Winchell en 1935, se dice que unas décadas antes, en 1909, el primer disc jockey del mundo fue Ray Newby, oriundo de Stockton, California, quien a los 16 años comenzó regularmente a tocar discos en un pequeño transmisor mientras era estudiante del Herrold College of Engineering and Wireless, con sede en San Jose. Allí estuvo bajo la batuta del pionero de la radio Charles "Doc" Herrold (1875 – 1948), un profesional que había estudiado física y astronomía en la Universidad de Stanford.

El Herrold College of Engineering and Wireless, estuvo ubicado en el 50 W. San Fernando Street, en el centro de San Jose, donde hoy se erige un alto edificio desde donde operan la KCBS y KPIX-TV, radio y televisora que, respectivamente, pertenecen a la CBS Corporation. El local está a solo una cuadra del restaurante Nazca Peruvian Cuisine.

En la actualidad, hablar del disc jockey es también referirse al personaje que, con tornamesas o reproductores de discos compactos, pasea su talento mezclando canciones en lugares públicos como clubes y discotecas. Con el avance de la electrónica, este trabajo es cada día más popular. Lo cierto es que, en lugares públicos o desde la cabina de una empresa radial, el trabajo del disc jockey es primordialmente comunicarse con su público a través de la música.

Javier Lishner
Santa Clara, California
25 de marzo de 2009

GASTÓN "WOLFIE" MEDINA

Conversar con Gastón Medina fue siempre interesante. Nos conocimos en 1984 cuando llegó a Radio Panamericana. Ayer, Gastón estuvo de paso por San Francisco y tuvimos la oportunidad de reunirnos para charlar un poco de todo. El lugar, elegido por él, fue El Perol, el restaurante peruano situado entre la 22nd Street y la Mission. Mientras nos acomodábamos en la mesa, Gastón pidió una chicha morada sin hielo, y más bien tibia, debido a que el clima le había jugado una mala pasada la noche anterior cuando arribó de Atlanta. Había estado en las oficinas centrales de la CNN, la importante cadena de televisión norteamericana.

En Redwood City, California, antes de ver Shine A Light en 2008.

Han sido muchos los comentarios que durante los últimos tres años han llegado a este escritorio, opinando sobre Gastón. Todos lo recuerdan como el destacado disc jockey de Radio Panamericana que durante buena parte de los ochenta, fue conocido por el sobrenombre de Wolfie. Al tratar sobre el tema, un tercer interlocutor preguntó sobre el origen del mismo. "Llegué a Radio Panamericana a principios de 1984", dijo. "Mi primer programa lo hice en la noche. Terminaba a las 2 de la mañana y por eso me tocaba a mí apagar el transmisor". ¿Y el origen del nombre? "La primera vez que asistí a una reunión de disc jockeys se trató el tema de mi nuevo programa. Fue Lucho Argüelles quien sugirió el nombre de Wolfie. En ese tiempo, Wolfman era el dj más popular de Estados Unidos y a Lucho se le ocurrió que también podía ser un buen apodo para alguien en nuestro medio... Y como yo era "chiquito", decidieron llamarme Wolfie". Así recuerda Gastón sus primeros días en Radio Panamericana de Lima, luego de haber hecho sus pinitos en su natal Ica, a 300 kilómetros al sur de la capital.

Por la premura del tiempo, no tuvimos oportunidad de conversar todo lo que hubiéramos deseado. El tema de nuestros días compartiendo el staff de Radio Panamericana, en donde yo solo estuve del 83 al 85, acaparó casi todo. "Recuerdo que cuando Sammy Sadovnik -quien conducía Radio Futura en las noches-, se fue a las mañanas a conducir Buenos días, día (contigo Javier), pensé que era mi oportunidad de pasar a ese horario. El espacio de Sammy comenzaba a las ocho de la noche. Pero no fue así. La gerencia decidió incluir a un nuevo disc jockey a esa hora (que fue J.A. Junior). Y cuando pregunté por qué no me habían tenido en cuenta para el cambio, César Abril, gerente de programación, me contestó que porque mi espacio estaba en primer lugar de sintonía... Y así tuve que quedarme con Las Noches con Wolfie por un tiempo más", afirma Gastón con cierta nostalgia.

En junio de 1984 con Johnny Lozada en Radio Panamericana.

