JAVIER LISHNER: Rock Around the Blog

2011-07-28T22:19:00.000-07:00

Adiós García Pérez
CAMBIO DE GOBIERNO EN EL PERÚ

Hoy, en las fiestas de la independencia del Perú, Ollanta Humala Tasso asumió la Primera Magistratura del país. Sucede en el cargo a Alan García Pérez, quien gobernó el Perú desde 2006.

Felicidades para todos nuestros compatriotas por estos especiales días de patriotismo y los mejores deseos para el nuevo gobierno que deberá cumplir con sus objetivos durante los próximos cinco años. Adiós García. Hoy, a pesar del circo armado en el Congreso, es un día de regocijo.

Felices Fiestas.

Javier Lishner
Santa Clara, California
28 de julio de 2011

2011-06-25T10:33:00.001-07:00

MICHAEL: A dos años de su partida

Pareciera ayer cuando el 25 de junio de 2009 dábamos la noticia a través de Rock Around the Blog. Y hasta algunos de nuestros amigos se enteraban del fallecimiento del Rey del Pop por esta vía. Los Twitter y Facebook, aunque parezca mentira, aún no tenían la fuerza que tienen hoy y, los blogs, amén de los medios tradicionales, eran unos de los lugares en donde los lectores buscaban noticias.

Desde aquí, nuestro recuerdo a Michael Jackson (1958 - 2009), cuyo cuerpo descansa en el Forest Lawn Memorial Park de la ciudad de Glendale, al sur de California. Ahora, con la reciente llegada de su inseparable amiga Elizabeth Taylor, ambos descansan en paz juntos en la misma cripta del mencionado camposanto.

Javier Lishner
Santa Clara, California
25 de junio de 2011

2011-06-04T19:39:00.000-07:00

ELECCIONES EN PERÚ

Llegó la hora. Mañana 5 de junio, es la fecha para la definición del candidato que asumirá la Presidencia del Perú el próximo 28 de julio. Por lo tanto, o la señora Keiko Fujimori o el señor Ollanta Humala, tendrá la responsabilidad de liderar democráticamente, y durante los próximos cinco años, los destinos del Perú.

Ni derecha ni izquierda, el país merece seguir para arriba. Unidos por la paz y el progreso. Así sea.

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de junio de 2011

2011-05-21T23:05:00.000-07:00

LLEGÓ EL DÍA DEL JUICIO FINAL

... Ya va a ser medianoche y me quedé esperando el juicio.

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de mayo de 2011

2011-05-01T06:27:00.000-07:00

A UN MES DE NUESTRA DESPEDIDA

Pasó un mes desde la última vez que dejamos una nota en este espacio. La vida nos trajo temporalmente un poco más al sur, al área de Los Angeles, siempre en California, y nos motiva a seguir adelante en esta cada vez más técnica tarea de las pantallas y los teclados.

Saludo a todos los lectores del blog, y a los visitantes casuales, por mantener el espíritu con el que fue creado hace casi cinco años y al que, de una u otra forma, deseo volver en cuanto me sea posible.

Por el momento, mis mejores deseos para todos y cada uno de ustedes. Feliz día del trabajo y a esperar el 21, que, según dicen, será el día del Juicio Final.

Amor y paz. (FOTO: Javier Lishner)

Los Angeles, 1 de mayo de 2011

2011-04-01T17:24:00.000-07:00

EN EL DÍA DE LOS INOCENTES

April 1st., en esta parte del mundo, también es conocido como April Fool's, el día de los inocentes. Con esta coincidencia, debo anunciar que Rock Around the Blog, que iniciamos con mucha serenidad en 2006, cuando blogspot era poco y acabábamos de concluir un proyecto en las oficinas centrales de Google, en Mountain View, California, dejará de seguir publicando notas.

Nos vamos, solo momentáneamente, dejando unos mil quinientos artículos de los que algunos fueron publicados más de una vez. Si bien es cierto que este espacio de Internet centró su atención en la música, también tuvimos nuestros encontrones con la política, la religión, los deportes, especialmente el fútbol, y otros temas de interés y actualidad. Y hasta le dedicamos un par de notas a Laura Bozzo. Solo para darles una idea.

Me retiro por un tiempo, únicamente del blog, mas no de la música y menos de las noticias. Solo con la esperanza de regresar en otro momento con algo mejor, y esperando contar con su tan amable participación.

Ad portas de elegir a un nuevo presidente en mi país, el Perú, también espero lo mejor para quien salga electo. Y esto tampoco tiene qué ver con que hoy, en el país donde actualmente resido, sea el día de los inocentes.

Saludos a todos, y gracias por haber compartido conmigo y todos los lectores, momentos tan gratos a través de Rock Around the Blog.

Javier Lishner
Los Angeles, California
1 de abril de 2011

2011-03-23T13:04:00.000-07:00

Descanse en paz, señora
SE FUE ELIZABETH TAYLOR

Sabíamos que, tarde o temprano, la noticia iba a llegar. Porque es la ley de la vida. Y porque la actriz inglesa nos mantuvo durante varios lustros con la atención en sus citas médicas y sus permanencias en hospitales. Pero hoy, ella, una de las más brillantes actrices de la historia de Hollywood, se despidió en silencio.

La acababa de recordar cuando hace una semana fui a visitar la tumba de Michael Jackson, en Glendale, en el sur de California. Fue cuando leí que había sido admitida en un nosocomio, el Cedars-Sinai Medical Center de Los Angeles, allí, cerquita desde donde descansa el Rey del Pop, su protegido. Pues allí mismo se nos fue hoy la gran señora de la pantalla. Con una vida pública de ribetes, la que incluyó ocho matrimonios, Elizabeth Taylor, finalmente, descansa en paz. (FOTO: Internet).

Javier Lishner
Santa Clara, California
23 de marzo de 2011

2011-03-19T15:23:00.000-07:00

RANDY RHOADS - En el Olimpo de los dioses

Cuando pude ver a Ozzy Osbourne como solista, hace ya 25 años, "el príncipe de las tinieblas" andaba con quien había cubierto el puesto dejado por Randy Rhoads. Era un guitarrista llamado Jake E. Lee, solo dos meses menor que Randy. Y es que el cambio en la banda de Oz fue repentino. Casi sin avisar, Randy se fue al cielo una mañana de 1982, para nunca más volver, dejando una banda formada [de nombre Quiet Riot] y dos buenos discos con Ozzy; el primero producido por el propio Ozzy, y el segundo, con la coproducción de Ozzy, Max Norman y él. La siguiente es una nota que apareció originalmente en 2008 con motivo de recordar un aniversario más de la partida de Randy. Era, como hoy, 19 de marzo.

Todo comenzó el 6 de diciembre de 1956. La familia Rhoads vivía como cualquier otra en los alrededores de Santa Monica, en California. William era el padre y, Delores, la madre, acababa de dar a luz a un hijo en el St. John's Hospital. Se le llamaría Randall William, y sería el menor de tres hermanos. Los otros habían sido bautizados, Doug y Kathy. Antes de que el pequeño Randall cumpliera los dos años de edad, el padre dejó a Delores aunque nunca abandonó a sus hijos. Delores, por su parte, se encargó directamente de su educación. Ella era propietaria del Musonia School of Music en North Hollywood. Sería por allí en donde Randy, el futuro guitarrista de Quiet Riot y Ozzy Osbourne, haría sus primeras travesuras.

