LA DAMA DE VAN GOGH

Esta vez no fue la oreja de van Gogh lo que hizo noticia, sino una de sus pinturas. Entre Holanda y Bélgica, científicos acaban de descubrir que debajo de la obra Patch of Grass había la imagen de una dama. En realidad, la imagen todavía está.


Vincent van Gogh nació en Zundert, Holanda, en 1853 y, aunque por sus autorretratos pareciera que murió senil, vivió solo hasta los 37 años. A esa edad, por ejemplo, fue también cuando se apagó la vida de Michael Hutchence, el movido y carismático vocalista de INXS. Paradójicamente, ambos artistas, separados por un siglo, dejaron este mundo por la misma circunstancia: el suicidio.

La noticia explica que, con una nueva técnica de rayos X, el trabajo fue desarrollado principalmente entre la Delft University of Technology y la University of Antwerp, en Holanda y Bélgica, respectivamente. Aunque dice, también, que recibieron ayuda de otras instituciones.


Es sabido que van Gogh tenía la costumbre de trabajar sus obras sobre pinturas que ya había creado. Patch of Grass fue pintada en París en 1887, y pertenece al museo Kröller-Müller, que posee una gran cantidad de obras del pintor post-expresionista. El Kröller-Müller Museum, luego del Museo van Gogh en Amsterdam, es el que guarda más pinturas del referido maestro.

Lo que aún no se ha revelado, es el nombre de la dama.

Javier Lishner
Santa Clara, California
31 de julio de 2008

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CREYENTE EN BLANCO Y ROJO

Ayer, motivado por encontrar aunque sea extractos del mensaje del doctor Alan García Pérez en la Internet, con motivo del aniversario de la independencia del Perú, me topé con este video. Y, aunque no tiene nada de musical, me pareció interesante. Una muestra más de lo fácil que es llegar a la gente con eso de la Palabra de Dios y del dios de Jacob. Y de lo sencillo que es conseguir aplausos cuando los seguidores escuchan cualquier cosa dicha con énfasis y con pasión, como bien lo sabe hacer el presidente peruano. Me pareció anecdótico. Sin interferir en la fe de nadie, claro está.

Javier Lishner
Santa Clara, California
30 de julio de 2008

TRATANDO DE ENTENDER EL MENSAJE DEL OSADO LÍDER

Hoy, en Física3, el espacio en la blogósfera que maneja Ernesto Cárdenas, encontré este comentario sobre el mensaje del doctor Alan García Pérez, presidente del Perú, con motivo de los 187 años de la independencia del país. Mientras Cárdenas, peruano residente en Madrid, ensaya una crítica del extenso mensaje presidencial; por ejemplo, Augusto Alvarez Rodrich, director de Perú21, escribe que fue un mensaje sin alma. Desgraciadamente, yo, no pude escucharlo. A continuación la nota que llega desde la capital española. (Foto tomada de El Comercio de Lima. 29 de julio de 2008).

Escribe: Ernesto Cárdenas

Sí... en este día de celebración, una de las cosas inevitables son los discursos presidenciales. Se ha visto cosas de todo calibre, aburridos, efectistas, sorpresivos... pero mejor centrémonos en el de hoy.

Definitivamente a nuestro presidente le encanta el sonido de su voz (o como dirían aquí: está encantado de conocerse), solo así se explica la larga duración del discurso, en la cual se centro fundamentalmente en un repaso de toooodo lo conseguido, al parecer quería poner énfasis en el aspecto comunicacional, o sea que la gente que se entere de que hay obras y que no se han dado cuenta, bueno... está en su derecho, pero tal retahila es abrumadora.

Con todo se ha podido detectar la contradicción fundamental del discurso, en un principio se indica correctamente que la inflación viene consecuencia de fenómenos internacionales y que el Perú no es una isla (pero que no cuenta con mecanismos de defensa), se ha ido por el lado del incremento de la demanda interna y del riesgo que involucra el aumento del gasto público como generador de inflación.

Es ahí donde empieza el choque, pues si bien reconoce que el crecimiento no ha llegado a todos y que "ahora deben ser los más pobres quienes avancen más", el decir que se controlará el gasto público suena por decirlo ligeramente contradictorio.

Esta contradicción se torna mayor con medidas como la de los fondos que se usarán para financiar los aportes pensionarios de los trabajadores de pequeña y microempresa, así como para los que trabajan para el estado mediante servicios no personales, son cantidades considerables e involucran un compromiso del Estado de cara al futuro.

Entonces queda la pregunta... ¿cómo se reconcilian esas dos visiones? ¿cómo se financian esos gastos? cierto.... ha habido un crecimiento de la caja fiscal, pero no el suficiente y ahí vemos lo imprudente que fue no asegurar fondos en base a impuestos a las sobreganancias y contentarse con el famoso "óbolo".

Si, hay vacíos como el cómo financiar a las regiones que no tienen canon, cosas pintorescas como vincular la corrupción al "alma" antes que a la educación y al cumplimiento de la ley (olvidándose de la gran corrupción de hace unos días), pero esta contradicción ya es lo sufientemente clamorosa, fruto tal vez de una presión de la coyuntura más que de algún posible plan de largo plazo.

Gracias Ernesto por compartir lo que piensas.

Javier Lishner
Santa Clara, California
29 de julio de 2008

Chrissie Hynde
MATRIMONIOS Y ALGO MÁS

Bill Wyman no fue la única estrella rockera que se casó más de una vez. En los Estados Unidos, hubo muchas; entre ellas, una, que -muy al estilo de Wyman-, ha manejado su carrera sin importarle el mainstream. Aún no llega a los 71 años ni ha tenido cuatro hijos. Se llama Christine Ellen Hynde, es vegetariana, defensora a muerte de los animales y, su vida -a pesar de su popularidad-, siempre fue un poco extraña.

Hynde al lado de Natalie (hija con Ray Davies) y Yasmin, de su matrimonio con Jim Kerr. (FOTO: Richard Young).

Alguien la definió mitad hippie, mitad punk. Es Chrissie Hynde, la cantante, compositora y líder de the Pretenders, el grupo que ella misma originó en 1978, en Hereford, Inglaterra. La sólida formación de la banda estuvo integrada por James Honeyman-Scott en guitarras, Pete Farndon en bajo, y Martin Chambers en percusión. Los dos primeros se fueron al cielo a temprana edad.

A principios de los ochenta, Hynde anduvo en romances con Ray Davies, el importante vocalista de the Kinks -uno de los grandes del rock inglés-, con quien, en 1983, tuvo una hija de nombre Natalie Rae. Poco tiempo después, Hynde conoce a Jim Kerr, cantante del entonces popular grupo escocés Simple Minds, y varios años menor que ella. La pareja se casó y, producto del matrimonio, en marzo del 85, nació Yasmin.

