2007 - LA LISTA DEL AÑO

Miguel, uno de los asiduos visitantes al blog, nos hizo llegar una lista, de las que es hincha desde hace varias décadas. Es coleccionista de música y de información tanto de su país (que también es el nuestro), el Perú, como de las populares revistas internacionales.

El día que publicamos el artículo de los nuevos designados para formar parte del Rock & Roll Hall of Fame, Miguel nos hizo saber su acuerdo con la elección de Madonna, "por su persistencia y permanencia en el tiempo". Otros opinaron que Madonna era demasiado pop para el mencionado museo de rock and roll. Lo cierto es que la Reina del Pop, al lado de otros cuatro nombres, será inmortalizada en el mencionado local de Cleveland, el próximo mes de marzo.
A su vez, el leal visitante al blog, nos dejó su lista de lo que, él, muy particularmente, considera las mejores canciones del año que se va. No es La Más Más, La Mejor Mejor o El Súper Golazo del año. Es, simplemente, una opinión personal que me pareció adecuado compartir con todos ustedes. Si alguno tiene una opinión diferente, su comentario será, como siempre, bienvenido.

[LA LISTA]

1. "Read My Mind" - KILLERS

"Read My Mind" - Killers (Gabriel and Dresden Mix)

2. "Rehab" - AMY WINEHOUSE
3. "The Last Fight" - VELVET REVOLVER
4. "You Want To Make A Memory" - BON JOVI
5. "Bones" - THE KILLERS
6. "How Far We've Come" - MATCHBOX 20
7. "Chasing Cars" - SNOW PATROL
8. "Dame" - PIERINA LESS
9. "Charmed Life" - MICK JAGGER
10. "Rainin in Paradize" - MANU CHAO

"Rainin in Paradize" - Manu Chao

11. "Makes Me Wonder" - MAROON 5
12. "Knights Of Cydonia" - MUSE
13. "Better" - GUNS N' ROSES
14. "Sé Que Te Amo" - CÓMPLICES ETERNOS
15. "Dance Tonight" - PAUL McCARTNEY
16. "I Bet You Look Good On The Dance Floor" - ARCTIC MONKEYS
17. "Lost Highway" - BON JOVI
18. "Grace Kelly" - MIKA
19. "Starlight" - MUSE
20. "The River" - GOOD CHARLOTTE

"The River" - Good Charlotte

21. "Saints Are Coming" - U2/GREEN DAY
22. "Woman" - WOLFMOTHER
23. "What I've Done" - LINKIN PARK
24. "Fidelity" - REGINA SPEKTOR
25. "Hey There Delilah" - PLAIN WHITE T's
26. "Patience" -TAKE THAT
27. "Guitar" - PRINCE
28. "Big Girls Don't Cry" - FERGIE
29. "Undiscovered"- JAMES MORRISON
30. "Wolf Like Me" - TV ON THE RADIO

Aprovecho la oportunidad para agradecerles por el tiempo que le dedicaron al blog, y desearles a todos unas muy felices fiestas de fin de año.

Javier Lishner
Santa Clara, California
23 de diciembre de 2007

MURIÓ CARDENAL ALOISIO LORSCHEIDER

Con cierta tristeza, quien escribe, recibió la noticia de la muerte de Aloisio Lorscheider, influyente cardenal brasileño, al que algunas sectas, de esas que lavan cerebros, le pusieron el ojo por su permanente defensa de los derechos humanos.

Aloisio Lorscheider (1924 - 2007)

Recientemente, el otrora arzobispo de Fortaleza, había tenido problemas cardíacos y, según la información llegada desde São Paulo, había sido internado cuatro veces durante este año. En realidad, sus problemas cardíacos comenzaron mucho antes.
Durante su carrera, entre 1971 y 1978, Lorscheider desempeñó dos veces la presidencia de la Conferencia Nacional de Obispos Brasileños. También, en 1976, había sido Presidente del Consejo Episcopal Latinoamericano, conocido por sus siglas CELAM.
"La iglesia brasileña le debe mucho... Él fue responsable de servicios preciosos a la iglesia", dijo Odilo Pedro Scherer, arzobispo de Sao Paulo, al enterarse de la muerte del influyente prelado.
El presidente de la Asociación Brasileña de Abogados, Cezar Britto, dijo que "Lorscheider fue una importante figura durante la dictadura militar en Brasil de 1964 a 1985, jugando un papel decisivo para la democratización del país". (El 15 de enero de 1985, cuando Tancredo Neves fue electo presidente, andábamos en Brasil viviendo la primera versión del Festival Rock in Rio. Desgraciadamente, un día antes de asumir el poder, el mes de marzo, el electo presidente sufrió una infección que se generalizó y, luego de siete operaciones, falleció al mes siguiente sin poder asumir el poder).

[LA ANÉCDOTA] En 1994, mientras funcionarios de la iglesia brasileña y él visitaban el centro penitenciario Paulo Saraste, Lorscheider fue secuestrado por prisioneros, siendo tomado como rehén. Uno de ellos, de nombre Antonio Carlos Vieira, alias "Carioca", del Comando Vermelho (Comando Rojo), le puso un cuchillo en el cuello y lo empujó al suelo. Luego, utilizando al Cardenal y sus colegas como escudos humanos, junto a otros once presos, escapó de la cárcel. Cuando al día siguiente Lorscheider fue puesto en libertad, ya en su hogar, sus palabras a la multitud que lo aguardaba fueron: "Tuve una pequeña aventura". Misericordioso como siempre, Lorscheider habló del perdón y pidió que los culpables no fueran objeto de malos tratos.

En 1998, el exitinto cardenal creó un revuelo cuando puso en duda los poderes de curación de unas pequeñas píldoras de papel de arroz relacionadas con Fray Galvão, el sacerdote franciscano que este año se convirtió en el primer santo brasileño.
Poco después que Galvão fue beatificado, Lorscheider -que por entonces era arzobispo de Aparecida do Norte-, ordenó a las monjas que dejaran de fabricar lo que describió como "pequeños trozos de papel que alientan la superstición". Miles de creyentes aún acuden a diario al monasterio Luz del siglo XVII en busca de las pastillas para ingerir tres de ellas en un período de nueve días conocido como "novena".
Además, se recuerda a Lorscheider por desempeñar un rol importante en el primer cónclave de 1978, tras la muerte de S.S. Pablo VI. De acuerdo con fuentes confiables, dice Associated Press, autorizó reunir los votos de los cardenales del Tercer Mundo para el entonces patriarca de Venecia, que se convirtió en el Papa Juan Pablo I. Lamentablemente, al igual que Tancredo Neves, al mes siguiente de asumir el cargo, "el Papa de la sonrisa", con muchas reformas en mente, amaneció muerto. Se dice que de un infarto.
Aloisio Lorscheider murió esta mañana en el Hospital São Francisco de Porto Alegre, Brasil, a los 83 años.

Javier Lishner
Santa Clara, California
23 de diciembre de 2007

En California

EL SERVICIO FÚNEBRE DE IKE TURNER

Hoy, mientras la Corte Superior de Los Angeles finalizaba el proceso de divorcio entre el músico Edward Van Halen y la actriz Valerie Bertinelli; muy cerca, en Gardena, California, los llantos despedían a quien por algunos, es considerado el verdadero inventor, si el término lo permite, del rock and roll.

Ike Turner Jr., hijo de Ike y Tina, se dirige a los asistentes (FOTO: AP)

Ike Turner fue despedido hoy en la Greater Bethany Community Church City of Refuge, en Gardena, una pequeña ciudad de 60 mil habitantes, en el Condado de Los Angeles. Hasta ahí llegaron los Kings of Rhythm, el grupo formado hace más de cincuenta años por el señor Turner. Ellos interpretaron viejas canciones del fallecido como "Nutbush City Limits". A pesar del pedido de Mia, su hija, los asistentes no pudieron guardar las lágrimas. "Papá no hubiera querido vernos llorar", dijo, en su momento, la hija menor de Turner.

