TAMBIÉN VIENE...

Nuestra siguiente entrevista en Rock Around the Blog. Mañana jueves, 16 de julio.

Javier Lishner
Santa Clara, California
15 de julio de 2009

BATIERON RÉCORD DE LOS BEATLES

El 15 de agosto de 1965, los Beatles hicieron su famosa aparición en el Shea Stadium de Nueva York. Allí, fueron presentados por el no menos popular Ed Sullivan. Como se puede apreciar en el programa televisivo The Beatles At Shea Stadium, el grupo inglés, en el corto lapso de 30 minutos, interpretó "Twist And Shout", "I Feel Fine," "Dizzy Miss Lizzy", "Ticket To Ride", "Can't Buy Me Love", "A Hard Day's Night", "Baby's In Black", "Act Naturally", "Help!", "I'm Down", y un par más ("She's A Woman" y "Everybody's Trying To Be My Baby"). Que se sepa, fue la primera vez que un grupo de rock and roll tuvo la osadía de presentarse en un estadio.

Seis años después de los Beatles, histeria en el Shea Stadium

Seis años después, el 9 de julio de 1971, le tocó hacer lo propio a un grupo estadounidense. Y, a diferencia de los cuatro grandes de Liverpool, las entradas las vendieron mucho más rápido. De paso, se convirtieron en el segundo número del género que pisaba el coloso deportivo neoyorquino.

GRAND FUNK RAILROAD

El grupo en cuestión se formó en Flint, Michigan, de manos de Mark Farner, Mel Schacher y Don Brewer. Se hizo llamar Grand Funk Railroad. Los rostros de estos tres jóvenes fueron expuestos en Times Square en un aviso de casi una cuadra, cuando nunca antes se había utilizado ese lugar para promocionar actos de rock. La idea surgió de la mente de Terry Knight, el difunto manager de la banda, que se caracterizó por sus locuras publicitarias (Se dice que Knight fue el primer DJ norteamericano que presentó a los Rolling Stones en la radio. Su relación musical con GFR había terminado en la Corte, en 1972. Su final, en 2004, fue muy triste y mereció muchas pulgadas de prensa. Su asesino, el novio de su hija, libra cadena perpetua).

Con Knight al frente, las entradas para las dos noches de Grand Funk en el Shea Stadium se vendieron en 48 horas. La suma que acapararon fue de $300,000.00. Una jugosa cifra para la época. Por esos días se dijo que los miembros del trío se habían hecho millonarios solo con la venta de sus tres primeros discos (On Time, Grand Funk, y Closer to Home). Tres décadas después, Don Brewer, su baterista y cantante, en entrevista -entre risas-, se encargó de desmentir tal afirmación.

Desde su original rompimiento en 1976, tras haber sido producidos por Frank Zappa, Grand Funk se ha reunido solo dos veces. La primera fue en 1981 con el bajista Dennis Bellinger, con quien lanzaron el Grand Funk Lives; la segunda sucedió quince años después, como Grand Funk Railroad, la que aprovecharon para publicar Bosnia, un doble disco en vivo a beneficio de las víctimas de esa parte del mundo.

Shea Stadium, New York. Junio de 1971. Grand Funk Railroad

El 24 de febrero pasado, nos tocó ver a Brewer y a Craig Frost, el cuarto integrante que llegó en 1972 junto al productor Todd Rundgren, con quienes se hizo el disco Phoenix, el séptimo y más exitoso de su carrera. Frost y Brewer, aquella noche de febrero, formaron parte de la Silver Bullet Band de Bob Seger. Seis meses después, el 24 de agosto, tenemos planeado ver a Mark Farner, el guitarrista de punta, acaso uno de los mejores de su tiempo. Aunque sea, por partes, y varias décadas tarde, vamos viendo al que, alguna vez, fue el grupo más ruidoso del mundo, hasta el día que Deep Purple le quitó el reinado.

Lo de Grand Funk Railroad en el Shea Stadium, es una simpática anécdota. Para los Beatles, fue un punto importante de su carrera. Y eso ya es bastante.

Javier Lishner
San Jose, California
9 de julio de 2007

NOTA RELACIONADA:
- Mark Farner, DE GRAND FUNK A LA GLORIA

AMPEX: EL NOMBRE DE LA CINTA MAGNÉTICA

Podría asegurar que todos mis amigos y colegas que tuvieron algo qué hacer con la radio, alguna vez, no solo escucharon el nombre de AMPEX sino que tuvieron una de sus cintas entre sus manos. Lo que también estoy tentado de asegurar es que ninguno (incluído el que suscribe) supo el origen del nombre de la compañía fundada por un ruso-americano y establecida en la ciudad de San Carlos, California. Cuando en 1994 me tocó pasar, por primera vez, en frente de las oficinas centrales de la famosa firma, tuve curiosidad de indagar algo más sobre ese nombre que tanto nos acompañó durante los días felices.

