Sencillo, amante de la buena música y la tecnología. Encontró aquí un espacio para compartir experiencias que algún día formaron parte de su vida, dentro y fuera de los medios de comunicación. Y algunas cosas más... Welcome back my friends to my blog that never ends, I'm so glad you could attend. Come inside! Come inside!
Saturday, February 13, 2010
"Il cuore è uno zingaro" SAN VALENTÍN: Nos seguimos poniendo románticos
Este fin de semana alrededor del mundo, los seres humanos celebramos a San Valentín, también llamado el día del amor y la amistad. Y la música no podría estar ausente. Es como el elemento etéreo, ecuánime e imparcial que une a las dos partes y las hace vivir específicos e inolvidables momentos. Elegir una canción para la ocasión sería injusto. Así que, desde ayer y hasta el domingo, estamos compartiendo diferentes melodías que pudieran haber marcado parte de nuestras vidas.
Para todo el año, vaya nuestro saludo de Rock Around the Blog por el día del amor y la amistad. Entre tanto, seguimos poniéndonos románticos en todos los idiomas.
Javier Lishner Santa Clara, California 13 de febrero de 2010
Friday, February 12, 2010
"The Next Time I Fall" SAN VALENTÍN: Nos vamos poniendo románticos
Este fin de semana alrededor del mundo, los seres humanos celebramos a San Valentín, también llamado el día del amor y la amistad. Y la música no podría estar ausente. Es como el elemento etéreo, ecuánime e imparcial que une a las dos partes y las hace vivir específicos e inolvidables momentos. Elegir una canción para la ocasión sería injusto. Así que, desde hoy y hasta el domingo, estamos compartiendo diferentes melodías que pudieran haber marcado parte de nuestras vidas.
Desde hoy, y para todo el año, vaya nuestro saludo de Rock Around the Blog por el día del amor y la amistad. Entre tanto, nos vamos poniendo románticos en todos los idiomas.
Javier Lishner Santa Clara, California 12 de febrero de 2010
"Perdí mi oportunidad" SAN VALENTÍN: Nos vamos poniendo románticos
Este fin de semana alrededor del mundo, los seres humanos celebramos a San Valentín, también llamado el día del amor y la amistad. Y la música no podría estar ausente. Es como el elemento etéreo, ecuánime e imparcial que une a las dos partes y las hace vivir específicos e inolvidables momentos. Elegir una canción para la ocasión sería injusto. Así que, desde hoy y hasta el domingo, estamos compartiendo diferentes melodías que pudieran haber marcado parte de nuestras vidas.
Desde hoy, y para todo el año, vaya nuestro saludo de Rock Around the Blog por el día del amor y la amistad. Entre tanto, nos vamos poniendo románticos en todos los idiomas.
Javier Lishner Santa Clara, California 12 de febrero de 2010
"Più bella cosa" SAN VALENTÍN: Nos vamos poniendo románticos
Este fin de semana alrededor del mundo, los seres humanos celebramos a San Valentín, también llamado el día del amor y la amistad. Y la música no podría estar ausente. Es como el elemento etéreo, ecuánime e imparcial que une a las dos partes y las hace vivir específicos e inolvidables momentos. Elegir una canción para la ocasión sería injusto. Así que, desde hoy y hasta el domingo, estamos compartiendo diferentes melodías que pudieran haber marcado parte de nuestras vidas.
Desde hoy, y para todo el año, vaya nuestro saludo de Rock Around the Blog por el día del amor y la amistad. Entre tanto, nos vamos poniendo románticos en todos los idiomas.
Javier Lishner Santa Clara, California 12 de febrero de 2010
"You Are Not Alone" SAN VALENTÍN: Nos vamos poniendo románticos
Este fin de semana alrededor del mundo, los seres humanos celebramos a San Valentín, también llamado el día del amor y la amistad. Y la música no podría estar ausente. Es como el elemento etéreo, ecuánime e imparcial que une a las dos partes y las hace vivir específicos e inolvidables momentos. Elegir una canción para la ocasión sería injusto. Así que, desde hoy y hasta el domingo, estaremos compartiendo diferentes melodías que pudieran haber marcado parte de nuestras vidas.
Desde hoy, y para todo el año, vaya nuestro saludo de Rock Around the Blog por el día del amor y la amistad. Entre tanto, nos vamos poniendo románticos en todos los idiomas.
Javier Lishner Santa Clara, California 12 de febrero de 2010
Thursday, February 11, 2010
THIN LIZZY: Phil Lynott y la fuerza de un grande
En Dublin, mucho antes que Bono y sus camaradas tuvieran idea de lo que les depararía el futuro, hubo un grupo de jóvenes que, en 1969, decidieron unir sus sueños y respectivos talentos, y bautizar a Thin Lizzy. Eso sí, antes que ellos, en esa misma ciudad europea, hubo otra banda que fue como el núcleo del recién germinado proyecto. Se llamó Them (los creadores de "Gloria"). Su vocalista, Van Morrison, no solo era músico sino un exquisito poeta.
De Them, llegaron Eric Wrixon y Eric Bell, teclista y guitarrista, respectivamente. Al otro lado, en un combo que se hacía llamar Skid Row (sin relación al futuro grupo de Sebastian Bach), estaba el otro cincuenta por ciento: el bajista Phil Lynott y el batero Brian Downey. Así, los cuatro ingresaron a los estudios para grabar "The Farmer", su primer intento en pos de un nombre en los predios del rock and roll. El tema tuvo poca acogida.
En 1971, Thin Lizzy lanzó su álbum autotitulado, del que no sobresalió ninguna canción, aunque sí su bajista y cantante, un inglés nacido en West Bromwich, a pocos minutos de Birmingham. Su nombre era Philip Lynott y participó en todas las composiciones del disco. Para ese entonces, Wrixon ya había partido y el grupo, de la noche a la mañana, se convirtió en trío. En marzo del siguiente año, con la misma formación, lanzaron Shades of a Blue Orphanage.
Entre el segundo y tercer álbum, Vagabonds Of The Western World, Thin Lizzy había grabado "Whiskey In A Jar", que luego de llegar al Top 10 inglés, se convertiría en uno de sus clásicos temas. En realidad, no fue tan suyo pues fue un arreglo de una tradicional canción irlandesa. Para ese entonces, Lynott ya había tomado el control total del grupo. Por su lado, en 1974, Bell decidió abandonar el puesto, dejando a la banda, como se dice, a media carrera. Su inmediato reemplazo fue el guitarrista Gary Moore, otro de los ex-compañeros de Phil en Skid Row. Moore duró muy poco. Pero la historia de Lizzy siguió en ascenso. Y creció más el día que llegaron dos destacados músicos llamados Scott Gorham y Brian Robertson.
"The Boys Are Back In Town".
Con Lynott, Downey, Gorham y Robertson, Thin Lizzy grabó Nightlife. El disco incluyó "Philomena", en claro homenaje a la madre del bajista cuyo nombre era ese, y "Still in Love With You", que contó con la colaboración de Frankie Miller en voces y de Gary Moore en guitarra. Pero no fue hasta el lanzamiento de Fighting, en septiembre del 75, cuando Lizzy, con Gorham y Robertson, logra su clásico sonido de las dos guitarras. Paradójicamente, otra vez un tema ajeno, "Rosalie", los puso nuevamente en vitrina. En aquella canción de Bob Seger, un colega del grupo Family, Roger Chapman, colabora en las voces, e Ian McLagan de Faces les da la mano en "Silver Dollar". Ese mismo año realizan una gira con Bachman, Turner Overdrive, quienes andaban disfrutando de sus quince minutos de fama.