[LITTLE RICHARD] Richard Penniman, el popular Little Richard, el viejo rockero que nunca muere, y contemporáneo de Ike, estuvo presente en la despedida. Richard, quien fue muy amigo del fallecido, avaló lo que algunos piensan acerca del aporte de Turner al nacimiento del rock. "La canción "Rocket 88" removió mi alma", dijo el cantante de 75 años. "Yo tomé la introducción de ese tema e hice "Good Golly, Miss Molly"... Lo tomé de ahí e hice un gran éxito", confesó a la audiencia.
"Hay que parar el lío en contra de este hombre", pidió el cantante y compositor, en clara alusión a los abusos que cometió Ike en contra de su ex-esposa y de su relación con las drogas. "Hasta Jesús perdona", afirmó Little Richard, quien llegó asistido de varios ayudantes.

Phil Spector llega al funeral en compañía de su esposa (FOTO: AP)

[TINA] Muchos sabemos lo importante que fue Ike para el éxito de su ex esposa. No obstante, por más de lo que diga Richard, sus cualidades artísticas no fueron suficientes para opacar las brutales golpizas que le proporcionó a su mujer, o su afición a las drogas.
Cuando hace una semana Ike Turner murió, su ex esposa -quien reside en Europa- no dio opiniones. Solo hubo una declaración oficial de su portavoz que fue muy directa: "Tina está al tanto de la muerte del señor Turner con quien no se comunica en 35 años. Ella no hará futuros comentarios al respecto". Las declaraciones de la portavoz llegaron como un bombazo a la familia de su exitinto esposo. A escasos días de la muerte de Ike, Jeanette Bazzell, su viuda, pidió públicamente a Tina que le perdonara los abusivos hechos que el mundo conoce. Tina, en Europa, permaneció en silencio.

[PHIL SPECTOR] El legendario productor de discos, uno de los responsables del éxito del dúo Ike & Tina Turner, asistió al servicio de manos de su esposa Rachelle. "Solo hubo un Ike y de él aprendí más que de cualquier maestro que haya tenido en mi vida", dijo Phil Spector, uno de cuyos éxitos fue "River Deep, Mountain High", el que hizo con Tina y Ike, sin que este último metiera la mano a la hora de la grabación.
En sus declaraciones, Spector, de 67 años, fue mucho más lejos que Richard. Dijo, "Ike ha sido endemoniado y vilipendiado por su ex-esposa Tina Turner". Afirmó que What's Love Got To Do With It, la producción cinematográfica de 1993 que narra la vida de Tina, "es una basura de película". Las palabras de Spector, quien también anda en la cuerda floja por la muerte a balazos de la actriz Lana Clarkson, arrancaron aplausos de los presentes. Me imagino que algunos (que no entienden lo que es justicia) le perdonarán todo, con ese estribillo de, "hasta Jesús perdona" o, porque "fue productor de los Beatles". De paso, Spector, durante su turno, se fue en contra de Oprah Winfrey y Whoopi Goldberg, a quienes culpó de endemoniar a Ike en sus respectivos programas de televisión.

Mientras los Kings of Rhythm animaban el funeral con la música que hizo famoso a Turner; su hijo, Ike Jr., se apareció entre manos con los dos premios Grammy de Ike. A su momento, el hijo de Ike y Tina, afirmó que su padre hizo feliz a billones de billones de billones de personas... "El tuvo la mejor vida", concluyó diciendo.
Según la noticia, el funeral se inició con un fotomonaje de la vida de Ike y la música de "Jesus Loves Me", una canción del fallecido personaje en la que dice "I'm a bad boy, but Jesus loves me anyway", una de esas tonterías que se suelen escuchar en momentos tan tristes como el de Gardena.

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de diciembre de 2007

Pecado o tropezón

LOS TERNOS DE ROCKY

Acabo de leer un artículo en Internet que alguien me sugirió, en relación a la historia, que no es leyenda, de los famosos cuatrocientos ternos de Rocky Belmonte, uno de los animadores de la televisión peruana de fines de los ochenta y principios de la siguiente década.

En 1990 entrevistando a José José.

Lo que sucedió en 1991, luego de la entrevista que le hizo Jaime Bayly, cuando ambos pertenecían al mismo canal de televisión (Panamericana), fue, desde mi punto de vista, lapidario para el experimentado cantante que, como animador, por esos años, incrementó su popularidad.

El artículo afirma que "Javier Lishner decía que allí terminó mi carrera... quiero decirles algo y será por única vez. Si ya no estoy en el Perú no fue por los ternos...". Habrá que creer aquello, sobre todo, si es que por única vez lo dirá. No vaya a ser que el remordimiento nos persiga por el resto de la vida.

[LA ENTREVISTA] Resulta que Jaime Bayly tenía un sintonizado programa nocturno en el que entrevistaba a populares personajes. Sin duda, en el medio peruano, Rocky era uno de ellos. No solo era el conductor principal de Fantástico (al lado de Katia) sino que, además, un muy buen cantante, no de rock pero casi de cualquier otro ritmo, con énfasis en las baladas. Recuerdo haber conversado con él, el mismo día de la entrevista de Bayly. Lo cierto es que, trabajando juntos en el mismo programa, había nacido una amistad de la que podríamos hablar un buen rato. Llegada la hora de sacarle provecho ante tan interesante anfitrión, Rocky, pisó el palito. Si se dio cuenta o no, es cosa que solo él ha de saber. Pero, para quienes veíamos el programa con atención esa noche, lo que pudo ser una importante herramienta de publicidad y promoción, le resultó como un boomerang.

Mientras Rocky hablaba de sus dos motos, de su BMW y de sus 400 ternos (también llamados trajes, en otros países), el conductor replicaba diciéndole que prefería uno de la calidad del que él usaba (que cuatrocientos de la marca Miami Style). Rocky continuó en Fantástico, pero, a diferencia de la canción de Julio Iglesias, la vida no siguió igual. En el Perú de esos años, aún con terrorismo y una descontrolada inflación dejada por García Pérez, el común del peruano se identificó más con Bayly y su ventiúnico terno oscuro (tal vez de paño inglés), que con aquel muchacho de San Miguel que se jactaba de lo que había logrado. Fue un desliz, tropezón o pecado, que le costó muy caro.

[EL BLOG] El artículo de Internet, aparentemente, escrito por el mismo Rocky (aunque no se puede confirmar), achaca que su carrera se lapidó "por una metida de pata" relacionada a su participación en un festival en Europa y no por la historia de los cuatrocientos ternos. Rocky nunca mintió. Fui testigo de sus dos motos, su BMW, y de una gran cantidad de ternos, los que le fueron proporcionados por Miami Style, mientras estuvo al frente del mencionado programa. Si Rocky, a quien no veo en años, está seguro que la metida de pata fue por otra razón (la que explica en el artículo), no me queda más que cambiar de opinión. Pero nunca me olvidaré de aquella entrevista. Quien desee visitar el sitio de Internet y leer la historia completa, lo puede hacer presionando aquí. Según éste, el cantante peruano reside actualmente en México. Claro, y reconocer es de caballeros. Después de todo, cualquiera tiene derecho a hequibocarse.

Javier Lishner
Santa Clara, California
19 de diciembre de 2007

NOTA RELACIONADA:
- (LOS TERNOS DE) ROCKY II

Van Halen

VINO, VIÓ, ARRASÓ Y SE FUE... PARA VOLVER

Para quienes fuimos testigos de los dimes y diretes que hubo entre David Lee Roth y Eddie Van Halen años atrás, lo que vimos anoche nos devolvió la esperanza de que en este mundo todo es posible. El temprano abrazo de Roth al guitarrista, casi al comienzo del show, fue como un augurio de éxito. Un coliseo repleto, el HP Pavilion con capacidad para veinte mil personas -cuyas entradas se agotaron a escasas horas de que salieron a la venta-, fue testigo del renacimiento de una de las bandas más exitosas del rock.

Edward Van Halen, como en los buenos tiempos.

El espectáculo sucedió tan rápido y hubo tanta energía que solo nos dio la oportunidad de tener la cabeza en alto tratando de analizar lo que pasaba sobre el escenario.