Recién descubrí que, ese mismo año, AMPEX andaba cumpliendo sus Bodas de Oro. AMPEX es el acrónimo de su fundador, Alexander M. Poniatoff. Y el resto fue tomado de las dos primeras letras de la palabra "Excellence". Actualmente, el centro de operaciones de la compañía fundada en 1944, se encuentra en Redwood City, a unos treinta minutos al sur de San Francisco.

De acuerdo al diccionario, la cinta magnética es un tipo de soporte de almacenamiento de información que permite grabar datos en pistas sobre una banda de material magnético (como óxido de hierro o algún cromato). Puede grabarse cualquier tipo de información de forma digital o analógica. Los antiguos sistemas utilizaban cintas tipo riel abierto o reel-to-reel, que son los que justamente los que utilizábamos en la radio.

Hoy, de regreso a casa, lo hicimos a través de la conocida ruta 101, la autopista a la que alguna vez Herb Alpert le dedicó una canción (Route 101). Y todo lo que pude tomar fue esta gráfica. Alguien podría pensar que hubo irresponsabilidad en el conductor dado que la velocidad en la vía es de 65 millas por hora (poco más de 100 k.p.h.). Pero no. Para ello hubo que ponerse a un costado de la carretera, encender las luces de emergencia, desenfundar la cámara que no se utilizaba desde la semana anterior, apuntar, y presionar el botón. Esta vez, por lo menos, a pesar de la premura, la foto logró el cometido, y no como la de Iggy en el festival de Coachella. La próxima vez que pase por allí, he prometido tomarle fotos al edificio, el que se vé desde la autopista de 1,540 millas de longitud (unos 2,500 kilómetros), que, por la costa oeste norteamericana, recorre los Estados de Washington, Oregon y California.

Durante el último lustro AMPEX no anduvo muy bien, y, hace poco más de un año, se declaró en bancarrota. Ampex Corporation decidió, entonces, iniciar toda una reorganización en la empresa y, como el ave fénix, renacer de las cenizas.

Alabada sea la cinta magnética usada para grabar audios de alta calidad. Y también nuestros programas. (FOTO: Javier Lishner)

Javier Lishner
Santa Clara, California
13 de julio de 2009

IGGY, EL FESTIVAL Y LA FOTO

La semana pasada me tocó trabajar con Mike, uno de mis clientes. Es el mismo personaje que, conociendo mi pasión por el rock, no hace mucho, tuvo la deferencia de obsequiarme el disco de Chickenfoot, a quienes acababa de ver en el Fillmore de San Francisco. Mientras nos dirigíamos al hospital de Stanford, donde hay un proyecto que se le ha encargado, hablamos de música y de Iggy Pop. Y, aquella mañana, mientras iba manejando, no pude resistir contarle una breve anécdota que me sucedió con el padrino del punk rock.


Estábamos disfrutando de la segunda versión del festival de Coachella, en los desiertos de California. Era mayo de 2001, y habíamos viajado especialmente para cubrir el evento. Entre los números estelares se había anunciado a Paul Oakenfold, Weezer, Tricky y la esperada reunión del combo de Perry Farrell, Jane's Addiction. Entre los nombres que iban a desfilar, también estaba el de Iggy Pop. El músico de Muskegon, Michigan, semidesnudo, apareció en horas de la tarde encaramado en el escenario. Estuvo allí durante una hora y media.

Terminada su actuación, el delgado cantante bajó de la tarima y, aún sudando por las altas temperaturas del área, se acercó a quienes andábamos allí, detrás de bambalinas. Mientras terminaba de hablar con la prensa, y antes de que empezara a coquetear con unas damas que más parecían groupies, le pedí una foto para incluir en "el reportaje para el Perú". En el ajetreo, Iggy aceptó de muy buena gana. A pocos pies de nuestro encuentro, y aún cerca del escenario, había un muro, el que sirvió para sentarnos. Al momento, le entregué mi Nikon a un colega de una revista de Nueva York, que prefiero guardar en reserva.

Allí, Iggy y yo, quedamos temporalmente sentados. El periodista presionó el botón y, ambos, finalmente, quedamos juntos para siempre. Como en aquellos días aún utilizábamos cámaras tradicionales con rollo (yo la acababa de adquirir, aunque por supuesto que ya existían las digitales), hube de esperar hasta volver a casa para revelar todas y cada una de las gráficas del festival. Total, nuestra vuelta al Silicon Valley estaba planificada para la mañana siguiente, terminado el evento.

