En Lima
STING CAUTIVÓ A PERUANOS

Cualquiera que lo escuchara a través de Radio Ritmo, pensaría que únicamente le gustan las baladas, y la música en español. Cualquiera que supiera que ha entrevistado a artistas como Ricardo Montaner, Myriam Hernández, Pablo Herrera, Alejandro Lerner, Camila o Reik, diría que su mundo musical es el iberoamericano. Pero, no es así. A Fernando Arrieta Gómez, el locutor de Radio Ritmo Romántica, le gusta mucho más que eso. The Police, por ejemplo. Bueno, ese es más que un ejemplo. The Police es su favorito desde casi la primera vez que los escuchó, y aún era niño. Lo cierto es que Fernando estuvo anoche en el Estadio Monumental de Lima, Perú, delante de su artista favorito, Sting, y se dio tiempo para enviarnos una reseña de lo que vivió al lado de decenas de miles de personas que llegaron hasta el coloso de Ate para ver al artista inglés. Aquí, la crónica de Fernando.

FOTO: La República

Hay una frase del escritor brasileño Pablo Coelho que dice: "Cuando quieres realmente una cosa, todo el Universo conspira para ayudarte a conseguirla". Yo tenía un sueño, un sueño que albergué por más de veintisiete años, esperando que algún día Gordon Matthew Sumner, más conocido en el mundo artístico como Sting, llegara al Perú. Y el sueño se hizo realidad ayer. Fue una noche mágica que se inició en la Explanada del Monumental con los acordes de "If I Ever Lose My Faith in You" del álbum Ten Summoners Tale, y que nos presentó a un Sting vestido de negro para la ocasión. Los fans iniciábamos el recorrido a través del firmamento musical de Sting y el clásico de Police, "Every Little Thing She Does Is Magic", que hizo mover a todos. Escuchar esta versión al compás de la Orquesta Sinfónica Nacional, en manos de su director Steven Mercurio, fue increíble. El maestro demostró una impresionante energía durante toda la noche. "Englishman In New York" nos llevó de nuevo por los años ochenta. Es conocida la debilidad del artista por el jazz y, ese disco, Nothing Like the Sun, publicado en 1987, que contó, entre otros, con la colaboración de sus colegas Eric Clapton y Mark Knopfler, fue todo un desafío en su carrera.

FOTO: La República

Siguió con otro clásico de The Police -y tal vez el más importante-, "Roxanne", que se pudo disfrutar con nuevos arreglos. Distinta a la versión que en 2007 escuché en el Estadio de River durante la gira del trío británico. Sin embargo, para la mayoría de seguidores fue el delirio total. Más tarde, una pareja de baile acompañó a Sting con la relajante "When We Dance", y, luego, los recuerdos de la Guerra Fría asomaron en la noche de Lima con "Russians", una canción que ni en sueños pensé escuchar... aunque la gira lo amerite.

Hasta que llegaron los acordes de "Shape of My Heart", la que arrancó muchos aplausos. La balada más conocida en la carrera solista de Sting, se imponía en los corazones de las seguidoras y de los románticos, seguida de "Fields of Gold". No obstante, la adrenalina subía al máximo cuando un tema de la era punk, "Next to You", incluido en su álbum debut [Outlandos d'Amour], sorprendió al público, haciendo saltar hasta a los más tranquilos.

Tras un receso de veinticinco minutos, Sting volvió para arremeter con "A Thousand Years" y "This Cowboy Song". Más adelante llegaría otra grata sorpresa con "Moon Over Bourbon Street", tema sacado de su primer disco como solista The Dream of the Blue Turtles. Fue una maravillosa interpretación, vistiendo un abrigo y creando el ambiente denso y peligroso del hombre lobo que relata la canción... Los aplausos continuaron con "Mad About You".

Es posible que la interpretación más intensa para él, y es una visión muy personal, llegara con "Why Should I Cry for You?", dedicada a su padre, con quien nunca tuvo una buena relación, y, según el propio Sting, nunca llegó a cerrar el círculo. ¿Por qué tendría yo que llorar por ti?, ¿qué significaría decir... yo te amé a mi manera? Preguntas que Sting soltaba al viento mientras la noche se hacía más noche.

FOTO: Luis Choy / El Comercio

Luego de aquella catarsis musical, llegaría el momento que para mi pagó la noche, "King of Pain", interpretada al más puro estilo Police, con un Dominic Miller genial en la primera guitarra y el sentimiento del vocalista gritando al cielo "I'll always be king of pain". El tema capturó al público presente y, de paso, me hizo soltar algunas lágrimas. Pero de felicidad. Significaba estar nuevamente con el sabor de Police en los labios. Qué belleza de momento.

"Every Breath You Take", poderosa, desbordante de celos y de promesas. Un verdadero clásico que todos conocen a la perfección. "I'll be watching you!". Era el momento más emotivo y delirante de la noche. Y sabíamos que faltaba muy poco para el adiós; sin embargo, tres despedidas fueron necesarias para ello, además del infaltable chullo peruano y el esperado "¡Gracias Lima!".

