Leppard, Styx, Foreigner

ABUELITOS EN SU SALSA

Con algazara, unos cuantos seguidores han recibido el retorno de una de esas giras que podríamos llamar "de precio paquete". Compre un ticket, vea tres. Casi como en la tienda de abarrotes. Y aún mejor.

Def Leppard (PHOTO: Catherine Cleland)

No es la primera vez que Styx está envuelto en uno de estos proyectos comunitarios y, podría asegurar que Foreigner tampoco. En cuanto a Def Leppard que, sin duda alguna, merece ser el headliner, lo vimos el año pasado en una noche en la que compartió escenario con Journey, otro exitoso nombre de la misma camada de grupos, digamos, ochenteros (por más que todos fueron gestados en el decenio anterior).

EL PAQUETE
Nunca tuvimos la oportunidad de ver en vivo a Styx, ni antes ni después, aunque tampoco nos llamó mucho la atención. No es un nombre que haya tenido muchas páginas en nuestra enciclopedia del rock, a pesar de los innumerables buenos temas -muchos de ellos, populares-, sus manoseados premios Grammy, los discos que tuvimos de ellos (incluyendo el Grand Illusion), o las veces que, desde 1980, me tocó presentarlos en radio.

Styx (PHOTO: Steve Mitchell)

Foreigner, el grupo liderado por el británico Mick Jones (el guitarrista que una vez accedió a fotografiarse con el suscrito), en cambio, sí fue uno de nuestros favoritos durante sus días de gloria en el Jukebox internacional. Lo vimos en Lima, en mayo de 1993, cuando aún estaba Lou Gramm, su famoso vocalista. Si bien es cierto que arribaron a la capital peruana una década tarde, su fuerza llegó casi intacta. No por gusto osé verlos dos tardes seguidas en el mismo recinto. Pero de ello, han pasado casi tres lustros. Ahí está, además de su fundador, el baterista Jason Bonham, hijo de Bonzo, quien hace muchos años reemplazó a su fallecido padre en Led Zeppelin, durante la exclusiva reunión que hicieron Plant, Page y Jones, para celebrar los 40 años de la Atlantic Records (Madison Square Garden, 1988). Auguramos nuevo material porque, a estas alturas, nos tienen cansaditos con sus refritos: The Best of Foreigner (1982), Records (1982), The Very Best And Beyond (1992), The Best of Foreigner Live (1993), Jukebox Heroes: The Foreigner Anthology (2000), The Platinum Collection (2001), Complete Greatest Hits (2002), Definitive (2002), Hot Blooded and Other Hits (2004), The Essentials (2005), Definitive Collection (2006).

De Def Leppard, el estelar, se puede decir casi lo mismo que las dos bandas que lo acompañarán en la tour. Es decir, un grupo que obtuvo grandes pergaminos a través de su carrera, primordialmente durante los años ochenta. Para muestra, ese par de discos, ahora clásicos, titulados, Hysteria y Pyromania, publicados en 1987 y 1983, respectivamente. No hace mucho leí que Def Leppard es una de las cinco bandas en la historia del rock con dos discos originales (originales, y no esas tonterías cargadas de grandes éxitos que la mayoría de veces estupidizan a los oyentes), decía, que tienen en su haber dos discos, cada uno, con más de 10 millones de copias vendidas. Las otras bandas con ese récord son Led Zeppelin, Pink Floyd, the Eagles y Van Halen. Con influencias del glam rock inglés, es siempre grato escuchar al conjunto de Sheffield que tiene como voz principal, desde sus inicios, en 1978, a Joe Elliot.

LA GIRA
La cosa comenzará a rodar el 27 de junio en Cincinnati, Ohio. Al momento solo tienen fechas pactadas en el Norte de América (Estados Unidos y Canada). A la Bahía de San Francisco planean llegar el 18 de septiembre, para una actuación en el Sleep Train Pavilion de Concord, a 33 millas (53 kilómetros), al este de San Francisco. Las entradas para aquella noche, se comenzaron a vender hoy (están entre $30.00 y $80.00 cada una). Foreigner, no participará en todas las fechas. Pero sí en la de Concord.

Foreigner (PHOTO: William Morris Agency)

EL RECUERDO
Esta semana se conmemoró un año más del natalicio de Steve Clark, el guitarrista-fundador de Def Leppard, quien murió en 1991 luego de hacer lo que otros habían hecho antes que él, con el mismo resultado trágico: mezclar el alcohol con los fármacos. El músico, cuyo cuerpo descansa en el cementerio de Wisewood, en Hillsborough, Inglaterra, el 23, hubiera cumplido un año más que yo, y muchos menos que Ronnie James Dio.

Javier Lishner
Santa Clara, California
29 de abril de 2007

VIVA JOHN LENNON!

John, Sid and I in heaven... Ooops! Imagine there's no heaven.

Imagine there's no heaven
It's easy if you try
No hell below us
Above us only sky
Imagine all the people
Living for today...

Imagine there's no countries
It isn't hard to do
Nothing to kill or die for
And no religion too
Imagine all the people
Living life in peace...

You may say I'm a dreamer
But I'm not the only one
I hope someday you'll join us
And the world will be as one

Imagine no possessions
I wonder if you can
No need for greed or hunger
A brotherhood of man
Imagine all the people
Sharing all the world...

You may say I'm a dreamer
But I'm not the only one
I hope someday you'll join us
And the world will live as one

"Imagine is an anti-religious, anti-nationalistic, anti-conventional, anti-capitalistic song, but because it's sugar-coated, it's accepted." - John Lennon.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de abril de 2007

MARTES NEGRO: Black Sabbath en San Jose

Circles and rings, dragons and kings

Weaving a charm and a spell

Blessed by the night, holy and bright

Called by the toll of the bell

- Neon Knights, 1980

Un espectáculo sobrio, tan sobrio como lo ha sido su guitarrista a través de las casi cuatro décadas al mando de Black Sabbath. Tony Iommi, quien, al igual que McCartney y Hendrix, rasga la guitarra con la mano izquierda, estuvo anoche en San Jose, a cargo de esa nave musical tan oscura como su propio nombre y la ropa que usa. Porque eso sí, en el reino de la oscuridad, Black Sabbath, por los siglos de los siglos, seguirá siendo el pionero.