Sorpresa me dí cuando fui a recogerlas y nunca encontré la foto en cuestión. Antes de quejarme con el muchacho que me atendía, revisé el negativo correspondiente. Lo que descubrí, automáticamente me hizo cambiar el humor. Estaba Iggy solo, y ni siquiera mirando a la cámara sino a las nenas. El colega le había hecho un close up, dejando de lado las doscientas libras peruanas en los terrenos del Polo Field. Así que allí, a su derecha, debo andar yo. Háganse la idea. Ahora vuelvo a mi CD de Chickenfoot, Oh Yeah! (FOTO: © Javier Lishner).

Javier Lishner
Santa Clara, California
12 de julio de 2009

MENSAJE A LA IGUALDAD

La semana pasada, andando por los alrededores de Stanford, entre el hospital y la universidad, me tocó parar en un semáforo. Desde un tiempo atrás, esa esquina, le servía a algunas personas desempleadas para pedir dinero y trabajo a los conductores. Pedir dinero o pedir trabajo no tiene nada de malo. Lo que la ciudad consideró malo fue que lo hicieran allí, en ese específico cruce. Y, por lo tanto, colocó un aviso de prohibición. No conozco si las razones fueron de índole de seguridad o de ornato, pero, de una u otra forma, nos imaginamos que la decisión fue por una cuestión positiva.

SOLICITATION
of Employment, Business
or Contributions from or
by Occupants of Vehicles

Prohibited.

Lo que más nos llamó la atención del aviso es que no solo prohibe a los desempleados a pedir trabajo y limosna, sino también a los conductores a ofrecerlos. Así que la prohibición fue por igual para los dos frentes. Se entiende que, en ambos casos, los más perjudicados fueron los desamparados; sin embargo, por lo menos, con el "from or by", nos dejó una sensación de que la ley va por igual para todos.

Javier Lishner
Santa Clara, California
11 de julio de 2009

GRACE SLICK: "Let It Go"

Algunos saben de mi admiración por Grace Slick y, digan lo que digan, nunca la cambiaré del lugar en la que la tengo desde que casi la escuché por primera vez. Su "White Rabbit", con los Jefferson Airplane en un cassette, me enseñó que había mucho más que lo que tocaban las radios. Aunque radio era casi todo lo que escuchaba. Sería 1972. Años más tarde, trabajando justamente en la radio, encontré un tema llamado "Let It Go". Fue parte del disco Dreams, grabado por ella como solista, en 1979, entre los Estudios RCA y Hit Factory de Nueva York y los Record Plant de Sausalito, aquisito nomás, frente a la Bahía de San Francisco. Los milagros que había hecho con los Airplane habían sido suficientes para iniciarle el proceso de beatificación. Pero, con esta canción, la elevé para siempre a los altares. Por más de su vida alegre, mundana y tan terrenal.

LET IT GO
(Grace Slick)

Some people say "Don't go away just stay right here"
Some say "If you stay at home you're gonna wind up alone"
Now you know you can't go two different
ways you can't believe everything you hear
And if you always do just what you're told
when you've got no mind of your own

So if each man has a different plan let 'em go let 'em go
You have a power all your own
There's a spirit child inside you ready for life and I know
It's just waiting to see how you will grow
And when the spirit feels the need to wander let it go

Sometimes they say the only way is to really sing that song
Sometimes they say you're singing that way too loud too long
And if they can't make up their minds then I think I'll make up mine
Whatever way I feel is the only way I'm gonna sing that song

And if people don't seem to like it that's O.K. let 'em go
Some day they'll sing a song of their own
'Cause there's a spirit child inside them ready for life and I know
It's just waiting to see how they will grow

And when their spirit feels a need to wander I'm sure they'll go

Some people said "Try this, it'll make your smile"
Some said "Don't touch it, you end up crying"
Well it felt so good for a while but then I saw too many dying
When all they wanted to do was get a little higher
So if the game won't follow through let it go let it go
And leave the loaded dice alone
'Cause there's a spirit child inside them ready for life and I know
It's just waiting to see how they will grow

One too many-users lose it all
Then there's no one-no one to help then break the fall
People just like you who say "Oh no that won't be me"
End up face down-is that where you wanted to be

So if it's going to bring you trouble let it go let it go
Remember that doesn't mean you'll be all alone
'Cause there's a spirit child inside them ready for life and I know

It's just waiting to see how you will grow.

En los setenta, los Jefferson Airplane fueron los precursores de Jefferson Starship, y, luego, también, del ochentero Starship, donde la señora pasó la etapa más comercial de su carrera.

El próximo octubre cumplirá 70 años, convirtiéndose así en la mayor cantante de "música contemporánea" que se me venga a la mente. Porque ni las Tinas ni las Arethas ni las Chers ni las Dionnes ni las Janis, y ni siquiera Little Eva, nacieron antes que ella. Ni Signe Anderson, a quien ella reemplazó en los Airplane durante los locos años sesenta. No obstante, a pesar de ello, sigue siendo tan guapa como siempre (o es que serán mis ojos). En sus entrevistas, sigue tan candente como siempre (o es que serán mis oídos). En su arte -porque ahora no canta pero pinta-, sigue siendo tan tierna como siempre (o es que serán mis sentimientos). No sé. Pero santificado sea su nombre. Por siempre y siempre.