FOTO: Luis Choy / El Comercio

"Desert Rose" encendió de nuevo el ambiente. "She's Too Good for Me" hizo lo suyo tanto como la poética "Fragile", que nos hizo recordar las giras de Amnistía Internacional, de las que Sting siempre fue una de las figuras. El show tenía que despedirse con un clásico de The Police. Y fue con "Message in a Bottle", en estilo acústico, con todos coreando el "Sending out at an S.O.S!". Era el punto final para una noche que nunca podría olvidar. "Cuando quieres realmente una cosa, todo el Universo conspira para ayudarte a conseguirla", pensaba mientras volvía a casa. Sí, un sueño se cumple si se lleva siempre en el corazón. Y así pasó. ¡Gracias Sting! (Fernando Arrieta Gómez).

Javier Lishner
Santa Clara, California
24 de febrero de 2011

BIBLIOTECAS PÚBLICAS

Son edificaciones de todo tamaño dependiendo de la localidad en la que sirven. Y es un servicio que debería de haber en toda ciudad. Las bibliotecas son edificios públicos generalmente construidos con el dinero de los contribuyentes, y cuya misión es servir a la población que tiene en ellas una inmensa fuente de datos, necesaria para la educación, crecimiento y desarrollo de toda persona. En un breve recorrido por el área donde resido, el que me tomó poco menos de una semana, pude visitar varias de ellas. En realidad, me las conocía casi de memoria... A continuación, algunas gráficas caseras y la distancia de cada una con relación a un mismo punto de la ciudad.

Berryessa Branch Library, City of San Jose
10 millas

Biblioteca Latinoamericana Branch Library, City of San Jose
4 millas

Cambrian Branch Library, City of San Jose
7 millas

Campbell Library, City of Campbell
4 millas

Cesar Chavez Library, San Jose City College
1 milla

Dr. Martin Luther King, Jr. Library,
San Jose State University
4 millas

Hillview Branch Library
7 millas

Milpitas Public Library
12 millas

Rose Garden Branch Library, City of San Jose
1 milla

Santa Clara Library, City of Santa Clara
4 millas

Saratoga Library, City of Saratoga
10 millas

Tully Community Branch Library, City of San Jose
8 millas

West Valley Branch Library, City of San Jose
4 millas

Estas bibliotecas dan servicio a más de un millón de personas. Esa es la población aproximada que tiene la ciudad de San Jose, en California. A su alrededor, ciudades como Santa Clara, Campbell y Milpitas, albergan a unas cuantas decenas de miles de residentes más. A diferencia de hace unos años, las bibliotecas (del griego βιβλίον que signfica libro), que únicamente ofrecían libros y otro tipo de material impreso, como periódicos y revistas, hoy, también contienen material sonoro y videográfico. Películas y música, incluidas. Además, todas brindan computadoras y servicio gratuito de Internet a sus visitantes.

A pesar del avance tecnológico, las bibliotecas son para el conocimiento, lo que los árboles para los pulmones. Y cuando veo que las bibliotecas no existen, o que recortan sus turnos por falta de presupuesto, lamento el hecho tanto como cuando veo que talan un árbol. Porque las bibliotecas, como los árboles, son para mi sinónimo de existencia. (FOTOS: Javier Lishner).

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de junio de 2010

Arena Hash

HUBO UN TIEMPO QUE FUE HERMOSO...

La siguiente fue una entrevista que le realizamos a Arena Hash, grupo peruano que, a fines de los ochenta, arrasó en el mercado local de la música. Fue publicada en julio de 1991, mientras se reorganizaban para volver al ruedo y mantener su importante ubicación en la escena. Por esos días, andaban preparando una gira nacional que iba a comenzar en la capital, el 20 de julio de ese año. Arena Hash fue un excelente primer paso para cada uno de sus miembros, algunos de los cuales, hoy, gozan de reconocimiento internacional. Aquí la nota.

ARENA HASH: "AHORA SOMOS EMPRESARIOS"

"Cuando la cama me da vueltas" fue, en 1988, el primer tema de grupo peruano alguno que llegó al primer lugar en las listas anuales de las principales emisoras de música juvenil -ahora tan venidas a menos- en nuestro país. Han pasado tres años y las condiciones para el grupo no son tan favorables como lo fueron aquella vez. No obstante, Arena Hash trabaja actualmente para superar aquel éxito que, a decir verdad, los tomó desprevenidos. Pedro Suárez-Vértiz, Patricio, su hermano; Christian Meier y Arturo Pomar, están seguros de que ahora, como empresa, las cosas pueden ser mejores.

[LA HISTORIA] "Gracias a Miki Denegri, ex guitarrista de La Banda Azul, y ahora en Miami, conocimos a Christian. Alex, nuestro guitarrista original, se acababa de alejar del grupo, y, a sugerencia de Manuel Garrido Lecca, incluimos a un tecladista. No fue fácil dar con uno hasta que conocimos a Christian. Él tocaba muy bien, no le gustaban las complicaciones y era muy directo. "Con Christian grabamos nuestro primer disco", es lo primero que dice Pedro, el cantante, guitarrista y compositor de la mayoría de los temas del grupo, al recordar los inicios de Arena Hash.

