WHITESNAKE TOCARÁ EN LIMA

La conocida banda de David Coverdale, confirmó su presentación estelar en la capital peruana, pactada para el 20 de mayo. A raíz de esa buena nueva que, desde los Estados Unidos, nos suena bien; volvemos a publicar el artículo que hace un tiempo, desde estos lares, escribimos con motivo del cumpleaños del músico británico que durante tres años hizo de vocalista en Deep Purple. Recuerdo muy bien cuando llegó a Rio de Janeiro en enero de 1985, luego de que su grupo fuera incluido a última hora por un imprevisto del baterista de Def Leppard, que dejó al grupo de Sheffield fuera de carrera. A su llegada, Coverdale fue muy claro al decir que Whitesnake no hacía heavy metal. "Nosotros somos una banda de hard rock", dijo, a pocos minutos de su arribo. Whitesnake tuvo dos inolvidables presentaciones en el recinto de Jacarepaguá (con un grande en la batería como Cozy Powell). Lo demás es una larga historia de excesos, músicos diversos, y la arrogancia de un vocalista que desde que estuvo en The Government nunca dejó de rugir, incluyendo ese proyecto llamado Coverdale-Page, al lado del guitarrista de Led Zeppelin.

David Coverdale

DEEP PURPLE, SU CUMPLEAÑOS Y EL GRITO DE LIBERTAD

Una calurosa mañana de enero de 1985, decidí hacer relaciones públicas desde mi hotel, el Luxor Regente, en Rio de Janeiro. A unas cuadras de ahí, en la misma avenida Atlântica, estaba el Copacabana Palace, belleza neoclásica creada por el arquitecto francés Joseph Gire, en donde se encontraban hospedadas algunas de las figuras internacionales que habían llegado a la antigua capital brasileña con motivo del mismo evento al que yo había ido.

Vista aérea del Copacabana Palace, en Rio de Janeiro, que ha albergado a huéspedes que van desde Edith Piaf, Rock Hudson, Marlene Dietrich, Walt Disney, Charles De Gaulle, Eva Perón, la reina Isabel de Inglaterra hasta Angus Young, Bruce Dickinson y David Coverdale.

Recuerdo que entre los que ahí se metieron estaban los integrantes de AC/DC, Iron Maiden, Ozzy Osbourne, Queen y Whitesnake. Era, justamente, este último, a quien habíamos seleccionado, desde nuestra habitación del piso 8, para hacer nuestro trabajo. Y es que el cantante y fundador era David Coverdale, el famoso ex-vocalista de Deep Purple, nuestro grupo favorito.

Coverdale fue aquel que, en 1973, resultó, de la noche a la mañana, en el reemplazante de Ian Gillan. Aún recuerdo la angustia que me causó la noticia de la salida de Gillan y su ex-compañero de Episode Six, Roger Glover, de la banda que completaban el irascible Ritchie Blackmore, el tecladista Jon Lord, y el baterista Ian Paice. Sus discos fueron mágicos. In Rock, Machine Head y Made in Japan, son piedras angulares de la historia de la música popular. Pero, el chupo explotó inmediatamente después del lanzamiento de un mediocre álbum como lo fue Who Do We Think We Are? Y, Gillan y Glover, se fueron.

Glenn Hughes era un prestigioso bajista y cantante que había recorrido extensamente Europa y los Estados Unidos, como parte de un trío inglés llamado Trapeze. Fue invitado a Deep Purple para cubrir la plaza dejada por Glover. Sin embargo, el mayor problema era el vacío dejado por Gillan. Reemplazar al cantante ha sido siempre tarea difícil.

Coverdale dirigiendo a Whitesnake en 1985, en Barra da Tijuca, Brasil.

Leí hace muchos años, en la historia de Deep Purple, enciclopedia que me fue obsequiada por Juan Alberto Mata (hoy, Gerente General de Laser Disc Costa Rica), que el grupo no tuvo mejor idea que colocar un anuncio de periódico en busca de un vocalista. Lo hizo en el Melody Maker. Fue así como llegó un desconocido de nombre David Coverdale, quien, a su vez, tampoco sabía de qué grupo se trataba. Todo lo que se conocía de Coverdale era que había formado parte de varias bandas pero no había hecho nada importante, amén de vestirse de pavo para sus presentaciones locales.

Lo cierto es que, con la llegada de Hughes y Coverdale, Deep Purple se embarcó en su siguiente grabación que llevaría por título Burn. Muy pronto, esta nueva versión de Deep Purple, conocida como Mark III, participaría en el California Jam del 6 de abril de 1974, en el Ontario Motor Speedway. ¿Estaba preparado Coverdale para eso?

Festival California Jam, en 1974. Asistieron más de 200,000 personas para ver a Deep Purple, Black Sabbath, The Eagles y otros más.

Junto a Deep Purple, conformaban la cartelera los no menos famosos Black Sabbath, Emerson, Lake & Palmer, Seals & Crofts, Black Oak Arkansas, Rare Earth, Eagles y Earth, Wind & Fire. La particularidad de este festival para Deep Purple era que iba a ser casi la despedida de su Tour estadounidense de 1974, del álbum Burn. Además, cubrir la plaza de Gillan no era cosa fácil para un muchacho inexperto de 23 años. Hughes, por el contrario, andaba suelto de huesos apoyando a su nuevo compañero de escena. Lo malo para él (Hughes), es que sus cualidades vocales pasaron, de momento, a un segundo plano.

Deep Purple anunciado como el número principal del evento californiano en el Ontario Motor Speedway.

Por más que los volantes y avisos en los medios escritos anunciaban a Deep Purple en la parte superior, el estelar terminó siendo Emerson, Lake & Palmer, a quienes les tocó despedir las doce horas de rock. El turno de Blackmore y sus secuaces fue inmediatamente antes de ELP. Y ahí estaba Coverdale, con camiseta blanca ceñida al pecho, pelo largo, y utilizando todos los consejos que le habían dado sus compañeros, sobre todo Jon Lord.

La habilidad y personalidad del guitarrista, una vez más, opacó a su propia tripulación, incluido el nuevo cantante. Sin duda alguna, esa fue la tarde de Ritchie. Coverdale cumplió, y quedó demostrado en el DVD que salió 32 años más tarde, en 2006, titulado Deep Purple - California Jam.

Hughes, el bajista, vestido con saco, pantalones acampanados y zapatos de plataforma muy de la época, hizo lo que pudo por el ala derecha, mientras que Blackmore hizo de todo por el otro costado. Podría pensar que el gran arco iris que sirvió de escenografía para todo el evento, fue el primer halo de luz para el ulterior proyecto de Ritchie llamado, Rainbow, el que iniciaría al año siguiente. Muy a pesar de que la historia oficial diga que el nombre lo sacó de un Bar & Grill de Hollywood, en donde Ritchie pasó tiempo reclutando a los miembros de su próximo grupo que, a la postre, resultaron siendo, todos, integrantes de Elf, la banda neoyorquina en la que cantaba un bajito llamado Ronnie James Dio.

Durante el show, Blackmore –que no estaba de muy buen humor desde antes del mismo- había pedido a los camarógrafos de la estación ABC que no se le acercaran mucho. Y lo había pedido más de una vez. Estos, no le hicieron caso. Pues el siguiente que le acercó la cámara, pagó los platos rotos. Y, fue mucho más que platos. En un momento del show, Blackmore utilizó su Fender como instrumento de defensa y la estampó en la cámara sin pedir permiso. Y lo hizo cuatro veces. La estocada final fue directamente al lente. Quedó registrado. El público que vibraba con las notas de una larguísima versión de "Space Truckin’", tan larga como la original del disco, en la confusión, simplemente, aplaudió al violero. Acto seguido, Blackmore siguió desmoronando guitarras y, de pronto, llegó una explosión de los amplificadores. El escenario se convirtió en un infierno pero el hecho, desde ese preciso instante, se convertía en leyenda.

Todo está consumado. Blackmore es quien manda en el escenario.
California Jam 74.

Con toda esta historia en mi mente, esa mañana, en Rio de Janeiro, pedí el número telefónico del Copacabana Palace. Estaba totalmente decidido a hablar con Coverdale, en cualquier idioma. Llamé varias veces y me comunicaron con su supuesta habitación, digamos, la 502. Y cada vez que llamé preguntando por Mr. Coverdale, me contestó un tal John Sykes. Y cada vez que contestaba el señor Sykes, yo cortaba para intentar nueva suerte. Puedo asegurar que Sykes, pacientemente, hizo de recepcionista unas diez o quince veces, hasta que terminé por hartarme.