En 1997, la cantante de "Back In the Chain Gang" volvió a casarse; aquella vez, con Lucho Brieva, el destacado escultor colombiano radicado en Londres. Entre sus créditos, Brieva tiene su nombre en los discos Vozero y 50 Minutes Later, de Phil Manzanera, guitarrista de Roxy Music.

La relación con el artista sudamericano terminó cinco años más tarde. En 2007, la cantautora y guitarrista, abrió un restaurante vegetariano en su natal Akron, Ohio, al que llamó The VegiTerranean. Que se sepa, esa es sido su última conquista.

Eso sí, su primer matrimonio, con Sid Vicious, el malogrado bajista de los Sex Pistols, fue solo un runrún que alguna vez corrió por los dominios del rock and roll.

Javier Lishner
Santa Clara, California
29 de julio de 2008

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Y van 65
SIMPATÍA POR MICK

Marilyn Mahoney vio a Mick Jagger el 26 de julio de 1966. Esa tarde, los Rolling Stones tocaron aquí, en el Cow Palace de San Francisco... Y, Mahoney y miles de seguidores más, le cantaron Happy Birthday al simpático vocalista de esa banda -que le seguía los pasos a los Beatles-, quien cumplía 23 años. Por coincidencia, al mes siguiente, los Beatles darían su último concierto a menos de tres millas de allí, en el Candlestick Park. Mientras los Stones, luego de 42 años, aún continúan.


Ese mes de julio, los Rolling Stones habían lanzado el simple de "Mother's Little Helper", escrita por Jagger y Richards, y grabada en diciembre del año anterior en Los Angeles. La canción comienza así: "What a drag it is getting old...".

Hace un par de días, el sábado último, Jagger cumplió 65. Mahoney dejó un comentario agradeciendo al cantante y compositor por haberla acompañado, "con el mejor entretenimiento", durante más de cuarenta años de su vida.

Una simple seguidora del rock and roll que podría reflejar el sentir de una parte de quienes gustamos de la música. La otra, la más refinada y puritana, posiblemente, desearía que de una vez se retire y, de paso, se le quite esa etiqueta de Sir impuesta hace cinco años por el Imperio Británico. ¿De qué lado está usted?

Javier Lishner
Santa Clara, California
28 de julio de 2008

1915 - 2008
LORENZO HUMBERTO SOTOMAYOR

En la víspera de un nuevo aniversario patrio en el Perú, Lorenzo Humberto Sotomayor, valioso protagonista de esa guardia vieja de nuestro acervo criollo, ha muerto. Pianista, autor y compositor, Sotomayor fue conocido por temas como "Corazón", "El solitario", "Lima de mis amores", "Pasión", "Burla", "Mi tesoro", "Si me amaras" y "Cariño mío", las que fueron interpretadas por algunas de las más grandes figuras del criollismo peruano, desde Jesús Vásquez, Delia Vallejos y Esther Granados hasta Cecilia Bracamonte, Lucía de la Cruz, Eva Ayllón e Iraida Valdivia. Con Rodolfo Coltrinari compuso "Un vals y un recuerdo".

CORAZÓN (Vals)
Letra y música: Lorenzo Humberto Sotomayor

Reír...
¡quién habla de reír!
si en la vida todo es
sólo sufrir, sólo llorar.
Creer...
en la felicidad,
sólo es un sueño loco,
imposible realidad.
Lo digo,
porque todo para mí
fue angustia y penar.
Lo digo,
porque nunca en mi vivir
tuve felicidad.
Gozar...
jamás pude en la vida,
pues ella siempre ha sido
perseguida por el mal.

Corazón,
¡hasta cuándo estás sufriendo,
hasta cuándo estás llorando,
hasta cuándo corazón!

Yo confío que ésta ha sido
una prueba corazón,
una de las tantas pruebas
que nos suele mandar Dios.

Corazón,
ya bastante hemos sufrido,
ya la vida nos ha dado
muchos golpes, corazón.

Y confío que algún día
no habrá más fatalidad
y ese día gozaremos corazón.

Dario Mejia, en una de sus siempre interesantes notas desde Melbourne, Australia, acota que, en su juventud, Lorenzo Humberto fue futbolista. Integró los equipos del KDT Nacional, Sport Boys y Universitario de Deportes. Su posición era la de centro delantero pero, desafortunadamente, al pasar a las filas del equipo estudiantil, se encontró que en su puesto había otro muchacho dos años mayor que él de nombre Lolo Fernández. Fernández, sería el más representativo elemento que alguna vez vistió la camiseta crema. El futuro del joven Lorenzo Humberto sería el banco (de suplentes). Y, cuando recién tuvo la oportunidad de cubrir la plaza de Lolo, se lesionó la rodilla y tuvo que abandonar el deporte. Escribe Mejía, "El fútbol peruano perdió a un buen futbolista, pero la música criolla del Perú ganó a un excelente autor, compositor y pianista". Posteriormente, Sotomayor compuso una polka de título "Lolo Fernández".

Durante su larga carrera, dirigió a Los Chalanes del Perú con Gonzalo Barr, Ernesto Samamé, Manuel Campos, José Ladd y Samuel Herrera. Fue maestro de música en algunas escuelas y, ante todo, buen padre y mejor esposo. "Corazón" fue inspirado en su señora, Elvira Von Maack, quien lo precedió en este mundo. El maestro estaba por cumplir 93 años. Descanse en paz, Lorenzo Humberto.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de julio de 2008

Bill Wyman
MATRIMONIO Y ALGO MÁS

William George Perks no es un nombre muy familiar en los predios del rock and roll. Pero muy diferente sería si nos refiriéramos a Bill Wyman, ligado a los inicios del género en Inglaterra. Fue Wyman la penúltima piedra angular en llegar a los Rolling Stones a finales de 1962 (Charlie Watts llegó un mes después para reemplazar finalmente al baterista Tony Chapman, quien había recomendado a Wyman). El puesto de bajista, que fue dejado por Dick Taylor, lo cubrió con firmeza desde el momento que juró ser parte de una banda que ni él mismo creía que iba a durar. Años después, sostendría que su afición por guardar los recortes de periódicos fue con el afán de mostrárselos algún día a sus hijos y contarles que una vez fue músico, y apareció en diarios y revistas... Pero aquello no sucedió. Wyman se hizo famoso al lado de otros cuatro pelucones, casi diez años menores que él, y no tuvo que contar ni mostrar mucho.

Bill Wyman y Mandy Smith.

En 1959, Bill Wyman se casó con Diane Cory, con quien tuvo un hijo llamado Stephen. El niño heredó el apellido adoptado por su padre, y no el original de la familia Perks. Fue bautizado como Stephen Paul Wyman.

Varios lustros después, bordeando los 47, Bill Wyman comenzó otra relación, de esas no muy usuales, con una niña de 13 años. Su nombre era Amanda Smith, llamada cariñosamente Mandy. Dicen que la conoció en una de esas inolvidables tardes rockeras. Lo chalado del caso no fue solo la diferencia de edad entre ambos, o la edad misma de la niña, sino la venia de la madre a semejante capricho. Recién cuando Smith tuvo sus primeros 18, se consumó la relación con el músico de 52. Era junio de 1989. Y así, hubo matrimonio.