"Muy importante fue el congeniar entre nosotros, teníamos casi la misma edad y todo eso...", dice un risueño Arturo, baterista del conjunto. A lo que Christian agrega: "Recuerdo que la primera vez que hablé con ellos fue por teléfono, lo hicimos por espacio de una hora. Hasta que un buen día, Patricio y Pedro, se aparecieron en mi casa y ¡oh, impresión! Era octubre del 87. Recién en enero del siguiente año comenzamos las grabaciones del disco".

- ¿Esperaban el éxito que obtuvieron?
- "Nuestra intención, lógicamente, era llegar lejos pero no tanto como lo conseguimos. La verdad que eso nos cayó de sorpresa. Todo fue tan rápido. Recién comenzábamos y como que el escenario nos quedó grande", puntualiza Patricio, el bajista.


[SEGUNDA PRODUCCIÓN] "Luego de la gira que nos dio el primer disco, descansamos un tiempo y, a decisión de Manuel, nuestro productor, nos preparamos para grabar la siguiente placa. Y tuvimos tantos problemas como ganas de trabajar. Varios caímos en cama -tres hepatitis de por medio- y Arturo viajó a Estados Unidos. Fuimos más piñas que Def Leppard. Por ello es que la grabación duró cerca de un año...", recuerda Christian. "Todo demoró más por los permanentes apagones, los grupos electrógenos y todo eso...", agrega Arturo.

[NUEVO LANZAMIENTO] "El nuevo trabajo apareció en enero de este año y no es un disco más. Por eso le vamos a sacar el jugo. También ofreceremos espectáculos de primer nivel", afirma Patricio.

- Pero ahora las condiciones para el rock son más complicadas. Predomia el ritmo latino. Son pocas las emisoras que han mantenido su línea...
- "Es verdad, pero de eso estamos conscientes. El rock siempre está rotando y creo que pronto reaparecerá con todo. El rock es la única música que avanza. Creo que ya había saturado. Bueno, como cada diez años... Muchos estábamos cansados de oír tantas "poisonadas" hasta que llegó Juan Luis Guerra, un genio. Fue un respiro. Tenía que ser beatlemaníaco. Él llegó en el momento preciso, como nosotros, también en 1988. Si "Cuando la cama me da vueltas" hubiera salido ahora, no hubiera tenido el éxito que obtuvo hace tres años".

[PLENA LABOR] ¿Quién es el que decide los temas? Patricio responde: "Creo que lo fundamental es que hemos aprendido a ser democráticos con nuestros oídos. Escuchamos todo tipo de música". Y Arturo agrega, "Tiene razón. La opinión de cada uno es importante. Cada opinión la analizamos entre todos. Yo, por ejemplo, escucho música que Patricio no oye, como el rap. A Christian le gusta lo que hace Springsteen. Por eso nuestra mixtura es muy útil".

- ¿Y Manuel Garrido Lecca?
- Ah, es nuestro maestro. Fundamental en nuestro trabajo. Seguramente que sin él no habríamos destacado, por lo menos, en el ranking. Manuel es un gran profesional, sabe lo que hace y lo hace muy bien. Sin él no seríamos lo que somos. Sin desmerecernos, por supuesto.

[LA EMPRESA] Entonces, ¿ganaron dinero en 1988? Patricio contesta que sí hubo dinero. "Vimos plata, pero no como para un grupo número uno. Somos conscientes de la situación del país, pero de todas maneras pues... La verdad es que en aquella época solo vimos nuestros closets llenos de ropa", recuerda el bajista.

"El Rey del Ha Ha Ha". Arena Hash en Aló Gisela. 1991.

Pedro dice: "Creo que todos debemos acomodarnos a la situación del país. Es por eso que ahora nosotros mismos somos productores de nuestros discos y espectáculos. Somos empresarios. Si el 88 impactamos por la novedad, ahora lo debemos hacer por lo musical... Esa fue una época de emoción, fue un buen tiempo de gastadera. Ahora queremos justificar económicamente nuestros esfuerzos". Y el baterista culmina diciendo: "El balance fue decente, pero solo durante seis meses. Dinero no faltó, aunque buena parte de eso sirvió para grabar el nuevo disco".

[JULIO 1991] El día 20 de julio, en el Campo de Marte, Arena Hash romperá fuegos. "Por primera vez un grupo peruano producirá un verdadero concierto de rock", terminan diciendo.

Javier Lishner
Santa Clara, California
2 de febrero de 2008

EL DÍA DEL AMOR Y LA AMISTAD

Alrededor del mundo, hoy, los seres humanos celebramos a San Valentín, también llamado el día del amor y la amistad. Y la música se convierte como el elemento etéreo, ecuánime e imparcial, que une a las dos partes y las hace vivir momentos específicos e inolvidables. Aunque fue muy difícil, elegimos dos temas para la ocasión. La primera por el amor, la segunda por la amistad. Gracias amigos y que pasen un feliz día de San Valentín.

"Melody Fair" - The Bee Gees

"Friends" - Elton John

Que todo sea amor, paz y música. Por un mundo mejor.