Ya con la sangre caliente, me levanté de mi cama, tomé mi credencial de prensa y mi grabadora, y salí raudo rumbo a destino. Mientras caminaba, con la arena y el mar a mi diestra, y el Corcovado allá arriba a mi izquierda, iba pensando en las preguntas que, de tenerlo en frente, podría hacerle a Coverdale. Si alguna vez estuve ante Mick Jagger, porqué no frente a éste, pensaba yo. Después de todo, los recepcionistas del hotel me habían confirmado que el cantante de Whitesnake se encontraba en la sua habitaçao. Bueno, al menos hasta hoy, quiero seguir creyendo que los recepcionistas sabían quién era el cantante de Whitesnake o, por lo menos, qué era Whitesnake.

Debut de un desconocido. David Coverdale al frente de Deep Purple en abril de 1974. (FOTO: Robert Ellis).

Con paso firme, que siempre fue una de mis características, costumbre tal vez heredada, mostré mi credencial de prensa y tomé el ascensor hacia el quinto piso. No había ni un alma. Caminé unos pasos hasta encontrar la correspondiente habitación y, cual Aladino sin lámpara, aparecí yo, solito, frente a una puerta que era lo único que nos separaba a David y a mí. ¿Qué sigue?, me pregunté a mí mismo, mientras una vieja canción de Bob Dylan me contestaba: Knock! knock! Knocking on David's door. Y lo hice. Pero, no toqué la puerta como la canción de Dylan sugería, sino que puse mi dedo derecho en el timbre, y apreté. ¡Maldita sea! El ruido del timbre me recordó la campana del colegio cuando llamaba al recreo. Bien fuerte. Muy fuerte. Y, lógicamente, desde adentro, un grito (como el de una fiera) me hizo dar varios y seguros pasos hacia atrás. Era él, el cantante de Whitesnake que podía haber estado descansando hasta que llegó alguien a joder con esa campana que a cualquiera asusta, pensé en esa fracción de segundo. Mientras mi sangre caliente con la que había llegado, se tornaba fría, me imaginaba tirado en el piso vapuleado por quien alguna vez, en mis propios conceptos, había frisado los límites de ídolo. Apuré el paso en busca del ascensor que me había llevado hasta ahí y que, además, había sido mudo testigo de mis locas ilusiones de robarle una entrevista a ese malgeniado.

Cuando llegó el ascensor, mi alma volvió a su cuerpo. Me había salvado de lo que -según yo- pudo haber sido una paliza; terminando yo como culpable, y el supuesto agresor, inmune. Lo había visto actuar y su figura era el doble mío, casi por todos los frentes, incluido el pelo (Hoy, podría asegurar que por lo menos le gano en cintura).

Esos segundos, mientras el ascensor descendía, fueron eternos y colmados de una suerte de rabia y frustración, ira, no sé. No estaba preparado para una eventualidad así, aunque tampoco lo había intentado antes. Empezaba a aprender lo que iría a hacer diez años más tarde, cuando llegué a California: no tocar timbres sin antes anunciar la visita. Pero aquella vez, falto de experiencia y lleno de ilusiones, lo hice.

Coverdale y Whitesnake durante su gira 2006.

Cuando se abrieron las puertas del ascensor, ya en el primer piso, me topé con la grata sorpresa de que los cinco integrantes de Scorpions estaban ahí, esperando. Entonces, sí, saqué mi grabadora desde donde la había dejado la última vez que me gritaron y me acerqué a Klaus Meine, el vocalista. Le pedí muy cordialmente (arriesgando nuevamente mi pellejo con un loco de estos, y aún peor porque eran cinco) que me grabara un saludo para Radio Panamericana de Perú. Grande fue mi impresión cuando escuché al cantante alemán gritar en medio del lobby: I wanna go to Lima to rock you like a hurricaaaaaaaaaaaane!, haciendo mención al popular tema que por esos días el grupo tenía enquistado en las radios rockeras (Antena Um, Bandeirantes, entre las que recuerdo).

A Coverdale lo vi al día siguiente al frente de Whitesnake con el gran Cozy Powell en batería y el buenito de John Sykes, en guitarras. El show fue imponente. Sykes había sido parte de Thin Lizzy y amigo de Phil Lynott, y, luego de las funciones de Rio, empezaría a armar su propio grupo, Blue Murder -con Tony Franklin y Carmine Appice-, el cual difundí cuatro años después mientras estuve en la televisión. De haberlo sabido. Feliz día, David.

Javier Lishner
San Jose, California
22 de septiembre de 2006

NOTA RELACIONADA:
- Whitesnake en el Perú, SE SOLICITA REPORTERO EN LIMA

Perú Rock

EL DÍA QUE NOS PIRATEARON EL NOMBRE

En 1991, un grupo de jóvenes empresarios arequipeños había decidido tomar el nombre del otrora programa de radio limeño y de su respectiva gira, la que, al igual que el programa, había terminado casi abruptamente a raíz del "paquetazo" económico del primer gobierno de Alan García Pérez.

Por esos días andábamos residiendo en Ica, al sur de la capital, y casi terminando nuestro contrato de seis meses en la dirección de Radio Efextos, la nueva FM de esa hermosa tierra del sol. Pero, más al sur, en Arequipa, tuvimos otro trabajito extra. La de cuidar el nombre de Perú Rock, el cual, con Sammy Sadovnik, habíamos patentado tan pronto decidimos esa nomenclatura al lado de nuestro asesor publicitario y amigo, Freddy Chirinos Peña.

El arribo de quien suscribe a Arequipa cayó de sorpresa no solo al elenco artístico que llegaba de Lima sino a los mismos empresarios, quienes de inmediato ofrecieron las disculpas del caso y, como siempre ha sido la costumbre arequipeña, atendernos de la mejor manera. A esas alturas, a nosotros no nos quedaba más que apoyar el intento. Lo otro hubiera sido entablar una acción legal que, en el Perú, tal vez, no hubiera llegado a ningún cause. Además, el empeño puesto en la producción no merecía ser como el perro del hortelano, como, coincidentemente, diría años después García Pérez.

A continuación, la crónica del evento de dos días realizado en el coliseo de la Ciudad Blanca, al que habíamos asisitido en varias ocasiones desde los días de La Más Más. Apareció en las páginas del diario peruano Expreso, el 25 de septiembre de 1991.

SEIS GRUPOS PARA UN FESTIVAL
Sólo faltó el público

Llegamos a Arequipa procedentes de Ica, ciudad en la actualmente residimos. El objetivo era uno: estar presentes en el festival de rock que el grupo Excalibur había anunciado para el viernes 20 y sábado 21, con las actuaciones de Catedral de Humo, We All Together, Frágil, Rio, Nina Mutal y Miki González. Después de todo, eventos como éste no se dan todos los días.

VIERNES 20:
CATEDRAL DE FUERZA
Faltando dos minutos para las veinte horas, el coliseo cerrado de la blanca ciudad estaba listo para el inicio. "Violación" fue el tema elegido por Catedral de Humo, un quinteto local de experimentados músicos, para dar inicio a su espectáculo.

Alfredo Villavicencio (voz), Roberto Otoya (guitarra), Pedro Requena (bajo), Lucho Escobedo (bajo), y Oscar Chaúd (batería), interpretaron un set de ocho canciones de las que hicieron un bis de "Violación" y "Sueños del alma".

Con fuerte influencia de los setenta, Catedral fue, con temas propios, un buen comienzo para el festival de dos días que los organizadores denominaron Perú Rock 91.

WE ALL TOGETHER, SIEMPRE
Pasadas las 21 horas, Carlos Guerrero subió al escenario con sus compañeros, al momento que el público, apostado en las graderías, decidió bajar a la cancha.

"Carry On Til Tomorrow", fue solo una muestra -la primera de muchas- que Guerrero junto a Varvarande, Samamé, Pacheco y Saldarriaga, mostrarían muy bien sobre el gran escenario que de fondo lucía el logotipo del espectáculo (que no era el mismo que patentamos hace unos años con Sammy Sadovnik).

FRÁGIL NO ES TAL
Demostrando una vez más que, en su larga carrera de quince años, el quinteto no tiene nada de lo que significa su nombre, Dulude, Bustamante, Valderrama, Castillo y Durand, dieron el súper show de la noche. No en vano pasan los años y los ensayos en Jirón Yurúa del distrito de Breña.

Frágil, para el final, dejó sus populares "Como un loco" y "Avenida Larco", esta última solicitada desde los primeros minutos que los músicos subieron al estrado.

La energía de su cantante y el sentimiento de todos, amén de su reconocida calidad, hicieron de Frágil lo más destacado de la primera fecha.

Boleto de cortesía en Arequipa (Archivo Perú Rock).

SÁBADO 21
RIO, EL MEJOR
Con menos asistencia que la noche anterior, Rio andaba preparado para iniciar su presentación. Hacía un mes, el grupo solo había llenado el mismo recinto. Esta vez lo hacía compartiendo el cartel con Nina Mutal y Miki González.

"Al Norte de América" marcó el punto de partida del quinteto de Pueblo Libre. Rio no perdió tiempo en modular su sonido.