Grabado en los estudios Ramport de Londres, se publica Jailbreak, su sexto disco y el que los lleva a cruzar el Atlántico con dos de sus composiciones: "Jailbreak" y "The Boys Are Back in Town" [video]. Ese también incluyó "Cowboy Song" y "Emerald", escrita por los cuatro miembros. El mismo año, 1976, el bajista y cantante cae en cama con hepatitis, y la banda lanza Johnny The Fox, grabado en agosto. De aquel se recuerda "Don't Believe a Word" y "Johnny the Fox Meets Jimmy the Weed". En esa placa colaboró Phil Collins. La gira del disco tuvo un inconveniente cuando Brian Robertson se accidentó una mano. De inmediato la banda llamó a Gary Moore para cubrir temporalmente el puesto. A principios del año siguiente, Thin Lizzy aparece en Estados Unidos de gira con Queen.
"The Farmer", primer disco en 1970.
Bad Reputation, el disco de 1977, trajo a un nuevo nombre a sus predios. Era el de Tony Visconti, renombrado productor, músico, y también cantante. A pesar de la participación de Robertson en un par de canciones, la portada del disco mostró solo a tres integrantes: Lynott, Gorham y Downey. Ahí también los acompañó John Anthony Helliwell, el saxofonista que ya movía sus dedos en Supertramp. Por esos días la banda inglesa de [Rick] Davies y [Roger] Hodgson, había lanzado Even in the Quietest Moments.
En 1978 se publicó Live and Dangerous, y, un año después, Black Rose: A Rock Legend. Recién es aquí cuando Gary Moore los acompaña como parte del grupo. La fórmula con Visconti como productor continuó, y tuvieron -entre París y Londres- a dos invitados en los estudios. Ellos fueron, Jimmy Bain, quien acababa de dejar el puesto de bajista en Rainbow, y Huey Lewis, un californiano que iría a tener popularidad en la siguiente década con canciones como "Do You Believe in Love" y "The Power Of Love".
Anuncio original del disco Jailbreak.
Midge Ure, de Ultravox, también pasó por Thin Lizzy. El músico y compositor escocés fue reclutado para realizar la gira del 79 en reemplazo de Gary Moore, quien fue separado del grupo, según cuentan, porque perdió el vuelo de un avión. En octubre de 1980, oficialmente con Snowy White, se edita Chinatown. White era un prolífico guitarrista que había tocado como apoyo para Pink Floyd. La gira del siguiente año presentó a Darren Wharton en teclados. Y, aunque no era novedad, la dependencia de Lynott con las drogas y el alcohol, iba tomando cuerpo. Y la gira no fue muy bien recibida.
Renegade fue el siguiente disco, que incluyó a Wharton como miembro permanente de Lizzy. La placa fue pobre y la situación del bajista-cantante peor. En 1980 había grabado Solo In Soho, su primera obra solista, y, dos años después, The Philip Lynott Album.
Con el escaso éxito de Renegade, Snowy White abandonó el barco y fue ahí cuando llegó John Sykes. En 1982, con Sykes, grabaron Thunder and Lightning, décimo segundo y último disco en estudio, antes de realizar la gira de despedida. Su última función en el Reino Unido fue en el Festival de Reading en agosto del 83. Al mes siguiente, en Nuremberg, Thin Lizzy cerraba el telón.
Estatua de bronce de Lynott en Harry Street, Dublin.
Lynott intentó una y otra vez salir del lugar en que se encontraba. En 1984, formó Grand Slam sin éxito y no llegó a terminar ningún otro disco solista. El 25 de diciembre del 86 fue encontrado desvanecido en su residencia de Richmond. Fue llevado por su ex-esposa a una clínica y de allí a un hospital en Salisbury. Ese sería su último viaje. El 4 de enero, a los 36 años, dejaba de existir teniendo a su lado a Philomena, su madre irlandesa.
Javier Lishner Santa Clara, California 17 de marzo de 2008
Wednesday, February 10, 2010
"RUNAWAY", LA HISTORIA DEL CRIMEN
La intención de esta nota no es solo escuchar una diferente versión del clásico tema de Del Shannon y Max Crook, del que tratamos hace un par de días, sino también saludar la buena edición del video que lo presenta. Imagino que el mortal que lo hizo por hobby ha de ser un meticuloso seguidor de la obra de Queen, como lo es Luis Guadalupe en el Perú.
"Runaway" fue realizado por Queen + Paul Rodgers entre 2006 y 2008, durante las grabaciones del Cosmos Rocks. Apareció únicamente como un extra en iTunes. La calidad y arreglo del mismo merece nuestro mayor reconocimiento. Y como hincha del vocalista inglés, entiendo que no podía ser de otra manera.
Javier Lishner Santa Clara, California 10 de febrero de 2010
En 1953, mientras la industria del entrenemiento andaba de capa caída, la Cámara de Comercio de Hollywood creó el Hollywood Walk of Fame. Era una manera de agradecer el esfuerzo puesto por los artistas en sus películas de cine y televisión. Con el paso de los años, el Walk of Fame no solo se convirtió en un lugar turístico para millones de visitantes sino en un próspero centro para el comercio y "un monumento al arte", como refirió ayer Bill Farrar, vice-presidente de la Cámara. Hoy, la noticia informa que, Ringo Starr, el popular baterista de los Beatles, fue incluido en el Boulevard de Hollywood. Dicen que a Ringo Starr se le veía feliz. En el escenario, y mirando la torre de la famosa Capitol Records, dijo muy a su estilo: "Es agradable ver un edificio que uno ayudó a pagar" (aunque el edificio fue terminado en 1956, antes de la aparición de los Beatles).
Durante la ceremonia, Starr tenía a su lado a su epsosa, la actriz Barbara Bach, y a un grupo de amigos entre quienes estaban el guitarrista Joe Walsh, el músico Ben Harper y el productor Don Was. Harper y Walsh han trabajado en el último disco del homenajeado beatle, Y Not, recientemente publicado.
Walsh a su turno comentó: "Ringo no es solo el mejor baterista en la historia del rock and roll — de la más grande banda de rock and roll — sino también la mejor persona que yo conozco y el más amable y colaborador amigo que uno pudiera tener". El guitarrista de Eagles, quien colabora con Starr desde hace muchísimo tiempo, se convirtió en su pariente cuando en 2008 decidió casarse con Marjorie, la hermana de Barbara Bach.
El Walk of Fame honra a personalidades del cine, la música, el teatro, la radio y la televisión. Con este homenaje, Starr se convierte en el tercer beatle en tener su propia estrella en Hollywood. Antes que él, John Lennon y George Harrison obtuvieron la suya. Los Beatles, como grupo, recibieron la propia en 1998.
"Este es el comienzo de los próximos 50 años de estrellas", dijo muy orgulloso Starr en frente del edificio de Capitol Records. Se refería a las Bodas de Oro que celebra el famoso boulevard. La primera estrella fue entregada a la actriz Joanne Woodward, el 9 de febrero de 1960. (FOTO: AP/Chris Pizzello).