Javier Lishner
Santa Clara, California
14 de febrero de 2011

ÉCHEME UNA MANO

En febrero de 1994 llegó a Lima un grupo chileno. Hacía un tipo de música alternativa, muy de moda en ese tiempo. El 22 de febrero visitaron Radio Miraflores y en mi programa, El Gusano Eléctrico, tuve oportunidad de tenerlos como invitados. Todo lo que recuerdo es, como se puede ver en la foto, que eran cuarteto. Y a pesar de su música un poco alterada, amén de su vocalista (quien aparece en la parte delantera del grupo), sus integrantes eran muy tranquilos. Entre lo que también recuerdo de aquella entrevista al aire, es que cuando hablamos de los artistas populares que tenía Chile, y me tocó mencionar a Myriam Hernández, el vocalista contestó: "Myriam Hernández me vale verga". Así, simple y claro. El sorprendido con la respuesta fue más mi operador técnico.

Radio Miraflores. Febrero de 1994.

Aquella tarde, a Radio Miraflores de Lima, también llegó el grupo local Zopilotes, el que por esos días andaba promocionando su primer trabajo, Lenguas salvajes. De sus cuatro integrantes solo asistieron, Carlos Fernández, el cantante; Sergio Flores, el bajista, y Miguel Salazar, el encargado del saxo. Eso lo recuerdo muy bien.

Lo que no puedo recordar es el nombre del grupo invitado. No era conocido. Recién había publicado su primera placa, la cual me dejaron, y como al poco tiempo partí a California, nunca más supe de ellos. Hace unos días encontré esta foto y quisiera ponerle nombre. Solo sé que es chileno, eran cuatro y su disco lo dejé heredado justo antes de viajar.

Cualquier seña será agradecida. Hasta pronto.

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de febrero de 2011

Se reventaron las cuerdas
EL BLUES DE DUELO. EL ROCK TAMBIÉN

Ha muerto Gary Moore. El codiciado guitarrista irlandés de amplia trayectoria solista, y reconocido por sus trabajos con Thin Lizzy, Colosseum II, B.B. King, Greg Lake, George Harrison y con los ex-Cream Jack Bruce y Ginger Baker en BBM, fue encontrado muerto esta mañana en su habitación de hotel mientras andaba de vacaciones en España. Su sitio de Internet, que a esta hora de la tarde [hora californiana] se vino abajo por la cantidad de visitas, solo lamenta la pérdida y, con pena y tristeza, acompaña a sus hijos y demás familiares en el dolor. Rock Around the Blog se aúna al sentimiento.

Gary Moore (1952-2011), Rock In Peace.

Javier Lishner
Santa Clara, California
6 de febrero de 2011

Día Nacional del Pisco Sour
PISCO SOLO HAY UNO

El pisco es un aguardiente de uva que se produce en la región de Ica, Perú. De acuerdo a algunos conocedores, el pisco debe ser suave y aromático. Como cada primer sábado de febrero se celebra en el Perú, el Día Nacional del Pisco.

RECETA PARA PREPARAR PISCO SOUR

1 clara de huevo
1 onza de jarabe de goma
2 onzas de pisco
1/2 de onza de jugo de limón
hielo picado
amargo de angostura

Batir la clara de huevo con el jarabe de goma. Agregar el pisco, jugo de limón y hielo. Mezclar bien y servir agregándole al final dos gotas del amargo de angostura. Levantar el vaso y hacer salud! (FOTO: Internet).

Javier Lishner
Santa Clara, California
7 de febrero de 2009

Feb. 3, 1959

THE DAY THE MUSIC DIED

Fue Don McLean quien, en 1971, hizo popular una hermosa melodía que tituló "American Pie". En ella, el cantautor neoyorquino escribió un homenaje a Buddy Holly, Big Bopper y Ritchie Valens, y al rock and roll en general, pero, principalmente, a Holly, el cantante tejano de 22 años y lentes de pasta negra, ídolo de su adolescencia.

"It Doesn't Matter Anymore" fue paradójicamente su última grabación.

El 3 de febrero de 1959, la música sufrió un paro respiratorio cuando el pequeño avión (un Beechcraft Bonanza) en el que iban los tres conocidos artistas cayó cerca de Mason City, Iowa. El artefacto aéreo acababa de despegar luego de que el elenco había participado de una actuación en el Surf Ballroom de Clear Lake. El destino de la nave era Fargo, en North Dakota. Pero nunca llegó.

Buddy Holly influenció a muchos. Entre los más conocidos, un grupo llamado los Beatles. No solo por la melodía que le puso al rock and roll sino hasta en el nombre de su grupo de acompañamiento al que llamó The Crickets. Dicen que los "grillos" inspiraron a los "escarabajos" que iban haciendo sus pinitos al otro lado del Atlántico. Por esos días, Holly andaba escribiendo, interpretando y produciendo sus propias canciones, algo que no hacía ni el mismo Rey del rock and roll, quien fue la mayor influencia de Holly cuando una vez llegó a su natal Lubbock, Texas. Pero esa madrugada de febrero, bordeando la una de la mañana, hora de Iowa, una tormenta de nieve hizo que el piloto perdiera el control. Todo lo demás quedó en los predios de la historia, incluyendo aquello de que el bajista Waylon Jennings, quien formaba parte del grupo de Buddy Holly, a último minuto, cedió su asiento de la aeronave a J.P. Richardson, el reconocido disc jockey tejano, Big Bopper.

Homenaje a los caídos en el lugar del accidente. (FOTO: Dennis Fernkes).

