EL COMIENZO DE MI FIN

Cuando el 8 de junio de 1994, tuve que enfrentarme por última vez a un micrófono radial, no sabía a ciencia cierta lo que me esperaba. Fue casi como cuando en 1980 lo tuve que hacer por primera vez. Con la única diferencia de que la música había cambiado mucho. Mientras que al inicio hube de presentar canciones como "Little Jeannie" de Elton John, "Emotional Rescue" de los Rolling Stones o "Clones" de Alice Cooper, aquella tarde de junio, en El Gusano Eléctrico -y por la misma emisora a la que había vuelto por tercera vez-, el sonido fue mucho más fresco, a pesar de que todavía existían dinosaurios como Yes, Peter Frampton o ZZ Top, que también fueron parte de esa última audición. Al iniciar ese programa de despedida, del que alguna vez escribí en este blog, lo hice con The Lightning Seeds. Ese sería el principio del final de mi carrera radial.

"The Life of Riley" - The Lightning Seeds.

THE LIFE OF RILEY
(Ian Broudie)

Lost in the Milky Way
Smile at the empty sky and wait for
The moment a million chances may all collide.
I'll be the guiding light
Swim to me through stars that shine down
And call to the sleeping
World as they fall to Earth.

So here's your life
We'll find our way
We're sailing blind
But it's certain nothing's certain.

I don't mind
I get the feeling
You'll be fine
I still believe
That in this World
We've got to find the time
For the Life of Riley.

From cradles and sleepless nights
You breathe in life forever
And stare at the World
from deep under eiderdown.

So here's your life
We'll find our way
We're sailing blind
But it's certain nothing's certain

I don't mind
I get the feeling
You'll be fine
I still believe
That in this World
We've got to find the time
For the Life of Riley.

Although this World is a crazy ride
You just take your seat and hold on tight...

The Lightning Seeds se dieron a conocer en 1989 con una canción titulada "Pure". Fue parte de su disco Cloudcuckooland, el cual había conseguido en versión compacta. Su líder se llamó Ian Broudie, y fue él quien compuso la mayoría de las canciones. Un par de años después, se publicó Sense, del cual se lanzó "The Life of Riley". Eran los días en que acabábamos de regresar a nuestra alma mater. Y nos habíamos encontrado, entre otros, con Diana García, Max Bruno y Bianca Ysla. Además, Shadoe Stevens nos acompañaba en la programación con su enlatado llegado de los Estados Unidos.

"The Life of Riley", de 1992, fue el principio del final. Un final que fue lindo. Aunque cada vez que escuche las primeras tonadas de la melodía, venga la nostalgia.

Javier Lishner
Santa Clara, California
31 de marzo de 2010

ÉRASE UNA VEZ EL PEDERASTA MACIEL

No son pocos los líderes religiosos que han tenido relación a casos de pederastía. Uno de ellos, posiblemente el más famoso de los recientes, es el caso del fundador de Los Legionarios de Cristo, la secta católica, conocida en los predios vaticanos como una congregación religiosa de derecho pontificio. La secta fue fundada en 1941. Según su propio sitio de Internet, "tiene como misión la extensión del Reino de Cristo en la sociedad según las exigencias de la justicia y caridad cristianas, y en estrecha colaboración con los Pastores y los programas pastorales de cada diócesis". La secta cuenta con más de 800 sacerdotes y 2,500 seminaristas, y orgullosamente anuncian que tienen casas establecidas en 22 países.


Su fundador fue el Padre Marcial Maciel, quien, en los sótanos prestados de una casa en la calle Turín, en México D.F., fundó la Legión de Cristo. El padre Maciel había nacido en Cotija de la Paz, Estado de Michoacán, en 1920. A los 16 años, abandonó su casa para trasladarse al seminario. Ocho años después fue ordenado sacerdote en la antigua Basílica de Nuestra Señora de Guadalupe en la capital mexicana. Recién en 1946 comenzaría sus lazos con el Vaticano, cuando, en plena guerra mundial, conoció al Papa Pio XII. Un par de meses más tarde, en septiembre, el primer grupo de futuros legionarios llegó a España para iniciar sus estudios en la Universidad Pontificia de Comillas. Dos años después, el mismo Pontífice, con quien el líder religioso mexicano había empezado a hacer migas, le concedió la aprobación canónica conocida como el Nihil obstat.

Llegado 1950, se inauguró el Colegio Mayor de los Legionarios de Cristo, en Roma. Es la actual sede de la dirección general de la secta y del Regnum Christi, uno de sus más importantes tentáculos. En 1966, luego de haber fundado escuelas y alguna universidad, la Santa Sede bajo el mando de Pablo VI le otorgó la aprobación definitiva de la congregación por medio Decreto de Alabanza: Decretum laudis. Años después, al Cardenal Eduardo Pironio, el argentino más recalcitrante de la época, le tocaría firmar el decreto de aprobación de las Constituciones de Los Legionarios. Para ese entonces, era Juan Pablo II el jefe máximo de la iglesia católica. Esa fue una buena época para que sectas como Los Legionarios, y otras, levantaran vuelo.

Pero, muy por debajo de todos estos laureles, corrían acusaciones en contra del líder religioso. Y de ello habían sido testigos los papas Pio XII, Juan XXIII, Pablo VI y los que vinieron después. No sabría decir si también Juan Pablo I, quien solo pontificó 33 días, antes de que extrañamente ameneciera muerto la mañana del 28 de septiembre de 1978. Porque el proceso en contra de Maciel, se había iniciado en 1956 (algunas fuentes señalan que en 1945), desde que comenzaron las acusaciones en su contra por haber cometido abusos sexuales con niños y adolescentes entregados a su amparo. Que no es lo mismo que entregados a su antojo.

Fue por ello que en 2005, el Padre Maciel, quien ya tenía una avanzada edad, declinó a ser reelecto como director general de la secta. Al año siguiente, la Congregación para la Doctrina de la Fe lo invitó a "una vida reservada de oración y penitencia, renunciando a todo ministerio público". El abusador tenía 86 años. Y fue castigado con "una vida reservada de oración y penitencia, renunciando a todo ministerio público". Pobrecito, le jodieron su futuro. Todo sea por el Reino de Cristo. Murió un año después.

Lo de sus hijos, es otra historia.

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de abril de 2010

EN CAMBIO LOS PRISIONEROS

Si Axl Rose pensó que era el primero en detener un show internacional de rock en Lima, luego de que algún impaciente le arrojara una botella en la Explanada del Estadio Monumental la semana pasada, se equivocó. Dos décadas antes que él, hubo otro que tuvo los huesos más grandes, insultó al bandido, decidió parar la presentación, y, como si no hubiera sido suficiente, se retiró del escenario con sus compañeros. Doce mil personas casi en estado de shock fueron testigos de ello.


De no haber visto los rostros de quienes me acompañaban aquella tarde, no me hubiera interesado tanto. Pero esos rostros representaban a la radio que dirigía, eran oyentes y habían sido invitados al show especialmente por la emisora. Se llamaba Efextos FM. Los cinco invitados habían viajado 300 kilómetros, desde la ciudad de Ica hasta la gran capital, expresamente para vivir el evento. Sucedió en la Plaza de Acho, ese antiguo lugar construido por algunos inconcientes para realizar, desde 1766, la crueldad que algunos sujetos llaman arte. Entre ellos, un par de mis amigos.