Con el sobrenombre de Heaven & Hell, y con la voz del carismático Ronnie James Dio, BS pasó por el HP Pavilion y, San Jose, en contra de lo que alguien dijo, no olió necesariamente a azufre.

Para quienes fuimos rabiosos seguidores de Black Sabbath, el alejamiento de Ozzy Osbourne, en 1978, fue como un castigo venido del más allá. Y, a pesar de que su reemplazo tenía raíces purpleianas -por su trabajo con Ritchie Blackmore en Rainbow-, Black Sabbath, es verdad, nunca más fue lo mismo. Fue diferente. Nosotros todavía saboreábamos las notas del Never Say Die, el último (y mediocre) disco que grabaron con el esposo de Sharon.

Anoche, en la otra punta, estuvo su compañero de décadas, y también fundador de la banda, Geezer Butler. El bajista que a diferencia de Iommi, sí se alejó un par de veces del grupo, estuvo preciso, compartiendo la base rítmica con Vinny Appice, el batero cuyos orígenes datan de niño cuando, en casa, su hermano mayor, Carmine, le enseñaba los secretos que experimentaba mientras tocaba en súper grupos como Vanilla Fudge y Cactus, amén del powerful trio Beck, Boggert & Appice.

Siempre me he preguntado qué hubiera sido de Ronald James Padavona si es que Blackmore, el irascible ex-guitarrista de Deep Purple, no lo reclutaba para Rainbow, la banda que andaba formando mientras pensaba en retirarse de Purple. Padavona, luego conocido como Ronnie James Dio, era un vocalista de blues rock de un grupo llamado Elf, que -a pesar de su experiencia como cantante y bajista-, no tenía mucha trascendencia en el circuito neoyorquino, donde se andaba moviendo. Su primer disco fue producido por Roger Glover, bajista de Deep Purple, para quienes Elf abrió algunos de sus shows. Blackmore, con buen ojo (pero, sobre todo, oído), en 1975, terminó por llamar a todo el grupo, con excepción del guitarrista. Y Elf, sin Dio y los otros tres, terminó por dar sus manotazos finales. Empero, nacía Rainbow, y el vocalista que, cuatro años más tarde, prolongaría la vida de Sabbath, a la salida de Osbourne.

Ronnie James Dio, Vinny Appice, Tony Iommi y Geezer Butler.

Al frente de esta versión de Black Sabbath, que originalmente dió a luz en 1979, estuvo el pequeño gran cantante de New Hampshire. Utilizando las herramientas que siempre fueron su característica (pelo largo, movimiento intenso de brazos, cara de malo, sus famosos cuernos del diablo, etc.), Dio, si bien es cierto que no mantiene el registro de hace treinta años, hizo todo lo que estuvo a su alcance para cautivar a la platea que esta vez no llenó el coliseo. El material que tocaron fue parte de esos dos álbumes que la banda publicó en la era Dio (Heaven and Hell y Mob Rules), los cuales grabaron bajo la batuta de Martin Birch. Y "Neon Knights" fue el perfecto final para una noche de rock y cerveza.

Megadeth, al comienzo, fue un buen telonero para calentar a los viejitos que nos dimos cita al evento en la capital del Silicon Valley. Por vez primera, vimos a Dave Mustaine y su banda con la misma formación de "la vez anterior", cuando, en 2006, llegó al coliseo de Oakland liderando el Gigantour. Porque cada vez que lo hemos visto ha sido con diferentes músicos.

Mañana será otro día. Black Sabbath, ahora Heaven and Hell, amanecerá pensando en su actuación de esa noche en el Forum de Los Angeles. Y Iommi seguirá siendo el Rey, por mas que Sharon no piense igual.

Javier Lishner
Santa Clara, California
24 de abril de 2007

Otro sobreviviente

Y HASTA QUE IGGY LLEGÓ A LOS 60

Entonces le pedí al redactor de una revista neoyorquina que me tomara una foto al lado de Iggy. El cantante había terminado su espectáculo y, encontrándonos en el backstage, accedió a retratarse. En su entorno, muchas féminas lo esperaban para saludarlo. Su rostro aún lucía una herida abierta por un casual golpe que recibió en el escenario durante su show. El muchacho de la costa Este se cuadró en frente y, mientras Iggy y yo, sentados, mirábamos al pajarito, hizo click con mi todopoderosa Nikon.

Iggy Pop en Coachella 2001 (FOTO: Javier Lishner)

Supimos de él desde que aún andábamos en la secundaria. Su nombre no era muy popular en las aulas pero, para los que indagábamos un poco más acerca de lo que pasaba a diario en el mundo del rock, ese nombre comenzó a sernos familiar. Su amistad con los grandes de la época, como David Bowie, Keith Moon o Marc Bolan, con quienes también competía, lo hizo un poco más interesante.
Por su música, cruda y directa, a lado de los Stooges y, luego, como solista, se ganó el sobrenombre de "El Padrino del punk rock". Aunque hubo otros, los MC5, colegas y paisanos de Michigan, que bien pudieron haberse ganado esa nomenclatura. Pero, así es el fútbol. Después de todo, ni los MC ni los Stooges, llamaron mucho la atención de los medios. O, estaban muy adelantados para la época o, era una música de mierda, como alguien dijo. Ni uno, ni otro. Era la prehistoria del punk, el movimiento que germinó a fines de los sesenta y que, justamente, creció en paralelo a los medios. Y Iggy, estuvo ahí.