"Both of my parents are music teachers. My mother owns the school that I taught in. My brothers and sisters are musicans. My mom pushed me all the time. She knew that I could do it. She knew more than I did. She thought I would go somewhere. She gave me the job and helped me get equipment, which a lot of parents don't do. A lot of my students had to go out and fight for it."

- Randy Rhoads.

Ozzy Osbourne fue despedido de Black Sabbath en 1979 luego del disco Never Say Die. Para ese entonces, su sombra, la señora Sharon Arden, ya andaba metida en su carrera. Mientras, él, seguía inmerso en ese mundo prohibido que había terminado por consumir a varios de sus amigos. Bon Scott, entre ellos.

En 2004, Delores Rhoads recibe un reconocimiento a su hijo.
(FOTO: Frazer Harrison/Getty Images).

Randy Rhoads era un joven guitarrista de Burbank, California, que era feliz tocando con Kevin DuBrow, Rudy Sarzo y Drew Forsyth. Los cuatro formaban un grupo llamado Quiet Riot, el que habían iniciado en 1973 con el bajista Kelly Garni, en el área de Los Angeles. Pero, en 1979, el camino súbitamente cambió para ambos, el grupo y el guitarrista.

Dice la historia que siguiendo los consejos de su amigo Dana Strum, un muchacho de apenas 20 años, Randy Rhoads aceptó la oferta para ser parte del nuevo grupo que el ex-vocalista de Black Sabbath (y la señora Arden) andaban formando. (Años después, Strum volvería a recomendar a otro guitarrista en el seno de los Osbourne: Jack E. Lee. Y en 1988 fundaría Slaughter).

El nuevo proyecto de Sharon y Ozzy quedó listo con Rhoads en guitarra, Bob Daisley en bajo, y Lee Kerslake en batería. Daisley había integrado Rainbow, en tanto, Kerslake, era miembro fundador de Uriah Heep. Aparentemente, un combo con mucho futuro. Con esa formación grabaron Blizzard of Ozz. De aquella placa se recuerda "Crazy Train" y "Mr. Crowley", este útimo en donde quedó para el recuerdo la intensa introducción de Don Airey, el actual teclista de Deep Purple, quien solo participó como colaborador. Blizzard también incluyó "Suicide Solution", escrita por Osbourne, Rhoads y Daisley, que -según se dijo- indujo a la muerte de un joven norteamericano en 1984. El hecho fue un dolor de cabeza para Sharon y su futuro esposo. Aunque al final ganaron en Corte.

Principios de los ochenta: Osbourne y Rhoads.
(FOTO: Photorazzi).

En 1981, otra vez bajo la producción de Max Norman, Ozzy y su grupo ingresan a los estudios con el fin de grabar su segunda placa. Esta sería un pandemonio. A pesar de que Daisley y Kerslake pusieron su esfuerzo en el disco, sus nombres y fotos, no aparecieron. Pero, sí, el crédito de Don Airey, aunque dicen que no fue quien tocó los teclados por estar ocupado en otro proyecto. Lo cierto es que el álbum tuvo por nombre Diary of a Madman y, al lado de Ozzy, estuvo muy bien plantado Randy Rhoads. Entre las composiciones, destacaron "Over the Mountain", "You Can't Kill Rock & Roll" y "Flying High Again", con un hermoso solo de Rhoads.

La relación con el guitarrista iba en ascenso. Tommy Aldridge había reemplazado a Kerslake y Rudy Sarzo había hecho lo propio con Daisley. Pero, el 19 de marzo de 1982, todo cambió para siempre. La banda, que se dirigía en bus a Orlando, Florida, hizo una parada en casa de Jerry Calhoun, el dueño de la compañía de autobuses. El chofer, Andrew Aycock, sin permiso, tomó una Beechcraft Bonanza y, con Rhoads y la maquilladora Rachel Youngblood como tripulación, la echó a volar. Mientras los demás integrantes del grupo -menos uno- dormían (Ozzy, Sharon, Sarzo y Aldridge), el chofer convertido en piloto sobrevoló el autobús y accidentalmente chocó el ala derecha de la avioneta, lo que le hizo perder el control, enviándola hasta la fachada de la residencia de Calhoun. Al instante, 10:30 de la mañana, sus tres ocupantes murieron. Don Airey, quien se encontraba afuera, fue testigo del accidente. Rhoads tenía 25 años. Acababa de ser nombrado por Guitar Player como el mejor nuevo talento, y, por el periódico británico Sounds, el mejor guitarrista de heavy metal de 1981.

Javier Lishner
Santa Clara, California
19 de marzo de 2008

2011-03-18T12:18:00.001-07:00

Rock de los 80

THE TUBES EN THE CATALYST

Dicen que la historia oficial de The Tubes se inició en 1973 cuando telonearon a los New York Dolls en el Matrix, a Iggy Pop en el Bimbo's y a Led Zeppelin en el Kezar Stadium, en San Francisco. No obstante, desde finales de los sesenta, la base del grupo había estado haciendo sus pinitos en Phoenix, Arizona. El 69 viajaron al norte de California y allí comenzaron a planificar su primera placa discográfica, la que aparecería recién en 1975. Fue producida por Al Kooper, el genio que ya tenía entre sus créditos a los Blood, Sweat & Tears y Bob Dylan.

"White Punks on Dove" - The Tubes.

The Catalyst es un acogedor lugar ubicado en el 1011 de la Pacific Avenue, en Santa Cruz, donde semanalmente actúan desde los más famosos artistas hasta los más novatos grupos locales. Por ahí han pasado famosos como Red Hot Chili Peppers, Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Billy Idol y Alanis Morissette; y novatos como Neil Young, Peter Frampton y David Lee Roth. La capacidad del club es para unas 800 personas.

Llegamos al evento de esa noche con The Tubes, comenzado el show. Lo que sabíamos del conjunto era que su espectáculo llegaba con escenas de índole teatral y que desde sus inicios fue una de esas bandas muy queridas en el norte de California. Además de su ochentero éxito, "She's A Beauty", claro está. Ahora, The Tubes -que alguna vez fue amplio en cantidad de integrantes- cuenta únicamente con cinco.

Volvíamos a The Catalyst luego de cuatro años, cuando fuimos a ver a Chris Robinson -vocalista de los Black Crowes- en uno de sus proyectos solistas. El espectáculo de The Tubes incluyó sus más populares canciones, las que conocen, primordialmente, quienes son seguidores de la banda. Porque The Tubes, es lo que se conoce como "una banda de culto". Es cierto que entre el 75 y 85 tuvieron su cuarto de hora de fama pero, por alguna extraña razón, nunca llegaron al nivel (de popularidad) de otros contemporáneos. Como Starship, por ejemplo.

Pudimos escuchar, entre otras, "White Punks on Dope", "What Do You Want from Life?", "Don't Touch Me There", "Sushi Girl" y, por supuesto, su radiable, archiconocido y antes mencionado tema de 1983, cuando aún estaba Vince Welnick en los teclados, quien luego pasó a the Grateful Dead, y quien falleció en 2006. Casi cada dos números, su vocalista, Fee Waybill, cambiaba de atuendo para hacer sus parodias y joda, acorde con las letras de sus canciones. Creo no ser injusto si digo que, amén de Peter Gabriel (en su era Genesis) por un lado y, Alice Cooper, por el otro, no debe haber otra puesta en escena -de rock- como la que vimos el sábado último con Waybill y su Corte. Esa noche, el baterista se lució durante cada beat y, Roger Steen, en la viola y coros no dejó espacio para pasar desapercibido. Al otro lado del escenario, Rick Anderson, el bajista original, apareció como antaño, con saco, corbata y sobrero. Durante la segunda mitad del show, Steen produjo un solo de guitarra, de esos que no escuchábamos hacía mucho tiempo. Hubo rock, hubo soul (con una parodia a James Brown y a otros de la Motown), y hasta un poco de glam. Todo muy bien dosificado, que fue una de sus características durante los años maravillosos. Para el final dejaron "Mondo Bondage".