Los Prisioneros fue una adorable banda chilena con muy buen arraigo en Perú. Al igual que le sucedió a Soda Stereo, y a otros combos contemporáneos de los ochenta, Lima les sirvió como trampolín. Llegaron por primera vez en 1987, donde también actuaron en el mencionado coso del Rímac. La de junio del 91, sería su segunda visita. Esa vez, el grupo hizo además dos presentaciones en el colegio San Agustín, cuyo predio andaba de moda por aquellos días.

Podría asegurar que habían empezado a interpretar "El baile de los que sobran", cuando un proyectil aterrizó en el escenario. No era la primera vez que Los Prisioneros se encontraban ante tremenda amenaza. Antes, en su visita de septiembre del 87, auspiciada por Radio Studio 92, les había pasado lo mismo. Pero cuatro años más tarde, su reacción fue diferente. Jorge González, su vocalista, al frente, cual director de orquesta, ordenó parar la música. De pronto, mientras hacía su alocución señalando al culpable de "imbécil", le echó la culpa y se retiró del escenario con toda su banda. Andaban allí, Miguel Tapia en batería, Cecilia Aguayo en sintetizadores y Robert Rodríguez en bajo. Con ellos, el año anterior, habían publicado Corazones, bajo la producción del maestro argentino Gustavo Santaolalla. Ese fue el año en que -por problemas con el cantante-, su guitarrista original, Claudio Narea, había abandonado el entonces trío.

Entre silencio e incertidumbre, que en un concierto da la impresión de infinito, el foco de alguien fue iluminado. Y las doce mil personas terminaron llamando a la banda. Entonces se escuchó: ¡Pri sio ne ros! ¡Pri sio ne ros! ¡Prisioneros! ¡Prisioneros! ¡Prisioneros!... Y como era de esperarse, la víctima, llamada esa noche Prisioneros, salió triunfante a compartir su música ante la algarabía del público, que había empezado a perder esperanzas. Había visto lágrimas durante esos minutos de suspenso. Todo pareció una estrategia de marketing. Con un resultado final positivo, en donde los Prisioneros no solo salieron ilesos sino que obtuvieron respaldo multitudinario. Fue un gran manejo de masas de parte de Jorge González.

Los Prisioneros habían triunfado en su segunda visita al Perú. Esa misma noche, y luego de que los invitados se habían dado el tiempo de conocer personalmente a González y Tapia, nos regresamos a Ica. Lo de Axl en el Monumental de Lima, con intérprete incluido, fue solo una llamada de atención. Lo de González en Acho, fue más serio. En Liverpool, el año pasado, Morrisey abandonó el escenario luego de interpretar dos canciones, también por una bendita botella de plástico. Pero lo que le sucedió a Melissa, Melissa Mariana Griffiths, la artista peruana con éxito en Venezuela y otros países, fue aún peor. Porque a ella, en la desaparecida Feria del Hogar, no le arrojaron una botella de plástico. Fue una piedra. Y le cayó en el rostro. Desgraciados.

Javier Lishner
Santa Clara, California
29 de marzo de 2010

PEDRO Y PABLO

La primera impresión, los Picapiedras. La segunda impresión, los apóstoles. La razón de sus nombres, los apóstoles y los Picapiedras. Son dos personajes que ni son oriundos de Piedradura ni hicieron curaciones milagrosas. Se llaman Miguel Cantilo y Jorge Durietz, y se unieron en Buenos Aires siete años después de la primera emisión de la serie animada norteamericana.

Pedro y Pablo. (FOTO: Revista Pelo).

La historia de Pedro y Pablo data desde la época de los Beatles, cuando Miguel y Jorge unieron sus voces a la de su contemporáneo Guillermo Cerviño. Los tres hacían covers llegados de Liverpool. Otra vez, los Beatles. Durante 1968 se fueron a tocar una temporada a Punta del Este. Hasta que un día, Horacio Molina escuchó de ellos y los llevó a CBS. Allí grabaron, "Yo vivo en esta ciudad" y "Los caminos que no sigue nadie". Era 1970. Entonces llegó el momento de elegir el nombre, su nombre artístico. Miguel recuerda: "Si le poníamos Jorge y Miguel parecía nombre de coiffeurs; si le poníamos nuestros apellidos, no quedaba bien porque no se usaba. Había una onda de poner nombres históricos y entonces elegimos Pedro y Pablo, primero porque tenía que ver con la Biblia, después porque tenía que ver con un libro de moda en las librerías y después porque tenía que ver con Pedro y Pablo Picapiedras". (E. Abalos, página 125). Aunque en realidad lo de los apellidos sí se usaba y como muestra Simon & Garfunkel, quienes justamente andaban en la misma onda folk-rock. Y fue lo que, un año más tarde, también hicieron Jim Messina y Kenny Loggins, cuando iniciaron Loggins & Messina. En fin.

Lo cierto es que de acuerdo a su biografía, y lo que recordamos de nuestras viejas revistas Pelo, en poco tiempo se convirtieron en bastiones del folk contestatario. Su primer éxito fue "La Marcha de la Bronca", con el que salieron ganadores del Segundo Festival de Música Beat. La racha siguió con "Catalina Bahía", un tema escrito por el propio Miguel a su novia. Cuando aconteció el B.A. Rock de 1972, Pedro y Pablo presentaron el disco Conesa. Se recuerda que ese evento llevó a más de 20,000 espectadores. Y pronto Cantilo se iría a vivir a España y el dueto quedó en veremos. En 1981 publican Apóstoles, antes de que Miguel decidiera volver a su tierra. Y entonces, aquella vez, sí, cambiaron sus nombres por sus apellidos. Pedro y Pablo se convirtieron en Cantilo-Durietz. Pero cuando llegó el Festival de la Solidaridad Latinoamericana, en 1982, volvieron a usar sus nombres. Como Pedro y Pablo se fueron de gira y grabaron un disco en vivo. Se llamó Contracrisis. Y se separaron.

Pedro y Pablo. 40 años después. (FOTO: www.rock.com.ar).

En 1985 grabaron Corazón sudamericano, el que se convirtió en el último disco del dueto. Pero, como lo han hecho muchos, Pedro y Pablo volvieron a unirse diez años después para hacer una gira. Dos de los hijos de Pedro formaron parte de la banda de acompañamiento. Fueron Sufiel y Anael Cantilo, en los teclados y bajo, respectivamente. Completó aquella formación, Rubén Fernández en batería.

"Hoy con menos pelo, algo de panza y hasta la voz
encanecida por el sol y la curtición.
Somos los mismos con más años
con nuestros hijos aquí al lado.
Somos los mismos que volamos
desde los discos a tu lado".

Este es un extracto del tema "Los mismos", que le dio el nombre a aquellos shows. Y, luego, nuevamente cada uno volvió por su lado. Pero el año pasado leí que se habían vuelto a juntar. Así que, como los apóstoles y los Picapiedras, Cantilo y Durietz, permanecerán siempre juntos en la mente de la gente. Y en la historia del rock argentino. Por los siglos de los siglos.

Javier Lishner
Santa Clara, California
28 de marzo de 2010

PALABRA DE DIOS

Con todos los escándalos que penden sobre sus hombros, sumado al nuevo que lo involucra, quiero ver y escuchar al Papa hablando en Semana Santa. Habrá de ser un vacilón como estar viendo Risas y Salsa en sus mejores tiempos.