Iggy y Keith Moon, durante los años locos

Su carrera, desde entonces, ha sido larga y sustanciosa pero, por su mismo origen, es junto a Lou Reed y los mismísimos MC5, por citar solo a dos, uno de los olvidados del rock.
No obstante, la vitalidad y su lealtad por lo que hace desde hace cuatro décadas, lo sigue llevando a diferentes confines de la Tierra. Hoy, por ejemplo, a 45 minutos de aquí, en San Francisco, al lado de los renovados Stooges, actuará en el Warfield, y, el 27 de mayo, volará a Europa para participar en el Pinkpop Festival, legendario evento anual holandés (desde 1970).
Su ascendencia en otros ha sido grande. The Ramones y The Clash, en algún momento, dieron crédito a este señor como influencia a lo que recién, de manos de ellos, explotó a mediados de los setenta. Nacido en Ann Arbor, Michigan, Iggy cumple hoy 60.
Cuando fui a revelar las fotos (pues aún se utilizaba cámaras convencionales), me dí con la sorpresa de que el redactor de la revista neoyorquina le había hecho un zoom tan bueno a Iggy, que ignoró mi presencia. Y qué viva el rock and roll.

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de abril de 2007

¿Quién fue Johnny B. Goode?

"Johnny B. Goode" fue escrita por Chuck Berry para quien, con su piano, lo ayudó a darle un sonido característico a eso que comenzaba a llamarse rock and roll.

Johnnie Johnson fue un pianista que, a decir de los que saben -como Eric Clapton y Keith Richards-, fue el más sobresaliente en su género. Por alguna razón, la fama le fue siempre esquiva, pero, a Johnson, dicen sus biógrafos, eso nunca le importó. Era muy discreto, y ,ante todo, músico.

Keith Richards y Johnnie (B. Goode), en el Rock and Roll Hall of Fame. 2001.

Dice la historia que Johnnie no era muy aplicado, sobre todo, durante las giras (se parece a un Johnny que yo conozco). Solía desaparecerse de la delegación cada vez que ésta llegaba a destino. Un día, y cansado de los consejos que le daba como compañero y amigo, Chuck Berry decidió escribirle esta canción. Y, aquella vez, Johnnie, paradójicamente, no tocó el piano. Corría la década del cincuenta. El músico se mantendría al lado de Berry por casi tres décadas, hasta que la relación se resquebrajó.

En 2001, y tras un largo olvido -con un breve paréntesis en la película Hail! Hail! Rock 'n' Roll, de 1987-, finalmente, fue invitado a formar parte del Rock and Roll Hall of Fame.

Travis Fitzpatrick, en la obra sobre el pianista de West Virginia, publicada en 1999 y candidata al Premio Pulitzer, lo llamó: Father of Rock and Roll. Podemos escuchar a este gran músico en clásicos temas como "Maybellene", "Wee Wee Hours" y "Roll Over Beethoven". O, acompañando a extraordinarios talentos como John Sebastian, Al Kooper, Buddy Guy, y al mismísimo Aerosmith.

Chuck Berry, Eric Clapton y Johnnie Johnson durante la celebración de los 60 años de Berry.

En el día que se nos fue, hace dos años, recordamos al Johnny B. Goode que tantas veces oímos (y nos hizo mover el esqueleto) sin ni siquiera saber quién era. Hail! Hail! Rock 'n' Roll.

Javier Lishner
Santa Clara, California
14 de abril de 2007

Exile On Main St.

HUBO UNA VEZ... EN 1972

Sin duda que, el Exile on Main St, anda entre los mejores discos en la carrera de los Rolling Stones. Tributo a la creatividad de la banda y al talento de cada uno de sus integrantes, y de algunos invitados. Entre ellos, Bobby Keys, Al Perkins, Nicky Hopkins, Ian Stewart y Billy Preston. Keith Richards y Mick Taylor tocan el bajo en algunos temas, Mick Jagger y Bill Wyman van al teclado y así. Incluso, el productor, Jimmy Miller, se sienta en la batería en un par de canciones. "Happy" es una de ellas.

Disco doble: Exile On Main St. publicado en 1972.

Lo cierto es que la placa, que de acuerdo a la crítica es una de las más importantes de la historia del rock and roll, fue posiblemente el último disco de los Rolling Stones con extraordinarias calificaciones. Aunque algunos dicen que hubo uno más: el Some Girls, de 1978. Como en todo lo que hizo Taylor durante el lustro que perteneció al quinteto, la fineza fue una de sus características. Al igual que Clapton, tranquilo y sin mucho aspaviento, es su calidad la que sobresale. No en balde alguna vez, los dos surgieron del mismo núcleo: los Bluesbreakers de John Mayall.

Exile on Main Street fue publicado en mayo de 1972 y llevó a sus dueños a su famosa gira norteamericana de aquel año. El disco, grabado en diversos lugares, también incluyó a diferentes ingenieros de sonido. No obstante, quien asumió la responsabilidad de la grabación fue Glyn Johns, reconocido por sus trabajos con los Beatles, Led Zep, the Who, Eric God, y un largo etcétera (como los tres primeros discos de the Eagles). El primer simple del Exile fue "Tumbling Dice" que llegó al Top 10 en los Estados Unidos, y lo mismo sucedió en el Reino Unido. El álbum, como tal, llegó a número 1 coincidiendo con la gira norteamericana en la que el grupo se embarcaba luego de tres años.

Toma de una de las sesiones del Exile On Main St.

El ambiente en el que se grabó este disco doble merece un capítulo aparte. La droga y toda esa cochinada de la que Bill Wyman y Charlie Watts no estuvieron muy cerca, hizo que el proceso de producción durara más tiempo del calculado. Si Jimmy Miller viviera, podría ser el mejor testigo para contar la historia de aquellos días (y noches) cuando, además, Jagger se casaba con la modelo nicaragüense Bianca Pérez-Morena... Richards, de a poquitos, ha ido soltando los recuerdos que le trae la grabación de ese ejemplar. Después de todo, gran parte de ella fue realizada en su casa de Nellcôte, en el sur de Francia. El bajista Bill Wyman, en su obra "Stone Alone", de 1990, también describe algunas historias que para muchos resultan anécdotas.