Con Elvis en el ejército, Chuck Berry arrestado por levantar a una prosti, Jerry Lee Lewis enfrascado en el escándalo del matrimonio con su sobrina de solo 13 años, y Little Richard haciendo música gospel, aquel día, temprano en la mañana, el rock and roll quedó en manos del destino. Y el destino fue generoso.

Javier Lishner
Santa Clara, California
3 de febrero de 2007

NOTA RELACIONADA:
- "AMERICAN PIE" - DON McLEAN

TERRY KATH: Wishing You Were Here

Algo de lo que más recuerdo sobre Terry Kath, es cuando Jimi Hendrix declaró que el afamado guitarrista de Chicago era mejor que él. Terry Alan Kath había nacido el 31 de enero de 1946 y, como la mayoría de adolescentes de su generación, interesados en la música, empezó tocando covers de The Ventures. En 1967, se une a otros muchachos del área y, juntos, forman The Chicago Transit Authority.

Un día de 1968, encontrándose Hendrix en Los Angeles, fue a ver a Chicago. La banda ya había reducido su nombre. Chicago se presentaba esa noche en el famoso Whisky A Go-Go. Terminada la sesión, Jimi se acercó a Walter Parazaider, el saxofonista, y le dijo, "Tu guitarrista es mejor que yo".

Diez años después, en 1978, mientras andaba de farra en una fiesta con amigos del grupo en los alrededores de Los Angeles, Kath fue a sacar su pistola, una calibre 38. Dicen que bromeó a algunos aduciendo que aquella no estaba cargada. Se la puso en la cabeza y disparó. Estaba cargada. El resto es historia. Otros dicen que simplemente la sacó para limpiarla. Y mientras la limpiaba, apretó accidentalmente el gatillo y pum! El final fue el mismo.

Las páginas de los medios escritos de la época le dedicaron sendos artículos. La noticia llegó a Latinoamérica y, Pelo, la revista argentina de rock que editaba Osvaldo Ripoll, le dedicó una flamante nota. Y es que Kath no era cualquiera. No solo era el líder de Chicago sino un maestro de la guitarra, un prolífico compositor y un magnífico cantante. Pero todo quedó ahí aquella tarde del 23 de enero del 78 en Woodland Hills, California.

Después del apremio, Peter Cetera sacó ventaja como vocalista y el grupo en pleno decidió seguir adelante, convirtiéndose, tal vez, en la banda de rock (soft-rock, jazz-rock o como se le quiera llamar), más longeva de la música norteamericana. Porque a diferencia de otros, Chicago nunca dio tregua.

El Año Nuevo de 1975, con Kath en el bajo y Cetera en la guitarra, Chicago tuvo el acompañamiento, en coros, de los no menos famosos Beach Boys, Carl Wilson, Dennis Wilson y Al Jardine, quienes habían participado en la grabación original de esta joya llamada "Wishing You Were Here". Que la disfruten. Y que en paz descanse Terry.

Javier Lishner
Santa Clara, California
2 de enero de 2008

Perú Rock

EL DÍA QUE NOS PIRATEARON EL NOMBRE

En 1991, un grupo de jóvenes empresarios arequipeños había decidido tomar el nombre del otrora programa de radio limeño y de su respectiva gira, la que, al igual que el programa, había terminado casi abruptamente a raíz del "paquetazo" económico del primer gobierno de Alan García Pérez.

Por esos días andábamos residiendo en Ica, al sur de la capital, y casi terminando nuestro contrato de seis meses en la dirección de Radio Efextos, la nueva FM de esa hermosa tierra del sol. Pero, más al sur, en Arequipa, tuvimos otro trabajito extra. La de cuidar el nombre de Perú Rock, el cual, con Sammy Sadovnik, habíamos patentado tan pronto decidimos esa nomenclatura al lado de nuestro asesor publicitario y amigo, Freddy Chirinos Peña.

El arribo de quien suscribe a Arequipa cayó de sorpresa no solo al elenco artístico que llegaba de Lima sino a los mismos empresarios, quienes de inmediato ofrecieron las disculpas del caso y, como siempre ha sido la costumbre arequipeña, atendernos de la mejor manera. A esas alturas, a nosotros no nos quedaba más que apoyar el intento. Lo otro hubiera sido entablar una acción legal que, en el Perú, tal vez, no hubiera llegado a ningún cause. Además, el empeño puesto en la producción no merecía ser como el perro del hortelano, como, coincidentemente, diría años después García Pérez.

A continuación, la crónica del evento de dos días realizado en el coliseo de la Ciudad Blanca, al que habíamos asisitido en varias ocasiones desde los días de La Más Más. Apareció en las páginas del diario peruano Expreso, el 25 de septiembre de 1991.

SEIS GRUPOS PARA UN FESTIVAL
Sólo faltó el público

Llegamos a Arequipa procedentes de Ica, ciudad en la actualmente residimos. El objetivo era uno: estar presentes en el festival de rock que el grupo Excalibur había anunciado para el viernes 20 y sábado 21, con las actuaciones de Catedral de Humo, We All Together, Frágil, Rio, Nina Mutal y Miki González. Después de todo, eventos como éste no se dan todos los días.