Javier Lishner
Santa Clara, California
10 de julio de 2009

NOTAS RELACIONADAS:
- EL DÍA QUE GRACE SLICK DESENFUNDÓ SU PISTOLA
- A Grace Slick: GUARDA ESA ROSA MI AMOR

LA TOLERANCIA, EL GUSTO Y EL QUÉ DIRÁN

Mi amigo Alejandro es seguidor de los Moody Blues, un grupo inglés que fue trascendente hace cuatro décadas y que, a través de los años, ha ido dejando huella en la música. Como quiera que es un poco mayor que yo -y porque lo veo tan pasado de moda escuchando a los Moodies-, lo llamo "Abuelo", cosa que evidentemente le jode. Pero lo seguiré haciendo hasta el día que deje de burlarse de mí por llevar puesta una camiseta negra de Soundgarden o hablarle de Coldplay y The Killers, a quienes ciertamente no les da importancia. Además, aprovecha eso para comparar mis gustos con los de sus hijas, dos simpáticas jovencitas, que hace rato que están en toda la onda de artistas y grupos... Yo, un desinteresado defensor del gusto de los jóvenes, le presto poca atención, hago un esfuerzo, y trato de comprender su mundo, el de los Moody Blues.


Gerardo Manuel es, sí, un viejo rockero. A sus más de sesenta, sigue inmerso en el mismo atajo en que se metió hace poco menos de medio siglo. Los rockeros en el Perú le debemos mucho, tanto por su larga trayectoria como por la generosidad de compartir sus conocimientos. Lo ha hecho en la radio y la televisión, y, ahora, desde un blog que diariamente publica el "decano de la prensa en el Perú", El Comercio. Allí, hace unos días, el "Jefe" -como lo llaman algunos de sus seguidores-, escribió una nota sobre el Rey del Pop, Michael Jackson.

El significado de tolerancia es "respeto hacia las opiniones o prácticas de los demás". El término tiene como sinónimos, la comprensión, la paciencia, la condescendencia y la flexibilidad. El respeto a los gustos ajenos, también está incluído.

Fausto, uno de los lectores de Disco Club, el blog de Gerardo, comenta en el post sobre Michael Jackson: "De Michael Jackson, Madonna o Jonas Brothers, no me gusta su música como tampoco me gustan los Flying Burrito Brothers o Tangerine Dream, por citar ejemplos. Cuando una obra no te gusta así venga envuelta en seda y decorada con piedras preciosas pasas de ella... Aún noto que mucha gente compra un disco como si estuviera en un súper comprando, por ejemplo, fideos o azúcar, y escucha la música si como los ruidos de la calle se tratara". De acuerdo al comentario de este señor, habríamos de consultar(le) antes de salir a hacer nuestras compras. Es cierto que luego la arregla un poco cuando afirma: "Pero en síntesis cada uno tiene sus propios gustos y escalas, y a mi ya nadie me va a vender la moto con el fenómeno Jackson. Siempre respeto los gustos ajenos y jamás creo he dicho que lo que escucha el vecino es basura". Felizmente. Tal vez fue solo una impresión personal.

Los Moody Blues, creadores de "Night in White Satin", parte de esa obra conceptual llamada Days of Future Passed, se gestaron en 1964, en Birmingham, la capital industrial inglesa, la segunda ciudad más poblada de Inglaterra y cuna de Black Sabbath, Duran Duran y the Electric Light Orchestra. Su núcleo estuvo formado por Ray Thomas y Mike Pinder, antes de que llegaran el baterista Graeme Edge, el bajista Clint Warwick, y Denny Laine, el cantante-guitarrista y cuya voz se escucha en el primer tema popular de la banda, "Go Now", publicada a fines del 64. Recién, dos años después, arribaron, Justin Hayward, para reemplazar a Laine, y, John Lodge, para hacer los propio con Warwick. Con esa formación se mantuvieron por más de una década. La historia de los Moody Blues es larga y merece un gran respeto. Tanto como lo merece Alejandro, mi "abuelito musical", y Fausto, el que se desvive por asegurarse de que nadie crea que a él le gusta Michael Jackson. Porque imagínese usted, qué diría la gente. Pero, es verdad, está en su derecho.