La primera entrevista de Wolfie en Mariano Carranza 126 fue a Gonzalo, el cantante que ese año había impuesto "Quién piensa en tí", tema con el que el año anterior había representado a España en el Festival OTI. La de Sammy, quien ingresó muy poco tiempo después, fue a Ritchie, el cantautor anglo-brasilero que por esos días imponía "Mi niña veneno". Recuerdo cuando Gastón hizo su primera prueba. Y lo recuerdo porque ingresó intempestivamente a la cabina de la AM mientras yo me encontraba reemplazando a Humberto Velásquez en Las Súper Mañanas. Y se llevó algunos discos de la programación. Por supuesto que con la venia del operador de turno, Luis Vargas. Cuando le pregunté a Lucho "por qué se los había llevado", me contestó que era para una prueba de locución. Lo anecdótico fue que terminada mi participación en la AM, acudí al estudio de grabaciones que estaba a cargo de don Humberto Zavala Rojas, otro maestro y amigo. Yo debía grabar un aviso, y allí volví a encontrar al muchacho haciendo la prueba. Años después, me confiaría que mi presencia lo puso nervioso. Sin nervios, tal vez otra hubiera sido la historia, pensé.

Creo que de su amplia trayectoria en los medios de comunicación, Vasos y Besos, en las tardes de Panamericana, es una de las producciones musicales que los oyentes más recuerdan de Wolfie. Su interés por el rock argentino y sus agudos comentarios para los nacionales, fueron parte de su característica. Cuando el 7 de octubre de 1987 lo invitamos a Perú Rock, el espacio que Sammy y quien suscribe transmitíamos desde Radio Miraflores, Gastón fue severo con algunos artistas locales. Creo que Yesabella -la intérprete que al momento había lanzado tres discos sencillos y un LP- fue la que se llevó la peor parte. Al punto que, al día siguiente, la tuvimos en el programa exponiendo sus puntos de vista con respecto a los comentarios que el día anterior había vertido el popular disc jockey de Radio Panamericana. "Jamás planté a nadie. Ese disc jockey parece argentino y no peruano", fue una de las afirmaciones de la juvenil cantante de "Verano caliente". La historia, luego de más de dos décadas, nos roba una sonrisa. Mas no en aquél momento.

Bodas de Plata de Panamericana Televisión. 1984.

Cuando a mediados de 1988 nos alistábamos para presentar la Gira Perú Rock en la ciudad de Huánuco, la producción decidió invitar a Wolfie. Era nuestro estilo cada vez que salíamos a alguna ciudad, llevar en el elenco a un periodista o disc jockey. Lo entrevisté antes de salir de Lima, el viernes 8 de julio, y, al día siguiente Wolfie fue testigo de que el coliseo -llamado 15 de agosto-, como se dice, fuera abarrotado con un cartel liderado por Rio. Aquella fue la vez de la anécdota con Dante Tirabanti, bajista de Punto Negro, que narramos en LAS GIRAS A NIVEL NACIONAL (PARTE I).

Aunque hubiéramos querido recordar más hechos, el tiempo no hubiera permitido abarcar los últimos veintinco años de historia que han pasado desde aquel primer apretón de manos cuando nos presentamos en frente de "Zavalita". Ni siquiera pudimos hablar mucho de su actual labor en su propio canal de televisión, con centro de operaciones en Ica. O de sus amigos que conocí durante los seis meses que, en 1991, fui a trabajar en Radio Efextos de esa ciudad justamente por recomendación de Gastón. O de nuestras innumerables tardes rockeras desde Comas y San Martín de Porres hasta San Juan de Miraflores, en Lima. O de aquel 3 de agosto del 88 cuando fuimos a recibir a Nito Mestre, quien cumplía años, y terminamos celebrándolos con una botella de pisco en el Hotel Miraflores. O del paquetazo del primer gobierno de Alan García, si hubiéramos querido tratar algo sobre política, que ambos recordamos. Era mucho, muy aparte de tantos planes y sueños que aún tiene, claro está.

En la tienda de Akira y Juanita a puertas cerradas. Santa Beatriz, 1995.