VIERNES 20:
CATEDRAL DE FUERZA
Faltando dos minutos para las veinte horas, el coliseo cerrado de la blanca ciudad estaba listo para el inicio. "Violación" fue el tema elegido por Catedral de Humo, un quinteto local de experimentados músicos, para dar inicio a su espectáculo.

Alfredo Villavicencio (voz), Roberto Otoya (guitarra), Pedro Requena (bajo), Lucho Escobedo (bajo), y Oscar Chaúd (batería), interpretaron un set de ocho canciones de las que hicieron un bis de "Violación" y "Sueños del alma".

Con fuerte influencia de los setenta, Catedral fue, con temas propios, un buen comienzo para el festival de dos días que los organizadores denominaron Perú Rock 91.

WE ALL TOGETHER, SIEMPRE
Pasadas las 21 horas, Carlos Guerrero subió al escenario con sus compañeros, al momento que el público, apostado en las graderías, decidió bajar a la cancha.

"Carry On Til Tomorrow", fue solo una muestra -la primera de muchas- que Guerrero junto a Varvarande, Samamé, Pacheco y Saldarriaga, mostrarían muy bien sobre el gran escenario que de fondo lucía el logotipo del espectáculo (que no era el mismo que patentamos hace unos años con Sammy Sadovnik).

FRÁGIL NO ES TAL
Demostrando una vez más que, en su larga carrera de quince años, el quinteto no tiene nada de lo que significa su nombre, Dulude, Bustamante, Valderrama, Castillo y Durand, dieron el súper show de la noche. No en vano pasan los años y los ensayos en Jirón Yurúa del distrito de Breña.

Frágil, para el final, dejó sus populares "Como un loco" y "Avenida Larco", esta última solicitada desde los primeros minutos que los músicos subieron al estrado.

La energía de su cantante y el sentimiento de todos, amén de su reconocida calidad, hicieron de Frágil lo más destacado de la primera fecha.

Boleto de cortesía en Arequipa (Archivo Perú Rock).

SÁBADO 21
RIO, EL MEJOR
Con menos asistencia que la noche anterior, Rio andaba preparado para iniciar su presentación. Hacía un mes, el grupo solo había llenado el mismo recinto. Esta vez lo hacía compartiendo el cartel con Nina Mutal y Miki González.

"Al Norte de América" marcó el punto de partida del quinteto de Pueblo Libre. Rio no perdió tiempo en modular su sonido.

Pocho, Cucho, Chachi, Lalo y Armando, nos sorprendieron con una nueva y larga versión de "Son colegialas", la que no presentaba en vivo desde hacía mucho tiempo. También con el avance técnico del grupo que, actualmente, hace uso de los modernos secuenciadores. La ciencia y la tecnología al servicio de Rio, lo mejor del festival. Buen sonido, conocidos temas, carisma y popularidad, la que tienen de sobra en Arequipa, fueron suficientes para su presentación que duró cerca de hora y media.

NINA, SE SIENTE EL RITMO
"Una y otra vez" mostró la figura de Nina Mutal en el escenario. Con el estrenado "Siente el ritmo", la artista agradeció al público. Con "Mírame", Nina demostró sus notables progresos como artista y cantante. "Lo que quiero", otro estreno de la noche, y "Cuerpo a cuerpo", le sirvieron para ser muy aplaudida y despedirse de la platea que, a esa hora -las once de la noche- no era mucha.

La banda de Nina Mutal es muy buena. Nos agradó el trabajo del teclista. El guitarrista, por su parte, le da mucha fuerza a las canciones.

MIKI, SABOR
Finalizado el festival realizamos una breve encuesta entre los asistentes a los dos días del evento. El triunfador fue Miki González. Y es que Miki sabe cómo hacerla.

La presencia de la familia Ballumbrosio en el escenario arequipeño, como era de esperarse, le dio un toque único a su show. Sobre todo, cuando pasadas las doce de la noche, el cantautor y guitarrista invitó a don Amador, padre de los muchachos y maestro del violín y el zapateo. Palmas para don Amador, palmas para Filomeno. Más palmas para el maestro, más palmas para su hijo. El espectáculo se convirtió en aplausos, baile, color, aquel que le pone el sabor chinchano que Miki González bebió en El Carmen.

Un envidiable final para un festival en el que hubo organización, buen trato, nivel artístico, mucha promoción y, en el que solo faltó el respetable, base fundamental para el éxito.

Javier Lishner
Santa Clara, California
15 de abril de 2008

JONATHAN LIVINGSTON SEAGULL - "Be"

Si algún día me pidieran llevar cinco discos a una isla desierta, no dudaría en elegir entre ellos el Juan Salvador Gaviota de Neil Diamond. Posiblemente, los otros cuatro serían música para locos, como hace cuatro décadas algunos le llamaban a mi música favorita. Entre ellos, seguramente, alguno de Jethro Tull.

Richard Bach es un escritor norteamericano nacido en Oak Park, Illinois. Uno de sus más famosos libros lleva por título Jonathan Livingston Seagull, el que publicó en 1970. Debido a su extraordinario éxito en ventas, y a solo tres años de su publicación, la Paramount Pictures decidió hacer una película. Fue dirigida por Hall Bartlett, quien por coincidencia había nacido un día como hoy, en 1912. En 1974, el filme, en el que no participó ningún actor, y más bien fue realizado con imágenes naturales, no fue bien recibido ni por la crítica ni por el público que, seguramente, andaba esperando ver películas como El Exorcista, Dillinger o La Aventura del Poseidón. No obstante, fue nominado a dos premios de la Academia. Ese mismo año, ganó un Golden Globe y un Grammy. Ambos, gracias al talento de uno de los mejores compositores de nuestro tiempo: Neil Diamond, quien escribió la música.