Pocho, Cucho, Chachi, Lalo y Armando, nos sorprendieron con una nueva y larga versión de "Son colegialas", la que no presentaba en vivo desde hacía mucho tiempo. También con el avance técnico del grupo que, actualmente, hace uso de los modernos secuenciadores. La ciencia y la tecnología al servicio de Rio, lo mejor del festival. Buen sonido, conocidos temas, carisma y popularidad, la que tienen de sobra en Arequipa, fueron suficientes para su presentación que duró cerca de hora y media.

NINA, SE SIENTE EL RITMO
"Una y otra vez" mostró la figura de Nina Mutal en el escenario. Con el estrenado "Siente el ritmo", la artista agradeció al público. Con "Mírame", Nina demostró sus notables progresos como artista y cantante. "Lo que quiero", otro estreno de la noche, y "Cuerpo a cuerpo", le sirvieron para ser muy aplaudida y despedirse de la platea que, a esa hora -las once de la noche- no era mucha.

La banda de Nina Mutal es muy buena. Nos agradó el trabajo del teclista. El guitarrista, por su parte, le da mucha fuerza a las canciones.

MIKI, SABOR
Finalizado el festival realizamos una breve encuesta entre los asistentes a los dos días del evento. El triunfador fue Miki González. Y es que Miki sabe cómo hacerla.

La presencia de la familia Ballumbrosio en el escenario arequipeño, como era de esperarse, le dio un toque único a su show. Sobre todo, cuando pasadas las doce de la noche, el cantautor y guitarrista invitó a don Amador, padre de los muchachos y maestro del violín y el zapateo. Palmas para don Amador, palmas para Filomeno. Más palmas para el maestro, más palmas para su hijo. El espectáculo se convirtió en aplausos, baile, color, aquel que le pone el sabor chinchano que Miki González bebió en El Carmen.

Un envidiable final para un festival en el que hubo organización, buen trato, nivel artístico, mucha promoción y, en el que solo faltó el respetable, base fundamental para el éxito.

Javier Lishner
Santa Clara, California
15 de abril de 2008

Jorge Cox descansa en paz
EL JUKE BOX ESTÁ DE LUTO

Una llamada del buen Javier Moreno-Pollarolo, fue suficiente para recibir el impacto. Jorge Cox, el otrora popular disc jockey y presentador peruano de televisión, dejó de existir en Lima, la capital del Perú.

Jorge, a la derecha, en 2003. (FOTO: Luis Guadalupe).

Sería entre 1981 y 82, cuando Jorge llegó a la emisora en la que trabajábamos. Era Radio Miraflores, cuando todavía quedaba en su clásico local de la calle Alcanfores. Quien suscribe compartía con Juan Alberto Mata el departamento de programación, y Jorge llegaba con el Juke Box International y toda una vasta experiencia.

Una tarde, mientras conducía su programa con mucha dedicación, me mostró algunos de los álbumes de fotos de su carrera. Si mal no recuerdo, tenía algunas en blanco y negro haciendo televisión el año 62. O, sino, por esa época. Quien suscribe, que recién se iniciaba en los menesteres de la radio, le prestó mucha atención. Su show -porque era un verdadero espectáculo- se transmitía diariamente a las dos de la tarde.

Jorge fue, seguramente, el peruano más fanático de Elvis en el mundo. Tan seguidor del Rey del rock and roll que siempre se esforzó por lucir como él. Era, además, presidente del Forever Elvis Presley Fan Club; e, inlcuso, tenía una teoría de que Elvis no había muerto. Como si fuera poco, cuando en agosto pasado tembló fuertemente la tierra en Perú, un periodista de Panamericana Televisión se encontraba entrevistándolo en su departamento. El piso se movía, los innumerables cuadros de Elvis colgados en la pared cambiaban de posición, el hombre de prensa temblaba al cambiarle de giro al reporte; y, detrás, Jorge, mientras la tierra seguía temblando, arreglaba los adornos de su refrigerador que se habían caído (se ve en el video). Fue lo último que supe de él.

Tres años antes, había recibido unas fotos de una reunión acontecida en casa del doctor Ramiro Arriarán, el Tony Marbel de la radio, uno de los mejores disc jockeys y locutores que yo recuerde (Radio Atalaya, Radio Miraflores). Ahí, en casa de los Arriarán, se reunieron algunas glorias de la radiodifusión en el Perú. Dante Capella, Renato Shols y Jorge, entre ellos. También estuvieron el músico Rulli Rendo, Speedy González, Helene Ramos y Armando Palacios, esposo de la recordada Diana García, otro interminable fan de Elvis. Con ellos, un seguidor de todos, don Luis Guadalupe, hincha acérrimo de Queen.

En 2003, Jorge se había hecho presente para el tributo a Diana García en Radio Miraflores -fundada por los hermanos Clemente, Ricardo y Clemencia Palma-, donde compartió momentos con grandes como Enrique Llamosas, Liliana Sugobono, y los ya mencionados Capella, Shols y Marbel. Ya no era el local de Alcanfores pero, el espíritu de la radio era el mismo. Speedy, Hugo Salazar y Héctor Felipe (Rojas), quienes en algún momento pasearon su voz en la citada empresa radiodifusora, y conocieron a Diana, también compartieron el mencionado tributo.

No tuve la suerte de conocer Top Music Records, su discotienda, como sí la tuvo mi tocayo Javier, pero sé que a los pocos años de nadar contra la corriente y los ritmos encontrados con el rock -que él tanto impulsó-, tuvo que cerrar su negocio.

Jorge, segundo de la izquierda, al lado de algunos colegas en Radio Miraflores. (FOTO: Luis Guadalupe).

Dice su amigo Álvaro, que Jorge estaba bien. Que no sufría de enfermedades ni de complicaciones aparentes. Pero, como el Rey del rock and roll, el corazón no le dio para más. Jorge, fuiste un pionero y partiste en la misma fecha que Johnny B. Goode, tan rocanrrolero como tú... Javier te escribió, Jorge Cox: Rumbo a Graceland, como el mejor tributo de uno de tus amigos. Descansa en paz.

Javier Lishner
Santa Clara, California
13 de abril de 2008

NOTA RELACIONADA:
- DON ENRIQUE RECUERDA A JORGE COX

Nazca Peruvian Cuisine
TENGO EL ORGULLO DE SER PERUANO...

Ella es Martha. Es colombiana y dueña del Nazca Peruvian Cuisine en San Jose, California. A su lado, Cecilia Bohorquez, peruana y hermana del dueño, el esposo de Martha. Lo que parece un trabalenguas es mucho más sencillo cuando uno ingresa al restaurante y se encuentra con la amable sonrisa de estas dos damas que, en el centro de la capital del Silicon Valley, explican a un intruso peruano su pasión por la nueva aventura.


El Nazca Peruvian Cuisine, como sueño, nació hace ya un tiempo; no obstante, José Bohorquez y su esposa Martha, recién lo pudieron hacer realidad. Y, claro, entendemos que iniciar un restaurante no es cosa fácil, sobre todo, en un lugar multicultural como San Jose donde a la vuelta de la esquina hay comida para todos los gustos. Abrir el segundo, les será mucho más sencillo.

Hacía unos días que había leído su aviso en The Wave, la bien editada revista que semanalmente circula en el área. El día anterior había conversado acerca del nuevo local con un amigo peruano. Ayer, coincidentemente y sin querer, pasé por delante mientras hacía unas diligencias. De regreso se me ocurrió hacer una parada para recabar su menú y estudiarlo en casa. Y no me arrepiento de haberlo hecho.

La moderna ambientación, sencilla, pero con buen estilo, invita a seguir adelante. Plantas y típicos huacos de nuestra antigua cultura, es lo primero que percibimos antes de toparnos con las anfitrionas. Ahí estaban Martha y Cecilia, quienes contestan a nuestro saludo en inglés. El cambio de idioma es casi inmediato, tan rápido como el ingreso de Arturo para ofrecer sus servicios. La primera impresión fue buena (el ambiente), la segunda, aún mejor (la atención). Solo faltaba lo más importante, y, tal vez, en el negocio de comidas y restaurantes, el gancho para atraer al cliente: la cocina, el gusto al paladar, el sabor y el saoco peruano, tan particulares.


Aparece Jose Jr. (sin acento, porque nació aquí). Es hijo del dueño y hace surf. "Voy al Perú todos los años, y siempre al norte para correr tabla", nos dice mientras nos trae un recipiente con cancha. El Junior Bohorquez, habla muy bien el idioma y nos cuenta un poco de su experiencia durante las dos primeras semanas en que abrió el restaurante. "Ha venido bastante gente y, a la hora del almuerzo, hemos tenido llenos completos", nos dice como quien vigila el negocio del padre. El local queda a pocos pasos de los principales edificios del centro de San Jose.