La gira del grupo californiano en su parada en el coloso de San Jose, duró poco más de dos horas y nos hizo olvidar actuaciones poco afortunadas que habíamos guardado en silencio por respeto al grupo, y a algunos de sus miembros, a quienes recordamos muy bien desde que lanzaron su primer disco, en 1978. La primera fue cuando David Lee Roth teloneó para Bad Company, con su original formación de Rodgers, Ralphs, Burrell y Kirke. Dos años después, otra vez solista, minimizado en el Memorial Stadium de Seattle, en el marco del Bumbershoot Festival. Y, la más triste, la actuación del menor de los Van Halen el 10 de agosto de 2004, en este mismo escenario, al lado de Sammy Hagar, Michael Anthony y su hermano mayor.

LISTA DE CANCIONES
1. "You Really Got Me" (Van Halen)
2. "I'm the One" (Van Halen)
3. "Runnin' With the Devil" (Van Halen)
4. "Romeo Delight" (Women and Children First)
5. "Somebody Get Me a Doctor" (Van Halen II)
6. "Beautiful Girls" (Van Halen II)
7. "Dance the Night Away" (Van Halen II)
8. "Atomic Punk" (Van Halen)
9. "Everybody Wants Some" (Women and Children First)
10. "So This Is Love?" (Fair Warning)
11. "Mean Street" (Fair Warning)
12. "Pretty Woman" (Diver Down)
13. Solo de batería
14. "Unchained" (Fair Warning)
15. "I'll Wait" (1984)
16. "And the Cradle Will Rock" (Women and Children First)
17. "Hot for Teacher" (1984)
18. "Little Dreamer" (Van Halen)
19. "Little Guitars" (Diver Down)
20. "Jamie's Cryin'" (Van Halen)
21. "Ice Cream Man" (Van Halen)
22. "Panama" (1984)
23. Solo de guitarra (intro de "Women in Love", "Cathedral", "Eruption")
24. "Ain't Talkin' 'Bout Love" (Van Halen)

Encore
25. "1984" (1984)
26. "Jump" (1984)

David Lee Roth, regreso a tiempo.

Pero lo de anoche, no solo borró ese espejismo de malos momentos sino que reivindicó al grupo y lo devolvió al lugar que alguna vez tuvo entre las bandas en vivo.

Atrás, Alex Van Halen, con la fuerza, técnica, y sonido característico, desde el principio, da la seguridad que necesita la banda. Mientras lo escuchaba, iba pensando lo afortunado que fui este año, en el que, en menos de cinco meses, entre San Francisco y San Jose, pude ver a Ian Paice, Neil Peart y Alex Van Halen, tres de los mejores bateros del mundo. Delante, Roth, sin la rubia peluca que lo caracterizó hasta no hace mucho, y sin los saltos que tal vez ya no tendrían sentido, prácticamente, hizo lo que quiso con la audiencia. Nadie le niega esa innata cualidad de showman, la que anoche volvió a mostrar, haciendo cantar y chillar al respetable, cuantas veces le dio la gana. A su siniestra, Eddie, brillante como en los buenos tiempos. Limpio, sonriente, grande, experimentado, feliz. Alegría que le transmitía Wolfgang, su vástago adolescente, que cumplió las partes de Anthony, casi al pie de la letra. Sin robar espacio, el joven bajista de 16 años, supo respetar su lugar en la banda, que fue la mejor del mundo cuando aún no había nacido. Al frente, en el público, la ex señora Van Halen, su madre, la actriz Valerie Bertinelli, aplaudía orgullosa a su hijo.

El zepelín de Van Halen.

Con esta gira, a la que le acaban de agregar otra manga, VH no solo vuelve a llenar arenas y arcas, sino el corazón de quienes como nosotros, alguna vez, no hace mucho, perdimos la esperanza de volverlos ver volar. Y anoche, cual zepelines, cumplieron con creces la meta.

Mañana y el jueves visitarán Anaheim, y el sábado vuelven a la Bahía para otra faena en el Oracle Arena de Oakland, con la misma capacidad del HP Pavilion y con otro jugoso Sold Out! Como esa canción de The Cars, let the good times roll.

Javier Lishner
Santa Clara, California
17 de diciembre de 2007

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Luto nuevamente
MURIÓ DAN FOGELBERG

A pesar de que su obra fue vasta, posiblemente, sus más populares canciones fueron irradiadas entre 1978 y 1982. Ellas fueron "Dancing Shoes", "Longer" y "Leader Of The Band". Fogelberg se fue al cielo en la mañana del domingo, luego de una fuerte lucha contra el cáncer de próstata, el que descubrió un poco avanzado en 2004.

Dan Fogelberg (1951 - 2007)

La línea musical de Fogelberg estuvo por el lado de la de artistas como James Taylor y, tal vez, Jackson Browne, considerados dentro de la corriente soft-rock, en la que también encajaron grupos como Eagles y, antes, The Byrds y Buffalo Springfield, uno de sus favoritos.

A la hora de su partida, en su residencia de Maine, Dan estuvo al lado de Jean, su esposa. En agosto, el cantautor había cumplido 56 años. Que descanse en paz.

Javier Lishner
Santa Clara, California
17 de diciembre de 2007

Algunos un poco curtidos

NUEVOS ROSTROS EN EL SALÓN DE LA FAMA

Desde que hace unos meses se hizo pública la lista de nominados para el Rock and Roll Hall of Fame, hubo dos nombres que parecían inamovibles. Pero, como en la industria fonográfica sucede cada sorpresa, como que The Doors gane un premio Grammy después de 35 años de la muerte de su vocalista, nada es seguro.

El Rock and Roll Hall of Fame, la empresa que representa al museo erigido en Cleveland, Ohio -para preservar la memoria de algunos que escribieron la historia del rock and roll-, seleccionó un panel de seiscientos personajes para que decidieran entre los siguientes nominados: Afrika Bambaataa, Beastie Boys, Chic, The Ventures, Leonard Cohen, The Dave Clark Five, Madonna, Donna Summer y John Mellencamp.

Al final, ayer, quedaron cinco: The Dave Clark Five, John Mellencamp, Leonard Cohen, Madonna y The Ventures. A dos de ellos, The Ventures y The Dave Clark Five, fueron nuestros votos el 29 de septiembre de este año, dos días después de la nominación.

Sabíamos que Beastie Boys, por ejemplo, podía esperar una o dos temporadas más. Pero The Ventures o DC5? El no incluirlos este año, podría haberse incurrido en un grave error. Aunque, pareciera que, de todas maneras, el nombramiento les llega unas cuantas arrugas tarde.

Imagino que The Ventures aprovechará la elección para celebrar, en 2008, los primeros 50 años de vida por todo lo alto. Y, con pena, Donna Summer, la Reina de las Discotecas, con varios récords en sus agendas, tendrá que esperar una nueva oportunidad. Esta vez, la corona se la llevó otra reina, la del Pop, llamada Madonna, diez años menor que ella y, posiblemente, su admiradora. John Mellencamp, el cantautor norteamericano de 56 años, y el poeta canadiense Leonard Cohen de 73, completan la lista por sus aportes al rock and roll.

Los cinco deberán estar compartiendo el festejo el próximo 10 de marzo, fecha en que, posiblemente, también se recuerde el primer aniversario de la partida de Brad Delp, vocalista del grupo Boston, quien falleció en 2007, un día antes que su líder, Tom Scholz (nacido en Ohio), celebrara sus primeros 60. Y, a propósito de celebraciones y nuevos rostros en el Rock and Roll Hall of Fame, Dave Clark, el baterista de The Dave Clark Five, el combo británico de "Catch Us If You Can" y "Glad All Over" (ver video), cumplirá mañana 65. Felicitaciones a Clark y a los otros cuatro nuevos residentes del R&RHoF.

Javier Lishner
Santa Clara, California
14 de diciembre de 2007

NOTA RELACIONADA:
- Luto en Dave Clark 5, HA MUERTO MIKE SMITH

LUTO: MURIÓ IKE TURNER

La unión de Ike y Tina Turner, desde 1956, cuando la cantante llegó como vocalista al grupo del músico de Mississippi, fue el comienzo de una historia de amor, al que muy pocos, le adivinaron su suerte. Él, nacido en 1931, y, ella, ocho años después, gozaron como dúo, más que como pareja. El dúo, que comenzó grabando en 1960, concluyó su carrera dieciséis años más tarde. La pareja, que se casó en 1961 (aunque hay otras dos fechas por confirmar), terminó su relación oficial en 1978.