Javier Lishner Santa Clara, California 9 de febrero de 2010
Monday, February 08, 2010
Entrevista en El Comercio ALGO MÁS SOBRE RADIO Z Y LA KALLE
Omar Castro tiene 32 años y trabaja desde hace cuatro para Corporación Universal. Esta no es sino el nombre jurídico del grupo de emisoras radiales del empresario Higinio Capuñay, el mismo personaje que no hace mucho invirtió varios millones para comprar Radio Z Rock & Pop. Y de paso, cambiarle de nombre a La Kalle. Esta mañana, en el diario El Comercio, Manuel Marticorena publica una entrevista al joven abogado, gerente general de la Corporación, quien da ciertos detalles de la compra de la emisora enclavada en los 95.5 de la FM limeña y sobre los planes que tiene la empresa del nuevo gurú de las radios, Higinio Capuñay Sarpán. Yo le hubiera agregado un par de preguntas más. Entre ellas, si es verdad que para ingresar a Ica violó una y otra vez la ley, con emisoras piratas. Y si el nuevo nombre de Zeta, La Kalle, así con "K", fue tomado de las populares emisoras del grupo Univisión en los Estados Unidos.
A continuación la entrevista de Marticorena:
"Estamos tomando la parte que nos corresponde"
¿Algún día Lima dejará de ser el epicentro de los grandes negocios? Es posible que sí, esfuerzos como el del monsefuano Higinio Capuñay demuestran que las grandes conquistas no empiezan siempre en la capital. Capuñay adquirió 45 radioemisoras en distintas ciudades del país antes de dar el zarpazo el 2009 en Lima, con la compra de las frecuencias y repetidoras de Radio A y Zeta Rock & Pop. Lo que le permite alcanzar las 64 emisoras. La operación está estimada, extraoficialmente, en US$6 millones. Todas las estaciones, algunas conocidas como la Karibeña, Exitosa, La Kalle y Primicia, están bajo la sombrilla de Corporación Universal. Su gerente general, Omar Castro, nos da los detalles sobre esta expansión.
- Para muchos ha sido una sorpresa el ingreso de ustedes al dial radial de Lima. ¿Desde cuándo están en el negocio? - No somos nuevos, hacemos radio desde 1989. Ese año Higinio Capuñay, que estaba dedicado a la industria gráfica, compró Radio Universal en Monsefú y desde ahí comenzó a adquirir nuevas frecuencias en todo el país. En 1997 fundó radio Karibeña y han utilizado esta marca en varias ciudades del país, lidera la sintonía en Arequipa, Chiclayo, Tacna, Huancayo e Iquitos .
- ¿A qué se deben sus resultados en provincias? - Higinio manejó el negocio de las telecomunicaciones de una manera sui géneris. Las 45 emisoras que tenía en todo el país se manejaron con una programación local. Lo que se difundía en Radio Karibeña de Tumbes era distinto a lo de Karibeña de Piura, Arequipa, Iquitos y Tacna. Eso, a diferencia de las radios de Lima, que transmitían una misma señal para todo el país.
- ¿Este tipo de operación no les significó costos altos? - Definitivamente, pero el beneficio de tener programación local en cada ciudad nos ha generado mayor publicidad y mayor sintonía, según los estudios.
- Si tenían establecido un gran nicho en provincias, ¿qué tan necesario era ingresar a Lima? - Pese a que el mercado publicitario ha crecido mucho en provincias, Lima es el 40% del mercado publicitario del país. Estar en Lima era algo que estábamos buscando hace mucho tiempo.
- El desembarco de ustedes en Lima lo hicieron comprando Radio A y Radio Z al grupo Láinez. ¿Cuánto les costó adquirir ambas estaciones? - (Lo piensa) En el mercado se conoce cuánto vale una frecuencia. No puedo dar detalles de lo que nos han costado estas dos cadenas porque estamos terminando la operación y hay términos de confidencialidad que debemos respetar. Pero tomamos posesión de las frecuencias el 28 de febrero del 2009.
- ¿Cómo han integrado estas dos emisoras a sus operaciones? ¿Siguieron con la programación local en provincias? - Si, el 50% de la programación sigue siendo local y el otro 50%, sale vía satélite desde Lima. Las horas de acogida más fuertes de provincias se mantienen con programación local.
- ¿Son muy distintos los gustos del segmento popular de Lima y de provincias? - De todas maneras, hay artistas que abarcan todo el país, como hay los que empiezan en una provincia o una región y después llegan a Lima.
- Ustedes tienen solo dos estaciones en Lima. ¿Cuál será la estrategia para competir con corporaciones que tienen seis o siete estaciones en la capital? - Los dueños anteriores de estas radios no podían competir porque solo tenían dos emisoras. Cuando una corporación sale a vender publicidad y tiene seis estaciones logra colocar publicidad para tres o cuatro y las otras las da como bonificación. Nosotros estamos bonificando con nuestras radios en provincias y con los eventos donde también colocamos publicidad.
- ¿Cuáles eventos? - Tenemos una empresa que se llama Cumbia VIP que hace eventos. Intentamos que la gente se identifique más con la radio cuando llegamos a hacer conciertos en ciudades con artistas renombrados y multitudinarios. Nosotros lo hacemos como soporte, no significa que perdamos dinero. Ganamos, pero la idea principal es que la radio tenga presencia física.
- ¿Cuánto les cuesta contratar a estos artistas? - Un artista de cumbia como Tony Rosado cuesta unos S/.35.000 por evento; los hermanos Yaipén, unos S/.45.000. En el lanzamiento de Radio Karibeña en Lima (el 2009) tuvimos 15 grupos. Ahí, sin embargo, tuvimos que negociar precios porque si no perdíamos.
- ¿La representación de artistas acaso no es un filón de negocios para ustedes? - No representamos artistas. No es nuestro negocio.
- ¿Por qué decidieron desaparecer a Zeta Rock & Pop y cambiarla por La Kalle, cuando esta última va a un público muy parecido al de La Karibeña? - En La Kalle tocamos una cumbia por hora. Tiene reggaetón, latin salsa, merengue y apunta a un mercado más masivo. Sacar a Zeta del aire fue una decisión difícil, sobre todo porque entre febrero y diciembre del 2009 nos esforzamos para que subiera su sintonía. Pasamos de 9.000 oyentes a 32.000. Además, le dimos fuerza, auspiciando eventos como el de Kiss y Depeche Mode; pero tuvimos que sacarla por cuestiones comerciales.
- ¿Por qué? - Por dos grandes razones. La primera es que, pese a que nos pudo ir bien con Zeta, esta propuesta tenía un techo, y segundo, porque cuando salíamos a vender Karibeña, que es más masiva, no podíamos hacerlo junto a Zeta. Son dos públicos-objetivos distintos y abismales. Nosotros ya teníamos el proyecto de lanzar una radio juvenil, que era el proyecto de La Kalle. Ya habíamos tomado la decisión de sacarla en el verano, solo faltaba la estación; al no conseguirla, el directorio tomó la decisión de hacerlo vía la frecuencia de Zeta.
- ¿Cuándo lo hicieron? - Cambiamos el formato el 29 de diciembre a las 8 de la noche. Para mí fue un día horrible, pero estos son negocios. Los oyentes tienen mi promesa de que Zeta va a regresar al dial. De eso estoy convencido.
- ¿No están canibalizando el segmento popular con dos emisoras que apuntan al mismo público? Además, hay varias emisoras de otros grupos que ya están en este segmento. - Hace muchos años estamos con la idea de ingresar a Lima y no se ha dado la oportunidad. Estábamos a punto de hacerlo en el 2007, pero las radios de Lima empezaron a programar cumbia y aparecieron emisoras especializadas en este ritmo. Pero es seguro que en un momento estas cambiarán de estilo. No son como Karibeña, que nació cumbiambera y va a morir cumbiambera. Por eso, al venir a Lima estamos tomando la parte que nos corresponde.