El Nazca Peruvian Cuisine divide su carta en Tapas y Entradas, Ensaladas, Cebiches y Tiraditos, Sopas, Especialidades, Bebidas, Café y Té. También tiene una sección que le llaman Lunch Special, donde ofrecen, por ejemplo, Ají de Gallina, Lomo Saltado, Fetuccini a la Peruana, Pescado Nazca, y Tacu Tacu de Camarones. Paso, le digo a Cecilia, cuando hablamos de camarones. Es cuando aparece Junior con el ceviche de pescado. Viene a su lado con un pequeño camote y nuestro peruanísimo choclo (como en el Perú le llamamos al maíz). "La chicha morada aún está en proceso de producción", nos había advertido Martha apenas llegamos. Pero igual nos regalan un vaso para probarla y dar nuestra opinión. La apertura oficial del restaurante está programada para el 9 de mayo, y esperan tener la chicha en su punto, nos dicen.

De segundo pedimos un ají de gallina. En inglés, Pulled chicken in a creamy "aji amarillo" and nuts sauce, served with white rice, yellow potatoes, black olives and hard boiled egg. Todo llega tal cual lo esperábamos, aunque el plato es un poco más grande de lo acostumbrado. ¡Bien servido!, dirían algunos. Además, es cuadrado, y, de por sí, ya ocupa la mitad de la mesa. El Lomo Saltado, el Tacu Tacu a lo Pobre y el Suspiro a la Limeña, los dejamos para la próxima.


Martha y Jose se retiran para atender un compromiso familiar, y nos quedamos con Cecilia, conversando sobre el Perú, el sur chico, el terremoto de agosto pasado (que la conmueve), Lima y su crecimiento, el marketing y hasta de la Hacienda San Jose de Chincha, que ambos, indistintamente, conocimos hace muchísimos años. Ella llegó de Perú solo por unos días, para asesorar el proyecto. La clientela sigue llegando y nosotros los dejamos trabajar. Les hago saber de la alegría que como peruano me embarga, de tener un buen restaurante en el centro de San Jose, una de las diez ciudades más grandes de los Estados Unidos y, también, una de las más pobladas... aunque incomparable con el tamaño y la población de mi querida Lima. Pero, afortunadamente, con Nazca Peruvian Cuisine, su sabor llegó hasta aquí.

Javier Lishner
Santa Clara, California
13 de abril de 2008

LAS INFLUENCIAS DEL HEAVY METAL

Encontré una nota publicada en el diario Expreso de Lima, el 30 de mayo de 1990, cuando todavía no aparecían a la luz nombres como Nirvana, Soundgarden o Pearl Jam. Esos años eran aún dominio del heavy metal que -con pelos largos y maquillaje, y bandas como Poison, Bon Jovi y, seguramente, Mötley Crüe-, era la música más popular del planeta. A continuación, algunos de sus personajes y la mención a quienes repercutieron en sus respectivas carreras.

El novelista William Burroughs publicó en 1959 su libro titulado Naked Lunch en el que incluyó el término heavy metal. A Burroughs se le considera la primera persona que acuñó esa frase que, con el tiempo, fue tolerada y despreciada, temida y amada. Hoy, ofrecemos EN STEREO una recopilación de opiniones de algunos de los más destacados líderes del heavy metal que realizó Corey Levitan, y que apareció en la más reciente edición de la revista Circus. Así, las más brillantes estrellas de la actualidad revelan sus influencias musicales. ¿Quiénes fueron? ¿Por qué?

JASON BONHAM: "Yo crecí con la música de Led Zeppelin. Ese fue el camino que me marcó de pequeño. Para mí, es una de las bandas más grandes de la historia".

GREG D'ANGELO (White Lion): "Escuché a Led Zeppelin desde muy temprana edad. Ellos llegaron a lo más profundo de mí desde el primer día que los escuché. Sigue siendo mi banda favorita".

Scotti Hill de Skid Row en 2007 (PHOTO: John Hill).

SCOTTI HILL (Skid Row): "Kiss fue la primera banda que despertó en mí el interés de ingresar a la escena del rock pesado. El disco Alive fue mi primer álbum y Kiss fue el primer grupo que vi en concierto".

C.C. DEVILLE (Poison): "Cada vez que Paul Stanley trataba de hablarme yo me escondía; realmente me sentía muy atemorizado con él. Es una persona increíble, es mi mayor influencia. Incluso me ha ayudado en mis prácticas de bowling y softball...".

JOEY ALLEN (Warrant): "Amo a Kiss. Fue la primera banda que me gustó. Recuerdo que cuando era niño tomaba los discos de Kiss de mi hermana y los escuchaba hasta destruirlos. Los escuchaba hasta morir, hasta que estuvieran completamente con scratch".

BILLY SHEEHAN (Mr. Big): "El espíritu de Van Halen fue una gran influencia para mí. Me gustó el camino que eligieron".

IAN ASTBURY (The Cult): "Tan pronto como los Sex Pistols tuvieron éxito en la televisión en 1976, cerca de un millón de muchachos fueron a cortarse el cabello. Yo fui uno de ellos".

RIKKI ROCKETT (Poison): "Yo siempre me relaciono a los Sex Pistols. Nosotros siempre tocábamos "God Save the Queen" en los clubes. Ellos siempre fueron una banda muy movida y nada aburrida. En vivo tenían la costumbre de participar con el público y creo que Poison hace los mismo".

NIKKI SIXX (Mötley Crüe): "Probablemente, Aerosmith sea mi mayor influencia musical. Siempre tomaba partes de sus canciones y, posiblemente, lo siga haciendo. Para mí esa banda no tiene errores".

VITO BRATTA (White Lion): "Él puede ser un excelente pianista, pero le admiro la manera de escribir canciones. Cuando estoy tocando siempre tengo a Elton John en la mente".

FRANK HANNON (Tesla): "Yo siempre estuve inmerso en la música de Jimi Hendrix. Comencé a tocar guitarra con los dientes y todo lo demás".

STEVE STEVENS (Atomic Playboys): "Jimi Hendrix fue eléctrico. Cuando él tocaba, daba la impresión de que el mundo se detenía para escucharlo".

MICK BROWN (Dokken): "Tuve oportunidad de ver a los Beatles en el show de Ed Sullivan cuando apenas tenía siete años y eso fue todo. Fue suficiente impulso para ingresar al rock and roll y a la batería".

Kirk Hammett de Metallica (PHOTO: metallica.com).

KIRK HAMMETT (Metallica): "La elección de coros de Jimi Hendrix era asombrosa; su exactitud en los tiempos, admirable; y sus acordes, hermosos. Muy lírico".

JAN KUEHNEMUND (Vixen): "Creo que Aerosmith es una de las bandas más grandes de todos los tiempos. Siempre han tenido una gran personalidad".

Y colorín colorado, este cuento se ha acabado. De todos los grupos que este puñado de músicos representa, la mayoría sigue activo. Claro, con algunos cambios de formación y comprensibles vacíos a lo largo de su historia.

Javier Lishner
Santa Clara, California
11 de abril de 2008

NOTA: Hoy encargué Naked Lunch, solo para confirmar que fue en ese libro -y no en The Soft Machine-, en que apareció por primera vez el término heavy metal.

EN LATINOAMÉRICA: IRON MAIDEN Y LA PRENSA

En la música hay una leyenda que dice que en Rock in Rio de 1985, Iron Maiden inició su espectáculo cuando faltaban dos minutos para la medianoche, en clara alusión a su tema "2 Minutes To Midnight". Quien suscribe, que estuvo ahí, hasta hoy no ha podido confirmarla. Reconozco que anduve en las nubes. La enérgica presentación de Whitesnake y los santos aromas de por ahí, me habían semi-noqueado. Honestamente, ese detalle se me pasó.

La última vez que escribimos algo de Maiden en este blog fue hace un año y lo hicimos como parte de una nota titulada En el nombre del Padre y del Hijo: ENTRE CRUCES Y OTROS AMULETOS. Hacíamos mención de que nacieron, al igual que Jesucristo, un 25 de diciembre.

A través de los años, Iron Maiden ha lanzado unos veinticinco discos, sin contar EPs y recopilaciones, con los que la suma, seguramente, subiría a más del doble. Y, aunque parezca increíble, la cantidad de miembros que han pasado por la banda es casi la cantidad de sus discos lanzados. Actualmente conforman el grupo: Bruce Dickinson en voces, Steve Harris en bajo (y a veces teclados), Dave Murray, Adrian Smith y Janick Gers, los tres en guitarras, y Nicko McBrain en batería.

Entre sus integrantes existe otro miembro que no toca instrumento alguno pero que, la mayoría de veces, por momentos, les roba el espectáculo. Se llama Eddie, y fue creación de Derek Riggs. Eddie siempre viaja con ellos. Esta vez, toda la banda, que suman cerca de sesenta personas, ha viajado junta y, además, con todo el equipo técnico necesario para sus actuaciones. El avión fue bautizado Iron Maiden, y, lo más curioso, es que el piloto es el Capitán Bruce Dickinson, el vocalista, quien en las noches se quita el sombrero, se cambia de atuendo y, aferrado al micrófono, es capaz de hasta cantar "Hallowed Be Thy Name".