La atención por la papa a la huancaína, el chicharrón de pescado y los lomos saltados, terminó por llevarse el poco tiempo que nos pudo haber quedado. Mañana, Gastón viajará a Las Vegas como parte de su itinerario de trabajo que esta vez lo volvió a traer a los Estados Unidos. "Ya tengo mi entrada para ver a U2 en septiembre", afirma orgulloso. "Ya vi a Peter Gabriel y Los Fabulosos Cadillacs en Lima. A U2 los veré en Chicago", termina diciendo mientras se despide con otro apretón de manos llevando bajo el brazo el disco original de "Anarchy in the UK", de los Sex Pistols, el que le obsequié como para que no se olvide de su travieso pasado.

Javier Lishner
Santa Clara, California
16 de abril de 2009

THE RAMONES: Otra vida que se apaga

Cuando en 2001 murió Joey Ramone, trabajaba como encargado del área latinoamericana en una compañía de Santa Clara, California. Esa mañana vi con lágrimas a un compañero de trabajo, y también músico.

Al igual que Charly García en Argentina, G.E. no sólo era fanático de los Ramones sino que, ese mismo año, había tenido oportunidad de conocerlo en una fiesta privada en Las Vegas durante la despedida de soltero de un amigo en común, vocalista de un grupo local, a quien yo sólo acompañé en su matrimonio. Aún recuerdo aquel lunes cuando apareció en el trabajo con la historia de que había estado con Joey y toda la mierda. De inmediato le pregunté: ¿Y te tomaste alguna foto con él? Con la mirada me contestó que no. Para luego agregar que le parecía muy "cheesy" (barato, simple) posar al costado de una estrella... Un año después, el mundo fue sorprendido con la muerte del bajista Dee Dee Ramone, a causa de sobredosis.

Y esta mañana, la noticia vuela por todo lo alto anunciando que, ayer, de cáncer a la próstata, murió otro de sus integrantes, Johnny, el famoso guitarrista de la banda neoyorquina. Por esas cosas de la vida, en menos de tres años, la banda quedó reducida a uno, Tommy Ramone, el batero, quien, paradójicamente, fue el último en acoplarse al grupo como músico. Originalmente, Tommy actuó de representante.

Por otra coincidencia, el último domingo se había realizado un show en homenaje a los Ramones, celebrando los 30 años desde que se dieron a conocer al mundo para influir en artistas desde Sex Pistols, Nirvana y Red Hot Chili Peppers hasta al mismo Bruce Springsteen quien, dicho sea de paso, les escribió una canción llamada "Hungry Hearts" que, a la postre, y por recomendación de su manager, la guardó para él y fue, en 1980, un éxito en su propia interpretación.

Como Iggy Pop, Lou Reed y MC5, los Ramones tuvieron (injustificadamente) poco éxito en las listas y, peor aún, en los siempre manipulados premios de alfombra roja. Aunque a ellos, poco les importó.

A la hora de su muerte, al lado de su esposa Linda, Johnny estuvo acompañado de buenos amigos como Eddie Vedder, Rob Zombie y Lisa Marie Presley.

Es muy posible que sus chaquetas de cuero negro y alguna de sus guitarras estén comenzando a volar a diferentes lugares para ser expuestas en vistosas vitrinas. Claro, como de costumbre, un tardío homenaje.

Descansa en paz, Johnny. Aquí, seguiremos escuchando tu obra.

Javier Lishner
San Jose, California
16 de septiembre de 2004

STAND BY ME

Ben E. King, Jerry Leiber y Mike Stoller escribieron "Stand By Me" en 1961. Ben E King nació el 28 de septiembre de 1938, y fue bautizado como bautizado como Benjamin Earl Nelson. Cuando el pequeño Benjamin tenía nueve años se mudó a Harlem, New York, y a los veinte se hizo miembro de los The Drifters. Fue Benjamin quien compuso "There Goes My Baby". Pero, al año siguiente, en 1960, abandonó la banda para proseguir una carrera solista. Fue recién cuando tomó el sobrenombre de Ben E. King.

En 1961, y antes de publicar "Stand By Me", Ben E. King consiguió su primer éxito con "Spanish Harlem", una canción co-escrita por Jerry Leiber y Phil Spector, hoy tan venido a menos con eso de habérsele declarado culpable de asesinato. "Stand By Me", que según el autor fue escrita para los Drifters, terminó grabándola él. Y se hizo famosa. Desde The Kingsmen, Otis Redding y Ry Cooder, hasta U2, Seal y Green Day, son muchos los que la han interpretado a través del tiempo. Pero ninguna de las otras versiones fue tan popular (y exquisita) como la que hizo John Lennon en 1975 como parte de su álbum Rock 'n' Roll. Para ver el video puede presionar aquí.