Ike Turner (1931 - 2007).

Para una parte de la crítica, Ike Turner fue el verdadero inventor del rock and roll; aunque el término fuera acuñando años después por mi colega Alan Freed, el disc jockey de Ohio, razón por la que el Rock and Roll Hall of Fame se construyó en el Estado de los Grandes Lagos. Por más corona que se le dio a Elvis, y sobrenombres a Haley, Berry y Richard; Ike Turner grabó "Rocket 88", la roca que para muchos fue la piedra angular de esa mixtura entre el blues y el rhythm & blues al que luego se le puso nombre. Sucedió en 1951, con los Kings of Rhythm, cuando el rock and roll no tenía forma, y artistas como David Coverdale, ni siquiera habían nacido. El señor Turner grabó "Rocket 88" en los estudios de Sam Phillips, en Memphis, el mes de marzo (Coverdale nació en septiembre). Luego, Phillips se hizo dueño de Sun Records, adonde llegaron varios, entre ellos, uno de nombre Elvis.

Canciones como "River Deep, Mountain High", "Proud Mary" y "Nutbush City Limits" fueron, entre otras, las que popularizaron a Ike & Tina Turner. Pero, en silencio, ella sufría. Hasta el día de 1976 cuando, por fin, después de mil y un puñetes, bofetadas y empujones, decidió mandarlo al cacho para nunca más volverlo a ver. Ella, sola, en sus cuarentas, tendría que comenzar todo de nuevo, a través de una carrera solista que, aunque parecía imposible, fue más brillante que la de los dos juntos.

Sin esposa y sin cantante, Ike se dedicó a los malos hábitos y, mientras la que fue su esposa lucía radiante debajo de reflectores de todo tamaño y color, él, se hundía en la oscuridad a la que solo llevan las drogas. Y mientras ella paseaba por escenarios de todo el mundo; él, lo hacía de celda en celda.

En 1966, Phil Spector, Tina y Ike. (PHOTO: Ray Avery).

Hoy, a los 76, el corazón de Ike Turner dejó de latir. Fue en su casa de San Marcos, a unas millas de San Diego, en el sur de California. La muerte lo sorprendió, luego de que el artista, finalmente, había enrrumbado su vida y, en febrero último, acababa de ganar un Grammy; el primero desde "Proud Mary", en 1972. La representante de su ex esposa dijo que Tina -quien vive en Europa- ya estaba enterada de la noticia. "Ella no tuvo contacto con él, en más de tres décadas", afirmó la dama.

"No importa si yo inventé el rock and roll o no. Total, ello no me dio dinero", dijo el músico en una entrevista tras salir de prisión por última vez, en 2001. "Yo gané 60 dólares por "Rocket 88". Así, seis y cero... No me importa el glamour ni el dinero. Ni las nominaciones ni los premios Grammy, todo eso eso es m...", le dijo a la revista Tribune, para luego agregar, "Lo único que me interesa es subirme a un escenario y hacer feliz a la gente".

Hoy, María Orgullosa, vuelve a las primeras planas. Descanse en paz, señor Turner. Su piano y su guitarra, mucho lo van a extrañar.

Javier Lishner
Santa Clara, California
12 de diciembre de 2007

Desde Londres

LED ZEPPELIN: LA TRILOGÍA DEL ROCK

Llegamos a Londres el domingo por la tarde, dejando de lado por un rato a San Francisco y su bahía. De Heathrow nos dirigimos directamente a nuestra temporal residencia, un tradicional y elegante hotel sobre el río Támesis, con una hermosa vista al centro de Londres incluído el famoso Big Ben. La diferencia horaria nos jugó una mala pasada, sumado a las casi dieciséis horas de vuelo, y -a pesar de las amenidades que por ahí tientan a cualquiera- optamos por lo sano: cerrar los ojos hasta el día siguiente.


La mañana del lunes es fría. Y, como era de esperarse, Londres amanece nublado. La sensación que me embarga es casi la misma de la primera vez que vi a los Stones, hace ocho veces. Me autoconvenzo que la ciudad en pleno está pendiente del show de esta noche. Y es que hace mucho que por aquí no se veía a Led Zeppelin. Ni por allá ni más allá. Es la fecha del re-estreno, con Jimmy Page, como siempre fue, como protagonista principal. A punto de cumplir 64 en enero próximo, el guitarrista de Middlesex, el mayor del grupo y uno de los padres del hard rock, tiene su dedo curado. Por ese bendito dedo, el que se fracturó hace cinco semanas, el show tuvo que ser postergado. Pero, por ese bendito dedo, también, Led Zeppelin se convirtió para muchos en la banda número uno del rock en el mundo.

[TRIBUTO A AHMET] Como oí decir a Mick Jones, allá en San Jose, California, "esta no es la reunión de Led Zeppelin sino el Tributo a Ahmet Ertegun". Ertegun, fundador de la Atlantic Records, murió en diciembre pasado. Hoy, a un año de su partida, en el O2 Arena somos 20,000 cuerpos que, un poco apretados, vemos a Jones como parte de los Rhythm Kings de Bill Wyman, bajista de los días de gloria y, desde 1992, ex-integrante de los Rolling Stones. Foreigner, el grupo de Jones, fue anunciado como parte de la cartelera pero, un par de semanas después, fue olímpicamente excluído. Entre bambalinas, se comentaba en horas de la tarde que el motivo de ello, que nunca se hizo público, pudo haber sido su baterista, el hijo de John Bonham. Ver a Jason B. tocando batería con Foreigner y minutos más tarde con el reunido Zeppelin, desde el punto de vista de la producción, automáticamente podría restarles  impacto a los estelares. Así que, posiblemente, y sin querer, el Bonham Jr. podría haber sacrificado a su grupo por el de su padre. En tanto que Jones, el único miembro original de Foreigner, pasó a ser invitado de Wyman para decirle gracias a Ahmet. Lo mismo que Paul Rodgers, acaso el próximo cantante de Queen.

[LED ZEPPELIN] Mientras mi mente andaba en las nubes pensando en mis amigos peruanos que el fin de semana vieron a Soda Stereo en el Estadio Nacional, y a su contraparte carioca que, viendo a Police, llenaron el Maracaná a pesar de los altos precios, la guitarra de Jimmy Page retumba el coliseo. "Good Times, Bad Times" marca, finalmente, el regreso del grupo más esperado del siglo. Led Zeppelin -sin cruzar palabra alguna- dice aquí estamos, en un escenario un poco más grande que aquel que los vió nacer, hace casi cuarenta años, cuando hacían de teloneros para bandas como Vanilla Fudge. Le sigue "Ramble On" y la tan conocida "Black Dog". Plant al centro, barbado y con prendas oscuras, se lanza con "Nobody's Fault But Mine".

[PAGE] Como siempre fue la costumbre, delante, al lado izquierdo del vocalista, Page la rompe. Este Jimmy, con pelo cano y un par de arrugas más que en 1998, cuando lo vimos por última vez, brilla de nuevo. Es el jefe de la pandilla envuelto en ropas negras y portando lentes oscuros como haciéndole juego a su atuendo.
"No Quarter" es lo que llega después con el grupo tan compacto, acaso como en 1973. Un chispazo me hizo recordar el día que vi por primera vez el Houses of the Holy, con esa carátula que pudo haber sido la de las líneas de Nazca; las innumerables veces que quise ser como el cantante, aunque más chiquito, y el volumen que le ponía al equipo cuando me aseguraba que no había nadie más en casa. Y esta composición del trío sobreviviente, Page-Plant-Jones, fue una de las canciones que escuchaba una y otra vez; lo que motivaba que, con más frecuencia, jodiera las agujas del tornamesas Garrard que compartíamos en la familia. Le siguió "Since I've Been Loving You".