Fee Waybill. El vocalista de la banda nos dejó un recuerdo.

Y, al igual que nos sucedió la última vez con Chris Robinson, nos dimos tiempo para extenderle la mano a algunos integrantes de la banda, entre ellos a Fee Waybill. La accesibilidad, según nos dijeron, fue otra de las características que siempre tuvieron. Buen show, con mucha sátira y participación del público, incluyendo a dos femmes fatales que subieron al escenario para acompañar a Waybill en "Don't Touch Me There". Y, él, las tocó, a cambio de lo que le tocaron a él. Definitivamente, un espectáculo para adultos.

Javier Lishner
Santa Cruz, California
18 de marzo de 2007

2011-03-15T21:56:00.000-07:00

En el Forest Lawn Memorial
EN BUSCA DE LOS RESTOS DE MICHAEL

Era sábado en la mañana. El Forest Lawn Memorial Park, el cementerio enclavado desde 1906 en la ciudad de Glendale, California, no quedaba muy lejos. Habíamos leído que las rejas de su entrada principal eran las más altas del mundo y ello nos llamó un poco la atención. Pero cuando supimos que allí reposaban los restos de personajes como Humphrey Bogart, Jean Harlow, Chico Marx, Sammy Davis Jr., Clark Gable, Spencer Tracy, Nat King Cole, Walt Disney, además de Michael Jackson, entonces, movimos inmediatamente el esqueleto.

Lo primero que encontramos al ingreso es una pequeña caseta de madera que dice Information. Preguntamos por el lugar en donde se encuentran los restos de algunos artistas. De manera tajante, la dama detrás de la ventanilla nos responde que no se puede dar esa información por una cuestión de privacidad. Alguien que andaba incluso detrás de ella, estrecha el brazo y entrega una pequeña tarjeta donde se explican las razones de tal negativa.

La tarjeta, entre otras cosas, dice que el "Forest Lawn Memorial continues to be the protection of privacy of the families that it serves... for this reason, no information can be given to visitors on the location of interment sites, with the exception of immediate relatives of the deceased". Y como quiera que no hay familiares por estos lares, y el cementerio es inmenso, comenzó nuestro dolor de cabeza.

Pero, al ver nuestro rostro, la estricta dama a cargo de aquella garita, agregó: "la única de la que le puedo dar información es la tumba de Michael Jackson". Carajo, pero si esa era principalmente la razón por la que nos encontrábamos allí. Así que, acto seguido, nos entregó otro papel con el mapa del camposanto. Mientras seguía hablando, prefrerimos no escucharla y mirar hacia arriba; hacia la loma que había que trepar camino al lugar donde se encontraban los restos del creador de "Beat It" y "Billie Jean".

Subimos la loma y volteando un poco hacia la derecha, comenzamos a estar cerca de los restos del Rey del Pop. Divisamos una antigua construcción más de estilo europeo que nos hizo sentir en Berlin, en Praga, no sé.

El Mausoleo tiene dos pisos y pareciera haber sido construido en los años cincuenta. Al menos, eso es lo que escuchamos. A esa hora de la mañana, la puerta yace abierta y sin ninguna seguridad en el frente, ingresamos a paso seguro. Tumbas a ambos lados de sus paredes y vitrales por donde entra la luz exterior es todo lo que se observa. A un lado, una escalera lleva hacia el sótano de la edificación donde presumimos descansan en paz más personas. Preferimos salir. No hay rastros de Michael Jackson.

Tres jóvenes que se entendían en el idioma alemán, una vistiendo un suéter de Mickey Mouse y otra con uno de Guns N'Roses, iban dejando flores y otros recuerdos en la parte exterior del viejo edificio. Ello llamó nuestra atención y nos hizo descubrir otra puerta. Sobre la puerta unas letras donde se leía Holly Terrace. Nunca imaginaríamos que allí reposaba el cuerpo del popular artista fallecido en junio de 2009.

Una guardia de seguridad se encontraba en la puerta. También parecía estricta. No nos quedó mas que acercárnosle y confiarle nuestro objetivo. Y al igual que la dama de la entrada, dijo que no. Que en efecto, la tumba de Michael se encontraba allí pero que no se podía pasar. Se acercó a la puerta, señaló el fondo del corredor y dijo que esa era su tumba. Le pregunté si podíamos acercarnos aunque sea a la puerta y dijo que sí. Aproveché el pánico para preguntarle si podíamos tomar una foto desde allí... y dijo que sí. Pero sin flash, porque había un servicio a un lado de esa parte del mausoleo.

Así que solo nos quedo sacar la camarita y, desde la puerta, a lo lejos, tomar la única y ventiúnica foto. Sin flash, por supuesto... Veremos si para la próxima vamos vestidos de traje y corbata, manejando el automóvil más nuevo, y les decimos que llegamos de Gary, Indiana, y que nos apedillamos Jackson. Seguramente que el artista se alegrará de vernos visitándolo. Quién sabe. (FOTOS: Javier Lishner).

Javier Lishner
Santa Clara, California
15 de marzo de 2011

2011-03-14T13:47:00.000-07:00

EL HARD ROCK CAFÉ

Que Taco Bell no hubiera funcionado en una ciudad como Lima, no me sorprendió. Que el Hard Rock Café, sí. En un lugar en el que la comida es una de las principales atracciones y en donde, por ejemplo, los tacos (al más puro estilo limeño) son de sabor nacional, difícilmente una cadena como la californiana podía haber tenido acogida. Por ello, al poco tiempo, a pesar de los gustos y sabores, la marca fundada por el señor Bell tuvo que rehacer sus maletas (y las ilusiones con las que había llegado), y volver a su centro de operaciones en Irvine, en el Condado de Orange.

El Hard Rock Café fue inaugurado en Londres en 1971. Cuentan que después de unos años, uno de sus conspicuos clientes les regaló una de sus guitarras. Era fines de los setenta. El cliente se llamaba Eric Clapton. Al poco tiempo, les llegó otro obsequio parecido al de Clapton. Tenía una tarjeta adjunta que la firmaba un tal Pete Townshend. Ese fue el comienzo de las miles de piezas con las que, un par de décadas más tarde, contaría el Hard Rock Café.

Fundado por dos estadounidenses, el restaurante, que por sus precios cómodos, su filosofía ("Love All, Serve All") y su afición por la música, tuvo buena acogida en la capital inglesa, daría un vuelco en 1982. Ese año, Isaac Tigrett y Peter Morton, sus fundadores, se dedicaron a abrir establecimientos similares en otras ciudades. Fue así como nacieron los Hard Rock Café de Los Angeles, Chicago, Houston y San Francisco. Luego se construyeron los de Nueva York, Dallas, Boston, Orlando, Berlin y Paris.

Con Sid Vicious en el pecho y al lado del pinball con que jugó Roger Daltrey en la obra de The Who.