Somewhere Back in Time World Tour, como la han llamado, apoya la aparición del DVD de su clásico álbum, Live After Death. Se inició el 1 de febrero en India y veinte días más tarde llegó a Latinoamérica. Primero a México. Desde ahí, empezó a bajar por Costa Rica, Colombia, Brasil, Argentina y Chile. A mediados de marzo, luego de una actuación en New Jersey y otra en Toronto, se dieron un merecido descanso. Recién la tercera semana de mayo volverán al ruedo para la segunda manga de la pesada aventura.

Entre las canciones que la Dama de Hierro anda incluyendo están: "Aces High", "2 Minutes To Midnight", Revelations", "The Trooper", "Wasted Years", "The Number Of The Beast", "Can I Play With Madness", "Rime Of The Ancient Mariner", "Powerslave", "Heaven Can Wait", "Run To The Hills", "Fear Of The Dark", "Iron Maiden", "Moonchild", "The Clairvoyant" y "Hallowed Be Thy Name". En realidad, este fue el setlist en México pero también fue el de India, donde iniciaron la gira.

Esperamos, como muchos, que ese avión nunca se detenga. Aquí, en la Bahía de San Francisco, estará arribando la última semana de mayo. El 28, que es miércoles, actuará en Concord, mientras que la misma noche, a 47 millas al Sur, en San Jose, lo estará haciendo The Cure.

Felicitaciones Latinoamérica por ese gran recibimiento a Iron Maiden y a todos los artistas que van a nuestras cálidas tierras para compartir su arte.

Javier Lishner
Santa Clara, California
9 de abril de 2008

- Recortes: ironmaiden.com; Video: Globo.

KURT COBAIN ESTÁ MUERTO

En abril de 1994, una noticia volvió estremecer al mundo de la música. Fue como un shock. Kurt Cobain, el líder, imagen y cantante del grupo Nirvana, fue encontrado muerto en su residencia de Seattle, la misma ciudad en donde tan solo un par de años antes, se había empezado a erigir en una suerte de rey de la nueva década. Junto a Krist Novoselic, y con la llegada de Chad Channing, había formado Nirvana a fines de 1986. Bleach, su primer disco, grabado tres años más tarde para el sello independiente Sub Pop de Seattle, les sirvió para que un colega músico los presentara a una casa mayor como la Geffen Records.


Por esos días el baterista Channing fue separado del trío y reemplazado por Dave Grohl, un joven de Ohio, católico, apostólico y romano, y un par de años menor que Cobain. Con Grohl, quien llegaba de una banda llamada Scream, ingresaron al estudio por segunda vez. El resultado iría a cambiar, de momento, el rumbo de la música de aquellos días.

La aparición de Nevermind, en septiembre de 1991, no solo viró el destino de la música de esos años sino que, también, la vida de sus integrantes; principalmente, la del cantante. De la noche a la mañana, de una apacible y sencilla vida en algún barrio del Estado de Washington, sus nombres empezaron a volar por todo lo alto. En 1992, cuando gracias a Diana García volví a la radio que me vio nacer, Nirvana estaba en su punto más álgido. De aquel tiempo recuerdo a Soundgarden, Alice In Chains, los Pumpkins, Silverchair, Pearl Jam, y a los pioneros de esa generación, Mudhoney, también de Seattle e inspiración para Kurt Cobain. Tiempo después, me tocaría verlos en el nightclub más antiguo de San Francisco, el Great American Music Hall, fundado en 1907.

Con el intempestivo éxito, que se inició con "Smells Like Teen Spirit", el abuso de las sustancias tóxicas comenzó por deteriorar la salud física y emocional del rubio cantante. Por ese tiempo se casó con Courtney Love, vocalista del grupo Hole, con quien Cobain creyó haber encontrado la estabilidad. Ambos músicos se habían conocido en julio de 1990, en un club de Portland, Oregon, cuando sus respectivos grupos coincidieron en el cartel. Un año después, mientras Nirvana grababa el Nevermind en Los Angeles, se volvieron a encontrar dado que la cantante vivía a escasas cuadras de donde el grupo grababa. Y para fines de año, de gira por Europa, sus bandas nuevamente coincidieron. El matrimonio se realizó en febrero del 92 en Waikiki Beach (Honolulu), y solo seis meses después nació la pequeña Frances Bean.


Nevermind se convirtió en triple platino, y la pareja no encontró mejor refugio que la oscuridad. Casi desde su aparición, la crítica estuvo de su lado, y, más bien, la especializada revista Rolling Stone, solo le dio al disco tres de las cinco estrellas. El tiempo los haría cambiar y, en 2004, encontramos dándole las dos que les faltaron. Para fines del 92, el álbum, el tema "Smells Like Teen Spirit", y su respectivo video, se colocaban en las mejores posiciones. El disco, que también incluyó "Come As You Are", se convirtió en el abanderado de la música grunge y punto importante de todo el movimiento de música alternativa que dominaría esa década. En 1993 llegó el tercero, In Utero, que, aunque no tuvo el éxito de su predecesor, logró el disco de platino luego de llegar a número uno en Gran Bretaña y Estados Unidos.

El 8 de abril de 1994, Kurt Cobain, el joven de Aberdeen, fue encontrado muerto en la sala de descanso de su casa. Fue el gatillo, una vez más. El informe certificó que el inicidente había acontecido tres días antes. No obstante, hasta hoy, existen diferentes opiniones. Cobain, al igual que Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin y el Morrison de los Doors, tenía 27 años a la hora de su muerte. Publicó una revista: "El hombre que rescató el rock, no pudo salvarse a sí mismo". Cosas del destino.

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de abril de 2008

THE CLASH DEL 77

Recuerdo que fue en 1977 la primera vez que escuché a the Sex Pistols. La misma tarde, oí a otro grupo llamado the Stranglers. Eran los favoritos de uno de mis amigos de esos que llevan apellidos de ex-presidentes. Estábamos en Lima, y aquellos sonidos poco comunes se generaban desde cintas de cassette, que aún estaban de moda. A The Clash los iría a oír tiempo después y, al igual que the Stranglers y Sex Pistols, tendría que ser por mi cuenta. Para los programas musicales de entonces, grupos como aquellos, por lo menos en el Perú, no existían. Me imagino que porque no estaban en Billboard.

The Clash se había formado en Londres en 1976. Por aquellos días, el ambiente musical en el mundo estaba dominado por temas de música soul y disco (Silver Convention, K.C. & The Sunshine Band, Donna Summer, Hot Chocolate), con algunas excepciones como las de Queen, Nazareth, Peter Frampton y Kiss. Los irlandeses de Thin Lizzy sonaban en menor medida con "The Boys Are Back In Town" y los escoceses de Bay City Rollers, luego de su presentación en el Festival de San Remo, acaparaban la atención con su rock sencillo y temas como "Money Honey" y "Saturday Night". Fue el año de "If You Leave Me Now" de Chicago y "Devil Woman" de Cliff Richard. O sea, nada si quiera cercano a la propuesta que traían los Clash.

"In 1977 I hope I go to heaven
'Cos I been too long on the dole
And I can't work at all.
Danger stranger
You better paint your face
No Elvis, Beatles or the Rolling Stones."

1977 - Strummer/Jones

Lo integraron, Mick Jones, en guitarra y voces; Joe Strummer, en guitarra y voces; Paul Simonon, en bajo; y, Terry Chimes, en batería. Fuera de su enérgica música, la que ya mostraban otros grupos como los Ramones en los Estados Unidos y, Sex Pistols en Inglaterra; The Clash, además, llegaba con una dosis de reggae y una temática muy política.

Su primer disco fue lanzado en el Reino Unido los primeros días de abril de 1977 (algunos datan el 7, otros el día 8). Contenía catorce canciones. Todas, a excepción de una, escritas por Jones y Strummer; entre ellas, "Janie Jones", "Remote Control", "White Riot", y "London's Burning". Curiosamente, la que no fue de su autoría, "Police & Thieves", fue una de las que luego les abriría el mercado en los Estados Unidos. Ahí, el disco -revisado y aumentado- apareció dos años después. En la carátula, solo aparecen tres de los intergantes. El batero Chimes había sido echado y, la banda se preparaba para su mejor momento con la llegada de Topper Headon.

A más de treinta años de ese lanzamiento, aprovechamos para recordar a Joe Strummer, su músico, su letrista, su guerrero, quien, en 2002 -mientras se alistaba para actuar con el reunido The Clash por su inducción al Rock and Roll Hall of Fame-, murió de un problema cardíaco. Tenía 50 años.

Javier Lishner
Santa Clara, California
7 de abril de 2008

BRYAN ADAMS ACTUÓ EN LIMA

Ya van a ser las doce en el Silicon Valley. Bryan Adams acaba de actuar en el Estadio Monumental de Lima. Atormentado, Julio Santos, disc jockey de Radio Miraflores, entre la salida del concierto, la llegada a su casa a cenar, y la salida para atender su programa nocturno en la emisora de los 96.1 FM de Lima, se dio tiempo para hacernos una rápida entrega de lo que sucedió en la Explanada del coloso de Ate. Aquí su apreciación.