- ¿Identificar su mejor emisora con un ritmo no la hace vulnerable? ¿No teme que al caer la cumbia pueda tambalear su negocio? - El tema de la cumbia se ha saturado en Lima porque hay tres radios. La cumbia siempre ha tenido un mercado, lo que pasa es que cuando llega a Lima revienta y se comienza a escuchar en todos lados y el mercado se triplica, pero esto va a regresar a su cauce normal. Cuando esto pase, las otras radios van a cambiar de giro.
- ¿Qué proyectos tienen? - Seguir creciendo y la única manera de hacerlo es adquiriendo más emisoras.
- ¿Están en tratativas? - Siempre, pero también sé que los demás grupos las tienen, pese a que las emisoras cada vez están más caras.
Personalmente quiero agradecer a Alfredo Olaya, uno de nuestros lectores, por comentarnos sobre esta entrevista publicada hoy en el diario El Comercio de Lima. Gracias Alfredo.
Javier Lishner Santa Clara, California 8 de febrero de 2010
DEL SHANNON: Un día en la vida
Grand Rapids es una ciudad del Estado de Michigan que fue popular por ser uno de los centros de producción de muebles más importantes en los Estados Unidos. Allí, en 1934, nació Charles Weedon Westover. Durante su juventud, luego de servir al ejército americano en Stuttgart, Westover se dedicó a vender alfombras. Pero el bichito de la música que llevaba dentro desde cuando era niño, y que no dejó ni cuando estuvo sirviendo en Alemania, pudo mucho más. Formó parte de algunos grupos hasta que consiguió liderar el suyo: the Big Little Show Band. Para ello se cambió de nombre a Charlie Johnson, aún, un mero desconocido en los alrededores de Battle Creek, Michigan. Pero en 1960, su música fue llevada a un par de empresarios con sede en Detroit, y la historia de Westover comenzaría a cambiar. Había nacido Del Shannon.
Haciéndole caso a Ollie McLaughlin -conocido disc jockey de Ann Arbor-, Del Shannon grabó "Runaway". Por esas coincidencias que tiene la vida, fue el mismo día que en Lima nacía su servidor JL. El disco fue publicado en febrero, mes que nacía Vince Neil, futuro vocalista de Mötley Crüe, cuyo cumpleaños, por otra coincidencia, es hoy. Y en el lapso de dos meses, "Runaway" llegaba al primer lugar de las listas. Su carrera, como compositor, intérprete y productor, fue basta. Especialmente durante los años sesenta. Fue justamente Del Shannon, quien le dio el espaldarazo a un joven paisano suyo llamado Bob Seger, quien poco tiempo después se haría de un nombre propio. Años más tarde produciría a Brian Hyland, el intérprete de "Sealed with a Kiss", quien se consagraría con "Gypsy Woman" en 1970.
Entre las canciones que popularizó durante la década de los grandes cambios sociales, en que se codeó con los Beatles, estuvieron: "Hats Off to Larry", "So Long Baby", "Hey Little Girl", "Little Town Flirt", "Do You Wanna Dance", "Handy Man" y "Keep Searchin' (We'll Follow the Sun)". En 1981, mientras andábamos haciendo radio en Lima, a través de Radio Miraflores, bajo la dirección de Liliana Sugobono, llegó otro disco del popular cantante cuyo título fue "Sea of Love". Esta era una vieja composición de Phil Phillips y George Khoury, que había sido grabada a fines de los años cincuenta [para escucharla presione aquí]. En 1984, aparecería una nueva versión del tema en la interpretación de los Honeydrippers, banda que tuvo a Robert Plant como vocalista. Tom Waits y Cat Power hicieron las suyas propias.
Pero como nada es eterno, en 1990, una bala de calibre 22 terminó con su vida. Del Shannon, quien sufría de depresiones, cometió suicidio en Santa Clarita, California. Era 8 de febrero. El músico tenía 55 años.
Javier Lishner Santa Clara, California 8 de febrero de 2010
Friday, February 05, 2010
LILIANA SUGOBONO: Alguien muy especial
Una de las voces que todavía se pueden identificar con facilidad en la FM limeña es la de Liliana Sugobono. Conocida a través de los años por su afición por la música, recientemente tuvo que dejar su espacio luego de que, en enero pasado, Telestereo dijera adiós a su programación habitual. No obstante, las puertas se le volvieron a abrir, cuando Radio Miraflores le cedió un espacio para conducir Algo muy Especial, nombre de su programa. En la siguiente entrevista, Liliana nos cuenta un poco de su trayectoria, la que la sitúa como una de las deejays pioneras en el Perú.
Diario Expreso. 26 de agosto de 2001.
Si alguien me preguntara qué es lo primero que recuerdo de Liliana, seguramente diría que -a pesar de su gusto muy particular- su condescendencia, el respeto por las otras corrientes y por los gustos de los demás. La consideración absoluta por su programa y sus oyentes. Y me siento orgulloso de haberme formado bajo ese manto. Era Liliana la directora de programación, cuando salí al aire por primera vez. A su lado, tenía un equipo compuesto por profesionales como Gerardo Manuel, Hugo Salazar y Jorge Henderson, con quienes la partida se me hizo más fácil.
Cómo podría olvidar momentos como aquel de fines de diciembre de 1981 cuando, junto a ella, colegas como Jorge, Hugo, Johnny López, Kike Cano-Alva, Jorge Muñiz y Sammy Sadovnik, grabábamos el Super Hit del año. Estábamos en el submarino amarillo, esa pequeña cabina debajo de la escalera convertida en estudio de grabación, y faltaban solo dos canciones para elegir la mejor de aquel año que iba terminando. Entonces le tocó a Liliana anunciar a Kim Carnes con "Bette Davis Eyes". Y su presentación fue brillante. Y diferente a lo que había hecho antes porque sabía que presentando la número uno (de las 100 mejores) se develaba automáticamente la incógnita del Super Hit de ese año... Y que la escribieron Donna Weiss y Jackie DeShannon, y que fue en 1974, y que el tema fue parte del disco Mistaken Identity, y que fue lanzado por la casa EMI... Toda la información en un brevísimo resumen. Y yo a su costado, sudando. Liliana brindaba con una gran naturalidad aquello que el oyente quería escuchar de sus canciones y artistas favoritos. Y la verdad que esa fue siempre una de sus características. Y por lo que nos cuenta hoy, parece seguir siéndolo.
- Hola Liliana. Eres una de las más clásicas voces en el dial limeño. ¿Qué significa para tí la sintonía?
- No creo ser una de las clásicas voces limeñas. Soy una más. La sintonía significa... vida. Ser importante para esa persona que no te conoce pero que simpatiza contigo y que está de acuerdo con la música que eliges.
- Liliana, permíteme empezar discrepando contigo pero, una más, no... Te recuerdo haciendo programas en Radio América. ¿Hubo algo antes? ¿Dónde y cómo te iniciaste?
- Hubo un cortísimo período en Radio Panamericana FM donde programaba algunos horarios y donde tuve el gusto de conocer a personajes como Pepe Ludmir, Ernesto García Calderón, Gretna Portugal, Humberto Martínez Morosini... Luego me fui a Radio América.
- ¿Qué te hizo dejar tu emblemática casa Radio América la primera vez?