Javier Lishner
Santa Clara, California
9 de julio de 2009

ELIZABETH ARDEN Y EL INICIO DE ELVIS COSTELLO

El 9 de julio de 1977, Elvis Costello abandonaba su trabajo en cosméticos, en la compañía Elizabeth Arden, para convertirse en músico a tiempo completo. Esa decisión solo la pudo tomar gracias a Jake Riviera (quien había manejado a The Damned) y Dave Robinson, ambos, fundadores de Stiff Records. Dos semanas después, lanzaba My Aim Is True, su primer disco, el que realizó con la ayuda de Clover, un grupo del área de San Francisco, que más adelante sería parte de lo que se conoció como Huey Lewis & the News. En Clover también estaba John McFee, futuro Doobie Brother.


My Aim Is True fue el que incluyó "Alison", una de las más poderosas de su extensa y, sobre todo, diversa carrera (ver aquí la interpretación de Costello en su primera aparición en la televisión, en 1977). La placa fue grabada en los Estudios Pathway de Londres (donde muy poquito tiempo después, Dire Straits llegaría para grabar "Sultans of Swing"). Fue producida por Nick Lowe, el músico británico, más conocido por su trabajo en Rockpile al lado de Dave Edmunds. Leí que grabar My Aim Is True le costó al muchacho de los lentes estilo Buddy Holly, únicamente dos mil libras esterlinas.

Nacía un Elvis, a solo un mes de la muerte de otro: el Rey del Rock and Roll. (FOTO: Internet).

Javier Lishner
Santa Clara, California
9 de julio de 2009

AUTOCONTROL, EL RETORNO DEL DÚO PERUANO

Leí en el blog de El Quinto Stone, que Autocontrol, el dueto que tomó al Perú por asalto durante la segunda mitad de la década del ochenta (ojo que eso del asalto es una manera de referirme a su éxito, y nada tiene qué ver con los verdaderos ladrones del régimen de aquel entonces); decía, que Autocontrol vuelve a los escenarios, renovado, potente, matador.



Entre los temas que se le recuerdan están, "Por tu amor", "Fiel a ti", "Fantasy", "Yo quiero rock", "Sueños" y su carta de presentación de aquellos días, "América ven a mí", que marcaron una buena época de esta banda formada en la Gran Manzana, en 1986.

Con estos dos experimentados y profesionales peruanos de nombre Víctor Arturo Barrientos y Jorge Baglietto, la calidad del espectáculo que puedan mostrar en escenarios de Madrid, Nueva York, Miami, Los Angeles, Lima, Arequipa, La Paz y Buenos Aires, está asegurada. En la capital peruana, la cita es el próximo 20 de agosto.

Bienvenidos nuevamente, y gracias por estar aquí.

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de julio de 2009

DONNA SUMMER, HOT STUFF

El 31 de diciembre pasado, Donna Summer cumplió 60 años. A su vez, celebró cuatro décadas metida en el showbiz. Como muchos, sus comienzos en la música datan desde su niñez cuando -en su iglesia- formaba parte del coro. Recién en 1971 pudo publicar su primer simple, que tituló "Sally Go 'Round The Roses". Pero no fue hasta mediados de los setenta, tras contactarse con Giorgio Moroder y Pete Bellotte, que comenzaría a hacerse de un lugar en el competitivo mercado del disco.

Uno de mis compañeros de clase, y buen amigo, estuvo en uno de sus conciertos. Cuando Lucho llegó de regreso a Lima, me comentó del acontecimiento que había visto, y su descripción fue tan emotiva que hasta me dieron ganas de verla. Varios años después, se le anunció en el elenco que participaría en el festival Rock in Rio. Corría la segunda mitad de 1990. Y, entre tanto talento rockero, había un nombre que desentonaba un poco. Pero solo un poco. Porque durante sus quince minutos de fama (que en realidad fue mucho más que eso), le tocó competir con diferentes colores y ritmos, incluyendo el hard rock y el punk. Y ella salió triunfante. Y si entonces ya existía un Rey del Rock and Roll, Elvis Presley, y una Reina del Soul, Aretha Franklin, porqué no una Reina de las Discotecas. Y Donna, con su vibrante música, y su potente y sensual voz, se convirtió en la soberana.

Su verdadero nombre fue LaDonna Adrian Gaines, pero se puso "Summer", tan radiante como el verano y tan caliente como la temporada estival. Para muestra, "Love To Love You Baby" de 1975. A mí siempre me gustó "Sunset People". Claro, no tanto como a Liliana Sugobono, Carlitos Jáuregui o Sammy Sadovnik.

"Hot Stuff" y "Bad Girls". Donna Summer.

¿Quién que vivió la década del setenta no se dio su vacilada con los ajetreos de Donna Summer? Lo único cruel fue que nunca llegó a Rock in Rio. Y si bien es cierto que no viajé por ella, me hubiera encantado verla en vivo, como Lucho, mi compañero de clase, que no era Lucho Torres, mi otro buen amigo del período escolar y ex dj de Radio Doble Nueve de Lima.