Y voy a ver su actuación como homenaje a los 200 niños ciegos que fueron abusados por ese cura de Wisconsin, Lawrence C. Murphy, y que, de acuerdo al informe de The New York Times, el entonces Cardenal Josef Ratzinger, prefecto de la Congregación para la Doctrina de la Fe, ocultó.


Como ya es costumbre ante este tipo de noticias, saldrán los fanáticos a defender a la autoridad, a aquel que tiene el poder de dios en la Tierra. Es el caso del Cardenal Walter Kasper, su compañero en el Vaticano, y coincidentemente alemán como él, o L'Osservatore Romano y su representante de prensa, o la mamá de Tarzán. Pero siempre habrá alguien que le eche la culpa a otros, que diga que él no sabía, que es una conspiración en contra de la santa madre iglesia o que en ese momento se le cruzó una paja y no se dio cuenta de lo que pasaba. O, incluso, algunos más inteligentes que digan, como los he escuchado, "Ladran Sancho, es señal de que avanzamos". Palabra de dios.

Javier Lishner
Santa Clara, California
28 de marzo de 2010

Opiniones
DE GUNS N' ROSES EN LIMA

Anoche, Guns N' Roses, la banda angelina dirigida por Axl Rose, se presentó en la Explanada del Estadio Monumental de Lima. Algunos de mis amigos estuvieron allí, y los comentarios son variados. Igualmente que los de la prensa especializada. Hay algunos que se pasaron de apasionados y otros que piensan casi diametralmente opuesto sobre lo que sucedió anoche en la capital peruana. Pero es que de eso se trata, de que cada uno dé su opinión sobre el evento que captó la atención de muchos miles de fanáticos y el dinero de unos 25 mil.

Hans Huerto, en El Comercio, inicia su comentario de la siguiente manera: "El que dijo, escribió o pensó que W. Axl Rose, a sus 48 años, no cantaba, corría ni soplaba, debe estar lamiéndose las heridas esta mañana. Una aplanadora del hard rock es la que comandó Rose anoche en Lima, tras una esperada –aunque corta, en comparación con las de otros países en la gira- tardanza que hoy tiene a miles en oficinas bostezando del cansancio, aunque con los alaridos de Axl como fondo musical de sus sueños".

Raúl Figueroa, uno de sus tantos lectores, opinó: "Bueno no soy fanático de los Guns, pero no me parece que los músicos no den la talla. A mí me parecieron buenos músicos, sobre todo cuando hicieron sus solos de guitarra. Ahí se ve la calidad. La verdad que a mí me pareció bien, cada uno tiene su punto de vista, pero nada supera al de Metallica".

SETLIST

1. Chinese Democracy
2. Welcome to the Jungle
3. It’s so Easy
4. Mr. Brownstone
5. Sorry
6. Better
7. Live and Let Die
8. If the World
9. Rocket Queen
10. Street of Dreams
11. You Could Be Mine
12. Knockin' On Heaven's Door
13. Sweet Child O' Mine
14. Another Brick On The Wall
15. November Rain
16. Nightrain
17. Madagascar
18. Shackler's Revenge
19. Patience
20. Himno Nacional del Perú
21. Paradise City

Por su parte, Juan Carlos Cabrera, en su columna Terra Stereo del portal Terra, escribió: "Y es que lo exhibido esta madrugada en Ate no fue más que la confirmación de que todo tiempo pasado fue mejor para la banda de Los Ángeles, ya que en lugar de lucir una nueva propuesta (como correspondería tras largos años de trayectoria) tuvimos un remedo de lo que en algún momento fue “el grupo más grande del mundo”, y eso unido al pésimo estado físico de Axl y a su pobre voz dan como resultado un concierto no para recordar por sus buenos momentos, sino por aquellos donde la banda le debió mucho a su nombre original".

"Welcome To The Jungle" en Lima.

Javier Vásquez, el popular disc jockey limeño, quien acaba de debutar con su propio proyecto de Internet llamado Radio La Vaca, comentó: "A mí solo me vaciló “Welcome...”. Con eso satisfecho... cómo sudaba la puerca!". Imagino que se refería al vocalista y líder, quien apareció un poco subido de peso. Y luego agregó: "Me fui apenas terminó “November...”. Creo que es la primera vez que me quito de un concierto antes que finalice".

El periodista Johnny Padilla Orbegoso, en su página de facebook, primero escribió: "Todo tiempo pasado fue mejor, Axl Rose cumplió... Nada más. Guns N' Roses los de antes". Luego, contestando a uno de sus lectores, agregó: "Sé que el tiempo es cruel, y para los cantantes es implacable muchas veces, pero en Axl se dejó notar, inclusive se escuchaba más a los de soporte que de él, y en “Sweet Child O' Mine” el público cantó más que él. Una falta de respeto que el divo haga esperar a la gente hora y media después del telonero. Los músicos fueron cumplidores y bueno la puesta en escena si estuvo en algo. Para los fans me imagino que fue inolvidable".

El lector a quien Padilla le había contestado se llama Mike Mantilla. Mantilla había escrito lo siguiente: "He leído las crónicas sobre el concierto y la verdad es que me quedo confundido. Parece que se hubieran producido dos shows completamente distintos. Unos opinan como tú, que GNR ya fue, otros dicen que lo de anoche fue apoteósico, delirante, extraordinario... en fin. Te creo Johnny, porque vi extractos de GNR en Uruguay, Chile y Argentina y la verdad es que Axl está para el gato...".

En la misma entrada sobre el espectáculo de Guns N' Roses en Lima, Carlos Yaya, el ex promotor discográfico peruano y actual dj de una discoteca limeña, luego de leer algunos comentarios afirmó: "Lo predije que este show de los Guns iba a ser malo.. pero pa k llorar sobre leche derramada... viene KORN??". Nos deja la duda si es que estuvo en el show o solo comentó sobre la leche derramada.

Y mientras en Lima, Axl preparaba su espectáculo nocturno, en Los Angeles, el cantante era enjuiciado por su ex manager, Irving Azoff, por dos millones de dólares. Azoff presentó ayer los documentos en Corte, alegando que Axl verbalmente le prometió el 15 por ciento de sus actuaciones en el extranjero. Y pareciera que no se oye padre.

Hoy, Axl y su Corte, ya deben estar camino a Colombia donde, el martes próximo, continuarán con esta gira Latinoamericana en el Parque Simón Bolívar de Bogotá. (Aunque conociendo un poco las exigencias de las estrellas, pueda que hubieran tomado el fin de semana para regresar temporalmente a sus respectivos hogares). Actualmente completan el grupo, Dizzy Reed, Tommy Stinson, Chris Pitman, Richard Fortus, Ron Thal, Frank Ferrer y el recientemente incorporado, DJ Ashba. Casi una orquesta. Y, aunque al inicio hubo amenaza de cancelación del show por parte del propio vocalista, su presentación fue finalizando con garra cuando uno de los guitarristas interpretó el himno nacional del Perú. Acto seguido llegó "Paradise City" y buenas noches los pastores. Eran como las tres de la mañana.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de marzo de 2010

FOTOS: Correo (blanco/negro), La República (color). Setlist tomado de Terra Stereo.

¿UN PRESIDENTE EN CAMPAÑA O QUÉ?

"Yo debo beneficiar al campesino sin trabajo, al poblador sin alfabeto, a la familia sin agua potable, a la población sin luz eléctrica, al dueño de casa sin título, a ese debo beneficiar, al niño con mejor educación".