Lado A
1. "Rocks Off"
2. "Rip This Joint"
3. "Shake Your Hips"
4. "Casino Boogie"
5. "Tumbling Dice"

Lado B
1. "Sweet Virginia"
2. "Torn and Frayed"
3. "Sweet Black Angel"
4. "Loving Cup"

Lado C
1. "Happy"
2. "Turd on the Run"
3. "Ventilator Blues"
4. "I Just Want to See His Face"
5. "Let It Loose"

Lado D
1. "All Down the Line"
2. "Stop Breaking Down"
3. "Shine a Light"
4. "Soul Survivor"

Y, entre la casi decena de voces que apoyaron el disco, sobresalió la de Merry Clayton, la artista de New Orleans, quien anteriormente había colaborado con ellos. Su prestigiosa voz puede ser escuchada a dúo con el ahora Caballero del Imperio Británico, en "Gimme Shelter", del disco Let It Bleed, de 1969.

Luego de varias décadas, este es nuestro homenaje a uno de los discos mejor logrados, en la larga carrera de Mick & the Boys.

Javier Lishner
San Jose, California
12 de abril de 2007

En Lima
LA VOZ DE LOS OCHENTA

Mañana cumpliremos nuestro primer aniversario escribiendo a través de la red. Google merece una felicitación especial, no solo porque durante el año me permitió trabajar en sus oficinas centrales -ubicadas en Mountain View, California-, sino porque poco a poco fue mejorando el servicio en sus blogs. Hace un año era distinto. Como siempre digo, en Google cada día es diferente. Cada hora, tal vez. Ahí nada es estable. Ni el menú gratis que diariamente le ofrecen a sus miles de empleados, en sus más de veinte edificios.


A través de este tiempo escribí mucho, y un buen porcentaje de ello fueron sobre mis vivencias y experiencias en Perú, mi país de origen. Sobre mi cuarto de hora en los medios, mi relación con los artistas, las giras, los viajes al exterior, los espectáculos, las entrevistas, Alan García, y, por supuesto, el rock. Y también sobre mis colegas de aquellos años, muchos con los cuales, gracias al blog, sigo unido.

A continuación, algunas gráficas con varios de esos colegas con quienes alguna vez, en Lima, compartimos los micrófonos. A veces, en la misma estación; otras, desde la acera de enfrente. Con unos, más que con otros, nos dimos nuestros encontronazos; pero, eso sí, siempre, mientras anduvimos al aire. Porque cuando coincidíamos en algún lugar, si era una conferencia de prensa, una fábrica de discos, un viaje o casualidad (o antro), siempre hubo cortesía y respeto por cada quien. Y hasta muchas veces compartimos de la misma botella. Principalmente, cuando la cantina estaba por cerrar o porque ya no había más morlacos.

1. En la Hacienda Villa, durante el show de Change, grupo norteamericano cuyo vocalista fue Luther Vandross y cuyos temas "A Lover's Holiday" y "The Glow of Love" sonaron en Lima. Johnny López, Quique Cano-Alva, Hugo Salazar y JL, cada uno, con su respectiva pareja. Se celebraba el Año Nuevo 1981. La invitada de Quique, se convirtió en su flamante esposa. Las otras tres damas, prefirieron buscar mejores partidos. ¡Salud!

2. Durante los días de Menudo y Parchis. En Argentina había aparecido Sport Billy. El quinteto infantil llegó a los estudios de Radio Miraflores en 1982. Allí, los niños aparecen en la sala de grabaciones del segundo piso al lado de JL, Roberto Mejía (conocido conocido como "El Nene"), Jorge Muñiz, Quique Cano-Alva y Sammy Sadovnik. ¡Qué épocas!

3. Gráfica que corresponde a 1983. Aparecen, Walter Gonzales, JL, la debutante cantora Daniela Romo, Lucho Argüelles, Juan Vargas, y Johnny López, frente al antiguo local de Radio Panamericana, en Mariano Carranza, Jesús María. Hoy, Radio Panamericana funciona desde un moderno edificio, en el distrito limeño de San Isidro. Y Daniela Romo es una experimentada figura de la actuación y el canto. El resto es historia. (FOTO: Tater Oliva).

4. Segunda visita de Daniela Romo a Lima, en agosto de 1984. Aparece la cantante con Gastón "Wolfie" Medina, JL, Sammy Sadovnik y Humberto Velásquez, este último, aunque chiquito, disc jockey pionero en el Perú. Por aquellos días, Humberto animaba Las Súper Mañanas de Panamericana y Daniela cantaba "Yo no te pido la luna". (FOTO: Víctor Becerra).

5. Foto tomada en la puerta de Radio Panamericana el año 1984. En su momento, por gestión del periodista Luis Almeida Magallanes, la gráfica fue publicada en la Revista Disco Show de Puerto Rico. Aparecen, Iván Márquez, conductor de Eva y yo, Lucho Argüelles de Fresas con Crema, JL de Buenos días, día, Susana A de Las 30 Más, Johnny López de 7 x 7 y Kike Chávez de 90 Grados.

6. Lucho Argüelles, Sammy Sadovnik, Gastón Medina, JL y Kike Chávez, de Radio Panamericana, escoltando a la invitada María Conchita Alonso y a nuestra estrella de entonces, Juan Miguel López Cancino. A pesar del brillo de nuestra estrella, y aunque no parezca, todos tuvimos oportunidad de participar de la entrevista. Sucedió en el Teatro Mariátegui en noviembre de 1984, durante los días de la puesta en escena de la obra Gracias, Señor Robot. (FOTO: Víctor Becerra).