Como algunos hubieran esperado, el himeneo entre el maduro Wyman y la joven Smith duró poco. En realidad, menos de dos años. Pero lo anecdótico del caso no había terminado. Patsy, la madre de Mandy, se casaría poco tiempo después con Stephen, el hijo de Wyman. Dicen que ella tenía 46 y, él, 16 años menos. Un zafarrancho que no terminó de completarse por el temprano divorcio entre el músico y Mandy. Cosas del rock.

2008. Ron Wood, Bill Wyman y Keith Richards juntos nuevamente. (FOTO: Suzanne Accosta).

Terminado el intríngulis, en junio de 1993, Wyman se casó por tercera vez; en aquella ocasión, con la actriz Suzanne Accosta. Con ella estuvo el pasado mes de junio en casa de Ron Wood, durante la pachanga que siguió a la boda de Leah, la hija de Ronnie. Allí, Wyman, a sus 71, se reencontró con sus viejos amigos, Keith Richards, Jeff Beck, Ian MacLagan y Kenney Jones.

El hombre de quien se dijo haber estado con 265 mujeres en el lapso de tres meses, afirma que vive más feliz que nunca. Producto de su amor, Wyman y Accosta, tienen tres hijas: Katherine Noelle, Jessica Rose y Mathilda Mae. Long live rock and roll.

Javier Lishner
Santa Clara, California
26 de julio de 2008

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De los discos 45
MI HISTORIA CON THE CHI-LITES

Por favor, al leer la siguiente nota recuerde que en esa época no existían los i-Pods, la Internet era solo un sueño, el disco compacto no existía ni en sueños, y que los fundadores de Google ni si quiera habían nacido. Los términos download, software, wireless, laptop, email y MP3, no existían en el lenguaje diario y, lo único digital que teníamos eran las huellas. Chat, era como le llamábamos de manera americanizada y amigable a aquellos más bajitos que nosotros y, multimedia, eran los calcetines que se compartían en casa. Mac no sonaba a marca de computadoras sino de camiones (Mack), originales de Allentown, Pennsylvania. No existían los Emoticons como hoy, con tantas muecas, sino que había uno solo llamado Smiley que no era burlón ni escandaloso y más bien siempre sonreía...


El mundo era diferente y la música también. Led Zeppelin aún no era lo que luego llegó a ser y, Deep Purple, era lo que nunca más volvería a ser. Las radiolas tenían por lo general cuatro patas y, a veces, el tocadiscos tenía que ser conectado con algún radio para que sirviera de amplificador. Era el inicio de la década del setenta. En parte de Latinoamérica había una fiebre española y otra argentina. Pero, ésta última, muy distinta a la que llegaría la siguiente década con Soda Stereo o Charly García. Incluso, Charly hacía lindas canciones acústicas al lado de Nito Mestre, y no se tiraba de novenos pisos ni se trompeaba con el primero que le caía mal. Es cierto que ya se había descubierto el heavy metal (Black Sabbath, por ejemplo, ya había lanzado sus tres primeros discos) pero, a pesar de ello, el mundo aún no sabía en qué dirección se dirigía esa música de pelucones y locos llamada rock and roll. Y John Lennon vivía.

Nunca pregunté de dónde salió ese 45 r.p.m. de Gustavo "Hit" Moreno que tuvimos durante tanto tiempo en casa. Nunca supe quién lo compró, quién lo trajo o cómo llegó. De acuerdo a la historia, "Norma" debió haber llegado conmigo porque, coincidentemente, Norma y yo, somos del mismo año. Del año de la pera.

Ese fue el primer disco 45 que yo recuerdo. Aunque llegada la década del setenta, invirtiendo nuestras semanales propinas, comenzaríamos a construir nuestra propia colección de discos. Algunos pasaron desapercibidos, pero la gran mayoría se convirtieron en clásicos de nuestras cuatro paredes. De los primeros, por ejemplo, hubo uno de Three Dog Night de título "Shambala" y, otro, de Hamilton, Joe Frank & Reynolds de nombre "Nora". Las canciones no tenían nada de malo, pero como que al momento les faltó ese algo que las pudiera haber hecho salir del anonimato. Y es que había veces que uno iba a la discotienda con su lista de canciones y no encontraba ni una, y, antes de regresarse frustrado y hasta de mal genio, adquiría alguna que por allí andaba rebajada o que el que el vendedor de turno sugería. Y, claro, con diez u once años de edad, a veces, uno se dejaba influenciar. Más de una vez me llevé sendos "paquetes" que, a pesar de tocarlos todos los días en casa, nunca ascendieron en mi imaginaria lista de éxitos. Ni siquiera en las de las radios populares de aquel entonces.

"Have You Seen Her" - The Chi-Lites.

Como lo escribí hace un tiempo, mi primer 45 fue uno de Tormenta, la cantante argentina que hacía furor por esos días entre el 71 y 72. Se tituló "Como una chica y un muchacho". En el reverso, estaba "Vuelve padre sol". Tormenta por aquel entonces se había hecho popular con canciones como "Adiós chico de mi barrio" y "Adolescente tierno"... Y tuve la suerte de poder contarle la historia una vez que llegó a la radio.

De todos los discos 45, hubo uno del que no me deshice por pena o por gloria, no sé. En el verano me habían matriculado en las clases de guitarra en la parroquia (los que me conocen seguramente saben a cuál me refiero). Allí tuvimos a dos maestros quienes durante los meses de verano, tanto él como ella, se dedicaron a enseñarnos las primeras notas y, de paso, a tocar algunas canciones como "La Bamba". En marzo, al final de las vacaciones, se realizó la clausura de los cursos de verano. Aquel día, en horas de la tarde, durante la celebración, llegó el momento de la premiación a los de la clase de guitarra, y entonces escuché mi nombre. Pasé al pequeño estrado que los mismos maestros habían construido en el patio y tras un apretón de manos, me obsequiaron un presente. Tenía forma de disco. Feliz lo recibí y lo guardé bajo el brazo.

En 1971, Radio Miraflores se había encargado de hacer éxito un tema de título "Have You Seen Her", que la tradujeron como "La has visto". Radio Atalaya le siguió en el proceso de convertirlo en éxito. Los intérpretes se llamaban The Chi-Lites que, para los que apuntábamos rankings, se transformó en el nombre más difícil de escribir debido a que cada disc jockey le ponía lo suyo al bendito apelativo del grupo vocal de Chicago [pronúnciese the shy-lights]. Y que me perdonen todos pero ninguno la acertó.

La verdad es que más de una vez estuve en la discotienda pidiendo el disco 45 de esa canción, pero nunca la encontré. Recuerdo que algunos vendedores se mataban por hacerme entender lo que significaba "que no estaba en edición nacional". Para mí, lo lógico era que algún día estuviera en edición nacional. Y, en contra de lo que me dijeron los vendedores, pareció que ese día había llegado.