- Presidente del Perú, Dr. Alan García Pérez, en Piura.

FOTO: Oscar Farje (Sepres 26-03-10)

Júbilo y regocijo
PARIÓ LA VACA Y NACIÓ SANITA

Casi en silencio, una nueva radio empezó a difundir música. Se llama La Vaca, así, como la hembra del toro. Y dicen que será fecunda. Radio La Vaca transmite las 24 horas del día a través de la Internet. Se puede escuchar en www.radiolavaca.com con una buena selección de temas, en varios idiomas, sin interrupciones, sin tener que oír las mismas cien canciones que rotan en todas las emisoras y sin necesidad de escuchar disc jockeys que anuncian a las hermanas Wilson de Heart como Nancy y Carnie. O a las Pointer Sisters como las hermanas Sisters.

Describir su programación o comentar sobre los grupos y temas que han tocado, me haría ir en contra de lo que creo es un poco el concepto de esta radio. Esperemos que se mantenga así, vacunada en contra de Billboards, CPIs, focus groups, rankings semanales y de la encefalopatía espongiforme bovina o enfermedad de las vacas locas.

Los mejores deseos para su mayoral, el deejay Javier Vásquez, y felicitaciones a todos los veterinarios que estuvieron en el nacimiento de este pacífico animalito. Uno de los más productivos del reino animal. Aquí me despido escuchando la muuuuuu-sica de Arena Hash y The Church.

Javier Lishner
Santa Clara, California
25 de marzo de 2010

Murió Jim Marshall
EL ROCK AND ROLL ESTÁ DE LUTO

Tener fotos propias en más de 500 discos a lo largo de la carrera de uno, es un buen récord. Eso habla del trabajo y la dedicación que tuvo Jim Marshall, el famoso fotógrafo norteamericano, durante sus cinco décadas cerca de la música. Marshall vivió como una estrella, sin serlo. Vivió como un rey, sin haberlo sido. Y fotografió desde los Beatles, Dylan y John Coltrane hasta John Meyer, Ben Harper y The Red Hot Chili Peppers. Además, su colección de Janis es imprescindible. Y la de The Who... y la de Jimi Hendrix... y la Grateful Dead... La lista es interminable. Sus fotografías se muestran en importantes exposiciones y también en la Internet. Se encontraba en la Gran Manzana, adonde había llegado para presentarse en una galería, cuando su corazón dejó de latir.

Johnny Cash en San Quentin, 1969. Foto de Jim Marshall.

De acuerdo a la noticia, Aaron Zych, el manager del Morrison Hotel Galleries en Nueva York, dijo que aparentemente Marshall murió a solas en su habitación del hotel. Afirmó que el fotógrafo, residente de San Francisco, estaba programado para aparecer esta noche en la galería con la idea de promover su nuevo libro junto a su colega, el célebre Timothy White.

The Beatles en el Candlestick Park, 1966. Foto de Jim Marshall.

Jim Marshall fue conocido por sus inolvidables fotografías del Monterey Pop Festival de 1967 y, dos años después, de Woodstock. En el festival neoyorquino de tres días, fue el responsable del área fotográfica. A Marshall se le llamaba "el fotógrafo del rock and roll". Cuando los Beatles llegaron a San Francisco en 1967 y fueron a actuar en el Candlestick Park, no autorizaron más que a Marshall para que estuviera con ellos en el backstage. Ese concierto del 29 de agosto, que la entonces joven madre de mi amigo Gregg pudo ver, se convirtió a la postre en el último que dio la banda de Liverpool.

Miles Davis en 1971. Foto de Jim Marshall.

Su extraordinario paso por este mundo incluye gráficas de Johnny Cash, Jimi Hendrix, The Beatles, The Rolling Stones, Janis Joplin, The Doors, The Who, Miles Davis y muchísimos más. Su trabajo no se limitó a los escenarios sino que fue mucho más lejos. A la vida diaria de los artistas. Y así, cuentan que solía compartir con ellos, como se dice, las 24 horas del día.

Bob Dylan pateando una llanta en 1963. Foto de Jim Marshall.

Hoy, San Francisco anda de luto. Porque, aunque el señor Marshall nació en Chicago, vivió en la urbe californiana desde la edad de 2 años. Hoy se fue un reportero gráfico muy especial, y seguramente que se llevó mil historias. Aunque afortunadamente también nos dejó un sinnúmero. Con las fotografías de Marshall se vuelve a aplicar aquello de every picture tells a story. Y justamente por ello, esta es una de mis favoritas de Marshall.

A la hora de su muerte, el fotógrafo del rock and roll tenía 74 años. Que en paz descanse.

Javier Lishner
Santa Clara, California
24 de marzo de 2010

ES ABRIL CANTILO Y LLEGA TIRANDO LA PUERTA

Los Cantilo son lo que se llama una estirpe en la Argentina. Quién que esté enterado de la música en el país del Plata no ha escuchado de Miguel Cantilo, de María José, o de alguno de los Cantilo que han seguido en la misma vena. Entre ellos, Sufian y Anael Cantilo. Pero ahora, llega otra Cantilo -que no es Fabiana- con tantas ganas de rockear como sus familiares. Se llama Abril. Y se presenta con una canción escrita por el peruano Ernesto Samamé, y que fue interpretada hace dos décadas por la cantante Danai [ver video]. Ahora que Danai y Ernesto están en el cielo, Abril interpreta el tema a su manera. Pero nada hubiera sido más apropiado para nosotros peruanos que la participación de Ayo Rivasplata, productor de Danai y amigo personal de Ernesto. Por eso, con todas las de la ley, Abril se lanza con "Tirando la puerta".

En este video, hecho en Buenos Aires por Locoto Gus Producciones, se aprecia la actuación de Sue Robinson. La música fue realizada por algunos de los más connotados instrumentistas locales. Entre ellos, Tito Losavio (Los Twist, Man Ray, etc.) en guitarras, Gringui Herrera (Los Abuelos, Calamaro, Fito, etc.) en bajo y Fernando Samalea (Charly, Cerati, Calamaro, Sabina y mil más) en batería.

Disfrutemos de otra dulce voz de marca Cantilo.

Javier Lishner
Santa Clara, California
24 de marzo de 2010

THE RUNAWAYS

Micki Steele se registra como una de las integrantes de The Bangles. En 1983 reemplazó a su bajista original Annette Zilinskas y lo demás, pasando por "Walk Like an Egyptian" y "Eternal Flame", es historia. Pero antes de las Bangles, Steele pasó por otro combo femenino que se había formado a mediados de los setenta. Sucedió en los alrededores de Los Angeles. Allí, Steele llegó para acompañar a dos jovencitas de nombres, Joan Jett y Sandy West. El trío comenzó a dar sus primeros pasos en el circuito de clubes de la inmensa urbe californiana. Y The Runaways quedaba formado.