"Be"
(Letra: Richard Bach / Música: Neil Diamond)

Lost
On a painted sky
Where the clouds are hung
For the poet's eye
You may find him
If you may find him
There
On a distant shore
By the wings of dreams
Through an open door
You may know him
If you may

Be
As a page that aches for a word
Which speaks on a theme that is timeless
While the one God will make for your day
Sing
As a song in search of a voice that is silent
And the Sun God will make for your way

And we dance
To a whispered voice
Overheard by the soul
Undertook by the heart
And you may know it
If you may know it

While the sand
Would become the stone
Which begat the spark
Turned to living bone
Holy, holy
Sanctus, sanctus

Be
As a page that aches for a word
Which speaks on a theme that is timeless
While the one God will make for your day
Sing
As a song in search of a voice that is silent
And the one God will make for your way

El año anterior, Diamond había publicado un apetitoso álbum que marcó toda una época. Se llamó Hot August Night. El disco doble, que fue en vivo, fue grabado el 24 de agosto de 1972 y resultó ser parte de una serie de diez noches que el cantautor neoyorquino había hecho en el Greek Theatre de Los Angeles.

"Be", parte del Juan Salvador Gaviota, si bien a algunos nos trae cierta nostalgia por la época y los lugares en que lo escuchamos [en mi caso personal, muchas veces frente al mar], casi a cualquiera podría traerle un poco de paz en este mundo donde cada día necesitamos más de hacer un alto en el camino para revitalizar el espíritu. Creo que la música de Neil Diamond y sus respectivas imágenes, logran ese objetivo.

Si le gusta el mar, las olas, la naturaleza, la paz y la libertad, tal vez esta canción sea para usted. Del álbum en sí, hablaremos otro día.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de noviembre de 2008

ÉRASE UNA VEZ... UN 21 DE ENERO

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de enero de 2011

Etérea rivalidad

NEIL YOUNG vs LYNYRD SKYNYRD

Un día de agosto, mientras andaba en Palo Alto, camino a San Francisco, me tocó escuchar una canción de Lynyrd Skynyrd, grupo estadounidense originado en Jacksonville, Florida. La canción me hizo recordar lo difícil que fue para el conjunto, hace treinta años, levantarse casi de las cenizas luego del accidente aéreo en Gillsburg, Mississippi, en el que perdieron la vida el vocalista Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines y, su hermana, la cantante Cassie Gaines. "Sweet Home Alabama" es parte importante de su historia. En ella, la banda de southern rock respondía a Neil Young por la autoría de "Southern Man" y "Alabama".

"Southern Man" - Neil Young.

Neil Young se dio a conocer en la década del sesenta como integrante de the Buffalo Springfield. Allí, con Young, andaban Jim Messina, futuro compañero de Kenny Loggins, y, Stephen Stills, eterno amigo y socio en el siguiente proyecto de ambos: Crosby, Stills, Nash & Young. El músico, residente de esta Bahía, nació en Toronto, Ontario, en 1946.

En "Southern Man", del álbum After the Gold Rush, lanzado en septiembre de 1970, Young escribió:

"Southern man
better keep your head
Don't forget
what your good book said
Southern change
gonna come at last
Now your crosses
are burning fast"

Años más tarde, en 1974, Lynyrd Skynyrd, en su disco Second Helping, replicó con la que fue una de sus más populares canciones. La controversial "Sweet Home Alabama", escrita por el entonces vocalista Ronnie Van Zant, dice:

"Well, I heard Mister Young sing about her
Well, I heard ole Neil put her down.
Well, I hope Neil Young will remember
a southern man don't need him around anyhow..."

"Sweet Home Alabama". Lynyrd Skynyrd, 1976.

Lo cierto es que mientras iba pensando en toda esta historia, en escasos segundos, el tema de Lynyrd Skynyrd terminaba y, coincidentemente, daba paso a uno de Neil Young. La coincidencia no llegó a tanto pues la 98.5 KFOX transmitió "The Needle And The Damage Done", otro clásico del cantautor canadiense mas no el tema de la polémica.

No mucho tiempo atrás, recuerdo haber visto a Neil Young portando una camiseta de Lynyrd Skynyrd. Me pregunté si lo estaría haciendo para firmar la paz o por burla. De Neil Young, a pesar de su honestidad, nunca se sabe. Y como habla poco y nunca fue parte del mainstream rockero (que otros como Poison o Elton John, le sacaron el jugo), me quedó la duda. Quise creer que el tiempo había acabado con los sinsabores de cuando ambos jugaban al sex, drugs & rock and roll. Existe, incluso, una leyenda que dice que Ronnie Van Zant fue enterrado vistiendo una camiseta de Neil Young. He leído, entre otras cosas, que Van Zant era admirador de Young. Y, también, la contraparte, que "Sweet Home Alabama" está dentro de las favoritas del viejo Neil. De acuerdo a una entrevista en la Revista MOJO, el cantante y compositor asegura que la ha tocado en vivo un par de veces. O sea, la rivalidad pareciera ser una fábula. No obstante, a pesar de ello, muchos seguidores a través de los años han querido abrir la tumba de Van Zant para, de una vez por todas, despejar la incógnita.