Mientras otros de mis compañeros recibían aplausos y premios en la ceremonia de la parroquia, a un lado estaba yo abriendo mi presente. Y grata fue mi sorpresa cuando me encontré con el famoso "Have You Seen Her" que durante meses había estado buscando. Regalo de Dios, pensé... Al regresar a casa, añadí mi nuevo disco (de etiqueta psicodélica) a la incipiente colección. En diciembre anterior, como parte de los regalos de Navidad, Papa Noel nos había dado la oportunidad de comprar diez discos 45 entre todos los hermanos. No recuerdo bien cómo fue la selección, y si discutimos o no, pero sí recuerdo que llegaron, entre otros, "True Love That's A Wonder" de Sandy Coast, "I Believe in Music" de Gallery, "Ventura Highway" de America y "Where Is The Love" de Robertha Flack & Donny Hathaway. Todos, en edición nacional. Los discos importantos habían sido vetados por el gobierno militar de turno.

"Go All The Way" en 45 por The Raspberries.

¿Y quién fue Sandy Coast? No era un cantante como escuché más de una vez en la radio, sino un grupo holandés formado a mediados de los sesenta que tuvo en esa canción su tema más popular. ¿Y quién fue Gallery? Fue un grupo de Detroit, cuya voz principal se llamó Jim Gold. Su mayor éxito fue "(It's So) Nice to Be with You". Con America, Roberta Flack y Donny Hathaway, hablamos de palabras mayores.

Durante el año 72, la discoteca de casa empezó a crecer con la llegada de discos de artistas como Lobo con "I'd Love You to Want Me" y "Don't Expect Me To Be Your Friend", Gilbert O'Sullivan con "Clair", los Raspberries con "Go All the Way", Albert Hammond con "It Never Rains in Southern California", the Shockimg Blue con "Demon Lover" y Nilsson con "Without You". Lo cierto es que al final de cada año, el número de discos 45 subía significativamente.

No obstante, cuando al día siguiente fui a escuchar mi premio de las clases de guitarra, me topé con un problemita que me hizo recordar a los vendedores de las discotiendas. La versión de "Have You Seen Her" no era la de los famosos Chi-Lites sino la de un grupo llamado The Monitors, conocidos solo en su casa y en algunos pisos de la Motown, donde, debido a su escaso éxito como grupo vocal, y para no deshacerse de ellos, los ejecutivos los enviaron a realizar diversos trabajos de oficina. A uno, por ejemplo, lo mandaron al departamento de control de calidad.

En resumen, y paradójicamente, "Have You Seen Her" fue una placa que nunca vi en su publicación original. El disco de 7 pulgadas de los Monitors, que seguramente grabaron con muy buena intención, debe estar hoy en casa de uno de dos amigos a quienes les heredé todos esos primeros 45 revoluciones por minuto que empezaron a llegar desde fines de 1970, en plena revolución en Perú.

Javier Lishner
Santa Clara, California
24 de julio de 2008

Del escritorio del Director

¡CÓRTENSE EL PELO, CARAJO!

Pensé que en la década del setenta, solo en el Perú y algunos países de Latinoamérica, no se le permitía a los varones usar el cabello largo. Recuerdo que, por ejemplo, en el colegio donde estudié en Lima, manejado por curas españoles, se nos prohibía usar el pelo medianamente crecido. Bueno, tenían que ser curas... Afortunadamente, la influencia de los Beatles y los Stones, hizo que esas mentes de pelo cortito y cruz en el pecho, se fueran abriendo un poquito a la modernidad y a los nuevos tiempos; algo en lo que ni el propio Albert Einstein pudo influir con su desorbitada cabellera.

Page, Jones, Bonham y Plant: Escalera al cielo con el cabello largo.

No obstante, al otro lado del planeta, al sudeste de Asia, en Singapur, la cosa era peor. A escasas horas del día de los enamorados, en 1972, los oficiales del gobierno de turno, liderados por el sempiterno primer ministro, Lee Kuan Yew, prohibieron desembarcar, en el aeropuerto de la capital, a Robert Plant, inglés, de profesión cantante, nacido el 20 de agosto de 1948; Jimmy Page, inglés, de profesión guitarrista, nacido el 9 de enero de 1944 y apodado Charles Obscure; John Paul Jones, inglés, de profesión multi instrumentalista, nacido el 3 de enero de 1946, y John Bonham, inglés, de profesión baterista, nacido el 31 de mayo de 1948 y conocido también como Bonzo; todos, por las sendas melenas con las que arribaron.

El eventual acontecimiento no solo causó malestar por la negación de la visa de ingreso a aquel país sino también por la anulación de esa parte de la gira que, a la vez, iba a ser el primer show de Zeppelin durante ese año. El conjunto andaba estrenando la música del que, según buena parte de la crítica, fue el mejor álbum de su carrera: el Led Zeppelin IV.

"... Been a long lonely, lonely, lonely, lonely, lonely time."

Con sus melenas -en el pequeño y privado jet Falon-, se fueron con su rock and roll a Perth, Australia. Lo que nunca se supo es si Led Zeppelin fue informado del impedimento de caminar por las calles de Singapur; en chino, tamil, bahasa o en el idioma de Shakespeare, los que se hablan allí.

Javier Lishner
Santa Clara, California
13 de febrero de 2007

John Mayall
OTRO DE LOS PADRES DEL ROCK INGLÉS

Bluesbreakers: John Mayall with Eric Clapton, apareció en disco el 22 de julio de 1966. De eso, ya hace buen tiempo. Al igual que en la vida de Long John Baldry, en la incipiente historia de John Mayall se cruza el mismo nombre: Alexis Korner. Blues Incorporated, el grupo de Korner, fue la inspiración para que el joven Mayall hiciera su movida a la capital inglesa y formara los Bluesbreakers. Mayall tenía casi 30 años de edad.


Dice su biografía que John Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, una pequeña villa cercana a Manchester. Fue el mayor de tres hermanos, y creció escuchando la colección de discos de jazz del padre, un aficionado guitarrista, a la sombra de la segunda guerra mundial. A los 13, luego de oír a Lead Belly, Albert Ammons y Pinetop Smith -y con la ayuda de los instrumentos de los vecinos- comenzó su autodidacta carrera. Años más tarde ingresaría al Manchester College of Art, de donde saldría graduado.

Pero no fue hasta la llegada de Eric Clatpon, el joven guitarrista que había dejado a los Yardbirds para dedicarse al blues, que John Mayall graba su primer disco. Era 1966. Clapton diría años más tarde: "En realidad, John Mayall, lo que dirigió fue una escuela para músicos". Se refería a los Bluesbreakers de donde salieron John McVie (Fleetwood Mac), Jack Bruce (Cream), Peter Green (Fleetwood Mac), Aynsley Dunbar, Harvey Mandel, Andy Fraser (Free), Mick Fleetwood (Fleetwood Mac), Mick Taylor (Rolling Stones), Keef Hartley, y Jon Hiseman (Colosseum), entre otros.