Lo que vino después fue la venta de la marca, que para entonces (los años noventa), ya había sido muy bien posicionada en casi todos los continentes. El Hard Rock Café no solo había continuado recibiendo donaciones de músicos y empresas ligadas a la industria, sino que también había invertido parte de su capital, ampliando, de esa manera, su ya apetecible colección. Ésta llega a 70,000 artículos en más de 150 establecimientos (incluídos varios hoteles) en cincuenta países. Desafortunadamente, no en el mío. Al Perú llegaron, instalaron sus cocinas, colgaron su memorabilia, atendieron un tiempo en el distrito de Miraflores -frente al mar Pacífico- y se fueron. Caras vemos, corazones no sabemos.

No obstante, allí y en todo el mundo, dejaron su mensaje filántropo y generoso de "Save the Planet". Porque un pocentaje de sus ganancias van para eso. Y, así, sí que vale la pena darles una visita. Aunque sea para comer un taco. Buen provecho. (FOTOS: Javier Lishner).

Javier Lishner
Santa Clara, California
10 de diciembre de 2009

2011-03-10T09:33:00.000-08:00

LA CACHUCHA DE BAD COMPANY

Traté ligeramente de encontrar alguna relación entre The Police y Bad Company, pero no la encontré. Sin embargo, cuando pensé en una entre Rod Stewart y el grupo de Paul Rodgers, rápidamente se me vino una a la mente. Aquella de cuando alguna vez le preguntaron a Stewart quién era su cantante favorito y contestó sin dudar que Paul Rodgers. Pero, en estos días no solamente estamos dándole importancia a los hechos del rocanrol, como es nuestra costumbre, sino también a las infaltables cachuchas. Y esta vez, la tercera, mostramos la de Bad Company.

Como escribimos hace algunos días, Bad Company fue formado por Paul Rodgers, Mick Ralphs, Boz Burrell y Simon Kirke. Rodgers era la voz principal y, al igual que el baterista Simon Kirke, llegaba de una famosa banda de nombre Free. A su lado tenía a dos destacados músicos que, como ellos, llegaban con cierto pedigree bajo el brazo. Ellos eran, el guitarrista Mick Ralphs, de las canteras de Mott the Hoople, y Boz Burrell, de las filas de King Crimson. En resumen, una suerte de súper grupo. Y como habría de esperarse, se convirtió en la banda revelación de 1974, año de su formación.

Como quiera que por aquel entonces era aún un púber, y las propinas de papá las invertía en música, entre revistas y discos, me tocó obtener su primera producción discográfica. La llamaron BadCo. Y la escuché unas mil veces. Las rayaduras en algunas de las canciones fueron el mejor signo de que la compra había valido, con creces, la pena.

Cinco años después, y también cinco discos más tarde, Bad Company publicó Desolation Angels, siempre bajo Swan Song Records, el sello de Led Zeppelin. Allí hubo una canción que escribió el vocalista y con la que hoy queremos bautizar a nuestra cachucha. "Rock 'n' Roll Fantasy" es el nombre para esta gorra que encontramos en nuestro fantástico camino hacia el rock and roll, una noche en que fuimos a ver a la banda original. Fue inolvidable. Y hasta salí con un CD autografiado por el mismo cantante.

Javier Lishner
Santa Clara, California
10 de marzo de 2010

NOTA RELACIONADA:
- LA CACHUCHA DE THE POLICE
- LA CACHUCHA DE ROD STEWART

2011-03-06T16:43:00.001-08:00

LA CACHUCHA DE ROD STEWART

Son muchas las cosas de Rod Stewart que no podría olvidar. Una, por ejemplo, es cuando lo vi cantar "Hot Legs" en 1985. Otra, la vez que viajé a Bakersfield, California, para encontrarme con Javier Fernández. Era 1994 y nos alistábamos para ir a ver a los Rolling Stones en el angelino Rose Bowl. Entonces vi un balón de futbol en su habitación. Y me contó que lo obtuvo en un concierto de Rod Stewart (el cantante tenía la costumbre de patear balones durante sus shows). Esos son solo dos breves recuerdos. Pero hoy vamos a bautizar la cachucha de Rod Stewart.

Dice nuestro amigo Yerblues, que un buen nombre para este artículo, de los tantos que se ofrecen durante los espectáculos del artista londinense, quien, a los 66, acaba de ser padre por enésima vez (bienvenida Aiden Stewart!), sería "Forever Young". Trato de entender el motivo. Mejor lo dejamos ahí. Con una sonrisa.

La próxima será con una de Bad Company, el grupo formado por Paul Rodgers, Mick Ralphs, Boz Burrell (que descansa en paz) y Simon Kirke. Hasta entonces. Gracias Yerblues.

Javier Lishner
Santa Clara, California
6 de marzo de 2010

NOTA RELACIONADA:
- LA CACHUCHA DE THE POLICE

2011-03-04T15:55:00.000-08:00

III Encuentro del Rock

PERÚ 88: EL QUE NO LLORA NO MAMA

El 4 de marzo de 1988 fue viernes. Poco antes de las diez de la mañana, un grupo grande de músicos llegó sin instrumentos a los estudios RPM, situados en la esquina de las calles Manco Capac y Larco, en Miraflores, Lima. Y es que aquella vez, los instrumentos no eran lo más importante en el estudio. Se trataba de llegar con ideas, planes, esquemas y soluciones a los permanentes obstáculos que se seguían presentando en el ambiente local de la música; pero, principalmente, había que llegar con muy buena actitud. Invitaba Radio Miraflores que, desde mayo del 86, compartía el mismo edificio que los estudios de grabación. Y una vez más, Pepsi, se hizo presente con su producto.

Danelli, Pérez-Luna, Cano-Alva, el suscrito (en sugestiva pose), Sadovnik, Ayllón, Rengifo y GMR, durante el conversatorio rockero. (FOTO: Víctor Becerra/Archivo Perú Rock).

Al lado de Sammy Sadovnik, actual narrador y comentarista deportivo de lujo apostado en Miami (con tres Copas del Mundo a cuestas), convocamos a nuestro III Encuentro del Rock realizado en el Perú. Una reunión, tipo asamblea, en la que, músicos, periodistas y disc jockeys iríamos a intercambiar opiniones sobre la realidad que vivía el rock en nuestro país. La meta era hacer saber que seguíamos trabajando y, como siempre, pedir apoyo. Y fue, uniéndonos, una de las mejores maneras que encontramos para lograr nuestro objetivo. Era aún tiempo de Alan García, con promesas y balconazos; sopa de letras y paquetazos; se celebraba el cumpleaños de Chris Squire, extraordinario bajista de Yes, quien cumplía 40 añitos, y, algunos, como yo, recordábamos a Richard Manuel, el compositor, pianista y cantante de The Band, muerto intempestivamente dos años antes. Ese día también se recordaba a Emile Berliner, el caballero alemán -nacionalizado estadounidense-, que inventó, en 1876 (a la edad de 25 años), el micrófono, instrumento tan importante para el desarrollo de la humanidad, en especial, para todos los que estábamos ahí reunidos. A decir verdad, el movimiento del rock en el país, para ese entonces, ya había logrado llamar bastante la atención.