Long Live Donna Summer. (FOTO: Javier Lishner)

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de julio de 2009

RÓMULO LEÓN DEJA LA CÁRCEL

Contra todo pronóstico, Rómulo León Alegría, principal involucrado en el caso de los petroaudios que reventó en octubre del año pasado en el seno del gobierno peruano (haciendo renunciar a parte del gabinete, incluído el primer ministro), salió hoy de la cárcel con destino al departamento de su hijo, en los alrededores del Golf de San Isidro. Según la información, permanecerá allí mientras dure su arresto domiciliario.

Sí, juro que no voy a fugarme (otra vez).

La "Rata", tal como lo llamó en su momento el propio presidente de la República, reafirmó que es inocente. En declaraciones a la emisora Radioprogramas de Lima, dijo que tiene la conciencia tranquila. Eso, para algunos, no fue ninguna novedad. La conciencia la tiene tan grande que suponemos que parte de ella la tiene tranquila.

Además, con ese tonito de quien ahora marca el paso y no con aquel con el que llegó hace ocho meses al penal para Reos Primarios, dijo que hay que ser un "despistado" o un "afiebrado" para pensar que él podría fugarse del país. Así que guerra avisada, la "Rata" ha asegurado que no piensa fugarse. Creámosle a ojos cerrados, o leamos El Comercio para no darnos cuenta de lo que está pasando.

Porque, a esta hora, en su versión virtual, "el decano de la prensa en el Perú", sigue con el notición del siglo en el país, "Juez abre proceso a Abencia Meza y Pedro Mamanchura y ordena recluirlos en penales de Lima". Además, agrega un buen dote sobre la despedida que se le tributó a Michael Jackson en Los Angeles. Y, como si no fuera suficiente, de que "Daddy Yankee es afectado por gripe AH1N1 en Bolivia", y hasta que "El gobierno argentino realiza sorpresivos cambios en su gabinete de ministros". De la "Rata", no se oye padre. (Ver para creer).

León Alegría es el mismo que cuando aparecieron los audios en un programa periodístico de la televisión, dijo desafiante, "Que vengan pues, yo estoy en mi casa, que me den un mandato de detención, que me llamen al Poder Judicial". Y luego desapareció.

Javier Lishner
Santa Clara, California
7 de julio de 2009

DE CIRCOS Y FUNERALES

Habemos muchos que hemos vivido lo suficiente como para recordar ciertos eventos históricos. Entre ellos, los funerales de algunos personajes populares. Yo recuerdo las exequias de Nikita Khrushchev, el máximo líder soviético entre 1953 y 1964, quien falleció en 1971. En Latinoamérica, los funerales de Juan Domingo Perón en Argentina, o de Manuel Francisco dos Santos, "Mané Garrincha", en Brasil, fueron apoteósicos, multitudinarios. Lo fue el del Papa Juan Pablo II, líder de la iglesia católica romana, sucedido en El Vaticano en abril de 2005 (luego de más de 30 años de reinado), y, ocho años antes, en 1997, el de la Princesa de Gales, Diana, nuera de la Reina Isabel de Inglaterra.


Dice la Real Academia Española de la Lengua que funeral es la pompa y solemnidad con que se hace un entierro o unas exequias. En algunos lugares, el funeral tiene distinto concepto que en otros. Ello tiene relación directa con la fé que se profesa, la cultura y la idea que se tenga sobre una posible vida después de la muerte. Que se sepa, históricamente, los funerales siempre han existido, o, por lo menos, desde tiempos inmemoriales; tan antiguo, que no hay memoria de cuándo empezó esta vaina.

El 16 de julio de 2003, un tumor cancerígeno en el cerebro de Celia Cruz, dejó al mundo sin una de las más simpáticas, alegres y guapachosas artistas latinoamericanas. El adiós que le rindió la comunidad hispana en los Estados Unidos fue inmenso. A Celia le hubiera encantado. Poco menos de tres décadas antes, en agosto de 1977, una de las más grandes caravanas que jamás se vió siguiendo a un malogrado artista, persiguió al Rey del Rock and Roll, Elvis Presley, desde su residencia de Graceland hasta su última morada en el Forest Hill Cemetery de Memphis. (Muy pronto, luego de que alguien intentó robarse el cadáver, el ataúd del artista fue enterrado para siempre en su famosa mansión). Su padre, Vernon, fue testigo de toda esa experiencia, y moriría dos años después. La madre, Gladys, había fallecido en 1958, y pudo ver parte del éxito de su hijo.