En 1986, la versión original fue desenpolvada para incluirse en la banda sonora de la película del mismo nombre, dirigida por Rob Reiner. Aquella vez, veinticinco años después, "Stand By Me" volvió a encaramarse con mucho éxito en las listas.

La producción que mostramos en el video nos pareció sensacional. Sobre todo, cuando forma parte de una campaña como la de Playing For Change, que busca la paz en el mundo a través de la música. Porque sí podemos vivir juntos y en paz. Ojalá que a usted le deje la misma impresión.

Javier Lishner
Santa Clara, California
14 de abril de 2009

POR QUÉ NO PODEMOS VIVIR JUNTOS

"Why Can't We Live Together" llegó a casa en 1972. Creo que estuvo en ese grupo de discos sencillos que adquirimos para las fiestas navideñas de ese año. Con la pequeña placa de sello Polydor de Timmy Thomas -nombre del intérprete-, también llegaron sus contemporáneos "I Believe in Music" de Gallery, "Go All the Way" de los Raspberries (con Eric Carmen como cantante), "Clair" de Gilbert O'Sullivan y "Ventura Highway" de America. "Por qué no podemos vivir juntos" -como se tradujo en Lima-, fue la sensación del siguiente año, aunque del intérprete supiéramos nada más que el nombre.

WHY CAN'T WE LIVE TOGETHER
(Timmy Thomas)

Tell me why, tell me why, tell me why.
Why can't we live together?
Tell me why, tell me why.
Why can't we live together?

Everybody wants to live together.
Why can't we be together?

No more war, no more war, no more war.
Just a little peace in this world.
No more war, no more war.
All we want is some peace in this world.

Everybody wants to live together.
Why can't we be together?

No matter, no matter what colour.
You are still my brother.
I said no matter, no matter what colour.
You are still my brother.

Everybody wants to live together
Why can't we be together?

Everybody wants to live.
Everybody's got to be together.

Everybody wants to live.
Everybody's going to be together.

Everybody's got to be together.
Everybody wants to be together.

I said no matter, no matter what colour.
You're still my brother.
I said no matter, no matter what colour.
You're still my brother.

Everybody wants to live together.
Why can't we be together?

Gotta live together...
Together.

Timmy Thomas había nacido en Evansville, Indiana, pero había iniciado su carrera en Memphis, Tennessee, grabando "Have Some Boogaloo". Sin embargo no fue hasta que voló a Miami, Florida, en que alcanzó el éxito con "Why Can't We Live Together".

Thomas recuerda que cuando ingresó a los estudios de Bob Dukoff, éste le puso un micrófono junto a los pies, otro cerca de su mano izquierda y, un tercero, delante suyo para la voz. "El tema lo grabamos en la primera toma... Todo no duró más de cinco minutos", dice. Cinco minutos que le valieron varios millones de discos vendidos. En 1973, "Why Can't We Live Together" se encaramó en el primer lugar de la lista de R&B. Además, ocupó los primeros lugares en los charts de música popular en ambos lados del Atlántico.

Muy aparte del rítmico (aunque por instantes monótono) sonido del órgano Hammond, la letra es sencilla pero el mensaje mirífico. Yo lo llamaría súper poderoso. Es aquél que no ha pasado de moda y que, en todo momento, nos recuerda a los seres humanos que en este lugar llamado planeta Tierra, todos deberíamos vivir juntos y en paz. Amén.

Javier Lishner
Santa Clara, California
13 de abril de 2009

EN SANTA CRUZ: Reach the Beach

Con la participación del grupo ochentero The Fixx, se dará inicio a una nueva temporada de los Friday Night Bands on the Beach, el tradicional evento que se presenta anualmente en el malecón de Santa Cruz, aunque el escenario está literalmente montado en la arena. Santa Cruz es una ciudad ubicada a orillas del Océano Pacífico, a unos cuarenta minutos del Silicon Valley. The Fixx es el mismo grupo que impuso canciones como "One Thing Leads to Another" y "Saved by Zero", ambas de su segundo disco publicado en 1983.