- Aunque no lo creas me fui de Radio América por un desacuerdo con Mauricio Arbulú, Gerente General de América Radio y TV... Aún siendo parientes, nos peleamos.
- Después de todos estos años, ¿cómo ves el dial actual con respecto a hace dos décadas o tres?
- El dial: fatal. Y no era mi intención hacer una rima. Se salvan a medias Oxígeno, Filarmonía por su dedicación a lo clásico y RPP por su seriedad en las noticias.
- ¿Por qué el dial fatal? Para Gerardo Manuel la FM es la Frecuencia Malograda.
- Y tiene razón Gerardo con lo de la frecuencia malograda. Siempre se esperó que a diferencia de la AM, la FM nunca nos defraudara y eso es lo que está pasando. Por ejemplo, es muy difícil para mí ir manejando y a la vez buscando algo que realmente me guste en la FM. Antes lo encontraba, generalmente en Stereo 100 o en Telestereo. Ahora (sin alabarlos) prácticamente solo queda Oxígeno y bravo por Doble Nueve, fiel a su estilo.
Liliana al lado de Enrique Llamosas en 2003. Homenaje a Diana en Radio Miraflores. (FOTO: Luis Guadalupe).
- Cuando inicié mi carrera te conocí en Radio Miraflores. ¿Qué recuerdas de aquellos días de los ochenta en que presentabas El Expreso de las seis?
- Recuerdos gratísimos de esos días dorados de Radio Miraflores. Buenos programas y grandes amigos, uno de ellos: tú. La inolvidable Diana, Jorge Henderson, Sammy, Johnny López, Hugo Salazar... Éramos invencibles.
- Recuerdo que todos íbamos a las conferencias de prensa con saco y corbata, y los colegas nos miraban como bichos raros. Yo nunca me dí cuenta hasta que me pasé a Radio Panamericana y allí me contaron... ¿Qué significa para tí la música soul?
- Es el black pride, el orgullo de los afroamericanos, aunque también algunos músicos que no eran afroamericanos se contagiaron y lo hicieron bien. Yo tuve en Radio Miraflores un programa que se llamó Black Power... Me gustaba mucho hacerlo.
- Recuerdo haberte oído hablar de algunos espectáculos importantes a los que asististe. No sé si fue un show de Frank Sinatra, de Barbra Streisand o alguno otro de esa categoría.
- Síííííííí. Tuve la fortuna de ver a mi ídolo de toda la vida: Sinatra. Fue en el Carnegie Hall de New York en 1989. La entrada costó bastante pero salió barata en comparación al show que disfruté con pasión. Ví también a Diana Ross, Stevie Wonder y a Sarah Brightman en CATS en teatro.
- ¿Cuáles crees que han sido los mejores momentos de tu carrera? ¿Por qué?
- El mejor momento es ahora, cuando teniendo los años que tengo sigo manteniendo ese amor y pasión por la música. De lunes a viernes presento Algo muy Especial (American Standards) y los sábados de 6 a 8 p.m. Dancing Shoes, música disco, la mejor.
- Si te preguntara por tres canciones, ¿cuáles escogerías?
- Definitivamente: "Misty", "Cry Me A River" y "Never Can Say Goodbye" por The Jackson Five.
- ¿Qué opinión te merece el nombre de Donna Summer?
- No significa tanto a pesar de que su manera de cantar me enloqueció desde su primer disco pero después la ví en un show en Atlantic City y no me trasmitió absolutamente nada. Es una cantante para estudio y punto.
- No crees que pudiera haberte tocado una mala noche de la cantante?
- No creo que no haya estado a la altura de su arte únicamente esa noche. Sé de personas que la han visto en otros momentos de su carrera y que esperaban lo mismo que yo: una fuerte personalidad y seguridad... pero lamentablemente no transmite, no logra calentar a su público.
- ¿Y Gloria Gaynor?
- No sé como será ver a Gloria Gaynor en vivo pero sí debo decir que es una de las grandes de la etapa disco.
La cortina identificatoria de El Expreso de las seis.
- En el dial, ¿quién crees que fue tu mayor competencia?
- No creo haber competido con nadie... mi estilo siempre fue y sigue siendo muy personal.
- ¿Qué opinas de los estudios de sintonía?
- ¿Estudios? ¿Se realizan? A mí nunca me preguntaron qué radio escucho.
- A mediados de los noventa yo dejé el Perú, ¿qué hacías por ese entonces?
- En esos días tenía un local llamado "A media cuadra" en la calle San Martín de Miraflores. Tragos, piqueos y shows, algunos buenos como Gabriela Ezeta, Chaqueta Piaggio, Jean Pierre Magnet, Cecilia Barraza.
- Si no hicieras radio, ¿a qué te gustaría dedicarte? A viajar, seguramente... jaja.
- Viajar es siempre la gran decisión pero a veces no nos es posible. Si no hiciera radio me gustaría cantar como Diana Krall.
- Y llevaría a todos mis amigos para que te vieran. Y les diría orgulloso que eres mi amiga y que me escribes por email... ¿Recuerdas algún show nacional o internacional con especial afecto? ¿Por qué?
- Recuerdo bien el show de Barry White en la Hacienda Villa. Se prohibieron las entrevistas pero como conocía al señor Parodi, uno de los representantes, logré convencerlo de que me dejara entrevistarlo y así lo hice... Y hace poco me encantó la presentación de Pet Shop Boys en Lima.
- A propósito de los Pet Shop Boys en Lima. ¿Qué opinión te merece esta avalancha de grupos y solistas internacionales que han empezado a llegar al Perú? Bueno, específicamente a Lima, y esperemos que muy pronto a otras ciudades de nuestro país.
- Me parece espectacular. Claro que a mí Metallica y otros no me mueven. Me gustaría también que a nosotros los aficionados al Great American Songbook se nos permitiera ver a Michael Buble, Diana Krall, Tony Bennett y otros.
- Te cuento que una vez ví a Tony Bennett. Genial, en medio de un festival de rock. La gente le dió los mejores aplausos actuando luego de Sonic Youth y the Red Hot Chili Peppers, que no es poca cosa. Al final, ¿sabes con quién cantó? Con Paul McCartney... Hablando de leyendas, ¿recuerdas algo de la primera llegada de Santana a Lima?
- Metida de pata del General Velasco.
- ¿Y de la visita que Mick Jagger y Keith Richards hicieron al Perú a fines de los sesenta?
- Jagger y Richards sí recuerdo que vinieron creo para filmar algunas escenas de una película. Ojalá hubieran tocado.
Barry White en Lima. Hacienda Villa. 1977. (ARCHIVO: arkivperu.com)
- Te recuerdo en frente del Cine Colina de Miraflores para la presentación a la prensa de Village People. El quinteto aún estaba de moda con una película llamada Can't Stop the Music. En las radios sonaban "Milshake", "Y.M.C.A." y el título del disco... A mí me gustaba "The Sound of the City" de David London. ¿Qué opinión de ese evento?
Sí, claro que lo recuerdo. Sobre todo el estar correteándolos para ver si nos daban una entrevista. Logré tomarles algunas fotos. Ya los había visto en vivo en el Madison Square Garden y estaban en su "momento". ¿Pasaron de moda? Creo que no porque cuando voy a reuniones de gente joven siguen bailando y cantando "Y.M.C.A."... Y tienes razón, de la banda sonora de la pésima película lo mejor: "The Sound of the City".
- Bueno, específicamente "Y.M.C.A." está destinada a ser eterna. Aquí pasa lo mismo. ¿Qué opinión te mereció el lanzamiento de Black Sugar durante la primera mitad de los setenta en el Perú?