El 5 de octubre de 1973, la MCA Records lanzó el séptimo disco en estudio de Elton John. Se llamó Goodbye Yellow Brick Road y fue grabado en Francia. Goodbye Yellow continuó el éxito de su antecesor, Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player. Pero, a pesar de haber sido registrado en los mismos estudios, con los mismos músicos y publicado el mismo año, pudo más, mucho más. Se convirtió en el álbum más vendido del músico inglés. Y, amén de algunos invitados, como Ry Cooper y Kiki Dee, la banda de Elton John estuvo formada por Davey Johnstone en la guitarra, Dee Murray en el bajo y Nigel Olsson en batería. Una canción, tal vez de las de mejor instrumentación que jamás haya tenido oportunidad de escuchar, la tituló "Funeral for a Friend", la que es seguida de una llamada "Love Lies Bleeding". Otra del mismo disco, por coincidencia, sería interpretada por el pianista en el funeral de su amiga, Diana de Gales: "Candle in the Wind". En "Funeral for a Friend", participó David Hentschel en sintetizadores. Hentschel, un prodigioso productor musical, participó como ingeniero en el primer disco de George Harrison, All Things Must Pass.



Hoy se solemnizará el último adiós a Michael Jackson, el Rey del Pop. Jackson falleció repentinamente el pasado 25 de junio y, desde entonces, las noticias sobre él no han dejado de aparecer en medios de comunicación y sitios de Internet en todo el mundo. Era algo que se esperaba. Como se esperaba, por ejemplo, que una de sus más íntimas amigas, la actriz Elizabeth Taylor, fuera quien leyera el responso a su finado amigo. La actriz, ganadora de dos premios Oscar y conocida por sus dotes histriónicos tanto como por sus siete divorcios, había enviado una nota apenas se enteró de la desaparición de su amigo de más de dos décadas. Decía: "Me siento tan vacía. No creo que alguien pudiera saber cuánto nos queríamos el uno al otro". Pero, hace unas horas, Taylor decidió agregar algo más. Que ella llevará el luto de una manera privada. Que a pesar del pedido que le hicieron llegar, no participará de los funerales. "Verdaderamente no creo que Michael hubiera querido que yo compartiera mi dolor con millones de personas... La manera como yo me siento, es algo solo entre los dos. Y no un evento público", refirió la señora de 77 años.

Algunos han criticado la pompa con que la familia Jackson ha venido organizando la despedida del Rey del Pop, comparándola con un circo. Funcionarios de la aerolíneas British Airways y Virgin, dijeron que luego del anuncio y confirmación del funeral de Jackson, se vendieron todos los boletos de sus aviones con destino a San Francisco, Las Vegas y Los Angeles. Y desde diversas partes del mundo, claro está.

Hoy es el funeral del Rey del Pop en el Staples Center de Los Angeles. Y, en ese mismo local angelino, por otra coincidencia, mañana comienza la temporada del circo Ringling Brothers and Barnum & Bailey. Por ello, antes de dar inicio al servicio fúnebre, y como parte del show, los elefantes caminarán desde la estación del tren hasta el moderno coliseo. Y la prensa que tanto le dió la espalda, estará allí, detrás de los elefantes, haciendo su trabajo payasesco, mientras sus fans solo quieren que después de este adiós, Michael descanse en paz. (FOTO: Reuters).

Javier Lishner
Santa Clara, California
7 de julio de 2009

THE DAMNED, UN MOMENTO CON LA HISTORIA

El 6 de julio de 1976, en el 100 Club -uno de los más populares y antiguos de Londres-, The Damned debutó abriéndole el show a sus colegas The Sex Pistols. El club está ubicado en el número 100 de la calle Oxford y, allí, entre el 20 y 21 de septiembre de ese mismo año, se efectuó el primer International Punk Festival, que ayudó a promover el movimiento punk de manos de algunos de los que participaron en dicho evento. Entre ellos, The Sex Pistols, The Clash, Siouxsie & the Banshees, Buzzcocks y los intrépidos The Damned.


The Damned fue formado en 1976. Lo integraron, Dave Vanian en voces, Brian James en guitarra, Captain Sensible en bajo y Rat Scabies en batería; todos, con nombres ficticios. En febrero de 1977 lanzaron Damned Damned Damned, su primer disco. Y su productor fue Nick Lowe, músico inglés y figura importante en los albores del punk y el new wave. Music for Pleasure, el segundo, publicado a fines del mismo año, fue producido por Nick Mason, batero de Pink Floyd, luego de la negativa de Syd Barrett de manejar la obra.

Por esos días, The Damned se convirtió en el primer grupo de la corriente punk que realizaba una gira por los Estados Unidos. Pero no solo eso. También fue el primero que publicó un disco sencillo (45 r.p.m.) y un álbum en la Unión Americana. Ese mismo año participaron en la gira final de T. Rex, cuyo alma, corazón y vida (Marc Bolan), moriría el mes de septiembre.

"Neat, Neat, Neat".

Luego de un breve lapso en el que hubo algún cambio en el personal (la salida de James), los otros tres miembros originales llegaron hasta los Estudios Wessex -donde habían grabado parte de su placa anterior-, mientras The Clash hacía el London Calling. Allí, incluso, Mick Jones y Joe Strummer hicieron una pequeña intervención como invitados. El disco se tituló Machine Gun Etiquette y fue el tercero en la carrera de los Damned. Era 1979.