12:20 a.m. del lunes 7 de diciembre.

El concierto terminó pasadas las 11 de la noche. Salimos del concierto, caminamos con toda la gente hacia las avenidas en busca de alguna manera de salir de ahí. Caminamos más y, a las 11:35 p.m., conseguimos un taxi libre. Dejé a mi amiga en su casa y de ahí a la mía. Apenas he llegado, calenté mi comida (tallarín saltado), prendí la computadora y aquí estoy.

....

Según el flyer, el concierto empezaba 8:30 p.m. Quise creer que al igual que el de Soda Stereo serían puntuales, y como las entradas que teníamos eran las de Tribuna (numeradas) fuimos con calma. Como siempre, los revendedores por todos lados (solo oía que compraban). Al ingresar vimos que en la zona Stand-up no había mucha gente. Cuando subimos a tribuna vimos que más adelante el panorama era casi igual. En las zonas Platinum, VIP y Adams, se podían ver vacíos. Pero era aún temprano, así que supusimos que la gente seguiría llegando.

A las 8:45 p.m. me di cuenta que no iban a empezar puntuales. Quince minutos después, pudimos apreciar que la zona General Stand-up no se había llenado y las de VIP lateral estaban en un 80%. Pero las dos tribunas, y las zonas Platium y Adams, si se llenaron.

El concierto empezó a las 9:10 p.m. y, para sorpresa de todos (al menos la mía), empezó desde un estrado ubicado casi en medio de la multitud. Ahí, Bryan Adams tocó tres canciones. La segunda fue "Please Forgive Me", que la interpretó solo, pues en ese momento los dos guitarristas se fueron hacia el escenario (el batero ya estaba allá). Luego, con la tercera, el músico canadiense fue caminando para encontrarlos mientras cantaba.

La gente respondió muy bien. En total, si mis cálculos no fallan, cantó veinte canciones entre las que estuvieron:

"Please Forgive Me"
"18 Til I Die"
"I Need Somebody"
"Let's Make A Night To Remember"
"Back To You"
"Summer of '69"
"Have You Ever Really Loved A Woman?"
"(Everything I Do) I Do It For You"
"Cuts Like A Knife"
"When You're Gone"
"Heaven"
"The Only Thing That Looks Good on Me Is You"
"Cloud Number Nine"
"Run To You"
"Straight From Heart"
"All For Love"

Estas son las que pude anotar en mi cel para no olvidarme del orden. Algunas se me pasaron. Pero en sí, ese fue el orden de las canciones. Fueron como veinte (tal vez, veintiuno).

Bryan Adams se mostró muy cómodo con el público y viceversa. Se notó una gran conexión y él mismo lo dijo en una de sus pausas. Lo anecdótico del concierto fue que antes de interpretar "When You're Gone", preguntó si alguna chica quería subir al escenario a cantar con él. Luego de varios gritos, él mismo escogió a una. La chica, de unos 16 años (debo suponer, ya que dijo que estaba en el colegio... aunque desde donde yo la vi parecía de un poquito más), subió con una bandera peruana. Fácil, mañana o pasado, se verán los videos en YouTube.

El concierto terminó a las 11 de la noche, aunque media hora antes Bryan Adams había hecho su "despedida". Sin embargo regresó para cantar cuatro temas más. Cerró con "All for love". Sinceramente, no pensé que iba a incluir esa canción. En el momento que sacó a la chica a cantar "When You're Gone", en broma, le hice un comentario a mi amiga diciéndole que, posiblemente, sacaría a dos patas del público para reemplazar a Sting y a Rod...

Aún me queda en la mente los acordes de "Summer of 69". Lo malo: no llevé cámara. Luego de eso, el sonido estuvo bien. Aparte del pequeño retraso de media hora no hubo nada de qué quejarse. Dudo que alguien haya salido con ganas de escuchar alguna otra canción. Todos cantaron, se emocionaron. Todos tendrán algo que decir mañana lunes (o más tarde) en sus trabajos, universidad, etc. Como dijo el mismo cantautor: "Lets make a night to remember". Y se hizo.

Julio

PD: Sorry las faltas ortográficas. No tuve tiempo de revisarlas. Ya es la 1:05 a.m. y tengo que ir a trabajar. :D

1988: Y EL GANADOR ES...!

Ha pasado tanto tiempo desde que vi la última Teleguía en el kiosko de Chabela, quien mucho nos atendió durante casi toda nuestra carrera en su local de la esquina de Guillermo Prescott y 2 de mayo, en San Isidro. Ha pasado también bastante tiempo desde que se hizo la última entrega del premio Astro, de manos de Peruana de Opinión Pública (POP) y la Revista Teleguía. El Astro se convirtió por aquellos años, en la premiación más importante del espectáculo local. Era anual y, por lo general, acontecía entre los meses de marzo y abril.

Esta es una página de la edición 257 de la referida revista, aparecida en marzo de 1988, e incluye la breve opinión acerca de algunos de los nominados, de parte de dos hombres de la televisión local de la época: Gonzalo Iwasaki y Miguel Milla.

Grupo: Feiser, Rio, Isis.
Actriz Cómica: Alicia Andrade, Aurora Aranda, Esmeralda Checa.

Gonzalo Iwasaki (Narrador de Noticias). "El grupo Rio tiene estilo propio. Su popularidad se ha impuesto a través de temas como "Televidente" y "Mi partido lo hará" por citar algunos. A Feiser e Isis les hace falta imponer más sus temas y su trayectoria es poco conocida".
"En la segunda terna me inclino más por Alicia Andrade quien ha desarrollado notablemente su personalidad y ganas de superación".

Actriz: Lourdes Berninzon, Mónica Domínguez, Belisa Salazar.
Disc Jockey Masculino: Reynaldo Aragón, Javier Lishner, Johnny López.
Orquesta: Carlo Berscia, La Clave, Santiago Silva.

Miguel Milla (Productor de Momento Musical). "Lourdes Berninzón tiene mayor destaque por su trayectoria internacional, además del dominio de escena. En cuanto a disc jockeys me inclino más por Johnny López, porque vaya donde vaya siempre tendrá vigencia. Tiene muchas ideas positivas. Mientras que Javier y Reynaldo se han dedicado tan solo a la música rock. En la última terna me inclino más por La Clave, tiene brillante actuación y a uno lo hacen divertir a mas no poder".

Los ganadores los sabremos en algún momento. Por ahora solo puedo asegurarles que, en el rubro de disc jockey masculino, y siguiendo su tradición de el eterno nominado, el suscrito tampoco se la llevó.

Javier Lishner
Santa Clara, California
5 de abril de 2008

1989: Y EL GANADOR ES...!

Ha pasado tanto tiempo desde que vi la última Teleguía en el kiosko de Chabela, quien mucho nos atendió durante casi toda nuestra carrera en su local de la esquina de Guillermo Prescott y 2 de mayo, en San Isidro. Ha pasado también bastante tiempo desde que se hizo la última entrega del premio Astro, de manos de Peruana de Opinión Pública (POP) y la Revista Teleguía. El Astro se convirtió por aquellos años, en la premiación más importante del espectáculo local. Era anual y, por lo general, acontecía entre los meses de marzo y abril.

Esta es una página de la edición 282 de la referida revista, aparecida en marzo de 1989, e incluye la breve opinión acerca de algunos de los nominados, de parte de dos figuras del entretenimiento local de la época: Santiago Silva y Sammy Sadovnik (todos son "S").

Disc Jockey Femenina: Annie Arias, Sonia Freundt, Diana García.
Disc Jockey Masculino: Randy Calandra, Javier Lishner, Johnny López.
Mejor Canción: "Cuando la cama me da vueltas" (Arena Hash), "Pecado Original" (Feiser), "Todo estaba bien" (Rio).

Santiago Silva (Director de Orquesta). "No sabría decirte con exactitud a quién dar mi voto en la terna de disc jockey femenina. Quiero sugerir a Diana García porque su voz es muy representativa. En cuanto a los masculinos me abstengo de elegir a uno de los tres porque todos son buenos. Respecto a la terna de grupos de rock no puedo opinar. No estoy al tanto de ellos. Además, últimamente he estado de viaje".

Grupo: Arena Hash, JAS, Rio.
Intérprete Femenina: Anaís, Danai, Mache.
Intérprete Masculino: Rocky Belmonte, Miki González, Francesco Petrozzi.

Sammy Sadovnik (Animador). "Arena Hash se lleva el Astro, ha sido todo un suceso con su primer LP. Rio ha mantenido su nivel pero los primeros lo opacaron con popularidad. Considero que JAS es una buena agrupación pero no me llenan como show. En cuanto a las intérpretes femeninas creo que Danai debe ser la premiada pues su labor viene desde hace mucho tiempo atrás. Y en lo masculino aún no me decido entre Rocky Belmonte y Francesco Petrozzi, son muy buenos cantantes. Miki tiene algunas cosas interesantes pero quizá por su carácter no es de mi agrado".