- Sólida influencia de Santana. No recuerdo los nombres de los integrantes.
- Fueron los engreídos de Jaime Delgado Aparicio. Con Coco Salazar, Chino Figueroa, Arrocito Cruz y esa pléyade de grandes músicos peruanos de aquella generación. Hablando de aquella época, ¿tuviste algún problema en transmitir tu música durante la época militar? Por ejemplo, Gerardo Manuel sí los tuvo.
- Era fregado. Yo era la programadora de Radio América y tenía que transmitir música vernacular, luego criolla y producir programas de participación familiar. Bueno, me sirvió para aprender de todo un poco. Ahora aprecio el huayno y una buena marinera.
- ¡Qué bien! ¿Cuál es tu ambiente de radio favorito? ¿Lo has encontrado?
- Que el micrófono suene bien, y que tenga mis audífonos. No exijo lujos... ahh y una botellita de agua pura.
- Con esa respuesta has demostrado que eres la disc jockey perfecta. Gracias por seguir enseñándonos. Aunque cuando mencionaste "la botellita" por un segundo me asusté... Sabemos que siempre has sido fiel seguidora de la música soul. Y claro que recuerdo tu programa Black Power. ¿Qué opinión te merecen grupos como the Beatles o los Rolling Stones?
- Total respeto a los Beatles y a los Rolling... No era lo mío pero es como si Gerardo Manuel me dijera que Michael Jackson no servía.
- Y de Michael Jackson, ¿qué nos puedes decir?
- Hacer un largo comentario de Michael no sería necesario. Se ha dicho de todo. A mí me produce una gran admiración. Su música me alegra pero me da mucha pena que algunas personas deterioraran por completo su imagen y, peor, que la mayoría creyera, especialmente sobre el tema de abuso infantil. Recordémoslo como el creador de un nuevo estilo. Poseedor de harto feeling tanto para cantar como para sus coreografías.
- Y de bandas como Metallica o Iron Maiden...
- No Metallica. No Iron Maiden.
- ¿Qué sugerencia podrías dar a la nueva generación de programadores radiales? ¿Hay algo que creas que podría, digamos, hacer mejorar el nivel de las radios en general?
- Programadores creo que ya no hay muchos, ahora todos son productores-locutores. Solo pedirles que NO GRITEN.
- ¿Cómo ves la radio de aquí a unos diez años?
- Espero que mejor que ahora. Ahora la tendencia, por lo menos aquí en Lima, es reggaetón y tecno cumbia. Es lo que más se escucha en la radio.
- ¿Utilizas alguno de estos nuevos componentes que la tecnología ha puesto en manos de nosotros los usuarios? ¿Cuáles?
- Bueno, la bendición de la Internet. El solo hecho de que tú y yo estemos dialogando de música de esta manera ya es sorprendente. Hay amigos que me animan a grabar mis programas en la comodidad de mi depa pero aún no tengo la confianza necesaria para hacerlo.
- Cuando te decidas avísame que estoy en lo mismo. Sigo grabando todo en la comodidad de un estudio... Si te preguntara por la mayor cualidad y el peor defecto de Liliana Sugobono en su carrera radial, ¿cuáles escogerías?
- Mayor cualidad: La exigencia de llegar bien al oyente, que se sienta acompañado, querido y que la música le guste. El peor defecto: Ser crítica conmigo misma. Además, en cuestiones de radio, cuando me resiento simplemente me voy. Ya no me quedo en esa estación.
- Ahora sé de quién aprendí eso... jajaja. Por favor, háblanos de tu paso por Telestereo. Es lo último que sabía de tí.
- Muy importante. Admiré Telestereo desde que salió al aire. Al fin algo diferente, pensé; y luego, gracias a Speedy, se dió la oportunidad de poder realizar mis producciones allí. Es una pena que ya no esté.
Dancing Shoes para bailar. Desde este sábado 6 de febrero por Radio Miraflores.
- Visitando el sitio de Internet de Radio Miraflores me acabo de enterar que has regresado con un programa. Por favor, cuéntanos del mismo. ¿Cómo se llama? ¿Qué presentas?
- Programa: Algo muy Especial, todos los American Standards sin meterme muy a fondo en el jazz. Es decir, Frank Sinatra, Dean Martin, Ella Fitzgerald, Nat King Cole, Diana Krall, Michael Buble, algo de Platters, Brenda Lee, Elvis of course.
- ¿Crees que hay algo por lo que los oyentes deberían escuchar tu programa?
- Sí... porque no grito.
- Jajajaja. ¿Algo más?
- Además porque aparte de las canciones maravillosas les voy contando pequeñas anécdotas y narrando en qué fechas y circunstancias se realizaron las grabaciones.
- Ojalá que algún día me dediques una canción de Sinatra con su respectivo comentario de aquella vez que lo viste. Liliana, ¿hay alguna radio a la que le guardes especial cariño? ¿Por qué?
- A Radio Miraflores no solo por ser Radio Miraflores sino porque en esa dirección, Manco Capac 495 Miraflores, se encuentra una de las personas más queridas para mí, Ricardo "Bubi" Palma, un amigo con el que siempre dialogo y que siempre ha tenido las puertas abiertas para mí. Un valiente, un gran broadcaster.
- Por favor, salúdalo de mi parte cuando lo veas. Y hazle saber de mi tristeza por el lamentable accidente de hace una semana. El ingeniero me sacó canas verdes pero aprendí mucho. Y, al igual que tú, siempre tuve las puertas abiertas. No en vano trabajé en tres diferentes momentos. En fin... Ahora existe toda una nueva generación de colegas que no creo que recuerden lo que fue Casillero 60. ¿Podrías decirnos qué fue y cómo nació?
- Casillero 60 eran las 60 mejores canciones... Se tomaban en cuenta las cartas y las llamadas de los oyentes (no había email). Era bacán.
- Para nosotros los oyentes, también. ¿Qué opinión te mereció la aparición de La Más Más en 1976?
- La Más Más fue un gran acierto de Panamericana. Es siempre importante que en una emisora exista gente creativa que bautice algunos programas con el nombre preciso y necesario.
- ¿Qué recuerdos tienes de Diana García? Creo que trabajaste alguna vez con ella en la misma radio. ¿Cómo fue esa experiencia?
- Trabajé con Diana en Radio Miraflores pero nuestra amistad era de antes y te aseguro que continúa. Siempre la recuerdo y con la eterna admiración de que fue y será la mejor DJ peruana. Seguro que allá arriba tiene Tú, yo y mis discos.
- Para ir terminando, volvemos a tus inicios. ¿Quiénes eran los hombres de radio que brillaban en el dial cuando comenzabas tu carrera?
- Pepe Ludmir, [Jorge] Peláez Rioja y Pablo Madalengoitia, de quien aprendí mucho.
- Entiendo que damas disc jockeys casi no habían. ¿Fuiste tú una de las pioneras en el Perú?
- Sí... pero no olvides a Nelly Mendívil. Creo que ella fue la primera.
- Linda Nelly, maestra de todos. ¿Existe algunos disc jockeys que te hayan llamado la atención a través de los años?
- Tú.
- Jajajaja. No pues... Esto va a parecer amarre. Y si lo fuera, la verdad que no me importaría pero por lo menos lo diría. ¿Podrías mencionar a unos dos o tres más? No seas malita.