7. El staff de disc jockeys de Radio Panamericana en el Coliseo Amauta, en diciembre de 1985. Fue a raíz de La Más Más del año, espectáculo masivo que organizaba la popular emisora. Aparecen, Gastón Medina, Lucho Argüelles, Roberto Lyon, Humberto Velásquez, JL, Sammy Sadovnik y Kike Chávez. Delante, como era costumbre, rompiendo esquemas, Johnny López. Fue la última vez que ese elenco compartió junto un evento panamericanista. En menos de dos meses, cinco de los presentes habíamos emigrado. Por coinicidencia solo quedaron, el señor del centro (Humberto) y los jóvenes de los extremos. (FOTO: Víctor Becerra).

8. Nuevos Aires. En la azotea del Grand Hotel Miraflores, en Lima, con motivo de la Conferencia de Prensa de Los Abuelos de la Nada y Miguel Mateos & Zas. Era 1986, tiempo del furor del rock de La Plata. Aparecen, JL de Radio Miraflores, Randy Calandra y Gastón Medina de Radio Panamericana, Sammy Sadovnik de Radio Miraflores, y Reynaldo Aragón y Mario Jiménez de Radio 1160. Nuestra competencia únicamente era cuando estábamos al aire. (FOTO: Víctor Gutarra).

9. Disc jockeys de Radio Miraflores en mayo de 1986. El elenco se reunió en la sala de grabaciones del segundo piso, donde hubo tantas importantes entrevistas. Las de Emmanuel y Miguel Bosé, por ejemplo. Parados aparecen, Héctor Felipe Rojas, Juan Carlos Hurtado, Quique Cano-Alva, Luis Elías y el jefe de los operadores técnicos, Jorge Hutchinson. Sentados: Piero Roncallo, David Lemor, JL y Sammy Sadovnik. (FOTO: Víctor Becerra).

10. En mayo de 1987 varios deejays fuimos invitados a La Casa de Edith, la peña que tenía nuestra primera cantante Edith Barr en la avenida del Ejército. Acontecía la premiación del Diario Hoy a los mejores disc jockeys del 86. Mirando a la cámara están, Sammy Sadovnik, Coco Valderrama, JL y Paco Espinoza. Todos, ganadores de esa noche.

11. Esta gráfica fue tomada en la Discoteca Sphynx de Miraflores con motivo de la Conferencia de Flans, el trío mexicano que arribó a Lima en agosto de 1987. Aparecen conocidos rostros de Radio Studio 92, Panamericana, Libertad, 1160, Radio A y Miraflores. Si desea ahondar en los nombres, simplemente escríbanos un comentario.

12. Reunidos en la cabina de Radio Miraflores en abril de 1988, con motivo de la despedida a Sammy Sadovnik quien viajaba a estudiar a los Estados Unidos. Quique Cano-Alva, Sammy, el músico Juan Carlos Caipo de S.O.S. y su sobrino (que ya debe ser un señor), Raúl Cabrera, Johnny López y JL. Delante: el ejecutivo discográfico y baterista de Feiser, Andrés Rojas Pereda, y el DJ Giovanni Forno. Todos, alrededor de la reina: Diana García de Palacios.

Me siento afortunado de haber contado con tan calificados competidores y mejores amigos. A todos ellos, un salud a la distancia. Y para la Reina, una canción de Carly Simon.

Javier Lishner
San Jose, California
10 de abril de 2007

¿Quién es Russell Gilbrook?