Reach the Beach, disco de The Fixx en 1983. (FOTO: Javier Lishner).

La programación de este año también incluye a Gregg Rolie, el pianista y cantante fundador de la Santana Blues Band y, posteriormente, Journey. Le seguirá The Knack, "los Beatles del 79", famosos por su canción "My Sharona" y otros menos populares como "Good Girls Don't" y "Baby Talks Dirty". El fin de semana siguiente le tocará el turno a Loverboy, el combo canadiense de Mike Reno y Paul Dean, formado en Calgary, Alberta en 1980. Entre sus temas están "Turn Me Loose", "Working for the Weekend", "Hot Girls in Love" y "Queen of the Broken Hearts".

Starship, de la mano de Mickey Thomas, será otro de los invitados que pisarán la arena de Santa Cruz. No será su primera vez y esperemos que tampoco la última. Como toda banda nacida del núcleo de los Jefferson Airplane, Starship, también es muy querida en el área. No faltarán "We Built this City", "Sara" o "Nothing Gonna Stop Us Now". La versión de "Find Your Way Back" que le escuché la última vez, retumba aún en mi memoria. Y luego de Mickey Thomas, lo hará otra extraordinaria voz ochentera. Su nombre es Eddie Money. Hace un par de años el cantante demostró que, a pesar del tiempo, todavía goza de mucha popularidad. Su show, al que asistimos con cierta apatía, nos hizo terminar bailando al ritmo de rock and roll. "Baby Hold On", "Two Tickets to Paradise", "Take Me Home Tonight", "Walk on Water" y, por supuesto, "Think I'm In Love", son parte de su repertorio.

Vista nocturna del Santa Cruz Boardwalk, California. (FOTO: Internet).

Posiblemente haya sido "Ghostbusters" el tema que lo catapultó en 1984; no obstante, la carrera de Ray Parker Jr. había comenzado mucho antes. Parker formó Raydio en 1977, luego de haber sido músico de la banda de Barry White. Este año llega a Santa Cruz con toda la experencia adquirida y con más de treinta años de éxitos. Le seguirá the Greg Kihn Band, grupo del conocido disc jockey mañanero de la KFOX de San Jose, el mismo que durante los años ochenta impuso "The Breakup Song (They Don't Write 'Em)" y "Jeopardy".

Para la última manga del evento -que se realiza cada viernes,- estarán Patty Smyth & Scandal, aquellos de "Goodbye To You"; Sweet (también llamados The Sweet), la setentera banda glam de "Ballroom Blitz", "Fox on the Run" y "Love is Like Oxigen", y para la despedida, el 4 de septiembre, lo harán The Tubes con Fee Waybill, los de "She's a Beauty" y tantos más. No dudamos que la cartelera tendrá el éxito de todos los años, sabiendo, además, que todas y cada una de las presentaciones son gratuitas. Las chelitas, no.

The Knack en vivo el viernes 3 de julio. (FOTO: Javier Lishner).

The Santa Cruz Beach Boardwalk está cumpliendo 102 años de creación, siendo el parque de diversiones más antiguo de California. En ese evento estival he tenido oportunidad de ver, entre otros, a Christopher Cross, John Cafferty & the Beaver Brown Band, Jan & Dean y Bachman Turner Overdrive. Allí nos vemos en verano.

Javier Lishner
Santa Clara, California
12 de abril de 2009

EL DESAYUNO PERUANO: Por aquí pasó

El sábado anterior, pensando en todo menos en calorías, grasa y sodio, nos encontramos en el restaurante peruano al que alguna vez hicimos mención en este espacio, aunque aún no le hayamos dedicado una nota exclusiva. Se llama Jess's Place, está ubicado muy cerca de la Monterey Highway en San Jose, California, y, para una parte de la comunidad peruana del sur de la Bahía de San Francisco, es el punto de encuentro cuando se trata de saborear clásicos potajes de nuestro querido Perú. El sábado pasado fue uno de esos días.