- Sobre discjockeys que llamaron mi atención sin duda la primera es Diana García, un ejemplo a seguir. Gerardo Manuel por su intensa pasión por el rock y por lo bien que hacía su programa. Y claro, Speedy González por su estilo, aunque a veces se le iba la mano criticando al oyente que gentilmente lo llamaba para hacerle algún comentario o pedido musical. Si es que no recuerdo a otros, sorry.
"Cry Me A River" - Ella Fitzgerald.
- No sé si alguna vez supiste que gracias a tí yo pude seguir esta carrera que me trajo tantas satisfacciones. De no haberme dado un consejo ese día, a esa hora, pude haber pateado el tablero muy temprano. Gracias por eso. Parte de la historia está en EL MICRÓFONO Y YO (Parte Final). Sucedió a finales de 1980 en Radio Miraflores, de la que además eras directora de programación.
- No sé si debo sentirme culpabbe u orgullosa de haberte dado ese consejo. La pregunta ahora la hago yo, ¿eres feliz? Entonces me siento re-orgullosa.
- Liliana, nada como mis días de radio. El blog es como una prolongación. Ya llegará el momento de retomar la antena... ¿Tienes algunos nombres de grupos o artistas actuales que hayan llamado tu atención?
- Michael Buble. Peter Cincotti. Renee Olstead. Claro, ellos no tienen nada que ver con Lady Gaga.
- ¿Qué opinas del hip-hop?
- No sé, creo que como la tecno cumbia cae bien en una fiesta.
- ¿Te gusta el reggaetón?
- Noooooooooooooooooooooo.
- Liliana, muchas gracias por acceder a esta entrevista. Sé que será del agrado de tanta gente que te ha seguido por años y que te querrá por siempre en el dial, con esa personalísima y característica voz ronquita y con tanta pasión para anunciar a tus preferidos.
- Mil gracias Javier por la oportunidad de llegar a toda la gente que sigue tu blog. Sabes que te quiero y admiro mucho. No dejes de avisarme cuando vengas. - De ninguna manera. Serás la primera en ser informada. Palabra de honor.
Javier Lishner
Santa Clara, California
5 de febrero de 2010
Thursday, February 04, 2010
KAREN CARPENTER, UN ÁNGEL SE FUE AL CIELO
La primera dama que recuerdo detrás de una batería fue Karen Carpenter. Ella y su hermano andaban muy de moda con esas canciones que desde la primera nota llegaban directamente al corazón. Las voces de ambos, y sus melodías, fueron inconfundibles durante los años setenta. Quién que hubiera crecido durante esa década no tuvo sus apretujadas al compás de sus canciones. Una de las cosas que recuerdo de la artista es cuando a fines de año, las revistas musicales de la época, principalmente Pelo de Argentina, la colocaban entre los mejores bateros de entonces. Bill Bruford, John Bonham, Ian Paice, Carl Palmer, entre otros. Pero Playboy fue un poco más generosa y la coronó como la mejor de 1975, por encima de los Palmer, Paice, Bonham y Bruford.
Hasta que un día, el 4 de febrero de 1983, una mala noticia recorrió las agencias noticiosas del planeta. Karen Carpenter, la baterista y cantante, integrante del dúo más romántico del mundo, falleció a los 32 años de edad. Había estado en casa de sus padres en Downey, California, cuando le sobrevino un ataque. La joven sufría de anorexia; aunque la investigación determinó a varios factores la causa de su fallecimiento. Lo cierto es que la voz más dulce de los setentas había pasado a mejor vida.
Javier Lishner Santa Clara, California 4 de febrero de 2010
Wednesday, February 03, 2010
THE BICYCLES
Para octubre de 1978, mientras me encontraba tratando de acostumbrarme al ritmo universitario, grupos clásicos del rock como The Who y los Rolling Stones, aún tenían cabida en las listas de popularidad. Aunque quienes las dominaban eran nombres como Donna Summer ("Mac Arthur Park"), Alicia Bridges ("I Love the Nightlife"), Olivia Newton-John ("Summer Nights" con John Travolta) y A Taste of Honey ("Boggie Oogie Oogie"), por citar solo algunos. Barry Manilow ("Ready to Take a Chance Again"), The Commodores ("Three Times a Lady") y Anne Murray ("You Needed Me"), representaban a los más melódicos. Y Gino Vanelli, con su "I Just Wanna Stop", marcaba una diferencia entre lo romántico y lo discotequero. En ese enjambre aparecía la nueva obra de Queen, el grupo inglés que hacía un año había regalado a su audiencia un disco al que llamó News of the World. De allí, entre otras, habían salido "We Will Rock You" y "We Are the Champions". Pero esta era una nueva historia.
"Bicycle Race" apareció terminando el 78. Fue parte de un álbum llamado Jazz que se convirtió en el séptimo en la carrera del grupo. De ese disco también saldrían "Fat Bottomed Girls" (que fue el lado B del sencillo de "Bicycle") y "Don't Stop Me Now", escrito por Freddie Mercury y grabado en Niza, la bella ciudad en frente del Mediterráneo. La letra de "Bicycle Race", no tuvo mucho ton ni son ("You say black I say white, You say bark I say bite"), sin embargo, su estribillo fácil ("I want to ride my bicycle... I want to ride my bike"), junto a la voz del cantante y sus coros, la hicieron muy popular. Años después sería interpretada por otras bandas cuyas propuestas pueden escucharse a través de la Internet. Algunas, como interesantes versiones.
Pero antes del mencionado tema de Queen, hubo otro relacionado a ese vehículo de pedales y dos ruedas. Lo hizo Nazareth, la banda escocesa que lideraba el vocalista Dan McCafferty. Se llamó "My White Bicycle". Esa no era sino la misma canción que la década anterior había sido grabada por el grupo inglés Tomorrow, uno de los pioneros de lo que se iría a llamar psicodelia. En Tomorrow, el guitarrista era un muchachito de nombre Steve Howe.
Cada vez que escucho esta canción, me pregunto porqué Nazareth no llegó un poco más lejos. Era un compacto combo que lo completaban el guitarrista Manny Charlton, el bajista Pete Agnew y el baterista Darrell Sweet. El tema fue producido por Roger Glover, durante el tiempo que le tocó estar en el puesto en Nazareth. Apareció originalmente en el disco Greatest Hits, que, al igual que el Jazz para Queen, fue el séptimo de la banda. Por esos días, Queen estaba por lanzar A Night at the Opera, co-producido por Roy Thomas Baker; quien, por coincidencia, tres años antes había producido a Nazareth.
Javier Lishner Santa Clara, California 3 de febrero de 2010
Tuesday, February 02, 2010
I'M IN LOVE WITH MY CAR
El álbum blanco de Queen fue lanzado en noviembre del 75. Ese fue el disco que incluyó algunas de las mejores canciones en la vida del grupo; entre ellas, "Bohemian Rhapsody" y "Love Of My Life", escritas por Freddie Mercury; "You're My Best Friend", de la pluma de John Deacon, y, "39", clásico de Brian May. En "I'm In Love With My Car", escrita por Roger Taylor, el baterista toma la posición de cantante. Fue inspirada en Johnathan Harris, un seguidor de Queen, quien tenía un Triumph TR4 que era el amor de su vida. Pero Harris, no fue el único que tuvo en un automóvil al amor de su vida. Hubo otros.
Elvis Presley, su Rolls-Royce y las columnas de Graceland.
The machine of a dream Such a clean machine With the pistons a pumpin' And the hub caps all gleam
James Dean dándose un tiempo para lavar su Porsche.