Con el lanzamiento de The Turning Point en 1969, una pieza acústica grabada en el Fillmore East, y con un éxito en las listas ("Room To Move"), Mayall decide mudarse a Laurel Canyon, en el área de Los Angeles. Desde allí, acogería a músicos como Blue Mitchell, Red Holloway, Larry Taylor y Harvey Mandel. Además, estaría más cerca del blues de John Lee Hooker, Albert King, Buddy Guy y Junior Wells.

Un poco de blues con John Mayall.

La carrera de Mayall ha sido vasta. Durante los setenta, por ejemplo, lanzó casi una veintena de discos entre los que estuvieron, Empty Rooms (1970), Back to the Roots (1971), New Year, New Band, New Company (1975), Banquet in Blues (1976) y Bottom Line (1979).

A excepción de la tragedia sucedida en 1979 cuando, en Laurel Canyon, su residencia ardió en fuego llevándose importantes pertenencias; la vida de John Mayall continuó apacible pero ocupada, entre escenarios, estudios de grabación, discos, y su familia. En 1982, con la ayuda de Mick Taylor, John McVie y Colin Allen, revivió a los Bluesbreakers para una gira mundial. Esta le sirvió como vitrina para captar a una nueva generación de seguidores.

El nuevo milenio lo encuentra publicando su quincuagésimo primer disco: John Mayall And Friends – Along For The Ride. En él participan, entre otros, Billy Gibbons (ZZ Top), Jonny Lang, Steve Miller, Steve Cropper, Otis Rush, Gary Moore, Jeff Healey y hasta el gran Billy Preston, con quien hace un inolvidable dueto.

Bluesbreakers: John Mayall con Eric Clapton.

En 2003, al cumplir setenta años, organiza un concierto a beneficio de la UNICEF, el que comparte con Eric Clapton, Mick Taylor y Chris Barber; todos, ex miembros de los Bluesbreakers.

Dos años después, en 2005, John Mayall fue declarado Oficial de la Orden del Imperio Británico. A su lado estuvieron Jimmy Page y Brian May. En la actualidad, a sus 74, como dice su página de Internet, no tiene intenciones de abandonar la música.

Para escuchar a John Mayall con Eric Clapton en "Hideaway", presione aquí. Para escuchar "Evil Woman" con Peter Green, presione acá.

Javier Lishner
Santa Clara, California
22 de julio de 2008

NOTA RELACIONADA:
- Long John Baldry, UNO DE LOS PADRES DEL ROCK INGLÉS

Long John Baldry
UNO DE LOS PADRES DEL ROCK INGLÉS

Bluesero hasta la médula. Paul Myers, en su obra It Ain't Easy: Long John Baldry and the Birth of the British Blues -la que presentó el año pasado en Haight Street, San Francisco-, menciona que Long John Baldry podía llorar a gritos como Lead Belly, el músico de Louisiana de folk y blues, caracterizado por su potente voz y fuerza interpretativa.

Long John Baldry (izq.) en St. Paul, Minnesota, en 1990.

John William Baldry nació en East Haddon, Northamptonshire, en enero de 1941. El apodo de "Long" le fue achacado por su estatura, la que superaba los dos metros. A los veintiún años andaba cantando en Blues Incorporated, la banda de Alexis Korner, con quien grabó R&B at the Marquee, considerado el primer disco de blues inglés.

Cuando en julio de 1962 los Rolling Stones subieron como tales a un escenario por primera vez en público, fue para telonear a Baldry. En 1963, se unió a Cyril Davies en su R&B All Stars. Allí estuvo con dos jóvenes músicos de nombres Jimmy Page y Nicky Hopkins. Otro, llamado Bernie Marsden (UFO, Cozy Powell's Hammer, Whitesnake), también pasó por allí. A la muerte de Davies, en enero del 64, Baldry toma el mando del grupo. Al año siguiente, en abril, los Beatles lo invitan a su especial televisivo Around the World With The Beatles, en el que interpreta "I Got My Mojo Workin'".

"Long John Baldry lanzó mi carrera musical. Yo tenía 18 años y un día, tocando la armónica y cantando un tema de Muddy Waters en una estación de tren, corrió hacia mí desde el otro lado de los rieles. Yo lo acababa de ver en un club; era uno de los grandes blueseros en Inglaterra..."

- Rod Stewart, 2004

Su trabajó continuó como Long John Baldry and the Hoochie Coochie Men. Ahí conoce a otro joven de nombre Rod Stewart. En 1965 los Hoochie Coochie se convierten en los Steampacket y, con Stewart, estaban dos jóvenes más: Julie Driscoll y Brian Auger. En 1966, los Steampacket desaparecen y forma Bluesology. Ahí se encuentra con Elton Dean, futuro miembro de Soft Machine. En el piano había otro muchacho llamado Reg Dwight, quien luego de unos años, tomando los nombres de sus compañeros, Elton Dean y John Baldry, se haría famoso bajo el seudónimo de Elton John. Fue Baldry quien, con sus consejos, prácticamente salvó la vida del joven pianista cuando, en 1969, intentó suicidarse. Años más tarde, Elton John, escribiría la canción "Someone Saved My Life Tonight" en referencia al hecho. Apareció en el disco Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy, de 1975.

"Morning Dew" - Long John Baldry.

La historia es larga. Eric Clapton ha sido uno de los que ha declarado su admiración e influencia, en ese circuito en el que andaban otros como Jack Bruce, Ron Wood, Keith Richards, Eric Burdon, Mick Jagger, Brian Jones, Ginger Baker, Mick Fleetwood y Charlie Watts. Todos, con ansias de algún día ser importantes.

La carrera de Long John Baldry se extendió por más de cuatro décadas. Remembering Lead Belly, en 2002, fue su último disco. De Lead Belly, Baldry dijo aquella vez: "Sus canciones me cautivaron desde niño y, luego de tantos años, me siguen hablando...". Pero, el 21 de julio de 2005, mientras su compatriota Yusuf Islam -conocido mejor como Cat Stevans- celebraba años; Baldry moría, dicen que por una infección al pecho, en Vancouver, British Columbia. La leyenda de perfil bajo, a pesar de su estatura, tenía 64 años. Su legado continúa.

Para escuchar "No Boogie Woogie" y "Everyday I Have The Blues", presione aquí.

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de julio de 2008

NOTA RELACIONADA:
- John Mayall, OTRO DE LOS PADRES DEL ROCK INGLÉS

De Elvis a Metallica
LOS VERDADEROS PADRES DEL ROCK AND ROLL

Cuando en octubre del año anterior leí la noticia sobre el Padre Antoniou Petrescu, quien de día oficiaba misa y de noche bailaba al ritmo de Elvis, no me llamó mucho la atención. Entiendo que tener fe en Dios no está necesariamente en contraposición con el rock and roll, a pesar de que alguna vez, mientras estuve imbuido en eso de la religión, alguien me invitó a deshacerme de mis discos porque, entre otros adjetivos, era música profana. Yo acababa de llegar de viaje con algunos vinilos en la maleta; entre ellos, Come Taste the Band de Deep Purple, Rock and Roll Over de Kiss, y Gimme Shelter de los Rolling Stones. Tenía 16 años. Y, aunque arriesgué que mi pellejo se fuera al infierno, no me deshice de ninguno.