Los relatos que nos habían contado Pico Ego-Aguirre, Chachi Luján o Carlos Guerrero, entre otros experimentados artistas, nos sirvieron para continuar aquello que había quedado trunco cuando el gobierno militar tomó el poder por la fuerza, y Nelly Mendívil hacía radio. Carlos, Chachi y Pico, recuerdan muy bien las historias en carne propia. Gerardo Manuel también.

La prensa se hizo presente. He aquí la nota publicada por el diario Actualidad.

Durante la dictadura (1968-1980), tan trunco quedó el movimiento como cada una de sus partes. Hubo muy pocos, como Guerrero, y los hermanos Saúl y Manuel Cornejo -con el grupo You-, y, el bajista Ernesto Samamé -con Sudamérica-, quienes siguieron a pesar de lo verde que se veía el ambiente (militares). Los cuatro habían sido parte de We all Together. En el 75 nacía Frágil. En esa década hubo muy buenos intentos limeños como los de Tripping Foxters, Mardi Grass, Red Amber, Breeze, Toilet Paper, Camaleón o Filibuster, que, desafortunadamente, no llegaron más allá de unos cuantos colegios y clubes privados, y El Olivar de San Isidro. Canto Rodado, fue otra opción, aún más honesta, con temas propios y en nuestro idioma. Y, Black Sugar, que pudo (y debió) haber llegado mucho más lejos. Pero todo eso pasó, como la brisa y el canto.

El III Encuentro del Rock ha terminado. Músicos posan juntos para la posteridad (FOTO: Víctor Becerra/Archivo Perú Rock).

En el 88, había un programa llamado Perú Rock, dedicado a los artistas nacionales, que volvió a funcionar como punto de partida para esta tercera reunión fraternal de rockeros unidos. Integrantes de Rio, Dudó, Toilet Paper, Punto Negro, Frágil, Pax, S.O.S., Duwetto, Feiser, Fosh, Cadena Perpetua, UHF, Trama, Desorden, Retorno Breve, Kryzis, La Mafia, entre otros, junto a Yesabella, Nina Mutal, Julio Andrade, Beto Danelli, Coco Silva, Armando Pattroni, Andrés Landavere, Pepe Ortega (hoy en Oklahoma), Julio Caipo, Tito Estupiñán, Froy Arrieta, Javier Manrique, y el infaltable Gerardo Manuel, fueron algunos de los que concurrieron. El conversatorio, que se transmitió en simultáneo a través de la doble frecuencia de Radio Miraflores, duró un poco más de dos horas. Se habló mucho y se hizo algo. De eso hace 19 años.

El III Encuentro terminó pero hubo tiempo para más. (FOTO: Víctor Becerra/Archivo Perú Rock).

Cómo olvidar esos tiempos de nuestros Encuentros, Indochina en territorio peruano, la Gira Perú Rock con CATS Producciones, el éxito de Autocontrol (desde el año anterior) y Arena Hash, la muerte de Andy Gibb la semana siguiente del encuentro, Katia Escudero, nuestra Miss Perú 1988. Y, paradójicamente, lo pobres que empezamos a ser, con los millones de intis de García Pérez. Saludos a la distancia y el tiempo.

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de marzo de 2007

- Para acceder al I Encuentro del rock, de 1986, presione aquí.
- Para acceder al II Encuentro del rock, de 1987, presione aquí.

NOTA DE REDACCIÓN: Este artículo fue escrito en 2007, lo que hace que Pepe Ortega ya no resida en Oklahoma sino en Lima, que Sammy Sadovnik no tenga tres copas del Mundo a cuestas sino cuatro, que de aquel conversatorio no hayan pasado 19 años sino 23 y que, por ejemplo, hoy solo exista una sola frecuencia de Radio Miraflores. Porque la FM se terminó por vender.

2011-03-01T14:18:00.000-08:00

LA CACHUCHA DE THE POLICE

La primera vez que, por estos lares, me preguntaron si usaba cachucha me quedé inmóvil. Mis ojos fueron el único enlace entre la ficción y realidad. La segunda vez que escuché el término fue distinto. Ya sabía lo que la palabrita signficaba para buena parte de la población de habla hispana del área, principalmente de origen mexicano. Lo mismo que lo que significa para la Real Academia Española de la Lengua: "Especie de gorra". Aunque la institución que rige las reglas del idioma, dice que también significa "bote o lancha pequeña" y "baile popular de Andalucía, en compás ternario y con castañuelas".

Message in a cap.

A raíz de la reciente visita de Sting a Lima, y la nota que nos envió Fernando Arrieta Gómez desde el Perú, decidí sacar mi colección de cachuchas, especialmente la de The Police. Pero también decidí bautizarlas. Por ejemplo, a esta le he puesto "Can't Stand Losing You". Porque en un momento estuve por obsequiarla. Ahora me encuentro buscándole nombre a una de Rod Stewart. ¿Alguna sugerencia?

Javier Lishner
Santa Clara, California
1 de marzo de 2011

2011-02-24T11:34:00.001-08:00

En Lima
STING CAUTIVÓ A PERUANOS

Cualquiera que lo escuchara a través de Radio Ritmo, pensaría que únicamente le gustan las baladas, y la música en español. Cualquiera que supiera que ha entrevistado a artistas como Ricardo Montaner, Myriam Hernández, Pablo Herrera, Alejandro Lerner, Camila o Reik, diría que su mundo musical es el iberoamericano. Pero, no es así. A Fernando Arrieta Gómez, el locutor de Radio Ritmo Romántica, le gusta mucho más que eso. The Police, por ejemplo. Bueno, ese es más que un ejemplo. The Police es su favorito desde casi la primera vez que los escuchó, y aún era niño. Lo cierto es que Fernando estuvo anoche en el Estadio Monumental de Lima, Perú, delante de su artista favorito, Sting, y se dio tiempo para enviarnos una reseña de lo que vivió al lado de decenas de miles de personas que llegaron hasta el coloso de Ate para ver al artista inglés. Aquí, la crónica de Fernando.

FOTO: La República

Hay una frase del escritor brasileño Pablo Coelho que dice: "Cuando quieres realmente una cosa, todo el Universo conspira para ayudarte a conseguirla". Yo tenía un sueño, un sueño que albergué por más de veintisiete años, esperando que algún día Gordon Matthew Sumner, más conocido en el mundo artístico como Sting, llegara al Perú. Y el sueño se hizo realidad ayer. Fue una noche mágica que se inició en la Explanada del Monumental con los acordes de "If I Ever Lose My Faith in You" del álbum Ten Summoners Tale, y que nos presentó a un Sting vestido de negro para la ocasión. Los fans iniciábamos el recorrido a través del firmamento musical de Sting y el clásico de Police, "Every Little Thing She Does Is Magic", que hizo mover a todos. Escuchar esta versión al compás de la Orquesta Sinfónica Nacional, en manos de su director Steven Mercurio, fue increíble. El maestro demostró una impresionante energía durante toda la noche. "Englishman In New York" nos llevó de nuevo por los años ochenta. Es conocida la debilidad del artista por el jazz y, ese disco, Nothing Like the Sun, publicado en 1987, que contó, entre otros, con la colaboración de sus colegas Eric Clapton y Mark Knopfler, fue todo un desafío en su carrera.

FOTO: La República

Siguió con otro clásico de The Police -y tal vez el más importante-, "Roxanne", que se pudo disfrutar con nuevos arreglos. Distinta a la versión que en 2007 escuché en el Estadio de River durante la gira del trío británico. Sin embargo, para la mayoría de seguidores fue el delirio total. Más tarde, una pareja de baile acompañó a Sting con la relajante "When We Dance", y, luego, los recuerdos de la Guerra Fría asomaron en la noche de Lima con "Russians", una canción que ni en sueños pensé escuchar... aunque la gira lo amerite.