Joan se había encargado de la guitarra y Sandy de la batería. Pero pronto Micki las abandonaba. Fue cuando llegó Peggy Foster con su bajo bajo el brazo. Pero Peggy solo duró un par de meses. Entonces se les unió Jackie Fox. Para fines del 75, con Jackie, Lita Ford en la primera guitarra y Cherie Currie en las voces, bajo la producción de Kim Fowley, las jovencitas lanzaron The Runaways, su álbum debut. Incluyeron "Cherry Bomb" y una canción de Lou Reed, "Rock and Roll", entre otras escritas por ellas y Fowley. En 1977 llegó Queens of Noise. Antes de fin de año publicaron Waitin' for the Night, pero con una nueva su formación. Vicki Blue había reemplazado a Jackie Fox y Lita Ford había dejado la banda. Al año siguiente se preparan para el que sería el último disco de su carera. Lo llamarían And Now... The Runaways. En Estados Unidos también fue conocido como Little Lost Girls. Y colorín colorado.

Alia Shawkat, Scout Taylor Compton, Stela Maeve, Kristen Stewart y Dakota Fanning son The Runaways en la nueva película de Floria Sigismondi.

El gran éxito obtenido en Japón, nunca pudieron igualarlo en otro lugar del mundo. Allá, incluso, en 1977, habían publicado el exclusivo Live in Japan. La vida de las Runaways fue corta pero lo suficientemente divertida como para producir una película. El filme está basado en el libro Neon Angel: The Cherie Currie Story, y ha sido producido por la italiana Floria Sigismondi. Actualmente se está exhibiendo en las principales salas de por aquí y, según me cuentan, con gran acogida. El libro de Cherie, edición 1989, de colección y firmado, lo acabo de ver en $299.00. Por el momento, paso. Pero el filme no lo voy a dejar pasar. No sé si ustedes. Y si no, compartamos el trailer por un minuto.

Javier Lishner
Santa Clara, California
23 de marzo de 2010

VIDA GERARDO MANUEL: El Rey ha vuelto

No sé porqué siempre me pasan estas cosas a mí. Pero, esta mañana, muy temprano como nunca, tuve que hacer un mandado. Así, como le llaman mis amigos mexicanos al recado, al encargo, a la diligencia. Manejaba por la Lincoln Avenue, en una de las más pintorescas áreas de San Jose, cuando de pronto divisé que el automóvil que estaba delante del mío tenía una peculiar placa. De esas que se piden de manera especial en el Departamento de Motores y Vehículos; y por las cuales, por supuesto, hay que pagar unos chivilines extras. Decía VIDA GM.

Aún temprano en la mañana [la foto lo dice], la placa me hizo recordar que justamente hoy, en Lima, "la Capital musical del Pacífico Sur", Gerardo Manuel Rojas Rodó, el popular Gerardo Manuel, vuelve a las canchas de la radiodifusión peruana, con un programa que lleva el nombre de otro que inició en la televisión hace más de treinta años: Disco Club.

En este espacio hemos escrito bastante de él, aunque no creo que suficiente. Porque Gerardo, con sus más de 45 años en la música y sus derivados, y con la experiencia que tiene en los medios masivos de comunicación, tiene mucho más por contar. Pues, amigos de todo el mundo, esta vez la señal la podremos captar por Internet en el sitio de Radio Nacional del Perú, por donde saldrá de lunes a viernes desde las 7:00 p.m., hora peruana.

Fue Gerardo Manuel, para variar, la primera persona que me puso un apelativo apenas llegado a la radio. Era septiembre de 1980 y acababa de conseguir mi primer programa en la FM, luego de pasear un rato por la AM de Radio Miraflores. Allí conocí a Gerardo, quien conducía La Hora Pirata, mi programa favorito. A los pocos días de verme luchando frente al micrófono, me llamó "Robotito". El remoquete, que hizo reír a algunos, afortunadamente, no fue de larga data. Y fue desapareciendo, creo que lentamente, mientras me iba soltando.

Hoy que comienza una nueva etapa en la carrera de Gerardo Manuel, que paralelamente continúa con su labor en la música (le escuché una reciente versión rockera de "América", el clásico de Nino Bravo), le deseamos lo mejor, como siempre ha sido nuestra intención. Y que aproveche que, como comentó hace unos días Luis Alberto Espinoza en este blog luego de escuchar la reciente entrevista que le hizo Johnny López en El Búho Curioso, "La voz casi no le ha cambiado...". (Larga) VIDA GM. Como en la placa.

Javier Lishner
Santa Clara, California
22 de marzo de 2010

PD: En el lenguaje popular del Perú, el término "mandado" significa grosero, irrespetuoso. Y en femenino, casi lo mismo pero no tanto.

NOTAS RELACIONADAS:
- GERARDO MANUEL Y SU BLOG
- En Lima: LOS SESENTA DE GERARDO MANUEL
- GERARDO MANUEL: Oda al Maestro

A VEINTIÚN AÑOS DEL MAMARRACHO

En 1989, en Lima, conducía Mirando la Radio a través de Canal 13 de TV. Era un programa de video-clips y entrevistas, que se transmitía en vivo de lunes a viernes en el horario de las seis de la tarde.

En la gráfica del periodista Antonio Torres, la cantante argentina Celeste Carballo, aparece como una invitada muy especial. Detrás, como mudos testigos de la entrevista, los Red Hot Chili Peppers y Eddie Van Halen.

LA ANÉCDOTA

Era 21 de marzo de 1989. La embajada de la hermana República de Argentina en Lima, había organizado una parrillada de confraternidad con la prensa local. Entre los invitados estaba el suscrito. Mientras la reunión comenzaba a ambientarse, y el olor a carbón nos daba la bienvenida, el suscrito, que acababa de arribar, se colocó momentáneamente debajo de uno de los arcos de la antigua construcción, casi en el límite con el jardín posterior de la inmensa casona de la avenida 28 de julio. Acto seguido llegó un periodista. Encontrándose de momento frente al suscrito, no le quedó más que presentarse ante él y, de paso, preguntarle su nombre. El periodista pertenecía a la página de Sociales de un importante diario de circulación nacional. Con un apretón de manos el suscrito se presentó y le dijo que trabajaba en el Canal 13. Casi sin darle tiempo, y tras una impostada sonrisa, inició el diálogo:

- "Oye hijito, ahora que estás tú aquí y que trabajas en el 13, ¿puedo hacerte una pregunta?".

- "Claro, señor, ¡cómo no!", le respondió animadamente.

- "¿A quién se le ocurrió poner ese mamarracho en la programación de las seis de la tarde, ah?".

Y, con el temple que siempre caracterizó al suscrito, le contestó:

- "Señor, ese mamarracho se llama Mirando la Radio y desde hace unas semanas yo soy el presentador". (Mientras con la mirada le decía: Mamarracho son las cursilerías que usted escribe en Sociales de El Comercio, viejo idiota. Yo no tengo la culpa de que no le guste Guns N' Roses ni Bon Jovi).

Javier Lishner
San Jose, California
13 de agosto de 2006

CONGRESISTA SE REFIERE A ALEX CHILTON

El congresista por el Estado de Tennessee, Steve Cohen, se ha caracterizado a lo largo de su carrera por exaltar las peculiaridades de las personas. No sé hasta qué punto se conceda el utilizar la Casa de Representantes para hablar de la vida de un rockero fallecido, pero lo cierto es que el señor Cohen lo hizo luego de enterarse de la muerte de su amigo, paisano y contemporáneo, Alex Chilton. Aquí su mensaje:



William Alexander "Alex" Chilton fue el músico que a los 16 años, como parte de los Box Tops, logró un primer lugar en las listas al interpretar "The Letter". Posteriormente formó su propio grupo, Big Star, con el que continuó una larga y fructífera carrera. Chilton dejó de existir hace tres días, el 17 de marzo, de aparente ataque al corazón.