[JONES] En mi paso por el mundo, pude ver dos veces a Robert Plant. Y las que pudieron ser la tercera y la cuarta, se me escaparon por un virus o algo así. Sucedió en 1991, en Rio de Janeiro. Aún recuerdo el día que recibí el fax de Bill Curbishley, relacionado a The Who y entonces ya manager de Robert Plant, anunciando la cancelación de sus dos shows. Lo había visto cantar temas de Led Zeppelin junto a Jimmy Page, pero nunca con el otro 25% del grupo llamado John Paul Jones. El maestro John Baldwin, que es su nombre de pila, muchas veces injustamente relegado, es inconfundible. El bajo de este Jones, es la base de Led Zeppelin, qué duda cabe! Multinstrumentalista y quieto en el escenario; esto último, al igual que sus colegas Wyman y Entwistle. Porque bajistas poseros hubo muchos. Jack Bruce y Tim Bogert, entre los más grandes. Pero no fue el caso de esta noche.


[PLANT] "Creo que una que no podíamos dejar de tocar esta vez es "Dazed And Confused", dice Plant; a quien se le ve en forma, a pesar de la idea que traje después de leer recientes declaraciones. El artista no quiere hacer giras porque está cansado. No obstante, es una decisión personal que hay que respetar por más que nos llegue al poncho. Cantó bien y es lo que hoy importaba. Después de todo, es el vocalista de Led Zeppelin y hace rato que cumplió con dios. Pero aún había más.
Vuelve Robert al ataque para presentar al único, al jefe. "Con ustedes, en la guitarra eléctrica, Jimmy Page!", grita el melenudo cantante. Y Jimmy se lanza con los primeros acordes de "Stairway To Heaven". Al otro lado de la tarima, John Paul estira los brazos frente a los teclados y lo que sigue es historia que solo los ángeles saben; porque, con escalera o no, subieron al cielo.

[BONHAM] Jason, el vástago y, por ende, el heredero del Bonzo, no es nuevo en estas lides. Ya antes tocó con sus tíos cuando, en 1988, la Atlantic Records (de Ertegun) celebró sus primeros 40; y, dos años después, cuando los tres amigos de su padre se aparecieron en su matrimonio; en el que, con novio incluido, los cuatro jamonearon para los invitados. En 1995, un maduro Jason Bonham subió al escenario por tercera vez para acompañar a Led Zeppelin, el día que el grupo ingresó al Rock and Roll Hall of Fame. En septiembre de 1980, cuando papá Bonham murió en Windsor, Jason tenía 14 años. Hoy, por esas cosas de la vida, tiene los números a la inversa. Son 41. Y hace rato que pasó la edad de su fallecido padre.

Dejan "The Song Remains The Same", "Misty Mountain Hop" y "Kashmir" para el final. Es una impresionante noche. Los veinte mil suertudos no paramos de aplaudir. Led Zeppelin nos había costado mucho; en tiempo, dinero, emociones, en todo... Y, al menos para los que tuvimos la oportunidad de escucharlos en su debido momento y nunca nos cansamos de tener sus discos a mano, aún faltaban un par. Éramos varios los que durante mucho tiempo habíamos tenido su eterno póster en la cabeza. El desvanecimiento del cuarteto nos dejó mirándonos unos a otros, como señal de consuelo. En el interín me pareció ver a Paul McCartney y, muy cerca, a David Gilmour. Y mientras volvíamos a la nube número 9 -pensando en Pink Floyd y the Beatles-, Led Zep sorprende otra vez para el remate final.
Primero, "Whole Lotta Love", de su segundo disco, tema con el cual los conocí cuando recién pude tener mi primer radio propio (a transistores). Luego, "Rock And Roll", del Zeppelin IV, que pudo haber hecho bailar hasta a las propias hermanas Wilson de Heart; quienes, como nosotros, fueron fervientes admiradoras.
Ahora, bordeando la una de la mañana, mientras imaginariamente empacamos la ropa y el material del evento para tomar el primer vuelo de regreso a San Francisco, donde la gasolina es la más cara de la Nación; solo pienso que ésto es más o menos lo que hubiera escrito de haber podido tener una entrada para verlos en Londres. Pero no fui de los suertudos del sorteo ni de los ricos que pagaron $30,000.00 o $168,000.00 por un par de boletos.
Por el momento, solo espero la reunión de Van Halen que será este domingo; aquisito nomás, a diez minutos de donde yo vivo. O a veinte, si decido ir en la carcochita. (FOTOS: Getty Images).

Javier Lishner
Santa Clara, California
10 de diciembre de 2007

GARY GLITTER: El rock en la cárcel

"Es calvo y usa peluca". Con esas palabras, una mujer de 34 años llegó a News of the World tratando de librarse de las garras de Gary Glitter. Aparentemente, la mujer, que alguna vez fue abusada por el cantante, no vio mejor forma de denunciar a Glitter que declarando al diario londinense. A cambio, la dama recibió £10,000 por su historia. Era 1999.

Gary Glitter, cantante y abusador sexual.

Gary Glitter fue, en su momento, una suerte de rey. Fue líder, no necesariamente de una pandilla, como decía su vieja canción, "I'm The Leader of The Gang", sino de un mundo que seguía de cerca los cambios en la música. Glitter empezó a brillar cuando aún la cresta de la ola mantenía en la cima a grandes cantautores como Carole King, James Taylor, Gordon Lightfoot, Carly Simon y Cat Stevens; algunos de ellos, influenciados por el folk y el country & western.

[EL INICIO] Todo comenzó cuando tomó el nombre de su padrastro y formó Paul Russell and his Rebels, su primer grupo. Era fines de los años cincuenta. Paul Francis Gadd nacido en Banbury, Oxfordshire, tenía solo 14 años y ya había conseguido un lugar para rockear: el Club Safari de Trafalgar Square, en Londres. Fue ahí que una de esas tardes conoció a Robert Hartford Davis, su futuro manager quien no solo lo llevó a firmar contrato con la Decca Records sino que lo promovió en los programas de televisión. Para ese entonces andaba utilizando el sobrenombre de Paul Raven. Grabó un disco para Decca que comercialmente no funcionó. En 1961, con Parlophone, con Vic Billings como nuevo representante y George Martin de productor, grabó otros dos que tampoco funcionaron. Fue cuando el músico decidió guardar un rato sus composiciones y dedicarse a la televisión.
Pero, en la televisión, no realizó ningún trabajo ante cámaras (a pesar de que ya había participado en la película Stranger in the City). Ahí, en blanco y negro, asumió el papel de calentar a la audiencia durante el programa Ready Steady Go! O sea, su trabajo era levantar sus brazos en el momento indicado para que el público lo siguiera, y, de paso, los televidentes se la creyeran. No lo hizo tan mal pero lo que sí logró fue conocer a Mike Leander, quien sería fundamental para el próximo paso de su carrera musical.
Gadd contrae matrimonio en 1963, relación que le duraría pocos años. En 1968 Leander se convierte en el mandamás de la MCA Records en el Reino Unido y firma contrato con su protegido. Esta vez lanza un nuevo disco como Paul Monday. Pero, para su mala suerte, tampoco le funcionó. Un año después, bajo el seudónimo de Rubber Bucket, produce un tema titulado "We are all living in One place", el que se lanza frente a las mismas oficinas de la MCA sin mayor repercusión. Para fines de año, vuelve al ruedo como Paul Monday, pero la fortuna tampoco le favorece.

"I'm the Leader of the Gang". Glitter en su esplendor.

En 1970, aparece "Stand", el último con la MCA, con la que concluye sus relaciones más no su amistad con Leander. Ese mismo año, firma contrato para ser parte del disco Jesus Christ Superstar, compuesto por Tim Rice and Andrew Lloyd Webber, en el que Ian Gillan interpretó el papel de Jesús. Y, con Gillan y un puñado más de artistas, pudo saborear su primer triunfo. Paradójicamente, representó el papel de The Priest.