FRATELLO METALLO: El monje metalero

Lo que no es usual es ver a un sacerdote interpretando heavy metal. Más aún, cuando lo hace con tanta pasión. Y si es un monje, de los de la orden capuchina, por un momento nos parece el cuento del siglo. Dice que desde que escuchó a Metallica hace unos quince años no ha dejado de dedicarle tiempo a ese género. Se trata de Cesare Bonizzi, un barbado sacerdote de 62 años.

El 29 de junio pasado, en el festival Gods of Metal, en Bologna, hizo su primera aparición pública con su banda, Fratello Metallo, al lado de otros un poco más conocidos como Iron Maiden, Judas Priest, Testament y Slayer. El padre Cesare fue misionero en Costa de Marfil y hoy vive en Milán. A diferencia de lo que muchos refieren al heavy metal como la música del demonio, el padre Cesare dice que eso no tiene sentido.

Cesare Zanotti, el guitarrista principal de Fratello Metallo, no hace mucho dijo a la agencia Reuters que en un principio él y los otros músicos estuvieron escépticos de tocar con el hermano capuchino. No obstante, a los pocos minutos de conversar con él, "decidí seguir adelante con el proyecto porque me di cuenta que tenía una gran energía la que muchos músicos jóvenes no expresan...", declaró el guitarrista.

¡Viva el metal! El padre Cesare lidera Fratello Metallo.

No es primera vez que el hermano Cesare se acerca a la música. A lo largo de su vida ha grabado varios discos con temas propios. Con respecto a su presentación en el Gods of Metal, el padre Cesare afirma que fue una gran experiencia el estar entre tantos jóvenes. "Solo que se me escapó un What the f... porque cuando muchos me ven en el escenario vestido de monje, no creen que pueda estar haciendo su música", dice.

Fratello Metallo ha concluido su segundo disco titulado Misteri, en el que incluye temas sobre el sexo y el alcohol. Del alcohol dice que su exceso daña el hígado y, del sexo, que es muy importante para el hombre. Nada nuevo... Entre sus bandas favoritas menciona a Megadeth y Dream Theater. En tanto, uno de sus sueños, es viajar fuera de Italia con su banda. Por ahora, le han llegado invitaciones de países tan lejanos como Brasil y Japón.

Es su intención enviar su reciente disco al Santo Padre. "Él es un amante de la música, y el metal es música", afirma convencido, sin antes aclarar que no ha tenido ningún problema con sus superiores por haber adoptado este género del rock. Además, declara que cuando hace música no tiene la intención de convertir a nadie... Ojalá que tampoco aleje a los que quedan.

EL PADRE ANTONIU: El Elvis rumano

Antoniu Petrescu es un sacerdote rumano que de día oficia misa, y, de noche, se enfunda en pantalones brillantes y camisa de seda, y se convierte en una suerte de rey del rock and roll.


Petrescu nació hace 34 años en Bucarest, la capital de Rumania. Afirma que desde los 10 comenzó a admirar a Elvis. A diferencia del padre Cesare de Fratello Metallo, el padre Antoniu utiliza una indumentaria especial para sus presentaciones. Dice la información que, además, se engomina el cabello, mueve las caderas y engola la voz, casi como Presley. "Para mí no hay ningún artista que se le aproxime. La música es Elvis", dice abiertamente sobre el rey del rock and roll.

A los veinte años, simultáneamente a su afición por Presley, empezó a sentir una inusitada devoción por Jesucristo; eso que se conoce como "el llamado de Dios". Fue así que se decidió por los hábitos.

Al igual que el padre Cesare, sabía que sus dos vocaciones no se contradecían y por ello viajó a Italia para seguir su carrera religiosa. No obstante, no dejó de cantar en locales imitando a Elvis Presley. "La gente me pregunta: ¿Cómo puede reconciliar la imitación de Elvis con su elección de trabajo profesional?", cuenta el sacerdote. "Elvis es una apropiada inspiración para el culto cristiano porque el artista cantaba acerca del amor en general", agrega. Petrescu es vicepárroco de la localidad de Avezzano, en la región de Abruzzo, en Italia.

¡Viva Elvis! Rock and roll con el padre Antoniu.

La noticia dice que Petrescu ha sabido sacarle partido a sus dos vocaciones. "Varias veces ha celebrado matrimonios por las tardes, y en las noches ameniza la recepción de la boda enfundado en su traje de Elvis".

El padre tiene su propio sitio de Internet, el cual se divide en dos áreas, una para el sacerdote y otra para el artista. Allí, muestra su discografía, fotos, y hasta un video-entrevista de más de ocho minutos.

Hasta el momento, el padre Antoniu no ha recibido ninguna reprimenda de sus superiores. "No he recibido presiones de la Iglesia ni me han puesto obstáculos", asegura convencido de que sus personificaciones de Elvis son del agrado del Señor.

Y su gusto por la música popular no termina con Elvis. Petrescu, en sus sermones, también incorpora las letras de otros cantantes. "La fe y la vocación religiosa que siento, unidas a la pasión que me inspira Elvis y su música, me ayudan a conocer mejor a Dios", termina diciendo. Alabado sea el rock and roll.

Javier Lishner
Santa Clara, California
19 de julio de 2007

SUPERTRAMP: El crimen del siglo

Cuentan que cuando en marzo de 1932 un delincuente ingresó en horas de la noche a la casa de Charles Lindbergh y se llevó a su pequeño hijo de apenas 20 meses, el mundo quedó horrorizado. Hacía solo cinco años que Lindbergh se había convertido en el primer aviador en cruzar el Atlántico. Para muchos, ese, que sigue siendo un misterio sin resolver, se convirtió en el crimen del siglo. Para otros, fue el múltiple homicidio perpetrado en el área de Los Angeles, entre el 8 y 9 de agosto de 1969, con la huella de Charles Manson. En la música, hubo otro crimen del siglo, afortunadamente, a diferencia de los anteriores, con un final feliz.


El inicio de 1974 no fue el más grato. El embargo decretado por la organización de países árabes exportadores de petróleo, dado en octubre del año anterior, aún continuaba. Entre los mayores afectados, se encontraban los Estados Unidos y Holanda, por el apoyo que ambas naciones le habían dado a Israel. Recuerdo haber leído a principios de la década del ochenta una muy buena narración de Jordi Sierra i Fabra, en una de sus innumerables obras sobre la historia del rock, acerca del problema que desencadenó ese bloqueo que afectó directamente a la industria del disco, dependiente en gran porcentaje de los derivados del petróleo.