Honestamente, a mí me dio mucho gusto escuchar al congresista hablar de un rockero. Y con tal precisión. Es que como decía Bob Dylan, the times they are a-changin'. Oh, yes!

Javier Lishner
Santa Clara, California
20 de marzo de 2010

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NECESITO SABER

Ayer, luego de notar que CacaoRock había posteado la canción "Runnin' Down A Dream'" en un sitio de la Internet, comenté que era la que más me gustaba de la carrera de Tom Petty & the Heartbreakers. A la vez, el tema me recordó que en mi clóset tenía colgada una chaqueta de la gira Wildflowers que no me la pongo porque (tristemente) ya no me cierra. Bromeé que estaba en venta y hasta alguien se animó a preguntar por el precio. Lo cierto es que un par de horas más tarde, recapacité de mi intempestivo comentario matutino al recordar que existían otras canciones que podrían estar disputándose el primer lugar en mi imaginaria lista de Tom Petty. Una de ellas era "I Need To Know".

I need to know, I need to know
If you think you're gonna leave
Then you better say so
I need to know, I need to know
'Cause I don't know how long I can hold on
If you're makin' me wait, if you're leadin' me on
I need to know

"I Need To Know" fue el tema que Tom Petty & the Heartbreakers incluyeron en su segundo disco titulado, You're Gonna Get It! Fue publicado en 1978 inmediatamente después del Breakdown, el que les había dado el espaldarazo el año anterior. Desde el principio Petty anduvo rodeado de excelentes músicos. En ese entonces estaban, Mike Campbell en primera guitarra, Ron Blair en bajo y voces, Benmont Tench en teclado y voces, y Stan Lynch en batería. Esta es solo una brevísima muestra de la larga y exitosa carrera del rubio músico nacido en Gainesville, Florida, que, como quien no quiere la cosa, este año llegará al sexto piso.

Al igual que las hermanas Ann y Nancy Wilson de Heart, Petty afirma que decidió ser músico el mismísimo día que vio a los Beatles en The Ed Sullivan Show. Todo lo que vino después es historia conocida, incluyendo su puesto de titular en los Traveling Wilburys.

Javier Lishner
Santa Clara, California
19 de marzo de 2010

MURIÓ CANTANTE ALEX CHILTON

El cantante y guitarrista Alex Chilton, quien, cuando aún era un quinceañero, logró fama con The Box Tops interpretando "The Letter", murió ayer en un hospital de New Orleans. Su posterior trabajo al mando de Big Star, influyó en una gran cantidad de artistas y grupos a través de los años. Entre ellos, R.E.M., The Replacements, The Posies y Primal Scream.

"The Letter" - The Box Tops.

Su compañero en los Big Star, el baterista Jody Stephens, con quien Chilton formó el grupo en Memphis, en 1971, dijo hoy que se sentía anestesiado con la noticia. "Me encontré con Alex en noviembre y se le veía bien. En buena forma y con gran espíritu. Estaba maravillosamente bien. Pero ayer recibí la llamada de su esposa diciéndome que había fallecido. Me pasé el resto del día y esta mañana con una sensación de entumecimiento. Fue una sorpresa. Uno realmente tiene que desnudarse emocionalmente para estar en una banda. Y cuando uno hace eso, los lazos de amistad son más fuertes. Tuvimos una profunda relación...". No obstante, Stephens confirmó el show de este sábado como un homenaje al amigo caído.

A pesar de su gran influencia, los Big Star no fueron la banda más popular. Y Chilton lo sabía. Pero, al menos, una de sus canciones, la titulada "In the Street" [video] ha de ser recordada por una buena parte del público. Ese fue el tema de la comedia That '70s Show, transmitida por la cadena Fox.

"In the Street" - Big Star.

El portal Allmusic llamó a la banda, "one of the most mythic and influential cult acts in all of rock & roll". Y aunque todavía no se ha informado la causa de su muerte; su amigo personal, Pat Rainer, afirmó que de acuerdo a la esposa del extinto músico, Laura Kerstin, parecía haber sido de ataque al corazón. Chilton tenía 59 años.

Seguramente que en Lima, Helene Ramos tendrá mucho más que hablar sobre él. Que descanse en paz.

Javier Lishner
Santa Clara, California
18 de marzo de 2010

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EL MENÚ DEL DÍA

Aprovechar el hambre para caer en un restaurante peruano es una excelente idea. Principalmente, cuando uno vive a cuatro mil quinientas millas del Perú. Eran más de las dos de la tarde y mientras volvíamos a casa a través de la Monterey Highway, se nos ocurrió virar hacia la derecha y estacionar la camioneta en frente del Jess's Place, el restaurante peruano ubicado casi en esquina con la Southside Drive, en San Jose. Como alguna vez comentamos, no es el establecimiento modelo en diseño o ambientación, pero su cocina anda permanentemente supervisada por Zenón Huamán Robles, un experto cocinero y propietario del negocio. Y mientras comenzábamos con el suculento plato de sopa [foto], justamente apareció el patrón.


Aunque la carta es variada, en esta oportunidad solicitamos el menú del día. Suele incluir un plato de sopa, el segundo, postre, jugo de alguna fruta y sus chips con salsa verde o rocoto, como aperitivo. Aquel día ofrecieron entre un estofado de pollo y cau cau. Elegí el cau cau [foto], ese platillo hecho a base de panza de res, con influencias de la cocina africana, italiana, y creo que también la china. Casi como toda la comida peruana. Será por ello que es tan particular, y a la vez tan deliciosa.


Leía en un artículo de Internet que el popular cau cau contiene además de las papas, ingredientes como cebolla, ajo, ají molido, menta, leche, sal y pimienta. Y comino que es algo muy utilizado en la cocina peruana. El resultado es fabuloso. Y así lo fue aquella tarde de hambre, en que el cau cau llegó acompañado de arroz, otra de las características de los platillos peruanos. Cuando arribó el cau cau a la mesa, la sopa -un buen concentrado de pollo con verduras y fideos cocidos- ya había cumplido con la función de aplacar el hambre.


Sin duda que fue una buena elección, sobre todo, porque no nos cruzamos con rabanitos y zanahorias en forma de flores ni perejil adornando los platos. De paso nos enteramos que la Princesita de Yungay está celebrando sus Bodas de Oro artísticas [foto] y que pronto visitará la capital del Silicon Valley. Angélica Harada, que es su nombre de pila, estará en ese mismo local el próximo sábado 27, con orquesta y coros, y un gran show andino. Felicidades y buen provecho.

Javier Lishner
Santa Clara, California
18 de marzo de 2010

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IGGY SIEMPRE IGGY HASTA LAS ESTRELLAS

"Aquí estamos en el vientre de la bestia - mucho poder y dinero en esta sala... Es una gran industria. Si se toman las decisiones correctas, se mantendrá la industria... La música es vida, y la vida no es un negocio". Fueron algunas de las frases que utilizó Iggy Pop al recibir la invitación de que su grupo, The Stooges, ingresara al Rock & Roll Hall of Fame. Imagino que a más de un encorbatado no le debieron haber caído muy bien sus palabras. Bueno, su música, a lo largo de más de cuatro décadas, nunca cayó bien en ese ambiente de saco y camisas almidonadas. Además, en un momento, hizo lo que nadie había hecho a lo largo de los años de historia del famoso museo. Levantar al mismo tiempo sus dos dedos centrales (dedo mayor que le llaman) mientras daba su sermón. Aquí se puede ver parte de su parlamento (aunque el canal expresamente le tapa los dedos).