[EL REINADO] A partir de 1971, las cosas cambiarían completamente. Detrás de Gadd nace una estrella, tan brillante como su nuevo nombre, Gary Glitter. Bell, su nuevo sello discográfico, lanza el simple "Rock and Roll (Parts I and II)", los dos como lados A. La parte 2 es la que anduvo mejor. Y, Paul Gadd, ahora como Gary Glitter, finalmente, se intersectó con las listas no solo en Inglaterra y Estados Unidos sino en varios países de Europa y Latinoamérica. Acto seguido, Bell, el sello discográfico neoyorquino fundado en 1954, publicó "I Didn't Know I Loved You (Till I Saw You Rock 'n Roll)" que también se convirtió en éxito. En noviembre, el artista ve el sueño del primer álbum propio, que llega rápidamente al Top 10 en el Reino Unido. Se llamó, simplemente, Glitter. El 73 lo inicia con "Do You Wanna Touch Me? (Oh Yeah)", el que lo vuelve a poner en las listas. Lo mismo sucedería con "Hello, Hello, I'm back again" y "I'm the Leader of the Gang (I Am)". Con "I Love You Love Me Love" llegó directo a número uno. Antes de fin de año, se lanza Touch Me, su segundo álbum.
En ese momento, Glitter es el rey absoluto. A su lado andaban otros, maquillados y simplones, como mis favoritos Sweet y Slade, que, aunque también populares, solo le hacían la corte. El glam-rock andaba en su máximo esplendor y había encontrado a su líder, un inglés de cinco pulgadas y medio de altura, mucho cabello, y exagerados atuendos. Sin embargo, ni Glitter ni el glam-rock (esa música popera, pegajosa e intrascendente a los oídos de Mozart), duraron mucho.
Muy pronto, a pesar de sus siguientes lanzamientos y de los esfuerzos de algunos, como Marc Bolan y su T. Rex, el glam pierde terreno ante otro monstruo que venía trabajando desde principios de la década, y ya lo tenía todo: el rock progresivo.

[EL OCASO] Las giras empiezan a serle desfavorables, se dedica al licor y las drogas; y, el sobre peso, termina por hundir al que una vez fue primera plana de las revistas juveniles. Glitter llega a 1980 en bancarrota. Sus pertenencias, incluidos sus costosos atuendos de sus días de gloria, fueron vendidos. El artista, por más de sus denodados esfuerzos, nunca más volvería a brillar como la primera vez. Pero eso no fue todo.

Glitter frente al Juez. Sin peluca y acabado.

Gary Glitter, en silencio, se hundía en otra mala costumbre. Y, eso, sus seguidores, aún no lo sabíamos. Hubimos muchos que hasta lo aplaudimos cuando lo apreciamos como parte del elenco de la gira Quadrophenia, la obra de Pete Townshend interpretada por The Who. Esa noche lo vimos con júbilo en el papel de The Godfather. Y solo un par de años después, la mala costumbre se descubriría de mera casualidad.

[EL ACOSO] Las Spice Girls, estaban en todo su esplendor. Era 1997, y una de las nuevas canciones que comenzaban a promocionar a través de su película Spice World, era la de "el jefe de la pandilla". Irónicamente, el año de la película sería el de su despedida. En una escena del filme, aparecen las cinco jovencitas al lado de un maduro Gary Glitter, co-escritor de la canción.
El mes de noviembre, en Bristol, cuando el otrora rey del glam llegó a la tienda PC World a recoger su computadora laptop -la que había dejado para reparación-, fue interceptado y arrestado. Se había hallado pornografía infantil en su aparato. Sus dos residencias fueron investigadas y se le encontraron más fotos. Esa vez, la policía lo dejó en libertad bajo fianza.
En marzo de 1998, Glitter fue acusado de abuso infantil a una niña de 8 años, entre 1975 y 1977, y de tener relaciones con una joven de 15 en 1980. Esta última fue Alison Brown, quien hizo la denuncia al News of the World.
El nuevo siglo encuentra a Glitter residiendo Camboya de donde es desalojado por sospechoso; luego se va a Vietnam, en donde la Justicia lo halla nuevamente desalineado. Es ahí donde actualmente se encuentra pagando pena de cárcel por las malas costumbres de toda la vida. Su libertad está programada para agosto de 2008, aunque -según su abogado- podría salir un poco antes.
Con las fiestas navideñas ad portas, posiblemente, volveremos a escuchar "Another Rock and Roll Christmas", la única canción que, en los últimos treinta años, lo volvió a meter en las listas. Fue en 1984. Aunque los medios, como es natural, siguen reacios a publicitar a esta joya.

NOTA: Leí que hasta 1997, uno de cada sesenta ingleses, había visto a Gary Glitter por lo menos una vez en su vida. Habría que ver qué pasó en los últimos diez años.

Javier Lishner
Santa Clara, California
7 de diciembre de 2007

Un día en la vida
LA MUERTE DE MEREDITH HUNTER

Sucedió en el Altamont Raceway, en el norte de California, de manos de los Hell's Angels -encargados de la seguridad-, mientras los Rolling Stones tocaban "Under my Thumb". Habían participado, en ese orden, Santana, Jefferson Airplane, The Flying Burrito Brothers y Crosby, Stills, Nash & Young. The Grateful Dead llegó a la escena pero al notar el desastre, rehusó de actuar.

Meredith Hunter (de verde), al momento que es atacado.

Ese día, la que pudo haber sido respuesta californiana al pacífico festival de Woodstock de unos meses antes en la otra costa, se convirtió en una de las páginas más oscuras de la historia del rock and roll.

Por ahora, el recuerdo de quien fue víctima de una trágica tarde que, para muchos, con más de 300,000 asistentes, marcó el fin de la era hippie.

Javier Lishner
San Jose, California
6 de diciembre de 2006

El show quinceañero

LAS SPICE GIRLS EN SAN JOSE

Finalmente, tras el anuncio de su reunión, las Spice Girls llegaron ayer a los Estados Unidos. Y lo hicieron en el HP Pavilion de San Jose, el mismo lugar en el que, en once días, tendremos de vuelta a David Lee Roth con Van Halen. Ese fue también el escenario de la reunión de Genesis hace dos meses.


Sucedió un singular hecho que nunca había experimentado. Al pasear por los alrededores del coloso estrenado en 1994, en el centro de la capital del Silicon Valley, me topé con que el público que asistía para ver a las cinco provocativas artistas (Melanie "Scary Spice" Brown, Victoria "Posh Spice" Beckham, Emma "Baby Spice" Burton, Melanie "Sporty Spice" Chisholm y Geri "Ginger Spice" Halliwell), era casi de la misma edad que aquel que las vio hace diez años, en 1997, cuando dijeron adiós. O sea, a diferencia de lo que acontece cuando uno va a ver a los Rolling Stones o a Bob Seger, en donde se encuentra con tíos y tías de su misma generación, anoche, las Spice Girls en San Jose llevaron a quinceañeras que hace dos o tres lustros debieron haber sido unas niñitas de kindergarten.
El quinteto interpretó exactamente veinte canciones, entre las que estuvieron "Spice Up Your Life" (con la que comenzaron su show), "Stop", "Say You’ll Be There", "Are You Gonna Go My Way" (el tema de Lenny Kravitz en un solo de Scary), "Viva Forever", el medley "Mama", y "Goodbye", con la que (temporalmente) dijeron adiós. Claro, nadie les creyó. Y así volvieron para los infaltables "If U Can't Dance", "Wannabe" y "Spice Up Your Life".
Un show popero, superficial, intrascendente, fútil, frívolo, o como quieran llamarlo, pero necesario para una porción del público que nunca vió a la Familia Partridge o a los Monkees. Las chicas cumplieron y ahora están camino a Los Angeles, en donde hoy seguirán su gira 2007/08, que las llevará hasta lugares tan disímiles como Shangai, Ciudad del Cabo, Sidney y Buenos Aires.
Por ahí alguien comentó, "Con esos atuendos parecen más un grupo de esquiadoras rusas...". No me imagino qué hubiera dicho Janis Joplin de ellas.

Javier Lishner
Santa Clara, California
5 de diciembre de 2007

El ocaso del Pastor

CURA A CUERPO DE REY

A Jim Morrison le podemos perdonar todo, hasta su arresto en la ciudad de New Haven, en 1967, después de cantar "...blood in the streets in the town of New Haven..." (en referencia a la policía de esa ciudad). Aquella fue la primera vez que se arrestó a una figura del rock en pleno concierto. Jim Morrison era el vocalista de The Doors, el grupo angelino que dio mucho de qué hablar desde su formación, en 1965.