En su carta, el Jess's Place tiene casi cualquier plato de la cocina peruana que a uno se le antoje. Y si no está en la carta, se lo preparan. Es casi cuestión de pedir y allí están para ofrecerlo. Ahora, si se encuentra el dueño, el popular Zenón, con mayor razón. Aquella mañana, nos atendió Dora. Fue ella quien al acercarse a la mesa nos trajo el matutino menú hablado. Recuerdo que mencionó tamales, antes de que la interrumpiera para preguntar si tenía "pan con chicharrón". Nos dijo que sí. Bueno, siempre hay una primera vez. Y esa mañana la hubo.


Para complementar el desayuno pedimos un jugo. La atenta camarera nos ofreció de maracuyá y, aunque hubiéramos preferido el tradicional jugo de naranja (de Huando), nos quedamos con el de aquella fruta tropical sudamericana. Al maracuyá aquí se le conoce como passion fruit y tengo entendido que también crece en los campos californianos.


Para terminar con el desayuno peruano pedimos un café, pasado por supuesto, el que con su respectiva azúcar, me hizo recordar los viajes al interior del país, cuando íbamos en autobús y parábamos en algún lugar de la carretera para calentarnos un poco, cuando no viajábamos con Johnny Walker ni Ron Pomalca.


Mientras tomábamos el jugo, y jugábamos con la taza del café, el emparedado de chicharrón (carne de puerco), conocido entre nosotros como "pan con chicharrón", se había extinguido. Solo quedaron unas rodajitas de cebolla y un trocito de tomate. Y solo porque en casa siempre nos enseñaron a dejar algo en el plato.

Buena la sazón, bueno el tamaño, muchas calorías, mucha grasa y el precio ni me fijé. Pero qué rico que se come cuando uno no piensa en la salud. (FOTOS: Javier Lishner).

Javier Lishner
Santa Clara, California
11 de abril de 2008

EL AYUNO PERUANO

Se entiende por ayuno la privación voluntaria de las personas de ingerir generalmente alimento. Aunque, en ocasiones, el ayuno incluye bebidas y hasta relaciones sexuales. A través de los años he sido testigo del ayuno de amigos que profesan diferentes religiones. En el caso de la religión cristiana, el viernes santo es un día en donde no se puede comer carne de res, y creo que tampoco de ningún animal que no sea de mar ("carnes rojas" que le llaman). En otras palabras, es una buena fecha para que los pescadores hagan su abril.

Durante esta semana, y de pura coincidencia, tuve oportunidad de adelantarme al ayuno de semana santa. El problema fue que si bien es cierto que el martes y miércoles ordené chicharrón de pescado, hoy viernes, con las chuletas de puerco en el Peking House, se me borró todo récord de santidad. Pero qué sabrosas que estaban. La foto superior fue tomada en El Perol de San Francisco, antes de un arduo día de trabajo con mi amigo Eddie.

La segunda foto pertenece al mismo platillo pero servido al día siguiente en el Jess's Place de San Jose, a una hora al sur de San Francisco. Hacer comparaciones sobre la sazón, la porción o el precio sería odioso, sobre todo, durante estos días en que el mundo cristiano busca la presencia de dios, alimentando el espíritu, para poder tener control sobre la naturaleza carnal. (Gálatas 5, 16-17).

Lo cierto es que con ayuno o sin ayuno, qué buenos que estuvieron esos pescaditos. El error fue no preguntar, ni en uno ni en otro sitio, aunque sea por curiosidad, qué pescado era. Como se puede apreciar en las fotos, la salsa tártara es fundamental en el acompañamiento del crocante chicharrón.

La próxima semana alguien viene de Lima dispuesto a invitarnos a La Mar, la cevichería peruana que Gastón Acurio tiene en pleno Embarcadero, frente a la Bahía de San Francisco. Posiblemente ordenemos el mismo plato, aunque todavía no lo he visto en su exquisito menú. Aguardaremos con ansia. (FOTOS: Javier Lishner).

Javier Lishner
Santa Clara, California
10 de abril de 2009

Celebrando los 40 años
EL WOODSTOCK WEST FEST

Hace unos días se anunció la celebración de los 40 años del festival de Woodstock, en el Golden Gate Park de San Francisco. En honor a Jimi Hendrix, el extraordinario guitarrista y principal sensación de aquellos tres días de 1969, los organizadores tratarán de conseguir la participación de 3,000 guitarristas para tocar "Purple Haze", y, de esa manera, romper el récord mundial del más grande grupo de músicos tocando al mismo tiempo una canción. Como sabemos, ese privilegio le corresponde hasta hoy a "Smoke on the Water", cuando fue interpretado por 1,683 músicos en Kansas City, en junio de 2007. (Ver video aquí).