UNO MÁS EN LA LARGA LISTA DE HEEP

Contesto rápidamente a tu interrogante. Russell Gilbrook tocó batería, entre otros, con Tony Iommi, guitarrista de Black Sabbath, el legendario cuarteto de Birmingham. Lee Kerslake, al tener que alejarse de Uriah Heep por problemas de salud, fue sustituido por Gilbrook. Por coincidencia, Lee Kerslake tocó también con Ozzy Osbourne, el compañero de Iommi en Black Sabbath. Por otra coincidencia, lo hizo al lado de Bob Daisley, el bajista que luego de tocar con Osbourne, con quien alguna vez lo vi en vivo, pasaría por Uriah Heep. Gilbrook ha de ser uno de los casi veinte integrantes que han pasado por Heep desde que se formó en 1969. Ahora, Don Airey, ex teclista de Rainbow, y actual miembro de Deep Purple, va a acompañar a Heep solo para su próxima grabación. Airey, es el mismo reemplazó en Purple a Jon Lord, quien, al igual que Kerslake, se retiró por problemas de salud. La edad, pues. Además, Airey también tocó con Ozzy Osbourne. Lo cierto es que Russell Gilbrook es un capo y también acompañó a Van Morrison, a quien, al lado de Cacaorock, me tocó ver de refilón en 2006, en San Francisco, abriéndole a los Rolling Stones. Esa noche tuvimos credencial de prensa y durante su show casi me quedo dormido. Gilbrook también ha tocado con Alan Price, brillante teclista británico, quien fue uno de los miembros de The Animals, en donde cantaba Eric Burdon. En The Animals también estuvo Chas Clandler, el bajista que llevó a Londres a un guitarrista desconocido llamado Jimi Hendrix. Chandler luego fue productor de Slade, quienes hicieron "Mama Weer All Crazee Now" y "Cum on Feel the Noize", que, una década más tarde, fueron realizados por Quiet Riot. Slade, al igual que Uriah Heep, se formó en Inglaterra en 1969, sino que ellos eran de The Black Country (West Midlands), y los Heep del área de Londres. Gilbrook usa platillos Zildjian, que son los que utilizó Alex Acuña cuando lo vi por primera vez tocando con Al Jarreau. Acuña ha trabajado para una recatafila de artistas desde Diana Ross, Paul McCartney y U2 hasta Elvis Presley, quien lo llamaba "The Inca". Pero Gilbrook nunca tocó con The Animals ni con Al Jarreau. Mas bien, Acuña, tocó con Los Hijos del Sol y antes con Weather Report. Me da pena por Kerslake porque fue uno de aquellos de nuestra época de chibolos cuando escuchábamos el Demons and Wizards y eso. Ah! Mira cómo son las cosas en esto del rock, Gilbrook es quien reemplazó en Bedlam, a Cozy Powell, de quien escribimos ayer, al recordar el día de 1989 que se nos fue para siempre. "La vida es una moneda", escribió el argentino Baglietto, mientras que Randy Bachman de BTO cantaba "Rock is my Life" en el álbum Not Fragile. Y claro, pesaba como 300 libras. Antes de que me olvide, el nuevo material de Randy Bachman aparecerá el 10 de abril bajo el título de JazzThing II. En él, participa Jay Geils, el fundador de la otrora famosa J. Geils Band. ¿Recuerdas "Centerfold" o "Freeze Frame"? Sonaron en la radio entre el 81 y 82. Y el disco anterior de ellos, Love Stinks, lo obtuve importado, porque me lo trajo mi hermano a su regreso de un viaje. Ahora que me acuerdo, ¿sabes con quién más ha trabajado Gilbrook? Con Peter Bardens, el teclista de Camel. ¡Qué grupazo! Y más aún si te gusta la música progresiva. A propósito, ¿qué será de la vida de Chaka Khan? Hace tiempo que no escucho de ella. La buena noticia de esta semana es que los doctores le han permitido a Tom Hamilton, de Aerosmith, que vuelva con el grupo después de su tratamiento del cáncer que le diagnosticaron. Cuando Aersomith vino el pasado 2 de noviembre, trajeron a David Hull como su reemplazante. Hull ya había tocado con the Joe Perry Project, o sea, ya era amigo de ellos. Adiós Kerslake. Lee entregó lo mejor de sí desde 1971 en Uriah Heep, incluyendo una presentación en Lima, el 21 de septiembre del año pasado. Bienvenido Gilbrook. Russell debuta con el grupo la próxima semana, el día 14, en el Katinkulta Festival de Finlandia. Espero que ahora tengas una mejor idea de quién es el nuevo miembro del grupo que completan Mick Box, Trevor Bolder, Phil Lanzon y Bernie Shaw.

Saludos,

Javier Lishner
Santa Clara, California
6 de abril de 2007

COZY POWELL: El recuerdo de un grande

¿Qué tienen en común, Jeff Beck, Rainbow, Whitesnake y Black Sabbath? Respuesta: Que en algún momento los cuatro tuvieron a Cozy Powell como uno de sus miembros. Powell, quien también fue baterista del proyecto que lo unió a Keith Emerson y Greg Lake, en lo que se llamó Emerson, Lake & Powell (reemplazando a Carl Palmer, quien andaba tocando en Asia), fue un apasionado de las máquinas motorizadas y la velocidad. En lo musical, también trabajó con Jack Bruce, Gary Moore, Roger Daltrey, Robert Plant y Brian May, entre otros grandes.

Imponente solo de Cozy en sus días con Rainbow. Una clase para cualquiera.

Recuerdo su nombre desde tiempos inmemoriales cuando acompañaba a Suzi Quatro. Era la época de Micky Most, el famoso productor de discos, y Cozy era como su brazo derecho en la retaguardia de los números que manejaba.

Poco más de una década después pude verlo integrando Whitesnake, en una de sus mejores formaciones. Y es que, sin exagerar, casi todo elenco que Cozy integraba se convertía en el mejor. Sino habría que preguntarle a Coverdale, a Blackmore o al mismísimo Jeff Beck. Y eso no creo que haya sido solo coincidencia.

Considero que, a la fecha, es muy posible que haya sido el mejor baterista que yo haya podido apreciar en vivo.

Imponente solo de Cozy en sus días con Whitesnake. Otra clase para cualquiera.

Pues, un día como hoy, en 1989, el músico murió cuando su Saab 9000 (automóvil diseñado por el italiano Giorgetto Giugiaro), se estrelló cerca de Bristol, en su natal Inglaterra. Dicen que había estado grabando con Peter Green, fundador de Fleetwood Mac, quien preparaba su retorno.

Amante de la música y las pistas, Cozy, murió en su ley. Tenía 50 años.

Javier Lishner
San Jose, California
5 de abril de 2007

En cuerpo y alma

STEVE WINWOOD: MR. SOUL MAN

"De haber sido cantante, me hubiera gustado cantar como Steve Winwood en la época de Traffic o Blind Faith, por más de mi admiración a Ian Gillan y Robert Plant".
~ Javier Lishner, 1988

Hace unos días, a la hora del bitute, conversaba con mi amigo Juan, mientras compartíamos sendos platos de lomo saltado y arroz con pollo, en un discreto restaurante peruano, en la ciudad de San Jose. Le comentaba que Steve Winwood era uno de esos grandes músicos de la historia del rock que, aunque olvidado por las radios, tenía una brillante carrera. Frente a nosotros, la televisión transmitía fútbol mexicano, entretanto que dos hermanos trujillanos se sentaban en la mesa del costado, y, mientras uno pedía una Pilsen, nos distrajeron un poco. Otro señor, envuelto en un terno gris, llamaba la atención en un lugar demasiado informal y con suficiente calor como para ir a la playa.

LA HISTORIA DE WINWOOD
Junto a Rick Wakeman, Steve Winwood, fue uno de esos músicos que comenzó muy joven en esto del rock. Claro, ni Winwood ni Wakeman lo hicieron tan temprano como Stevie Wonder; no obstante, el comenzar a los 15, les mereció una cierta atención. A esa edad, por ejemplo, Pelé debutó profesionalmente en el Santos Fútbol Club.

Winwood en Nottingham. 24 de marzo de 2007.