The Black Album apareció un año después, fue doble e incluyó surcos en vivo. Fue seguido de Strawberries, co-producido con Hugh Jones y lanzado por el sello Bronze, conocido por la publicación de los discos de Uriah Heep.

A mediados del 85, The Damned editó Phantasmagoria, el que los puso directamente en los rieles de la música gótica, con la que anteriormente habían coqueteado. Para finales de 1986, bajo las órdenes de Jon Kelly, viajan a Dinamarca para grabar su siguiente disco. Lo titularon Anything, y siguió la línea del anterior; sin embargo, debido a su pobre recibimiento, obligó a su casa discográfica de ese entonces, la poderosa MCA, a cancelarles el contrato. Y The Damned aseguró fecha de defunción.

En la década del noventa, con el liderazgo de Vanian, el grupo resurgió de la cenizas. Era otro tiempo, nuevas corrientes, nuevos integrantes y otra historia. Muy diferente a la de julio de hace 33 años.

Javier Lishner
Santa Clara, California
6 de julio de 2009

MICHAEL SE DEFIENDE

Me siento satisfecho de haber defendido a Michael Jackson públicamente en la televisión peruana. Fue una vez, en el programa Fuego Cruzado de Canal 9 de Lima, días antes del anunciado concierto que el popular artista iba a ofrecer en el Estadio Nacional de la capital peruana. Sucedió en octubre de 1993, cuando lo más fácil era repetir lo que decían en contra de él los tabloides. A continuación presentamos un extracto de una entrevista, nunca antes transmitida, que le hicieran al Rey del Pop durante los días más duros que debió haber pasado; mientras corría esa década, la del noventa.

Hoy, la información dice que un millón seiscientas mil personas han mostrado interés de estar presentes en los servicios fúnebres del popular cantante, fallecido el pasado 25 de junio. Las exequias se realizarán este miércoles 8 de julio, en el Staples Center de la ciudad de Los Angeles. Y solo 8,750 podrán asistir.

Durante la primera hora y media, las visitas al sitio de Internet para el funeral fue de 120,000 por segundo. El panegírico estará a cargo de la actriz Elizabeth Taylor, gran amiga del desaparecido artista.

A la hora de su muerte, Michael Jackson estaba trabajando en dos discos paralelos. Uno de música pop y otro instrumental, con piezas clásicas. Sus hijos nunca lo habían visto actuar, razón por la cual "estaba tratando de crear el más increíble show para los niños", declaró Akron, el artista senegalés de rhythm & blues, quien andaba ocupado con Michael en la producción del disco de música pop. Pero todo quedó allí, la tarde que el corazón del artista de 50 años no dió para más.

Javier Lishner
Santa Clara, California
5 de julio de 2009

THE TUBES: ME VOY PERO VOLVERÉ

El jueves último, mientras iba terminando la semana, pues por aquí el viernes fue feriado, nos reunimos en el parque central de San Jose, para ver el espectáculo de The Tubes. El irreverente grupo, mayormente conocido por sus temas "She's a Beauty" del 83, "Don't Want To Wait Anymore" del 81 y "What Do You Want from Life?" y "White Punks on Dope" del 75, dió otro inolvidable recital en el centro de la capital del Silicon Valley. Aquí un breve reporte gráfico de la velada de aquella tarde.

Fee Waybill interpretando "White Punks on Dope".

Roger Steen y Rick Anderson en instrumental obertura.

Fee y Jimi en San Jose.

Roger y Fee en "She's So Beauty".

Rick, eterno bajista con la misma actitud.

The Tubes fue formado originalmente en Phoenix, Arizona, pero con una cuasi eterna residencia en San Francisco (desde su primer disco lanzado en 1975). Actualmente anda integrado por Fee Waybill en la voz, Roger Steen en guitarra, Rick Anderson en bajo, David Medd en sintetizadores y Praire Prince en batería.

Alguna vez fueron grandes. Varios años antes de llegar al número 1con "She's a Beauty", por ejemplo, The Tubes lideró junto a Frank Zappa y Peter Gabriel, el cartel de la quinta versión del famoso festival de Knebworth Park, en 1978. Dos años después, participaban en la película Xanadú. Y en 1983, volaban junto a David Bowie para abrirle su gira Serious Moonlight.

El jueves, volvimos a verlos captando a la audiencia con su show satírico-teatral, muy bien manejado por el incofundible Fee Waybill. El 4 de septiembre volverán para actuar en la clausura del Santa Cruz Beach Boardwalk. Y seguramente que volveremos a ir. (FOTOS: Javier Lishner).

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de julio de 2009

NOTA RELACIONADA:
- Rock de los 80. THE TUBES EN THE CATALYST