Hasta que llegaron los acordes de "Shape of My Heart", la que arrancó muchos aplausos. La balada más conocida en la carrera solista de Sting, se imponía en los corazones de las seguidoras y de los románticos, seguida de "Fields of Gold". No obstante, la adrenalina subía al máximo cuando un tema de la era punk, "Next to You", incluido en su álbum debut [Outlandos d'Amour], sorprendió al público, haciendo saltar hasta a los más tranquilos.

Tras un receso de veinticinco minutos, Sting volvió para arremeter con "A Thousand Years" y "This Cowboy Song". Más adelante llegaría otra grata sorpresa con "Moon Over Bourbon Street", tema sacado de su primer disco como solista The Dream of the Blue Turtles. Fue una maravillosa interpretación, vistiendo un abrigo y creando el ambiente denso y peligroso del hombre lobo que relata la canción... Los aplausos continuaron con "Mad About You".

Es posible que la interpretación más intensa para él, y es una visión muy personal, llegara con "Why Should I Cry for You?", dedicada a su padre, con quien nunca tuvo una buena relación, y, según el propio Sting, nunca llegó a cerrar el círculo. ¿Por qué tendría yo que llorar por ti?, ¿qué significaría decir... yo te amé a mi manera? Preguntas que Sting soltaba al viento mientras la noche se hacía más noche.

FOTO: Luis Choy / El Comercio

Luego de aquella catarsis musical, llegaría el momento que para mi pagó la noche, "King of Pain", interpretada al más puro estilo Police, con un Dominic Miller genial en la primera guitarra y el sentimiento del vocalista gritando al cielo "I'll always be king of pain". El tema capturó al público presente y, de paso, me hizo soltar algunas lágrimas. Pero de felicidad. Significaba estar nuevamente con el sabor de Police en los labios. Qué belleza de momento.

"Every Breath You Take", poderosa, desbordante de celos y de promesas. Un verdadero clásico que todos conocen a la perfección. "I'll be watching you!". Era el momento más emotivo y delirante de la noche. Y sabíamos que faltaba muy poco para el adiós; sin embargo, tres despedidas fueron necesarias para ello, además del infaltable chullo peruano y el esperado "¡Gracias Lima!".

FOTO: Luis Choy / El Comercio

"Desert Rose" encendió de nuevo el ambiente. "She's Too Good for Me" hizo lo suyo tanto como la poética "Fragile", que nos hizo recordar las giras de Amnistía Internacional, de las que Sting siempre fue una de las figuras. El show tenía que despedirse con un clásico de The Police. Y fue con "Message in a Bottle", en estilo acústico, con todos coreando el "Sending out at an S.O.S!". Era el punto final para una noche que nunca podría olvidar. "Cuando quieres realmente una cosa, todo el Universo conspira para ayudarte a conseguirla", pensaba mientras volvía a casa. Sí, un sueño se cumple si se lleva siempre en el corazón. Y así pasó. ¡Gracias Sting! (Fernando Arrieta Gómez).

Javier Lishner
Santa Clara, California
24 de febrero de 2011

2011-02-19T13:05:00.001-08:00

BIBLIOTECAS PÚBLICAS

Son edificaciones de todo tamaño dependiendo de la localidad en la que sirven. Y es un servicio que debería de haber en toda ciudad. Las bibliotecas son edificios públicos generalmente construidos con el dinero de los contribuyentes, y cuya misión es servir a la población que tiene en ellas una inmensa fuente de datos, necesaria para la educación, crecimiento y desarrollo de toda persona. En un breve recorrido por el área donde resido, el que me tomó poco menos de una semana, pude visitar varias de ellas. En realidad, me las conocía casi de memoria... A continuación, algunas gráficas caseras y la distancia de cada una con relación a un mismo punto de la ciudad.

Berryessa Branch Library, City of San Jose
10 millas

Biblioteca Latinoamericana Branch Library, City of San Jose
4 millas

Cambrian Branch Library, City of San Jose
7 millas

Campbell Library, City of Campbell
4 millas

Cesar Chavez Library, San Jose City College
1 milla

Dr. Martin Luther King, Jr. Library,
San Jose State University
4 millas

Hillview Branch Library
7 millas

Milpitas Public Library
12 millas

Rose Garden Branch Library, City of San Jose
1 milla

Santa Clara Library, City of Santa Clara
4 millas

Saratoga Library, City of Saratoga
10 millas

Tully Community Branch Library, City of San Jose
8 millas

West Valley Branch Library, City of San Jose
4 millas

Estas bibliotecas dan servicio a más de un millón de personas. Esa es la población aproximada que tiene la ciudad de San Jose, en California. A su alrededor, ciudades como Santa Clara, Campbell y Milpitas, albergan a unas cuantas decenas de miles de residentes más. A diferencia de hace unos años, las bibliotecas (del griego βιβλίον que signfica libro), que únicamente ofrecían libros y otro tipo de material impreso, como periódicos y revistas, hoy, también contienen material sonoro y videográfico. Películas y música, incluidas. Además, todas brindan computadoras y servicio gratuito de Internet a sus visitantes.

A pesar del avance tecnológico, las bibliotecas son para el conocimiento, lo que los árboles para los pulmones. Y cuando veo que las bibliotecas no existen, o que recortan sus turnos por falta de presupuesto, lamento el hecho tanto como cuando veo que talan un árbol. Porque las bibliotecas, como los árboles, son para mi sinónimo de existencia. (FOTOS: Javier Lishner).

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de junio de 2010

2011-02-15T21:12:00.001-08:00

Arena Hash

HUBO UN TIEMPO QUE FUE HERMOSO...

La siguiente fue una entrevista que le realizamos a Arena Hash, grupo peruano que, a fines de los ochenta, arrasó en el mercado local de la música. Fue publicada en julio de 1991, mientras se reorganizaban para volver al ruedo y mantener su importante ubicación en la escena. Por esos días, andaban preparando una gira nacional que iba a comenzar en la capital, el 20 de julio de ese año. Arena Hash fue un excelente primer paso para cada uno de sus miembros, algunos de los cuales, hoy, gozan de reconocimiento internacional. Aquí la nota.

ARENA HASH: "AHORA SOMOS EMPRESARIOS"

"Cuando la cama me da vueltas" fue, en 1988, el primer tema de grupo peruano alguno que llegó al primer lugar en las listas anuales de las principales emisoras de música juvenil -ahora tan venidas a menos- en nuestro país. Han pasado tres años y las condiciones para el grupo no son tan favorables como lo fueron aquella vez. No obstante, Arena Hash trabaja actualmente para superar aquel éxito que, a decir verdad, los tomó desprevenidos. Pedro Suárez-Vértiz, Patricio, su hermano; Christian Meier y Arturo Pomar, están seguros de que ahora, como empresa, las cosas pueden ser mejores.

[LA HISTORIA] "Gracias a Miki Denegri, ex guitarrista de La Banda Azul, y ahora en Miami, conocimos a Christian. Alex, nuestro guitarrista original, se acababa de alejar del grupo, y, a sugerencia de Manuel Garrido Lecca, incluimos a un tecladista. No fue fácil dar con uno hasta que conocimos a Christian. Él tocaba muy bien, no le gustaban las complicaciones y era muy directo. "Con Christian grabamos nuestro primer disco", es lo primero que dice Pedro, el cantante, guitarrista y compositor de la mayoría de los temas del grupo, al recordar los inicios de Arena Hash.