Michael Jude Fay, el curita del millón (PHOTO: Tom Ryan)

Esta vez, New Haven, la misma ciudad en el Estado de Connecticut, fundada en 1638, y cuna del actual presidente norteamericano, vuelve a hacer noticia -amén de sus conocidos festivales de jazz-, por un reverendo de nombre Michael Jude Fay, quien robó más de un millón de dólares de su parroquia para vivir como rey. Posiblemente, el sinvergüenza pensaría que, como Cristo fue rey, siendo Pastor, él merecía la misma denominación.
El ex-sacerdote de 56 años se disculpó de sus parroquianos, amigos y familiares, luego de haber disfrutado, claro está, del monto que se embolsicó para viajes alrededor del mundo y compras de alto vuelo, incluyendo su propio condominio. "Lo siento profundamente por toda esta situación", dijo compungido.
Según la noticia, el curita renunció hace un año a su puesto de Pastor de la St. John Roman Catholic Church, en Darien, después de que investigadores que trabajaban para la Diócesis de Bridgeport, encontraron que el muchachón utilizaba el dinero de la parroquia en limusinas, joyas, ropa italiana y vivir la vida loca en los mejores hoteles del mundo.
Fay, humildemente, hacía sus compras en Bergdorf Goodman, Saks Fifth Avenue y Nordstrom. Manejaba un sencillísimo Jaguar, asistía a los mejores clubes deportivos, compraba joyas de Cartier, gastaba miles de dólares en servicio de limusinas (para él y su madre), y, entre los hoteles en los que se hospedaba, estaban el Ritz Carlton, Hotel De Paris y el Four Seasons.
A la fecha, el delincuente ya ha devuelto $280,000 pero, por orden de la Corte, ha de pagar 1 millón. También fue sentenciado a 37 meses en prisión, comenzando el 2 de abril, fecha en que, coincidentemente, la canción "Carry On Wayward Son" ("Sigue adelante hijo perdido, corrupto, perverso, depravado"), de Kansas, andaba muy de moda en las listas americanas de 1977.
"No me envíen a prisión", pidió, para luego agregar, "...mis errores, y la vergüenza ante mis familiares y amigos, hacen que yo ya me encuentre prisionero". Los miembros de la parroquia, como de costumbre, quedaron devastados con la noticia.
Como ven, lo de Jim Morrison, el Rey Lagarto, fue un chiste al lado de este rey con sotana. Maldito rock and roll. Qué viva la iglesia, por los siglos de los siglos.

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de diciembre de 2007

El Taylor de The Ventures

¿DÓNDE QUEDÓ EL CANTANTE?

Hace unos días, conversando con unos amigos acerca del retorno de Led Zeppelin para una presentación, el próximo lunes -en el O2 Arena de Londres-, alguien mencionó la importancia de John Bonham en la banda. Casi sin preámbulo dijo que fue el mejor baterista del mundo. Otro que estaba a su lado mencionó a Keith Moon, el fallecido batero de The Who. Yo, que en eso tengo mis fichas bien claras, me quedé en el medio y solo agregué que muchas veces eso de la muerte, le da un peldaño extra a los músicos, muy aparte de su comprobado talento.

Y hablamos de muchos, incluso de Karen Carpenter (del dúo setentero the Carpenters), quien, aparte de poseer una de las voces más dulces de la música, fue baterista; y, sin ser rockera, durante una época compartió con los Bonham y los Moon las listas de fin de año de algunas publicaciones. Hablamos de Dave Grohl, Alex Van Halen, Ian Paice, Neil Peart. De Cozy Powell, Tommy Aldridge, Carmine Appice, Ginger Baker y hasta de Roger Taylor, de Queen. Pero nadie mencionó a Mel, el Taylor de the Ventures. A veces, el tiempo nos juega una mala pasada. Claro, además, morir a los 62 como le sucedió a Taylor en 1996, no se compara a los 32 de Bonham o Moon, que, coincidentemente, se nos fueron a la misma edad.

Este video es solo un homenaje a otro grande que, al igual que el Bonzo (y Gabriel Parra de Los Jaivas), ha sido reemplazado por su propio hijo, Leon Taylor. A propósito, the Ventures han sido nominados para ingresar en 2008 al Rock and Roll Hall of Fame. Un poco tarde, para mi gusto, habida cuenta que el grupo sigue tocando y, en 2008, justamente, celebrará cincuenta años en la música.

El título de la canción es "Wipe Out", y es original de otro grupo norteamericano llamado the Surfaris que, como the Ventures, fue instrumental. Esta canción, en su versión original, me acompañó todos los días mientras estuve en la conducción de Mirando la Radio, en la televisión. Ahora, disfrutemos de la guitarras, los amplificadores en línea y del baterista en blanco y negro, un verdadero genio.

Javier Lishner
Santa Clara, California
3 de diciembre de 2007

Buenos Aires Rock

LUIS ALBERTO SPINETTA

La pregunta que hizo Angel, visitante del blog y periodista peruano, es la misma que yo siempre me hice cuando aún era niño y comenzaba a saber que en Argentina había nombres como Claudio Gabis, Vox Dei, Billy Bond, y Luis Alberto Spinetta. Y ninguno era transmitido en las radioemisoras de Lima. En el Perú, que yo recuerde, solo hubo dos disc jockeys que le prestaron atención a esos nombres antes de que, en 1983, llegara Charly García y, con su Clics Modernos -lanzado en versión nacional por Discos El Virrey-, cambiara la faz del rock en español.

Luis Alberto Spinetta, 40 años de historia.

[LIMA] Hugo Salazar y Johnny López, conocidos posteriormente en la televisión peruana, formaban parte del staff de Radio Miraflores, una emisora que se caracterizaba por transmitir música "juvenil", moderna o contemporánea, como también se le llamaba, y en donde trabajaban otros rockeros como Gerardo Manuel y Javier Lishner. A López y Salazar, les tocó la oportunidad de recibir una beca para seguir estudios de especialización en Buenos Aires. No podría decir cuáles y cuántos discos se trajo cada uno pero sí recuerdo muy bien que llegaron con un virus que aún no había invadido la capital peruana.

Mientras Hugo tocaba en la FM algo del material importado de la Argentina; por su parte, Johnny -quien tenía en la Amplitud Modulada un programa diario llamado Disco Sour-, hacía lo propio. Además de su audición diaria, Hugo, desde 1980, conducía un programa semanal llamado La Caverna Subterránea. Ahí, aprovechaba para explayarse a sus anchas con aquella música que, en inglés y español, no era del diario. Se transmitía cada domingo a las nueve de la noche. En la programación regular la cosa no podía salirse mucho de su cause. Eran tiempos en que se cuidaba de cerca la programación de las efe-emes. No había gritos, no había llamadas al aire, se buscaba voces pastosas, no se regalaba bolsas de Ariel para lavar ropa ni canastas de cosméticos. Y Luis Delgado-Aparicio, el Dr. Saravá, aún no había lanzado el primer programa de salsa en la historia de la FM en el Perú. Maestra Vida, llegó muy poco tiempo después, en la misma Radio Miraflores, y le tocó a quien suscribe la presentación a semejante paso.

[METEGOL] No tocamos mucho de ese material importado de Argentina, a excepción de un tema llamado "Metegol", de Raúl Porchetto, un destacado guitarrista que, a principios de la década, había grabado esa canción con tres músicos que en el Perú, recién en 1983, se harían populares: Pablo Guyot, Willy Iturri y Alfredo Toth. A decir verdad, el mencionado tema lo difundimos más en la AM que en la FM. La Amplitud Modulada, en esos primeros años de los ochenta, al menos en el Perú, todavía tenía presencia. Y tampoco habían tantas emisoras en FM, las que ahora llenan el dial.

Serú Giran, el grupazo de García, Aznar, Moro y Lebón; y La Máquina de hacer pájaros, fueron otros de los nombres que Hugo y Johnny les prestaron atención. Aún recuerdo a Johnny haciendo maravillas para introducir e la audiencia algo del disco Bicicleta, de La Máquina de un semi-desconocido Charly García. Salazar hacía lo mismo con León Gieco. Yo, no cambiaba por nada a Pescado Rabioso, aunque no lo tocaba.

Muchacha (Ojos de papel) - Almendra.