Para suerte de Supertramp, el embargo árabe acabó en marzo del 74, justo cuando el grupo andaba ingresando a los estudios de grabación de la mano de Ken Scott, reconocido por sus trabajos con The Beatles, Procol Harum y Jeff Beck. También con Pink Floyd y David Bowie, nada menos.

Supertramp germinó en 1969 con el apoyo de Stanley August Miesegaes, un millonario holandés que apadrinó a Rick Davies, luego de conocerlo en Munich, tocando en un grupo llamado The Joint. Fue Miesegaes quien empujó al tecladista para que formara su banda. Dicen que Davies colocó unos avisos en el Melody Maker pidiendo músicos para un nuevo grupo. Fue así que fueron llegando, Roger Hodgson, Richard Palmer y Robert Millar. Por unos meses el conjunto se llamó Daddy hasta que, en enero de 1970, como ya había ocurrido antes en la historia del rock, los jóvenes músicos tomaron una novela de ejemplo y rebautizaron al combo. Así nació Supertramp.

"Dreamer". Supertramp en 1974.

Su primer disco fue lanzado en 1970 y, aunque no fue el mejor de la época, les aseguró un espacio en el festival de la Isla de Wight. El siguiente, publicado un año después, se llamó Indelibly Stamped, y encuentra a solo dos de los originales miembros: Davies, el tecladista, y Hodgson, quien había dejado el bajo para encargarse de la guitarra (ambos alternaban las voces). Consiguieron el apoyo de Frank Farrell, en bajo; Kevin Currie, en percusión; y Dave Winthrop, en vientos. Desafortunadamente, la poca comercialización del producto alejó a Miesegaes del grupo. Y, siguiendo al millonario, de uno en uno, se fueron los otros tres que acababan de llegar.

Pero, como nada está escrito, lo que parecía el fin de un sueño, recién comenzaba para Davies y Hodgson. Ambos encontraron a Dougie Thomson, Bob Siebenberg, y John Anthony Helliwell, con quienes constituirían la más clásica formación de la banda. Ese quinteto sería responsable de la mejor etapa del grupo y, por ende, de la realización de sus mejores obras.

"School", y luego "Dreamer", marcaron la pauta de lo que vendría después. Mientras los dos primeros se encaramaban en las listas británicas; en los Estados Unidos, "Bloody Well Right" esperaba su momento. Los tres temas pertenecieron al Crime Of the Century, el tercer disco de Supertramp, grabado entre los famosos estudios Trident y Ramport, estos últimos, de propiedad de The Who.

LADO A
"School"
"Bloody Well Right"
"Hide In Your Shell"
"Asylum"

LADO B
"Dreamer"
"Rudy"
"If Everyone Was Listening"
"Crime of the Century"

El trabajo de John Helliwell en los sintetizadores fue extraordinario, al igual que en los vientos. Las voces de Hodgson y Davies, también. Si bien es cierto que Crime Of The Century no fue el más popular de sus discos, se convirtió en su obra maestra un poco por la vena de Pink Floyd y The Moody Blues, con la excepción de "Dreamer" y el ya mencionado "Bloody...", que se fueron por el lado más pop y que, luego de un par de álbumes, desencadenaría en el suceso comercial del Breakfast in America, de 1979. Luego de escuchar el disco con cierto detenimiento, creo que oír ambas canciones en el contexto del álbum, deja un sabor diferente que cuando lo hacemos en una programación regular de radio...

El crimen del siglo, para Supertramp, no fue tal. Fue como el principio de su carrera ascendente que fue seguida de un cuasi progresivo proyecto llamado Crisis? What Crisis?, y del sólido Even in the Quietest Moments, de 1977.


Comentaba alguien que con este disco fue que Supertramp, de la noche a la mañana, pasó a la liga de mayores. En ella estaban jugando por esa época, Grand Funk Railroad, Elton John, y los Wings de Paul y Linda McCartney. Crime Of The Century es posiblemente el disco donde mejor se observa la colaboración mutua de Hodgson y Davies, la que se deterioraría al inicio de la siguiente década, con la partida del guitarrista luego de la gira del ...Famous Last Words...

Es un disco recomendable que pude escuchar en su mejor dimensión varios años después, gracias a mi amigo Johnny López, quien, en Lima, en su era pre-televisiva, condujo un especial diario de esta genial banda inglesa. Si Crime Of The Century fue conceptual o no, queda en la opinión del amable lector.

Javier Lishner
Santa Clara, California
17 de julio de 2008

NOTA RELACIONADA:
- Solo un run run. QUE SUPERTRAMP LLEGA A LIMA EN 2009

Ampay, Javier!
TODO ESTABA BIEN... PERO LLEGASTE TÚ

En noviembre de 1989, los Rolling Stones volvieron de gira por primera vez en siete años. Atrás había quedado el recuerdo de su último periplo por Europa en el 82, que fue la continuación de la existosa gira norteamericana del año anterior. El grupo estaba promoviendo su disco Steel Wheels. Esa gira sería la última con Bill Wyman en el bajo. Llegué al estadio al lado de algunos de mis compañeros de Empresa Radiodifusora 1160-Canal 13 de Lima. A la mañana siguiente de la sensacional experiencia, el Miami Herald, el más influyente medio escrito de la Florida, publicó en su primera plana una inmensa fotografía a color de Mick Jagger haciendo referencia al show de la noche anterior en el Orange Bowl, donde habíamos estado.


Celosamente guardé el periódico y me lo llevé al hotel. En la parte inferior de esa primera plana, había otra foto, mucho más pequeña, de sabe dios quién. Ya en Lima, utilizando mis cualidades artísticas, recorté una foto mía que, del mismo tamaño y a color, había aparecido no hacía mucho tiempo en el diario local Ojo. Y la sobrepuse a la original. Además, y como para darle cierta veracidad al arte gráfico, adherí a esa primera plana el auténtico boleto del show. [Téngase en cuenta que en esa época no usábamos computadoras ni existía el Photoshop, cuya primera versión recién aparecería al año siguiente exclusivamente para Mac]. Acto seguido, mandé a enmarcar la página donde mi maestrito de la calle Berlin, en Miraflores. El cuadro quedó muy bien... Mick Jagger y yo, a todo color, en la primera plana del Herald... :-) Mi intención nunca fue engañar a nadie sino simplemente tenerlo en casa como un objeto curioso. El lugar del cuadro terminó siendo el escritorio, ubicado en el primer piso, debajo de la escalera, donde siempre hubo una biblioteca.

Un día, Periodista A del Medio B, llegó a la casa para una entrevista. Pasó al escritorio, el lugar donde además mis discos le habían ido ganando terreno a los libros. Todo estaba bien... Periodista A, con mucha atención y destreza, había realizado su labor para Medio B. No hizo preguntas de más ni se refirió al mencionado cuadro que por momentos tuvo frente a sus narices. Casi al final de la reunión, me pidió que me sentara en el sillón de la esquina para tomarme una foto. Por coincidencia, el cuadro (de Mick y yo) estaba allí, apoyado, al lado del mueble. Me acomodé los cabellos y, sin hacer caso al cuadro, le sonreí a su cámara. Terminada la sesión, muy agradecida, nos despedimos. Con la misión cumplida, Periodista A se retiró de mi hogar.