"Muy importante fue el congeniar entre nosotros, teníamos casi la misma edad y todo eso...", dice un risueño Arturo, baterista del conjunto. A lo que Christian agrega: "Recuerdo que la primera vez que hablé con ellos fue por teléfono, lo hicimos por espacio de una hora. Hasta que un buen día, Patricio y Pedro, se aparecieron en mi casa y ¡oh, impresión! Era octubre del 87. Recién en enero del siguiente año comenzamos las grabaciones del disco".

- ¿Esperaban el éxito que obtuvieron?
- "Nuestra intención, lógicamente, era llegar lejos pero no tanto como lo conseguimos. La verdad que eso nos cayó de sorpresa. Todo fue tan rápido. Recién comenzábamos y como que el escenario nos quedó grande", puntualiza Patricio, el bajista.

[SEGUNDA PRODUCCIÓN] "Luego de la gira que nos dio el primer disco, descansamos un tiempo y, a decisión de Manuel, nuestro productor, nos preparamos para grabar la siguiente placa. Y tuvimos tantos problemas como ganas de trabajar. Varios caímos en cama -tres hepatitis de por medio- y Arturo viajó a Estados Unidos. Fuimos más piñas que Def Leppard. Por ello es que la grabación duró cerca de un año...", recuerda Christian. "Todo demoró más por los permanentes apagones, los grupos electrógenos y todo eso...", agrega Arturo.

[NUEVO LANZAMIENTO] "El nuevo trabajo apareció en enero de este año y no es un disco más. Por eso le vamos a sacar el jugo. También ofreceremos espectáculos de primer nivel", afirma Patricio.

- Pero ahora las condiciones para el rock son más complicadas. Predomia el ritmo latino. Son pocas las emisoras que han mantenido su línea...
- "Es verdad, pero de eso estamos conscientes. El rock siempre está rotando y creo que pronto reaparecerá con todo. El rock es la única música que avanza. Creo que ya había saturado. Bueno, como cada diez años... Muchos estábamos cansados de oír tantas "poisonadas" hasta que llegó Juan Luis Guerra, un genio. Fue un respiro. Tenía que ser beatlemaníaco. Él llegó en el momento preciso, como nosotros, también en 1988. Si "Cuando la cama me da vueltas" hubiera salido ahora, no hubiera tenido el éxito que obtuvo hace tres años".

[PLENA LABOR] ¿Quién es el que decide los temas? Patricio responde: "Creo que lo fundamental es que hemos aprendido a ser democráticos con nuestros oídos. Escuchamos todo tipo de música". Y Arturo agrega, "Tiene razón. La opinión de cada uno es importante. Cada opinión la analizamos entre todos. Yo, por ejemplo, escucho música que Patricio no oye, como el rap. A Christian le gusta lo que hace Springsteen. Por eso nuestra mixtura es muy útil".

- ¿Y Manuel Garrido Lecca?
- Ah, es nuestro maestro. Fundamental en nuestro trabajo. Seguramente que sin él no habríamos destacado, por lo menos, en el ranking. Manuel es un gran profesional, sabe lo que hace y lo hace muy bien. Sin él no seríamos lo que somos. Sin desmerecernos, por supuesto.

[LA EMPRESA] Entonces, ¿ganaron dinero en 1988? Patricio contesta que sí hubo dinero. "Vimos plata, pero no como para un grupo número uno. Somos conscientes de la situación del país, pero de todas maneras pues... La verdad es que en aquella época solo vimos nuestros closets llenos de ropa", recuerda el bajista.

"El Rey del Ha Ha Ha". Arena Hash en Aló Gisela. 1991.

Pedro dice: "Creo que todos debemos acomodarnos a la situación del país. Es por eso que ahora nosotros mismos somos productores de nuestros discos y espectáculos. Somos empresarios. Si el 88 impactamos por la novedad, ahora lo debemos hacer por lo musical... Esa fue una época de emoción, fue un buen tiempo de gastadera. Ahora queremos justificar económicamente nuestros esfuerzos". Y el baterista culmina diciendo: "El balance fue decente, pero solo durante seis meses. Dinero no faltó, aunque buena parte de eso sirvió para grabar el nuevo disco".

[JULIO 1991] El día 20 de julio, en el Campo de Marte, Arena Hash romperá fuegos. "Por primera vez un grupo peruano producirá un verdadero concierto de rock", terminan diciendo.

Javier Lishner
Santa Clara, California
2 de febrero de 2008

2011-02-14T12:01:00.000-08:00

EL DÍA DEL AMOR Y LA AMISTAD

Alrededor del mundo, hoy, los seres humanos celebramos a San Valentín, también llamado el día del amor y la amistad. Y la música se convierte como el elemento etéreo, ecuánime e imparcial, que une a las dos partes y las hace vivir momentos específicos e inolvidables. Aunque fue muy difícil, elegimos dos temas para la ocasión. La primera por el amor, la segunda por la amistad. Gracias amigos y que pasen un feliz día de San Valentín.

"Melody Fair" - The Bee Gees

"Friends" - Elton John

Que todo sea amor, paz y música. Por un mundo mejor.

Javier Lishner
Santa Clara, California
14 de febrero de 2011

2011-02-08T14:17:00.000-08:00

ÉCHEME UNA MANO

En febrero de 1994 llegó a Lima un grupo chileno. Hacía un tipo de música alternativa, muy de moda en ese tiempo. El 22 de febrero visitaron Radio Miraflores y en mi programa, El Gusano Eléctrico, tuve oportunidad de tenerlos como invitados. Todo lo que recuerdo es, como se puede ver en la foto, que eran cuarteto. Y a pesar de su música un poco alterada, amén de su vocalista (quien aparece en la parte delantera del grupo), sus integrantes eran muy tranquilos. Entre lo que también recuerdo de aquella entrevista al aire, es que cuando hablamos de los artistas populares que tenía Chile, y me tocó mencionar a Myriam Hernández, el vocalista contestó: "Myriam Hernández me vale verga". Así, simple y claro. El sorprendido con la respuesta fue más mi operador técnico.

Radio Miraflores. Febrero de 1994.

Aquella tarde, a Radio Miraflores de Lima, también llegó el grupo local Zopilotes, el que por esos días andaba promocionando su primer trabajo, Lenguas salvajes. De sus cuatro integrantes solo asistieron, Carlos Fernández, el cantante; Sergio Flores, el bajista, y Miguel Salazar, el encargado del saxo. Eso lo recuerdo muy bien.

Lo que no puedo recordar es el nombre del grupo invitado. No era conocido. Recién había publicado su primera placa, la cual me dejaron, y como al poco tiempo partí a California, nunca más supe de ellos. Hace unos días encontré esta foto y quisiera ponerle nombre. Solo sé que es chileno, eran cuatro y su disco lo dejé heredado justo antes de viajar.

Cualquier seña será agradecida. Hasta pronto.