[ROCK DE LA PLATA] El rock argentino, al igual que el hecho en el Perú, es de larga data. Muchos señalan a Los Gatos, como el punto de partida allá en Buenos Aires. Marcelo Fernández Bitar, en Historia del rock en Argentina, escribe: "A lo largo de 1964 ocurren hechos aislados que luego se irán sumando para emerger en forma de discos plenos de canciones nuevas, llenas del empuje de una nueva generación. En Rosario había dos grupos que perfilaban ser los más populares de los Carnavales: Los Hurricanes y los Wild Cats. Pero como el cantante de los Wild Cats (el "Negro" Rojas) fue convocado a la colimba, el saxofonista y líder -Ciro Fogliatta- empezó a buscar un reemplazante... como aquel pibe de quince que no desafinaba pero tenía la voz demasiado aguda para cantar rock and roll. Se trataba de Félix Francisco Litto Nebbia Corvacho, quien -en esa audición- cantó algunos temas propios y canciones de un grupo que recién daba de que hablar: Los Beatles. Ciro le pidió que cantara un rock y Litto aceptó sin mucho entusiasmo. El timbre agudo de Nebbia no convenció a Ciro para tomarlo como cantante...". Pero Ciro lo hizo, y ahí, con Litto Nebbia, rosarino como él, la historia de los Wild Cats dejó su lado salvaje, para convertirse en Los Gatos. Muy cerca, un adolescente de nombre Luis Alberto Spinetta los escuchaba. Y muy pronto, haría lo que pocos habían hecho antes. Casi una suerte de Bob Dylan en la América del Sur castellana: firmeza en las letras, persuasión, poesía, pero, con una visión musical diferente. En esa ruta de las letras también estuvo Mauricio Birabent, el popular Moris.

[ALMENDRA] Luis Alberto Spinetta nació en Buenos Aires en 1950, y, desde el barrio de Belgrano, se dedicó a escuchar lo mejor del folklore y el tango. Hasta que un día, los Beatles le cambiaron la vida. Eran tiempos de represión, y el joven de 17 años decidió formar su primera banda. Con él, estaban en esta temprana aventura, Emilio del Guercio, en bajo y flauta dulce; Edelmiro Molinari, en guitarras y teclados, y Rodolfo García en batería y percusión. Los cuatro, compañeros de la misma escuela.

Dos años después, en 1969, Almendra estaba listo para lanzar su primera placa, la que autotitularon. Ese año, luego de un show en Mar del Plata, en marzo, Almendra llegó al Perú para una actuación en el Festival de Ancón. En 1970, a los 20 años, Spinetta tenía escritas más de ciento cincuenta composiciones, y una ópera. Con Almendra, produjo dos discos y dejó inconcluso el tercero.

Lo que Almendra hizo fue borrar la sombra de las versiones dobladas y de la influencia italiana, la que habían tenido muchos de los que destacaban por ese entonces. Pero, a pesar de la nueva alternativa, las diferencias musicales entre sus miembros desvanecieron la proyección de una súper banda.

[PESCADO RABIOSO] Aquí comenzamos a descubrir por nuestros propios medios el talento de Spinetta. Luego de Almendra y de un disco solista, el músico viajó a Europa. A su regreso de París, en 1972, con Osvaldo "Bocón" Frascino y Black Amaya, funda Pescado Rabioso y se lanzan desde el Teatro Metro.

Pescado Rabioso en BA Rock, 1972.

Spinetta se refiere de esa etapa: "Pescado respondía a una visión personal mía, no era un grupo tan participatorio. Abandoné en parte una creación comunitaria como había sido Almendra y me puse a desarrollar un estilo que me copara absolutamente a mí, obedeciendo a mis últimos cambios. Había llegado Hendrix y ya no quedaba tiempo en la cabeza para mirar hacia atrás, era como un volcán. Me olvidé del bandoneón, me olvidé de mi tradición, de la tradición inglesa y americana, era todo ahora. Empezó a salir otro tipo de libertad interior, un metabolismo diferente, cambiando la piel y las reacciones. No alcanzaban ni las palabras ni la música para mandar al frente todo lo que estaba sintiendo. Es la guitarra eléctrica como espada de fuego contra los reaccionarios, contra la muerte, contra Vietnam, contra el Vietnam de acá, contra el exterminio, contra la bomba atómica, contra los que intoxican la tierra y los mares. A favor de hablar el lenguaje de los pájaros, a favor de ver las estrellas que iluminan cada día nuestra vida si nosotros sabemos abrir los ojos. Es el momento de la paz también, el momento de la relectura de la Biblia, el descubrimiento de Cristo, de Buda, de la meditación, de la autocrítica sagaz...".

Pescado Rabioso, en menos de dos años, hizo tres discos. Para fines del 73, Spinetta ya estaba en el Teatro Astral, estrenando un nuevo grupo.

[INVISIBLE] La mente de Luis Alberto Spinetta no dejaba de dar vueltas. Sus proyectos, tampoco. Así, ve el momento de unir su guitarra y su lírica a dos renombrados músicos locales que habían sido la base rítmica de Pappo's Blues, el inestable pero genial combo de Norberto Napolitano. Ellos eran, Carlos Alberto Rufino ("Machi") y Héctor Lorenzo ("Pomo"), en bajo y batería, respectivamente.

"El anillo del capitán Beto" y "El jardín de los presentes", son solo dos piezas que quedarían de los próximos tres años en la carrera de Spinetta. Porque, como en sus anteriores proyectos, Invisible tuvo corta duración.

Eran tiempos en que Charly (García) y Nito (Mestre), con Sui Generis, hacían folk. Mientras, en la otra acera, Invisible jugaba con fuego. Parecería que Charly le prestaba mucha atención a la acera de enfrente. El siguiente disco de Sui, que a la postre fue el último (antes del "en vivo" de despedida), fue en la línea de Invisible. Se llamó Pequeñas anécdotas sobre las instituciones. En 1976, mientras Peter Frampton volaba por todo lo alto con Frampton Comes Alive -y muchos argentinos desaparecían por la brutalidad militar, encabezada por el inefable Rafael Videla-, Invisible hace honor a su nombre y también desaparece.

[JADE] Pocos artistas habían hecho tanto en solo una década. El guitarrista y compositor, hincha del River, se aleja por un par de años en los que trabaja en silencio. "El Flaco", como era cariñosamente llamado, anduvo haciendo un par de trabajos que desde hacía un tiempo tenía en mente. Ellos aparecieron entre el 77 y 79. Y para felicidad de la hinchada, el 80 volvió con todo.

Jade, o, en realidad, Spinetta Jade, como se llamó su siguiente grupo, fue concebido desde 1979 con una idea relativamente diferente a los anteriores. Fue como una banda abierta, en la que los músicos iban y venían. Entre ellos anduvo el bajista Pedro Aznar y su leal baterista, Pomo. Con Jade, Spinetta dura cuatro discos y, en 1984, cierra el círculo, o el cuadrado.

LAS, creativo y poeta (FOTO: Rubén Andón).

[LOS SOCIOS DEL DESIERTO] Podríamos decir que luego de Jade, Spinetta se dedica a su nueva etapa solista, la que había seguido construyendo desde 1982, paralelamente a Jade, y la que había comenzado a hilvanar en 1971, con el lanzamiento de Spinettalandia y sus amigos. Pero antes de mil historias más en solitario, hubo otro grupo. Lo formó en 1997 con el baterista Daniel Wirtz y el bajista Marcelo Torres. Se llamaron Los Socios del Desierto.

Este trío, con toda la fuerza del viejo Cream de Clapton, Baker y Bruce, produjo cuatro discos en los siguientes tres años. Uno de ellos fue el de título Estrelicia, que apareció como MTV Unplugged.

Todo lo que vino después corresponde al nuevo siglo. Luis Alberto Spinetta, a este punto, merece otro capítulo. Y en la imaginaria carátula, él, con su guitarra entre manos, una lapicera sobre su oreja para escribir canciones en cualquier momento, y portando la camiseta del River Plate, equipo de sus amores. Pero me sigo preguntando, porqué diablos nunca tocamos al Flaco en Lima? Si fue el más grande.

Javier Lishner
Santa Clara, California
1 de diciembre de 2007