Ronnie Van Zant con la imagen de Neil Young. Oakland, julio de 1977.
(FOTO: Michael Zagaris)

Lynyrd Skynyrd estuvo el mes pasado en el área, participando de un festival al lado de Pat Travers y Kenny Wayne Shepherd. En tanto, Neil, acaba de anunciar el Bridge School Benefit, evento anual cuyas regalías van para un centro de niños con problemas de aprendizaje, en Hillsborough, y al cual nos hemos ausentado solo un par de veces en más de una década.

[LA ÚLTIMA LA TRAIGO YO] El Gobernador de Alabama, Bob Riley, hizo público que "Sweet Home Alabama", el título del famoso tema de Lynyrd Skynyrd, es el nuevo slogan del Estado, y formará parte del programa de promoción que cuenta con un presupuesto de cuatro millones y medio de dólares. "La frase es saludable, alegre y cálida...", dijo Riley. Pero lo que no dijo fue si la canción también iba a formar parte del paquete.

Javier Lishner
Santa Clara, California
19 de septiembre de 2007

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LA CANCIÓN DE LA PISTOLA

Hace un par de días, en un mensaje a través de la red, nos pidieron si podíamos colaborar en la búsqueda "de una canción ochentera del tiempo de "Elevator Boy"... Recuerdo que la tocaban en Panamericana y 1160 de Lima. Yo sólo llegué a escucharla una vez cuando el disc jockey dijo, ahí teníamos a los chicos con pistolas". Cuando preguntamos si aquello de "las pistolas" era algo relacionado al nombre de la banda o al título del tema, desafortunadamente, la respuesta no fue algo que nos pudo haber ayudado a ir cerrando la búsqueda.


"Elevator Boy" es un tema de la banda danesa Laid Back, que fue publicado como parte del disco Keep Smiling de 1983. En eso alguien intervino preguntando si es que era una canción "comercialona", y obtuvo por respuesta: "¿Te acuerdas de "I Feel For You" de Chaka Khan? Bueno, es más o menos de ese tiempo. El tema llegó a estar en los rankings de Radio Pananamericana y de 1160". Es otra pequeña ayuda, aunque aún no suficiente para armar el rompecabezas. "I Feel Fot You" es un tema de 1984.

"Elevator Boy" - Laid Back

"Lo único que recuerdo es aquello de "los chicos con pistolas" y que era parecida a "Elevator Boy", es lo último que leemos. ¿Habrá alguno de nuestros visitantes que puediera si quiera acercarnos al título?

Gracias de antemano por cualquier intento. Pero sin balas.

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de enero de 2011

Syd Barrett
EL HOMBRE QUE CREÓ PINK FLOYD

Guitarrista, vocalista, músico y miembro de Pink Floyd desde sus inicios hasta 1968. Roger Keith Barrett nació el 6 de enero de 1946 en Cambridge. Su carrera fue corta pero su influencia fue grande. Al lado de Roger Waters, Richard Wright y Nick Mason fundó Pink Floyd en Londres antes de volver a su ciudad natal. Con ellos publicó dos discos: el psicodélico The Piper at the Gates of Dawn, en 1967, y, el más progresivo A Saucerful of Secrets, un año después. Ambos, cuya producción fue encargada a Norman Smith, el músico que grabó, entre otros, el famoso Rubber Soul de los Beatles.

Luego de Pink Floyd, y de un par de años alejado de la vida pública, Barrett regresó a los estudios Abbey Road para grabar su primera obra solista, The Madcap Laughs, la que concluyó en 1970 con la ayuda de Roger Waters y David Gilmour, su paisano y contemporáneo, dos meses menor que él, quien finalmente ocupó su lugar en Floyd. En la placa también participó Jerry Shirley, baterista de Humble Pie. Barrett, el siguiente intento solista, fue grabado poco días después en los mismos estudios londinenses. Allí volvió a colaborar Gilmour pero no Waters. Más bien lo hizo Wright, quien no solo lo apoyó en el teclado y el piano, sino en la co-producción.

Sin mayor suceso con sus discos en solitario, Syd Barrett decidió regresar a Cambridge donde trabajó con una banda llamada Stars. Con ellos hizo música de sesión. Se sabe que en esa localidad realizó solo tres espectáculos en vivo antes de decidir su retiro. Y el retiro le duró más de treinta años. Se dice que solo se dedicó a la pintura. De acuerdo a Rosemary, su hermana, entre sus hobbies más preciados estaban la fotografía y la jardinería. Fue ella, quien vivía en el área, la persona que el músico tuvo más cerca durante las siguientes décadas.

Pero el 7 de julio de 2006, Syd Barrett, quien desde mediados de los setentas se había recluído por decisión propia, falleció en su residencia de Cambridge. Antes de eso, la leyenda ya había nacido.

Happy Birthday, Crazy Diamond. We all wish you were here.

Javier Lishner
Santa Clara, California
6 de enero de 2009

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