Los ganadores los sabremos muy pronto. Por ahora solo puedo asegurarles que, en el rubro de disc jockey masculino, y siguiendo su tradición de el eterno nominado, el suscrito no se la llevó.

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de abril de 2008

NUGGETS II (1964 - 1969)

Nuggets II: Original Artyfacts from the British Empire and Beyond (1964-1969), no es un disco cualquiera. Para comenzar, es una colección que contiene cuatro discos. Las bandas que aparecen son todas de la era psicodélica de la música popular, y ninguna es estadounidense. O sea que, al lado de nombres forjados en el imperio británico -tales como The Troggs, Pretty Things y Small Faces-, aparecen otros como Golden Earring de Holanda, La De Das de Nueva Zelanda, The Mops de Japón, y el peruanísimo grupo We All Together.

Cuando G.E., un amigo del trabajo y también músico, me la recomendó en 2001, año que apareció esta colección de Rhino Records, tenía una ligera idea de los que podría encontrar. Antes había visto otra, de nombre Nuggets: Original Artyfacts from the First Psychedelic Era (1965-1968), que en realidad fue un álbum de recopilación que apareció originalmente en 1972 pero que Rhino, veintiséis años después, en 1998, la cuadruplicó, no solo convirtiéndola en disco compacto sino que agregándole tres discos más. En ese, hubo música, exclusivamente, de bandas estadounidenses de la era del amor y la paz, como Blues Project (Al Kooper), Nazz (Todd Rundgren), Count Five, y, una de las favoritas de mi amigo Renzo, "El Beatnik", The Chocolate Watchband, quinteto formado aquí, a la vuelta de la esquina.

Disco 1
1. The Creation - "Making Time"
2. Fire - "Father's Name Was Dad"
3. The Move - "I Can Hear the Grass Grow"
4. The Smoke - "My Friend Jack"
5. Tomorrow - "My White Bicycle"
6. The Action - "I'll Keep Holding On"
7. The Eyes - "When the Night Falls"
8. The Easybeats - "Sorry"
9. The Idle Race - "Imposters of Life's Magazine"
10. The La De Da's - "How Is the Air Up There?"
11. Les Fleur De Lys - "Mud In Your Eye"
12. The Motions - "Everything (That's Mine)
13. The Mickey Finn - "Garden of My Mind"
14. The Sorrows - "Take a Heart"
15. Q65 - "The Life I Live"
16. The Pretty Things - "Midnight to Six Man"
17. The Marmalade - "I See the Rain"
18. The Koobas - "The First Cut Is the Deepest"
19. The Mockingbirds - "You Stole My Love"
20. The Haunted - "1-2-5"
21. Small Faces - "My Mind's Eye"
22. Los Bravos - "Going Nowhere"
23. The Thoughts - "All Night Stand"
24. The Masters Apprentices - "War or Hands of Time"
25. We All Together - "It's a Sin to Go Away"
26. Kaleidoscope - "A Dream for Julie"
27. The Tages - "I Read You Like an Open Book"

La segunda versión, fue como una respuesta británica y del resto del mundo. No incluyó bandas de los Estados Unidos. Leí de alguien que decía que esta colección no era para escuchar a grupos conocidos. Que todos eran de "garage" o underground. Pero al ver los nombres encontré algunos que salieron un poquito más allá del garage, como Status Quo o Them, la banda sesentera de Van Morrison. También es el caso de The Guess Who, tan populares con "American Woman", "These Eyes" o "No Time", las que, por supuesto, no aparecen aquí.

Disco 2
1. The Misunderstood - "Children of the Sun"
2. Wimple Winch - "Save My Soul"
3. John's Children - "Desdemona"
4. Them - "I Can Only Give You Everything"
5. The Troggs - "Lost Girl"
6. The Craig - "I Must Be Mad"
7. The Birds - "Say Those Magic Words"
8. Caleb - "Baby Your Phrasing Is Bad"
9. Golden Earrings - "Daddy Buy Me a Girl"
10. Ronnie Burns - "Exit Stage Right"
11. Timebox - "Gone Is the Sad Man"
12. The Eyes - "I'm Rowed Out"
13. Davy Jones and The Lower Third - "You've Got a Habit of Leaving"
14. Rupert's People - "Reflections of Charles Brown"
15. The Mascots - "Words Enough to Tell You"
16. The Poets - "That's the Way It's Got to Be"
17. The Syn - "14 Hour Technicolour Dream"
18. The Pretty Things - "Walking Through My Dreams"
19. The Primitives - "You Said"
20. The Lost Souls - "This Life of Mine"
21. The Action - "Shadows & Reflections"
22. The Easybeats - "Friday on My Mind"
23. Love Sculpture - "In the Land of the Few"
24. The Motions - "For Another Man"
25. The Move - "Fire Brigade"
26. The Boots - "Gaby"
27. The Creation - "Biff! Bang! Pow!"

Nuggets II, contiene a bandas como Tomorrow (Steve Howe), The Move (Roy Wood, Jeff Lynne), Syn (Peter Banks, Chris Squire), Episode Six (Ian Gillan, Roger Glover) o The Birds (Ron Wood). También otras de las que, a diferencia de las anteriores, ninguno de sus miembros dio el espaldarazo. En suma, es una obra artística para comprender lo amplio que es el espectro de la música que, algunos, circunscriben solo a lo que suena en las radios.

Disco 3
1. Cuby + Blizzards - "Your Body Not Your Soul"
2. The Twilights - "Cathy, Come Home"
3. Les Fleur De Lys - "Circles (Instant Party)"
4. Matadors - "Get Down From the Tree"
5. Q65 - "Cry in the Night"
6. Los Chijuas - "Changing the Colors of Life"
7. The Bluestars - "Social End Product"
8. The Syndicats - "Crawdaddy Simone"
9. The Sound Magics - "Don't You Remember?"
10. The Guess Who - "It's My Pride"
11. The Open Mind - "Magic Potion"
12. The Missing Links - "You're Driving Me Insane"
13. The Jury - "Who Dat?"
14. John's Children - "A Midsummer's Night Scene"
15. The Sands - "Listen to the Sky"
16. The Mockingbirds - "How to Find a Lover"
17. The Idle Race - "Days of the Broken Arrows"
18. The Elois - "By My Side"
19. The Factory - "Path Through the Forest"
20. Episode Six - "Love, Hate, Revenge"
21. Status Quo - "Pictures of Matchstick Men"
22. The Voice - "The Train to Disaster"
23. The Playboys - "Sad"
24. The Slaves - "Slaves Time"
25. Red Squares - "You Can Be My Baby"
26. Scrugg - "I Wish I Was Five"
27. Downliners Sect - "Glendora"

Carlos Guerrero, Manuel Cornejo y Ernesto Samamé.
We All Together en los setentas (FOTO: Internet).

Entre los nombres que, por obvias razones, nos suenan más familiares están, Os Mutantes de Brasil, Los Shakers de Uruguay, y We All Together del Perú. Todos, que, desde el sur de América, en esos tiempos, hacían lo mismo a su manera.

Disco 4
1. The Pretty Things - "Rosalyn"
2. The Atlantics - "Come On"
3. Dantalian's Chariot - "The Madman Running Through the Fields"
4. The Creation - "How Does It Feel to Feel"
5. The Mops - "I'm Just a Mop"
6. Downliners Sect - "Why Don't You Smile Now"
7. The Ugly Ducklings - "Nothin'"
8. Los Shakers - "Break It All"
9. Timon - "The Bitter Thoughts of Little Jane"
10. The Outsiders - "Touch"
11. Tintern Abbey - "Vacuum Cleaner"
12. Thor's Hammer - "My Life"
13. The Wheels - "Bad Little Woman"
14. Pandamonium - "No Presents for Me"
15. Os Mutantes - "Bat Macumba"
16. Winston's Fumbs - "Real Crazy Apartment"
17. The Smoke - "No More Now"
18. The Birds - "No Good Without You"
19. The Zipps - "Kicks & Chicks"
20. Acid Gallery - "Dance Around the Maypole"
21. The Fairies - "Get Yourself Home"
22. Chants R&B - "I'm Your Witchdoctor"
23. The Boots - "But You'll Never Do It Babe"
24. The Majority - "One Third"
25. Kaleidoscope - "Flight From Ashiya"
26. Small Faces - "Here Come the Nice"
27. The Rattles - "It's My Fault"
28. Blossom Toes - "When the Alarm Clock Rings"

Me causó mucha alegría el encontrar esta perla llamada "It's a Sin to Go Away" que, desde junio de 2001, en tiempos de avances tecnológicos, y tan lejos del país, finalmente, se puso al alcance del mundo entero. La oí en el carro unas veinte mil veces y nunca me hartó (como "Hotel California", por ejemplo). Cada vez que la escucho me recuerda al Perú, a Carlos, Félix, los hermanos Saúl y Manuel Cornejo, y, por supuesto, a nuestro querido Ernesto Samamé. "It's a Sin" fue parte del primer disco de WAT, cuando aún estaba con ellos Carlos Salóm, a quien luego Félix reemplazaría. El tema en cuestión, escrito por We All Together, es, por lo tanto, contemporáneo de "Carry on Till Tomorrow" y "Some People Never Know", dos popularísimas canciones que, recuerdo como si fuera ayer, las escuchaba permanentemente en el programa de Nelly Mendívil, en Radio Miraflores AM, con sus respectivas entrevistas a esa juventud peruana que ejemplarmente, y sin pedir permiso, avanzó, se elevó y triunfó.