15 de marzo de 2010. Con dedos arriba y todo.

Ayer, por primera vez pude chatear con mi buen amigo Renzo Sánchez, quien, por muchos años, ha sido seguidor absoulto de Iggy Pop. Me comentó que en una entrevista que le habían hecho al popular cantante de Michigan, éste había dicho que admiraba el trabajo que habían hecho los Saicos, el grupo peruano de los sesentas. Al preguntarme si alguna vez lo había visto en vivo, me hizo pensar en la velada de anteanoche cuando Iggy y sus dos compañeros de grupo, el guitarrista James Williamson y el batero Scott Asheton (el guitarrista Ron Asheton falleció el año pasado), subieron a la tarima del Waldorf Astoria para hacer lo que saben hacer mejor: rock and roll.

Como chatear es una de esas cosas modernas que hago poco, muy poco, traté de aprovechar el momento para contarle a Renzo la historia del día que conocí a Iggy Pop. Había viajado especialmente al Coachella Arts & Music Festival junto a mi entonces compañero de trabajo, Michael Kohl. Ambos habíamos obtenido las consabidas credenciales de prensa y allí estuvimos, en el inmenso campo de polo y a pleno sol, bordeando el mediodía. El viaje en automóvil fue parte de la aventura al tener que pasar por lugares como Palm Desert y el bosque de Joshua Tree, en el desierto del Mojave, a los que U2 se había referido tiempo antes. El show de Iggy es un tema aparte. Terminada su actuación regresé al backstage.

Como en todo evento, incluyendo a los estrictos Rolling Stones, siempre hay minas -como llamaban Marcelo y Laura a las muchachas- detrás de escena. Y por angas o por mangas, allí suelen estar con su credencial especial de backstage. No son periodistas ni reporteras, pero hacen su trabajo casi a la perfección. O sea, a mi modo de ver las cosas, dificultan el trabajo de la prensa cuando interrumpen con sus chillidos y otras maravillosas acciones. Y eso pasó aquella vez cuando intenté acercarme al artista. Pero en ese segundo que se descuidaron, logré estar al lado del cantautor, padrino del punk rock y leyenda viviente del rock and roll. Era mayo de 2001.

Iggy y Billie Joe Armstrong de Green Day en ceremonia del Hall of Fame. (FOTO: Internet).

El tiempo solo me permitió saludar su participación y la de su banda, y de pedirle una foto para el recuerdo. Cubríamos el evento para un par de medios (uno del Perú) y había que asegurarnos de que teníamos suficiente material fotográfico accesorio, amén de las tomas en escena. Y entonces, Iggy, envuelto en sus blue jeans y con el torso desnudo, aceptó mi inquietud. Me coloqué a su costado con la misma cara de siempre y, sentados en un muro temporal, quedamos los dos, listos para la foto. Como quiera que mi amigo Mike no estaba en el momento (pues andaba más interesado en el hip hop que acontecía en otro de los cinco escenarios) hube de entregar mi cámara al primer colega que vi allí en frente. Se llamaba Perico de los Palotes, y representaba a una revista neoyorquina. Acto seguido, "say cheese". Y eso fue todo. Iggy se paró, nos dimos la mano, las chicas volvieron a la carga, y yo regresé al campo para seguir participando del festival.

Más tarde veríamos actos inolvidables como la reunión de Jane's Addiction (con Flea como invitado), la presentación de los carismáticos Weezer y el espectacular show de Paul Oakenfold, entre otros. El evento llegó a su final pasadas las diez de la noche. Y así, luego de ingresar a un restaurante para comer algo prácticamente al paso, volvimos al hotel en Palm Springs (ciudad en donde Elvis y Priscilla pasaron la primera noche después de su boda), con la idea de regresar al Silicon Valley a la mañana siguiente.

Lo primero que hice al llegar a casa fue ir a la tienda para que revelaran los rollos (que todavía se utilizaban sin parecer paleolítico). Pagué un par de centavos más para que me los tuvieran listos en una hora. "Si las fotografías no están listas en una hora, le devolvemos su dinero", decía el cartel. Pero no fue el caso. Los rollos estuvieron a tiempo, cada uno en su respectivo sobre. Como era de esperarse, el primero que abrí fue el de Iggy Pop. Y no encontré lo que buscaba. Revisé un par de veces para estar seguro de que no estaba y, antes de quejarme, se me ocurrió observar detenidamente los negativos. Y, en efecto, la maldita foto, no se encontraba. Como alma que lleva el diablo, me fui.

La foto de la decepción. Qué viva Iggy Pop. (FOTO: Javier Lishner).

Al llegar a casa, tiré todas las fotografías en la alfombra. Pero fue en vano. Estaba Iggy pero no estaba yo. El colega de la revista neoyorquina había hecho una buena toma, pero el close-up que le hizo a Iggy me dejó fuera de lugar. Además, Iggy estaba mirando a las minas. Anteanoche cuando lo ví hablando tan claro y directo en la ceremonia de $1,500 dólares por asiento, justamente en Nueva York, lamenté una vez más no haber tenido esa gráfica con una de las estrellas más simples y sencillas del rock and roll. Tal y como lo fueron los pioneros del género. Porque ahora, como en el fútbol, el negocio está primero. No para Iggy.

Javer Lishner
Santa Clara, California
17 de marzo de 2010

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Perú Rock
EL ESTELAR MUSICAL DE LOS ARTISTAS NACIONALES

El jueves 2 de enero de 1986, marcó una nueva etapa en nuestra carrera en los medios de comunicación en el Perú. Junto a Sammy Sadovnik, con quien hasta hacía poco más de una semana habíamos compartido el programa Buenos días, día en Radio Panamericana, volvimos a nuestra alma mater. Era Radio Miraflores. Aquella mañana lanzamos al aire un nuevo espacio que se llamó Instantes, en directa alusión al entonces popular informativo matutino de la emisora llamado El Momento. El lunes siguiente, mientras andábamos pensando en cómo darle mejor cabida al elemento nacional en nuestro nuevo trabajo, tuvimos que dar la noticia del lamentable deceso de Phil Lynott, el bajista-cantante de Thin Lizzy, quien había muerto durante el fin de semana. Y ese día también anunciamos nuestra primera entrevista en Instantes. Sucedería dos días después con Juan Carlos Caipo, fundador de S.O.S.

Primer Encuentro del Rock en febrero de 1986. (FOTO: Víctor Becerra/Archivo Perú Rock).

Un par de días más tarde, mientras comenzábamos a acomodarnos en esa nueva etapa de nuestras carreras, tuvimos una amena charla con "Pico" Ego Aguirre. Y así nos la pasamos de entrevista en entrevista hasta que, la primera semana de febrero, viajamos a Talara, con Pax y Feiser, para participar del evento Carnaval Rock. Por esos días, habíamos comenzado con la organización del Primer Encuentro del Rock realizado en el Perú, el que se hizo el 28 de febrero con la asistencia de una veintena de músicos. El tema, que fue libre, rondó sobre el poco apoyo que las radioemisoras brindaban a los artistas nacionales. Pero el Encuentro fue el primer paso, nada más.