En el siguiente número de Medio B, en junio de 1990, apareció su entrevista en la que publicó exactamente todo lo que yo no dije, cosa que no era usual. Para terminar, en la leyenda de la foto, escribió: "Javier Lishner posa orgulloso junto a un recorte sobre él, que apareció en The Miami Herald". Y yo, por unos segundos, me sentí el hombre más importante del mundo. Aunque el remordimiento me haya seguido hasta hoy.

Javier Lishner
Santa Clara, California
16 de julio de 2008

GREETINGS FROM LIMA

El sábado que estuve en San Francisco, camino a la capital del Estado, tomé la última edición del Guardian, ese periódico semanal que alguna vez fue el San Francisco Bay Guardian y que se distribuye gratuitamente en buena parte de la Bahía. Leer esos medios alternativos, muchas veces, hacen funcionar la cabeza.

Lo grato en esta oportunidad fue que, al abrir una página en la que hablaban de Peter Walker (¿quién es Peter Walker? recuerdo a Johnnie pero no a Peter), me enteré que el músico de folk/blues se encontraba en el Perú, y en sus mensajes electrónicos con el autor de la nota, Max Goldberg, escribió en su idioma: "I had no idea I could work in this country or that anyone cares about what I was playing... All of these younger players have picked up the ball from Sandy Bull, me, Robbie Basho, and John Fahey, and run with it". Verdaderamente, que hubiera sido genial saber a qué jóvenes músicos se refirió el norteamericano, quien luego agregó: "I am in Lima having a blast."

Mientras Walker está pasándola extraordinariamente bien en la capital peruana, tiene tiempo para escribirle a Goldberg que en Lima hay una gran escena de música, y aunque ello no sea novedad, que lo diga un profesional de sesenta y tantos años que comenzó en el Greenwich Village con contemporáneos como Tim Hardin y Karen Dalton, es más que un halago. "Great music scene here... The flamenco/Inca/jazz fusion is great", complementa el veterano artista.

Peter Walker estudió con Ravi Shankar y Ali Akbar Khan, fue director musical del doctor Timothy Leary y está relacionado a artistas como Joan Baez, Lowell George, Bruce Langhorne, entre otros más. Su primer disco lo realizó en 1967 y, el más reciente, de 2006, lo tituló A Raga for Peter Walker. Incluye la participación de calificados guitarristas como Steffen Basho-Junghans, James Blackshaw, Greg Davis, Shawn David McMillen, Thurston Moore, y Jack Rose. Este domingo estará de vuelta en el barrio, con the William Hooker Trio, en el Hemlock Tavern de la calle Post, en San Francisco.

Para escuchar su (muy hermosa) música presione aquí. Si no le gusta el flamenco, presione aquí. Posiblemente, encuentre lo que estaba buscando.

Javier Lishner
Santa Clara, California
15 de julio de 2008

THE WHO: We Won't Get Fooled Again

En el Pauley Pavillion de la popular UCLA, el sábado último se le rindió tributo a uno de los grandes. Estuvieron allí, en la universidad angelina, Pearl Jam, Foo Fighters, Flaming Lips, Tenacious D e Incubus; todos, para homenajear a The Who, el actual dúo que alguna vez (que me lo permitan los Beatles y los Stones), fue el arquetipo del grupo de rock. Aquel compuesto por una guitarra, un bajo y una batería, y un espléndido cantante (de quien algunos de los más famosos, tomaron la idea. ¿Verdad, Robert Plant?).

Their Generation. Roger Daltrey (64) y Pete Townshend (63) en gráficas de hace dos días.

The Flaming Lips, al mando de Wayne Coyne, interpretaron un medley de canciones de Tommy, bastión fonográfico del homenajeado grupo. Tommy, la creativa rock ópera escrita por Pete Townshend, fue lanzada en disco en 1969. Jack Black, el vocalista de Tenacious D, a su turno dijo: "Es un honor rendir tributo a la más grande banda de todos los tiempos". El cantante y actor, al lado de Kyle Gass, interpretó una versión acústica de "Squeeze Box", el simple de 1975, también escrito por Townshend. Luego añadió: "Y, ¿quieren saber por qué es la más grande banda de todos los tiempos? Porque fueron los primeros que realmente rockearon fuerte".

Le tocó a Sean Penn presentar a uno de los estelares de la tarde, y lo hizo con Pearl Jam. El grupo de Seattle ejecutó dos famosas canciones del combo inglés. Ambas, de la segunda ópera rock del grupo: Quadrophenia. Ellas fueron, "Love Reign O'er Me", la que realizó con el acompañamiento de una orquesta; y, "The Real Me", con una sección de vientos. Parodiando los actos que alguna vez hace muchos años caracterizó a The Who, Eddie Vedder y Mike McCready destruyeron sus instrumentos. El vocalista arrojando el micrófono al público y, el guitarrista, lanzando su instrumento al aire.

1990. The Who ingresa al Rock and Roll Hall of Fame.

Dice la información que la noche finalizó con la actuación de los homenajeados, quienes se lanzaron con "Teenage Wasteland", "The Seeker", "My Generation", "Two Thousand Years", "Batman" y "Who Are You". Mientras interpretaban "Won't Get Fooled Again", Townshend hizo parar el show por un problema con uno de sus parlantes. Luego, desde el principio, pudieron completarla. Los veteranos músicos, terminaron la faena con "Tea and Theatre", canción del disco Endless Wire de 2006, el primero que lanzaron con temas originales en más de dos décadas.

Durante su presentación se recordó a los otros dos integrantes que, repentinamente, uno en 1978, y el otro, en 2002, se fueron al cielo: el baterista Keith Moon y el bajista John Entwistle. Daltrey, en declaraciones a AP Television News afirmó que él extrañaba a sus viejos amigos "pero ellos están conmigo", dijo. "Cuando tocamos nuestra música, John y Keith están presentes todo el tiempo. Es como si nunca nos hubieran dejado", declaró el cantante.

En 1994, cerca de lo que quedó del bajo de John Entwistle.

Y preferí cambiar el título de esta nota, la que iba a llamar Who's Next, haciendo referencia a su quinto disco, personalmente, una de las mejores piezas de rock de todos los tiempos. Who's Next, de 1971, incluyó "Baba O'Riley", "Bargain", "Behind Blue Eyes", "My Wife" y "Won't Get Fooled Again". Pero, luego de leer el comentario de Daltrey con respecto a sus dos ex-compañeros caídos, por respeto a él y al genio guitarrista, preferí reservarme el Who's Next.

Javier Lishner
Santa Clara, California
14 de julio de 2008

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