Javier Lishner
Santa Clara, California
3 de abril de 2008

Primera foto
LOS NEW KIDS ON THE BLOCK EN 2008

Cuando a fines de enero escribimos en este blog sobre la posible reunión de los New Kids On The Block, sabíamos que podía ser solo un rumor. Después de todo, la noticia había salido de una revista del espectáculo y nadie más pudo confirmarla. Lo cierto es que, en la Internet, el grupo tenía un nuevo sitio en el que invitaban a los visitantes a inscribirse para recibir información directamente del conjunto. Indudablemente, esa era una pista.

Hoy, después de todo, apareció la primera foto de los muchachos, que ya están por encima de los 35, e, incluso, uno, Jonathan Knight, este año cumplirá 40. Los New Kids ya no son tan new y, menos, tan kids. Además ya deben haber recorrido mucho más que the block. Pero aquí están, juntos, al igual que en 1984, cuando de la mano de Maurice Starr, en Boston, salían a la luz para en un lapso de diez años, vender 70 millones de discos.

Este viernes, 4 de abril, se sabrá si los rumores de su reunión fueron ciertos o solo palabrería que nos agarró a unos con pocas defensas, y ganas de hacer noticia... No obstante, seguimos pensando que la reunión de Steve Perry con Journey, o la de Peter Cetera con Chicago, serían mucho más que primeras planas. Me pregunto si algún día se darán.

Javier Lishner
Santa Clara, California
2 de abril de 2008

Scott Weiland se va con STP

VELVET REVOLVER DESTITUYE A CANTANTE

La noticia conmueve, y se propala el día de los inocentes. Para algunos, era cuestión de tiempo; para otros, no debió suceder. Pero para los que estamos un poco en esto, y seguimos a la banda de cerca, sabíamos desde un tiempo atrás que Velvet Revolver ya andaba partido en dos. Por un lado, los tres ex-Guns N' Roses, Slash, Duff y Sorum, y el guitarrista Dave Kushner; en el otro, solo, Scott Weiland, el vocalista. Por eso es que no nos perdimos su presentación en el Warfield de San Francisco, en febrero pasado. La balanza, hoy, terminó por quebrarse.

Scott Weiland al frente de Velvet Revolver en febrero último.
(FOTO: Javier Lishner).

Hace dos semanas, durante su presentación en Glasgow, Escocia, Scott Weiland sorprendió a los asistentes cuando en medio del show anunció de que ellos (el público) estaban siendo testigos de "algo especial... la última gira de Velvet Revolver". La sorpresa fue también para sus compañeros. Hoy, coincidiendo con el final de su periplo, Slash y sus socios, no resistieron a la tentación de deshacerse de su cantante, quien actualmente está a punto de iniciar una gira con Stone Temple Pilots, su anterior banda. Los STP aún no han anunciado las fechas y lugares que abarcará la aventura, pero ya confirmaron que la iniciarán en el Rock on the Range Festival, en Columbus, la capital de Ohio. El evento está previsto para realizarse a mediados de mayo próximo. Recién, el lunes 7 de abril, la reunida banda dará una conferencia de prensa en el Harry Houdini Estate de Los Angeles, California.

Velvet Revolver, por su parte, hizo hace unas horas el anuncio de la separación de Weiland tras su última presentación europea, en el Heineken Music Hall de Amsterdam, Holanda. Un pleito público entre Weiland y el baterista Matt Sorum, del que muchos hemos estado al tanto, habría puesto el punto final al trabajo conjunto de Weiland con sus ex-compañeros. Velvet Revolver se formó en el sur de California, en 2002. Un cuarto ex-miembro de Guns N' Roses, Izzy Stradlin, rehusó, en aquel entonces, ser parte del nuevo proyecto.

Aún con un nudo en la garganta, mientras esperamos mejores noticias de Velvet Revolver, estaremos atentos para ver en verano al reunido grupo de los hermanos DeLeo, con quienes fuimos creciendo parte de los noventa y principios del nuevo siglo. O es que alguien no recuerda "Sex Type Thing", "Plush", "Creep", "Vasoline" o "Sour Girl"?

Javier Lishner
Santa Clara, California
2 de abril de 2008

NOTAS RELACIONADAS:
- Otra noche para recordar, VELVET REVOLVER ROCKEÓ EN SAN FRANCISCO.
- SLASH: "WEILAND SE REUNIRÁ CON STP".
- Scott Weiland y Slash declaran, STONE TEMPLE PILOTS vs. VELVET REVOLVER.
- VELVET REVOLVER Y LA BANDERA PERUANA.

Tocará el bajo en próxima gira

PAUL McCARTNEY SE UNE A LOS STONES

Desde hace algunas semanas, los miembros de los Rolling Stones, individual y colectivamente, han venido haciendo noticia con sus declaraciones. Esto, a mi modo de ver, es parte de la maquinaria a la que nos tienen acostumbrados los muchachones de la lengua.

A veces pienso que esas noticias con las que nos tuvieron desde los años setenta como aquello de "ésta podría ser la última gira...", eran ya parte de una maquinaria publicitaria que, una vez más, a mi modo muy particular de ver las cosas, ha sido uno de los factores fundamentales para que el grupo se mantuviera unido, con muertos y heridos, por más de 45 años.

Hoy, acabo de leer una noticia que superó, con creces, a todas las que escuché en los úlimos lustros. Tal vez, sea la más importante desde que Bill Wyman renunció al puesto de bajista que tuvo desde 1962. Por esas coincidencias que tiene el rock, ésta también tiene relación con el bajo.

Mi opinión personal se basa en que las recientes (llamativas) declaraciones de Jagger, Richards y Watts, indistintamente, se dan justo antes del estreno de Shine A Light, el filme de Martin Scorsese que documenta parte de la gira A Bigger Bang de los Rolling Stones. Shine A Light se estrena al público el 4 de abril.

LA NOTICIA: EL McCARTNEY STONE

Lo que ningún Nostradamus de nuestra era pudo visionar, fue que un beatle, enredado en sus problemas personales, pudiera haber aceptado caer en las redes de quienes alguna vez fueron su mayor competencia, sin haber sido enemigos. Dice la nota de prensa que "Sir Paul McCartney, uno de los dos sobrevivientes de la banda más influyente del rock and roll, aceptó una millonaria oferta de los Rolling Stones para acompañarlos en su próxima gira". La información, recién recibida de Londres, no precisa fecha.

En 1963, en el álbum With the Beatles, apareció "I Wanna Be Your Man". La cantó Ringo. Sin embargo, antes que apareciera el tema de Lennon y McCartney en versión Beatle, hubo una de los Rolling Stones. El tema, cantado por Mick Jagger -con los coros del difunto Brian Jones-, solo se lanzó en disco sencillo. Recién, en 1989, volvería a aparecer como parte de The Singles Collection: The London Years. Dicen las malas lenguas que fue Andrew Loog Oldham, el sempiterno acompañante, productor, coescritor y hado padrino de los Stones, quien un día al ver a Lennon y McCartney caminando en la calle, corrió a pedirles la autorización para grabarla. Y sucedió antes que la promocionada "rivalidad" comenzara. Parte de la publicidad de ambos frentes, seguramente.

"I Want To Be Your Man" por los Rolling Stones.

Aunque suene raro, McCartney alista su bajo para interpretar canciones de Jagger y Richards, y, tal vez, de algunos otros, como es su costumbre (la de los Stones). Pero no solo para interpretar las canciones sino que para interpretarlas con ellos. Quién sabe si esta nueva aventura, más marketera que musical, pueda definir para siempre un récord de asistencia, y de millones de dólares, que los Stones vienen cosechando desde, por lo menos, su American Tour de 1981.

En el negocio del entretenimiento, como alguna vez alguien dijo, business son business. Habrá que esperar.

Javier Lishner
Santa Clara, California
1 de abril de 2008

NOTA: En Estados Unidos, al 1 de abril se le conoce como April Fools' Day, mi día. En otros países es el 28 de diciembre. Larga vida a Sir Paul, y gracias por prestarnos su nombre para esta nota.