Stephen Lawrence Winwood nació ocho años después de Pelé, en 1948. A los 15 se suma a the Spencer Davis Group, en donde "Muff" (Mervyn), su hermano mayor, tocaba el bajo. Entre las canciones que se recuerda de su corta estada en la banda de Spencer Davis estuvo "Gimme Some Lovin'", de la que fue uno de sus escritores. En 1967, forma junto a Dave Mason, Chris Wood y Jim Capaldi, el grupo Traffic, legendaria banda inglesa. Pero, Winwood, al igual que Eric Clapton, no duraba mucho en ningún grupo. Y, después de tres discos, el mismo Winwood se encargó de anunciar la disolución del cuarteto. Por esos días, el encuentro con un guitarrista norteamericano que vivía en Londres, conocido como Jimi Hendrix, lo llevó a colaborar en algunas de sus grabaciones. "Voodoo Chile", por ejemplo.

En 1968, se une a otro dios de la guitarra, quien, al igual que él, buscaba estabilidad: Eric Clapton. Juntos, forman Blind Faith. Clapton acababa de hacer el adiós de Cream. Algunos historiadores consideran a Blind Faith como el primer súper grupo en la escena del rock. Completaban la terna, el bajista Rich Grech y el baterista Ginger Baker, este último, compañero de Clapton en Cream. Su nueva obra, al igual que todo lo que había hecho antes, no duró ni un año. Blind Faith, genial grupo de blues, antes de disolverse, lanzó un solo disco (bellísimo), en agosto de 1969 (durante los días de Woodstock). Dejaron para el recuerdo su debut gratuito en el London Hyde Park, y una gira en la que por la escasez de temas, tuvieron que rellenarla tocando canciones de Cream y de Traffic, cosa que no convenció ni a uno ni a otro.

Blind Faith: Winwood, Grech, Baker y Clapton, en clásica sesión fotográfica.

Multi instrumentalista como pocos, Steve Winwood, continuó su carrera como parte de la Ginger Baker Air Force. Como era de esperarse, otro súper grupo de corta duración. Dícese que un poco cansado de su inestabilidad, ingresó al estudio para grabar su primer disco solista. Un par de llamadas telefónicas lo unió nuevamente a Chris Wood y al baterista Capaldi, de quienes andaba necesitando una manito. Encontrándose los tres en el estudio, decidieron revivir Traffic. Fue así que el que iba a ser producto solista de Winwood se convirtió en otro disco, quién sabe si el mejor en la historia de Traffic: John Barleycorn Must Die. La nueva etapa del entonces trío, se extendió hasta 1974.

SOLO
En 1977, finalmente, publica su primer disco autotitulado Steve Winwood, en cuya carátula aparece el artista, en una gráfica del famoso Fin Costello. En ese lanzamiento, se encarga de las guitarras, teclados, sintetizadores y voces, e invita a Capaldi y a varios percusionistas más.

En las siguientes dos placas, Winwood, se responsabiliza de todos los intrumentos. Arc of a Diver, de 1980, llegó a lo que llaman Platino. "While You See a Chance", fue su caballito de batalla. En 1982, llegó otro Platino: Talking Back to the Night. En este solo tuvo la ayuda de Nicole Winwood, en coros. Y, al igual que en el anterior, el tantas veces galardonado Will Jennings fue coautor de los temas. "Valerie" fue, por esos días, el que le llenó sus cuentas bancarias.

Cuatro años más tarde, aparece Back in the High Life, el que se convirtió en su disco de mayor éxito comercial. Vendió más de cinco millones de copias, teniendo en "Higher Love" y "Back in the High Life Again", en sus más populares temas. La obra completa, nuevamente, fue escrita a dúo con Jennings.

"Dear Mr. Fantasy". Steve Winwood con algo de la era Traffic.

El 88 hizo Roll With It, cuyo tema principal llegó a número uno. Todo lo que vino después, incluyendo su trabajo con Tito Puente y Arturo Sandoval, en 1998, fue ignorado por los medios, sin afectar su calidad.

Traffic fue inmerso en el Rock and Roll Hall of Fame, en 2004 (un poco tarde para mi gusto). El que alguna vez fue considerado "la voz soul más prominente" aparecida en Gran Bretaña, incluso antes que Joe Cocker, sigue rodando con las canciones que compuso durante las cuatro últimas décadas. Actualmente, Winwood, se encuentra de gira en Inglaterra, haciendo lo que le gusta y aprendió desde muy joven.

El 28 de julio se reunirá con su viejo amigo Eric Clapton, no para celebrar la independencia del Perú, pero, para apoyar el centro de rehabilitación que Clapton fundó en Antigua. Se cree que, durante el Crossroads Guitar Festival, en Chicago, revivirán el proyecto que, en 1969, quedó inconcluso: Blind Faith, a pesar de que Rich Grech se fue al cielo, y Ginger Baker aún no ha dicho ni pío.

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de abril de 2007

NOTA: "Voodoo Chile" de Jimi Hendrix cuenta con el órgano Hammond de Steve Winwood y se encuentra en la pieza de colección llamada, Electric Ladyland. Dura 15 minutos. Jimi tenía 26 años; Winwood, 19.

Don Pedrito y Don Enrique
LEYENDAS DE CARNE Y HUESO

Una mañana de julio de 1980, llegué por primera vez a Radio Miraflores como participante de un concurso de "nuevas voces" que auspiciaba la emisora. Por ahí andaban, entre los 492 inscritos, Jorge Muñiz, Dennis Contreras, Henry Venegas y, hasta el posterior congresista, Gustavo Pacheco, a quienes conocería días después. En la oficina me informaron que el encargado era Enrique Llamosas, un reconocido locutor y disc jockey desde los años sesenta. Don Enrique, como se le llamaba en los predios de la radio, era una voz singular de la estación y a quien yo relacionaba con The Marmalade, The Hollies y Argent, por mencionar solo a tres. Lo recordaba casi desde siempre y solo lo había visto una vez, años atrás, cuando, en una camioneta amarilla llena de regalos, sobreparó para preguntar: - Y tú, ¿qué radio escuchas? Y solo por contestar, Radio Miraflores, me hizo entrega de varios presentes, entre los que recuerdo, desodorante Rexona y productos Karinto. Yo escuchaba Radio Atalaya.