Artie Kornfeld fue el productor original de Woodstock. La Woodstock Preservation Alliance lo llama el Padre del Festival. 2b1 Multimedia Inc., los organizadores, contarán con la asociación de Kornfeld para la producción del próximo evento californiano.

Con esto, 2b1 Multimedia Inc. quiere recapturar los principios de paz, amor y espiritualidad que, durante la psicodelia, gobernaron a la Nación Woodstock. Aunque todavía no se ha anunciado a los participantes, los organizadores han confirmado la presencia de the American Indigenous People y un grupo de poetas de la generación beat. Con ellos, como ya es costumbre en este tipo de celebraciones relacionadas a los años sesenta, habrá oradores de diversas organizaciones como the Peace Movement, the Free Speech Movement y the Anti-War Movement. Y, claro, algunos personajes que estuvieron en vivo y en directo en el escenario del original Woodstock de Bethel, New York.

El Woodstock West Fest se realizará el 25 de octubre en el Speedway Meadows del Golden Gate Park de San Francisco. La entrada será gratuita.

Si por esas cosas de la vida usted toca guitarra, le gusta el rock, conoce "Purple Haze", sintoniza con eso del peace and love, y va a estar en San Francisco por esos días de octubre de 2009, puede inscribirse aquí para ser parte de ese súper grupo que intentará cumplir su cometido con el Guinness World Records y con la memoria de Jimi Hendrix.

Javier Lishner
Santa Clara, California
10 de abril de 2009

En Lima
LA VOZ DE LOS OCHENTA

Estas son algunas gráficas con varios de los colegas con quienes alguna vez, en Lima, compartimos los micrófonos. A veces, en la misma estación radial; otras, desde la acera de enfrente. Con unos, más que con otros, nos dimos nuestros encontronazos; pero, eso sí, siempre, mientras anduvimos al aire. Porque cuando coincidíamos en algún lugar, si era una conferencia de prensa, una fábrica de discos, un viaje o casualidad (o antro), siempre hubo cortesía y respeto por cada quien. Y hasta muchas veces compartimos de la misma botella. Principalmente, cuando la cantina estaba por cerrar o porque ya no había más morlacos.

1. En la Hacienda Villa, durante el show de Change, grupo norteamericano cuyo vocalista fue Luther Vandross y cuyos temas "A Lover's Holiday" y "The Glow of Love" sonaron en Lima. Johnny López, Quique Cano-Alva, Hugo Salazar y JL, cada uno, con su respectiva pareja. Se celebraba el Año Nuevo 1981. La invitada de Quique, se convirtió en su flamante esposa. Las otras tres damas, prefirieron buscar mejores partidos. ¡Salud!

2. Durante los días de Menudo y Parchis. En Argentina había aparecido Sport Billy. El quinteto infantil llegó a los estudios de Radio Miraflores en 1982. Allí, los niños aparecen en la sala de grabaciones del segundo piso al lado de JL, Roberto Mejía (conocido conocido como "El Nene"), Jorge Muñiz, Quique Cano-Alva y Sammy Sadovnik. ¡Qué épocas!

3. Gráfica que corresponde a 1983. Aparecen, Walter Gonzales, JL, la debutante cantora Daniela Romo, Lucho Argüelles, Juan Vargas, y Johnny López, frente al antiguo local de Radio Panamericana, en Mariano Carranza, Jesús María. Hoy, Radio Panamericana funciona desde un moderno edificio, en el distrito limeño de San Isidro. Y Daniela Romo es una experimentada figura de la actuación y el canto. El resto es historia. (FOTO: Tater Oliva).

4. Segunda visita de Daniela Romo a Lima, en agosto de 1984. Aparece la cantante con Gastón "Wolfie" Medina, JL, Sammy Sadovnik y Humberto Velásquez, este último, aunque chiquito, disc jockey pionero en el Perú. Por aquellos días, Humberto animaba Las Súper Mañanas de Panamericana y Daniela cantaba "Yo no te pido la luna". (FOTO: Víctor Becerra).