Y luego de tener de invitados indistintamente a Johnny Rojas, Julio Andrade (aún en Fósil) y Eduardo Gildemeister, entre los que recuerdo, anunciamos el lanzamiento de nuestro nuevo espacio. Se llamaría Perú Rock. Y su slogan sería "el estelar musical de los artistas nacionales". Recuerdo como si fuera ayer dos cosas: cómo nos decidimos por ese nombre y porqué tuvimos que pedir la venia de alguien para proceder con el programa. Lo cierto es que Perú Rock, finalmente, se convirtió en el paso obligado de nuestro trabajo por los artistas nacionales, el que habíamos iniciado con empeño en la radio de Mariano Carranza. Porque, a decir verdad, fue en Panamericana donde se forjó esa alianza. Aunque solo lo pudimos hacer tímidamente. Y así estuvo Sammy, durante varios fines de semana, presentando exclusivos bloques de artistas peruanos casi "sin que nadie se diera cuenta" y sin etiqueta, por supuesto. Es sabido que por esas cosas del bendito rating, era más conveniente tocar a Dire Straits en vez de Franjo, o a Spandau Ballet en vez de Lucho Salazar (posteriormente llamado Luciano Figallo en Trama). Ambos, Lucho y Franjo, quienes se unirían años después en Los Perros, tenían por esos días canciones solistas.

Perú Rock va en horario diario. 1987. (LOGO: Creación de Freddy Chirinos Peña).

Pero el 15 de marzo de 1986, ya en Miraflores, la cosa tomó más cuerpo. Y salimos al aire con Perú Rock por primera vez un sábado. Porque iba a ser un programa semanal. La audición fue transmitida simultáneamente por las frecuencias de AM y FM. Antes habíamos tenido que acercarnos a Nelly Mendívil Castro, quien fue una de las pioneras en apoyar a los artistas peruanos de música juvenil con su recordado espacio La Juventud peruana canta. Nelly era quien había hecho popular aquella frase de "la juventud peruana avanza, se eleva y triunfa". Y teniéndola vigente, aunque entonces con un programa de música criolla, nos pareció sensato acercarnos a ella y pedirle su opinión. Su reacción fue muy positiva. En general, de Nelly siempre recibimos apoyo. Pero, aquella vez, quedaba en manos de Sammy y de quien suscribe, la responsabilidad de prolongar su proyecto. Aunque con diferente nomenclatura.

El nombre apareció de una vieja revista que tenía en casa desde mediados de la década anterior, cuando Tania Libertad andaba en boga con el "Concierto para una sola voz". Aquella era una publicación de Discos El Virrey (en la que Tania aparecía en portada), y que me habían regalado una vez que fui a comprar discos. En una de sus páginas interiores, había una fotografía en blanco negro de Gerardo Manuel. Y la leyenda decía: Perú en Rock. Cuando le dimos la idea a nuestro asesor publicitario y amigo, Freddy Chirinos Peña, Freddy sugirió quitarle la preposición "en" y dejar el término en solo dos palabras: Perú Rock. Y así quedó.

Perú Rock en la prensa. 1987.

Recién en mayo del siguiente año, y luego de muchas entrevistas a artistas locales -de las que podríamos escribir algún día-, Perú Rock fue lanzado en emisión diaria. Fue cuando dejamos el programa del sábado para nuestro ranking semanal, y otra canción de Frágil nos sirvió como música identificatoria de la lista sabatina. Fue "Obertura". Porque el programa diario -que también iba a las doce-, tuvo en "Oda al Tulipán" a su más fiel aliado. Ese fue un tema que le solicitamos a Frágil para usarlo como "cortina" de aquel programa que nos dio tantas satisfacciones (incluyendo una gira nacional). Y todo comenzó un día como hoy, 15 de marzo. Aunque en 1986.

Javier Lishner
Santa Clara, California
15 de marzo de 2010

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CUANDO LOS SOVIÉTICOS INVADIERON LIMA

El martes 12 de julio de 1988 arribó por primera vez al Perú un grupo de rock llegado de la entonces Unión Soviética. Se le anunció con bombos y platillos en la prensa debido a que era una de esas bandas que no solo no eran conocidas localmente sino que, incluso, nunca se les había tocado en la radio. Su presentación era un albur. Un grupo de barbados y desconocidos pelucones llegaban a conquistar al público peruano, y en inglés. Nosotros, que acabábamos de regresar de Huánuco con la gira Perú Rock y que esa misma semana nos preparábamos para viajar a Huaraz, nos dimos el tiempo de conocer a sus integrantes. Se les llamó Stas Namin, aunque, como dirían en la conferencia del día siguiente, era el grupo Flowers o Цветы (Tsvety), en ruso.

Vistas de su actuación en Lima. Agosto de 1988. (FOTOS: Archivos JL).

Hablar de Stas Namin es referirnos a Anastas Alekseyevich Mikoyan, el líder y fundador de Flowers. Un músico, compositor y productor, que ya andaba haciendo historia en su propio medio. La banda la había formado en 1970 y parece que el origen del nombre tuvo que ver con la psicodelia de la década anterior. La aparente discrepancia que hubo en Lima a su llegada, entre el anunciado Stas Namin y el grupo Flowers, no lo fue tanto. Porque ambos fueron casi la misma cosa. Durante los años setenta cuando Flowers fue vetado en la prensa, radio y televisión soviéticas, Mikoyan decidió cambiarle de nombre al combo y lo llamó The Stas Namin Group. Aunque también fue vetado. Y así se pasaron casi una década. Hasta que, finalmente, en 1979, su primer disco pudo ser publicado.

Su llegada al Perú llamó la atención de algunos. Fue así que el 13 de julio hubo una conferencia de prensa en la Isla del Paraíso, un restaurante tipo salsódromo ubicado en el Callao. Allí estuvieron, el representante diplomático, una traductora y todos los músicos de la banda [foto]. El auspicio corrió a cargo de Pepsi, que por esos días invertía dinero en espectáculos de rock. Y de allí se fueron a Colombia.

Conferencia de prensa en Lima. JL entre tanto ruso. (FOTO: Archivo JL).

Regresaron para sus actuaciones en el Perú y, que yo recuerde, el 4 de agosto hicieron su despedida en la Concha Acústica del Parque Salazar de Miraflores. Aquella vez, me tocó presentarlos en escena en un evento nocturno que fue promovido por Radio Miraflores.

No fue el más grande espectáculo de la época, ni siquiera un éxito comercial, pero se le recuerda por la particularidad de haber tenido a rockeros soviéticos en el Perú, cuando el muro aún estaba en pie y también "la cortina de hierro". Y los recuerdo tal como eran, sudando, fumando, jugando fulbito, tomando vodka, y sonriéndole a todo aquel que pasaba a su lado. Hoy, la Concha Acústica no existe más, pero Flowers y Stas Namin ya andan cumpliendo sus primeros cuarenta años inmersos en los caminos del rock.

Al año siguiente de su presentación en Lima, Stas Namin promovió y produjo el histórico Moscow Music Peace Festival en el estadio Lenin, luego llamado el Luzhniki Olympic Complex. El acontecimiento fue conocido como el Woodstock ruso. Participaron, Bon Jovi, Scorpions, Ozzy Osbourne, Skid Row, Mötley Crüe, Cinderella y Gorky Park. Para ese entonces, sus actuaciones en el Perú ya habían pasado a ser parte de su historia.

Javier Lishner
Santa Clara, California
15 de marzo de 2010