A la izquierda, Pedro Roncallo, durante el Noticiero El Momento. A su lado, Enrique Llamosas.

Todo lo que hizo don Enrique en la primera etapa del concurso fue alcanzarme el periódico del día para que lo leyera en el "submarino amarillo", que era la pequeña sala de grabaciones del primer piso (bautizada por Diana García), la que, debajo de la escalera, estaba a cargo de Alfonso Rojas Bardález. Lo que vino inmediatamente después, fueron nervios y las yemas de mis dedos manchadas con la tinta del periódico. Aparentemente, no leí tan mal, pues, aunque con manos manchadas, pasé a la siguiente fase.

Durante esos días de prueba también conocí a Pedro Roncallo, característica voz de Radio Miraflores casi desde que se fundó, en 1935. Porque Radio Miraflores es la emisora comercial más antigua del Perú. Las pocas que se fundaron antes, desaparecieron o fueron adquiridas por otros dueños, y se les cambió la nomenclatura.

Pedro Roncallo, una persona sencilla con una natural forma de hacer locución, era casi la antítesis de don Enrique. Pero, los dos, a la hora de trabajar, hacían un team cuasi perfecto, y, agregaría, también cuando estaban fuera de los micrófonos. El tiempo me dio la oportunidad de compartir labores con ambos. Tal vez, un poco más con don Pedrito, pues mi labor como programador musical de la radio, en dos ocasiones, me hizo estar más cerca de él, quien era el encargado del Departamento de Noticias.

Luego de visitar el blog de Julio Santos, disc jockey de Radio Miraflores durante los últimos diez años, me topé con este video. Y, con el más feliz recuerdo y gratitud, me felicito de verlos -a la distancia y el tiempo-, seguir adelante en el informativo ("El Momento"), que ya conducían cuando yo llegué a la radio en busca de una oportunidad. Y recibí el apoyo de ambos. De eso van a ser 27 años.

Javier Lishner
San Jose, California
3 de abril de 2007

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No hay tiempo para más
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Londres (AP).- La banda británica Rolling Stones informó la inmediata cancelación de su gira europea que había anunciado hace una semana, arguyendo problemas entre dos de sus integrantes.
La nota de prensa enviada por la empresa promotora que maneja la carrera del grupo inglés fue precisa en informar que algo más que un entredicho entre el vocalista Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, ha dejado al grupo al borde de la separación definitiva.
Ron Wood, guitarrista del conjunto, no estuvo disponible para comentar la noticia. Por su parte, el otro miembro original de la banda, Charlie Watts, dejó a su asistente de prensa revelar su posición ante el hecho. "No es la primera vez que sucede este tipo de líos en el núcleo de los Rolling Stones. Es mi deseo firme y sincero que el final sea el de siempre, en donde prevalezca el razonamiento de las dos partes. De no ser así, me veré obligado a anunciar mi retiro definitivo de la música", reveló Ethel Fletcher, en nombre del veterano baterista.
Fuentes periodísticas de Internet afirmaron que Mick Jagger, de 63 años, y desde 2002, Caballero del Imperio Británico, esta vez no está dispuesto a acceder la demanda de la otra parte involucrada, aunque no se reveló a qué demanda se refiere. Keith Richards, 63, por su parte, puntualizó, "Cuarentaicinco años juntos fueron suficientes. Por mi lado, esta máquina llamada Rolling Stones no rodará más". Por lo menos, hoy, que en Estados Unidos se celebra el April Fool's Day o Día de los Inocentes.

The Rolling Stones
THE LAST TIME? OH, NO!

De esta gira también se dijo que era la última. Y es que el recuerdo de la separación de los Beatles, tan solo tres años antes, tenía al mundo inseguro sobre el futuro de sus grupos de rock. Con los Stones, no pasó. Creo, al igual que CacaoRock, que, "this could be the last time", fue una muy buena estrategia de marketing que les dio buen resultado. Muy aparte de sus cualidades artísticas, claro está. Aunque también es cierto que los constantes jaleos, entre Jagger y Richards, bien pudieron derrumbar en un dos por tres la ciencia del mercadeo.

El siguiente video muestra a la banda inglesa en 1973, mientras tuvieron en sus filas al mejor de sus guitarristas: Mick Taylor.

"Street Fighting Man". Los Rolling Stones en 1973

La gira de 1973 no estuvo relacionada a ninguno de sus discos y, más bien, fue como una prolongación de su tour americano del año anterior. Esa vez llegaron a Australia, Hawaii y Europa.

El año lo empezaron en el Forum de Los Angeles, actuando para las víctimas del terremoto en Nicaragua, el que había acontecido el mes anterior. Aquella vez, Santana, se sumó a la obra benéfica que tuvo a Bianca Jagger, la esposa nicaragüense del vocalista, como principal promotora.

Tres días después, el 21 de enero, mientras yo cumplía años en Lima, la banda actuaba en Honolulu. Las fechas de Japón, a pesar del sold out, se suspendieron por la decisión del gobierno japonés de no dejarlos ingresar al país, por su pasada relación con las drogas.

The Advertiser Entertainment de Honolulu. Enero de 1973

Las tres presentaciones en el Honolulu International Center, que fueron teloneadas por ZZ Top, se constituyeron en la última vez que Mick Taylor tocó con los Stones en territorio estadounidense. Lo demás es historia.

Javier Lishner
Santa Clara, California
1 de abril de 2007