5. Foto tomada en la puerta de Radio Panamericana el año 1984. En su momento, por gestión del periodista Luis Almeida Magallanes, la gráfica fue publicada en la Revista Disco Show de Puerto Rico. Aparecen, Iván Márquez, conductor de Eva y yo, Lucho Argüelles de Fresas con Crema, JL de Buenos días, día, Susana A de Las 30 Más, Johnny López de 7 x 7 y Kike Chávez de 90 Grados.

6. Lucho Argüelles, Sammy Sadovnik, Gastón Medina, JL y Kike Chávez, de Radio Panamericana, escoltando a la invitada María Conchita Alonso y a nuestra estrella de entonces, Juan Miguel López Cancino. A pesar del brillo de nuestra estrella, y aunque no parezca, todos tuvimos oportunidad de participar de la entrevista. Sucedió en el Teatro Mariátegui en noviembre de 1984, durante los días de la puesta en escena de la obra Gracias, Señor Robot. (FOTO: Víctor Becerra).

7. El staff de disc jockeys de Radio Panamericana en el Coliseo Amauta, en diciembre de 1985. Fue a raíz de La Más Más del año, espectáculo masivo que organizaba la popular emisora. Aparecen, Gastón Medina, Lucho Argüelles, Roberto Lyon, Humberto Velásquez, JL, Sammy Sadovnik y Kike Chávez. Delante, como era costumbre, rompiendo esquemas, Johnny López. Fue la última vez que ese elenco compartió junto un evento panamericanista. En menos de dos meses, cinco de los presentes habíamos emigrado. Por coinicidencia solo quedaron, el señor del centro (Humberto) y los jóvenes de los extremos. (FOTO: Víctor Becerra).

8. Nuevos Aires. En la azotea del Grand Hotel Miraflores, en Lima, con motivo de la Conferencia de Prensa de Los Abuelos de la Nada y Miguel Mateos & Zas. Era 1986, tiempo del furor del rock de La Plata. Aparecen, JL de Radio Miraflores, Randy Calandra y Gastón Medina de Radio Panamericana, Sammy Sadovnik de Radio Miraflores, y Reynaldo Aragón y Mario Jiménez de Radio 1160. Nuestra competencia únicamente era cuando estábamos al aire. (FOTO: Víctor Gutarra).

9. Disc jockeys de Radio Miraflores en mayo de 1986. El elenco se reunió en la sala de grabaciones del segundo piso, donde hubo tantas importantes entrevistas. Las de Emmanuel y Miguel Bosé, por ejemplo. Parados aparecen, Héctor Felipe Rojas, Juan Carlos Hurtado, Quique Cano-Alva, Luis Elías y el jefe de los operadores técnicos, Jorge Hutchinson. Sentados: Piero Roncallo, David Lemor, JL y Sammy Sadovnik. (FOTO: Víctor Becerra).

10. En mayo de 1987 varios deejays fuimos invitados a La Casa de Edith, la peña que tenía nuestra primera cantante Edith Barr en la avenida del Ejército. Acontecía la premiación del Diario Hoy a los mejores disc jockeys del 86. Mirando a la cámara están, Sammy Sadovnik, Coco Valderrama, JL y Paco Espinoza. Todos, ganadores de esa noche.

11. Esta gráfica fue tomada en la Discoteca Sphynx de Miraflores con motivo de la Conferencia de Flans, el trío mexicano que arribó a Lima en agosto de 1987. Aparecen conocidos rostros de Radio Studio 92, Panamericana, Libertad, 1160, Radio A y Miraflores. Si desea ahondar en los nombres, simplemente escríbanos un comentario.

12. Reunidos en la cabina de Radio Miraflores en abril de 1988, con motivo de la despedida a Sammy Sadovnik quien viajaba a estudiar a los Estados Unidos. Quique Cano-Alva, Sammy, el músico Juan Carlos Caipo de S.O.S. y su sobrino (que ya debe ser un señor), Raúl Cabrera, Johnny López y JL. Delante: el ejecutivo discográfico y baterista de Feiser, Andrés Rojas Pereda, y el DJ Giovanni Forno. Todos, alrededor de la reina: Diana García de Palacios.

Me siento afortunado de haber contado con tan calificados competidores y mejores amigos. A todos ellos, un salud a la distancia. Y para la Reina, una canción de Carly Simon.

Javier Lishner
San Jose, California
10 de abril de 2007