When I'm holding your wheel All I hear is your gear When my hands on your grease gun Oh it's like a disease son
Tom Jones, delante de su famoso Rolls-Royce Phantom 6.
I'm in love with my car Gotta feel for my automobile Get a grip on my boy racer rollbar Such a thrill when your radials squeal
John Lennon al lado de su Rolls-Royce Phantom V el que le fue entregado en junio del 65.
Told my girl I'll have to forget her Rather buy me a new carburetor So she made tracks sayin' This is the end now Cars dont talk back They're just four wheeled friends now
Keith Richards apoyado en su Bentley S3 Continental, que compró con el dinerito que le tocó por "Satisfaction".
When I'm holdin your wheel All I hear is your gear When I'm cruisin' in overdrive Don't have to listen to no run of the mill talk jive
Edson Arantes do Nascimento con su Mercedes Benz, cuando los jugadores de fútbol eran educados y respetuosos.
I'm in love with my car Gotta feel for my automobile I'm in love with my car String back gloves in my automolove.
Janis, la cantante texana de "Mercedes Benz", trepada sobre su colorido Porsche 356 convertible adquirido en 1968.
Hubo más artistas y músicos que tuvieron una relación muy cercana con sus automóviles. Uno de ellos, por ejemplo, fue Sammy Davis Jr. con su Rolls-Royce. Cozy Powell, quien fue baterista de tantos como Jeff Beck, Michael Schenker, Brian May, Rainbow y Whitesnake, era aficionado a las máquinas y murió en su ley. Fue cerca de Bristol, cuando iba al volante de su Saab 9000.
Anónimo en un atardecer californiano.
Pero, de todas las historias que hemos leído, ninguna como la de Keith Moon. The Who es un grupo que se ha caracterizado por tantas leyendas en sus más de cuatro décadas. Una de ellas dice que su baterista, el loquito Keith Moon, se metió -con Rolls-Royce y todo- a la piscina del hotel en el que el grupo se encontraba hospedado, en Flint, Michigan. Era un Holiday Inn. Aunque hay otras versiones del acontecimiento (sucedido el día que el muchacho cumplía 21 años), por ahora nos quedamos con ésta. Como leyenda, claro está. Entre los carros que tuvo, hubo otro, el AC 428 Frua, que antes perteneció a John Bonham, su colega de Led Zeppelin.
Pero nadie le hizo mejor tributo a los automóviles que el grupo que Ric Ocasek y Benjamin Orr formaron en Boston en 1976, y que llamaron The Cars. Gary Numan, el músico inglés de Hammersmith, West London, fue otro que los homenajeó en 1980 con la composición, "Cars". Y hay mucho más en esa compenetración entre los artistas y las cuatro ruedas.
Javier Lishner Santa Clara, California 6 de marzo de 2008
Monday, February 01, 2010
THE CARS
Eran días en que el new wave empezaba a sonar en Lima. El primer disco de The Cars llegó casi al mismo tiempo que Radio Doble Nueve aparecía como una nueva propuesta en el dial de la FM. La amplitud modulada era aún la banda de preferencia de la mayoría. No obstante, la frecuencia modulada ya comenzaba a llamar la atención. Sobre todo, a los radioescuchas interesados en la música moderna, como se le llamaba al pop-rock. Lo primero que recuerdo de The Cars es a Lucho Torres tocándolos en su espacio de FM Doble Nueve. Luego, visitando su casa, tuve oportunidad de palpar sus dos primeros discos. El tercero, también importado como los de Lucho, lo pude conseguir al regreso del viaje de uno de mis hermanos. Creo que The Cars, al menos durante sus tres primeros discos, y aunque sonó en diferentes radios, se identificó plenamente con la naciente emisora.
Dice su historia que The Cars se formó en 1976 en Boston, Massachusetts. Lo que hacían encajaba en lo que en aquel entonces se denominaba música punk. Sus integrantes fueron Ric Ocasek en guitarra y voces, Benjamin Orr en bajo y voces, Elliot Easton en guitarra, Greg Hawkes en teclados, y David Robinson en batería. Un año después, el combo firmaba con la Elektra Records. Era 1977. Desde un comienzo, fue Ocasek quien se encargó de la lírica de las canciones. Y la voz principal fue compartida con Orr. Su primer disco sencillo fue lanzado en 1978 y su título fue "Just What I Needed". Ese era solo el comienzo.
El mismo año publican The Cars, su primer álbum, el que se fue hasta el número 3 de las listas. Entonces, el disco le había dado un par de canciones más a los programadores radiales. Una de ellas fue "Good Times Roll". En 1979, año del lanzamiento de "la radio rock en Lima", apareció Candy-O. En la portada, la placa incluía a una de las chicas Vargas [gráfica], pintada por el famoso artista arequipeño Alberto Vargas (1896 - 1982). Fueron tiempos de "It’s All I Can Do" y "Let’s Go".
The Cars: Best New Band. Rolling Stone, enero de 1979.
Panorama fue el tercero. Fue publicado en 1980 y, aunque como sus antecesores, producido por Roy Thomas Baker, consiguió menor difusión. Amén del tema título del disco, sobresalió "Touch and Go". En Radio Miraflores, además, tocamos "Misfit Kid", el primer surco del lado B. El disco compacto estaba a dos años de arribar al Perú, justamente, a través de Radio Miraflores. Durante su cuarto año de vida, y con la misma formación original, The Cars lanza su cuarto disco. A diferencia de los anteriores, este fue grabado en su propio estudio, Synchro Sound, el que acababan de adquirir en Boston. Lo titularon Shake It Up. De ese sonaron "Shake It Up", y, en menor medida, "Since You’re Gone". De allí, la banda se tomó un descanso. Un par de sus miembros hicieron obras en solitario. Hasta que en julio del 83, esta vez de la mano de Robert John "Mutt" Lange, volvieron para realizar su más exitosa placa y una de las más representativas de esa década: Heartbeat City.
La aparición de Heartbeat City me encontró trabajando en Radio Panamericana de Lima. Y como allí no desperdiciábamos nada, como se dice, le sacamos el jugo al disco. Recuerdo la portada del mismo literalmente gastada. Y es que después de tocar frecuentemente "Drive", "You Might Think", "Hello Again" y "Magic", cualquier cubierta se hubiera deteriorado. Lo mismo había pasado un año antes con el Synchronicity de The Police y volvería a suceder un año después con el Born in the U.S.A. de Springsteen. Pero, no solo se había gastado la tapa del disco. Con Heartbeat City, el grupo se tomó un largo descanso.
Recién en 1987 volvieron a los estudios. En mayo iban saliendo con la producción bajo el brazo. Pero no contaban con que los tiempos habían cambiado. Madonna, U2 y Los Lobos se habían encaramado en las listas. Y, Door to Door, como llamaron al disco, no captó la atención de la audiencia. Y el siguiente paso fue triste. El 1 de febrero de 1988, con los mismos integrantes que un día se había gestado la banda, The Cars decidió bajar el telón. Uno de los más populares grupos de los últimos diez años, decía adiós a la música.
En 2000, Benjamin Orr, vocalista de "Just What I Needed" y "Drive" [video], falleció de cáncer al pancreas tan solo seis días después de su última aparición en público. En 2005, Ocasek le dedicó "Silver", una hermosa melodía. Pero, The Cars, hacía rato había pasado a la historia.
Javier Lishner Santa Clara, California 1 de febrero de 2010