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de febrero de 2011

2011-02-06T16:05:00.000-08:00

Se reventaron las cuerdas
EL BLUES DE DUELO. EL ROCK TAMBIÉN

Ha muerto Gary Moore. El codiciado guitarrista irlandés de amplia trayectoria solista, y reconocido por sus trabajos con Thin Lizzy, Colosseum II, B.B. King, Greg Lake, George Harrison y con los ex-Cream Jack Bruce y Ginger Baker en BBM, fue encontrado muerto esta mañana en su habitación de hotel mientras andaba de vacaciones en España. Su sitio de Internet, que a esta hora de la tarde [hora californiana] se vino abajo por la cantidad de visitas, solo lamenta la pérdida y, con pena y tristeza, acompaña a sus hijos y demás familiares en el dolor. Rock Around the Blog se aúna al sentimiento.

Gary Moore (1952-2011), Rock In Peace.

Javier Lishner
Santa Clara, California
6 de febrero de 2011

2011-02-05T12:22:00.000-08:00

Día Nacional del Pisco Sour
PISCO SOLO HAY UNO

El pisco es un aguardiente de uva que se produce en la región de Ica, Perú. De acuerdo a algunos conocedores, el pisco debe ser suave y aromático. Como cada primer sábado de febrero se celebra en el Perú, el Día Nacional del Pisco.

RECETA PARA PREPARAR PISCO SOUR

1 clara de huevo
1 onza de jarabe de goma
2 onzas de pisco
1/2 de onza de jugo de limón
hielo picado
amargo de angostura

Batir la clara de huevo con el jarabe de goma. Agregar el pisco, jugo de limón y hielo. Mezclar bien y servir agregándole al final dos gotas del amargo de angostura. Levantar el vaso y hacer salud! (FOTO: Internet).

Javier Lishner
Santa Clara, California
7 de febrero de 2009

2011-02-03T11:16:00.000-08:00

Feb. 3, 1959

THE DAY THE MUSIC DIED

Fue Don McLean quien, en 1971, hizo popular una hermosa melodía que tituló "American Pie". En ella, el cantautor neoyorquino escribió un homenaje a Buddy Holly, Big Bopper y Ritchie Valens, y al rock and roll en general, pero, principalmente, a Holly, el cantante tejano de 22 años y lentes de pasta negra, ídolo de su adolescencia.

"It Doesn't Matter Anymore" fue paradójicamente su última grabación.

El 3 de febrero de 1959, la música sufrió un paro respiratorio cuando el pequeño avión (un Beechcraft Bonanza) en el que iban los tres conocidos artistas cayó cerca de Mason City, Iowa. El artefacto aéreo acababa de despegar luego de que el elenco había participado de una actuación en el Surf Ballroom de Clear Lake. El destino de la nave era Fargo, en North Dakota. Pero nunca llegó.

Buddy Holly influenció a muchos. Entre los más conocidos, un grupo llamado los Beatles. No solo por la melodía que le puso al rock and roll sino hasta en el nombre de su grupo de acompañamiento al que llamó The Crickets. Dicen que los "grillos" inspiraron a los "escarabajos" que iban haciendo sus pinitos al otro lado del Atlántico. Por esos días, Holly andaba escribiendo, interpretando y produciendo sus propias canciones, algo que no hacía ni el mismo Rey del rock and roll, quien fue la mayor influencia de Holly cuando una vez llegó a su natal Lubbock, Texas. Pero esa madrugada de febrero, bordeando la una de la mañana, hora de Iowa, una tormenta de nieve hizo que el piloto perdiera el control. Todo lo demás quedó en los predios de la historia, incluyendo aquello de que el bajista Waylon Jennings, quien formaba parte del grupo de Buddy Holly, a último minuto, cedió su asiento de la aeronave a J.P. Richardson, el reconocido disc jockey tejano, Big Bopper.

Homenaje a los caídos en el lugar del accidente. (FOTO: Dennis Fernkes).

Con Elvis en el ejército, Chuck Berry arrestado por levantar a una prosti, Jerry Lee Lewis enfrascado en el escándalo del matrimonio con su sobrina de solo 13 años, y Little Richard haciendo música gospel, aquel día, temprano en la mañana, el rock and roll quedó en manos del destino. Y el destino fue generoso.

Javier Lishner
Santa Clara, California
3 de febrero de 2007

NOTA RELACIONADA:
- "AMERICAN PIE" - DON McLEAN

2011-01-31T12:46:00.000-08:00

TERRY KATH: Wishing You Were Here

Algo de lo que más recuerdo sobre Terry Kath, es cuando Jimi Hendrix declaró que el afamado guitarrista de Chicago era mejor que él. Terry Alan Kath había nacido el 31 de enero de 1946 y, como la mayoría de adolescentes de su generación, interesados en la música, empezó tocando covers de The Ventures. En 1967, se une a otros muchachos del área y, juntos, forman The Chicago Transit Authority.

Un día de 1968, encontrándose Hendrix en Los Angeles, fue a ver a Chicago. La banda ya había reducido su nombre. Chicago se presentaba esa noche en el famoso Whisky A Go-Go. Terminada la sesión, Jimi se acercó a Walter Parazaider, el saxofonista, y le dijo, "Tu guitarrista es mejor que yo".

Diez años después, en 1978, mientras andaba de farra en una fiesta con amigos del grupo en los alrededores de Los Angeles, Kath fue a sacar su pistola, una calibre 38. Dicen que bromeó a algunos aduciendo que aquella no estaba cargada. Se la puso en la cabeza y disparó. Estaba cargada. El resto es historia. Otros dicen que simplemente la sacó para limpiarla. Y mientras la limpiaba, apretó accidentalmente el gatillo y pum! El final fue el mismo.

Las páginas de los medios escritos de la época le dedicaron sendos artículos. La noticia llegó a Latinoamérica y, Pelo, la revista argentina de rock que editaba Osvaldo Ripoll, le dedicó una flamante nota. Y es que Kath no era cualquiera. No solo era el líder de Chicago sino un maestro de la guitarra, un prolífico compositor y un magnífico cantante. Pero todo quedó ahí aquella tarde del 23 de enero del 78 en Woodland Hills, California.

Después del apremio, Peter Cetera sacó ventaja como vocalista y el grupo en pleno decidió seguir adelante, convirtiéndose, tal vez, en la banda de rock (soft-rock, jazz-rock o como se le quiera llamar), más longeva de la música norteamericana. Porque a diferencia de otros, Chicago nunca dio tregua.

El Año Nuevo de 1975, con Kath en el bajo y Cetera en la guitarra, Chicago tuvo el acompañamiento, en coros, de los no menos famosos Beach Boys, Carl Wilson, Dennis Wilson y Al Jardine, quienes habían participado en la grabación original de esta joya llamada "Wishing You Were Here". Que la disfruten. Y que en paz descanse Terry.

Javier Lishner
Santa Clara, California
2 de enero de 2008

2011-01-27T09:47:00.001-08:00

Perú Rock

EL DÍA QUE NOS PIRATEARON EL NOMBRE

En 1991, un grupo de jóvenes empresarios arequipeños había decidido tomar el nombre del otrora programa de radio limeño y de su respectiva gira, la que, al igual que el programa, había terminado casi abruptamente a raíz del "paquetazo" económico del primer gobierno de Alan García Pérez.

Por esos días andábamos residiendo en Ica, al sur de la capital, y casi terminando nuestro contrato de seis meses en la dirección de Radio Efextos, la nueva FM de esa hermosa tierra del sol. Pero, más al sur, en Arequipa, tuvimos otro trabajito extra. La de cuidar el nombre de Perú Rock, el cual, con Sammy Sadovnik, habíamos patentado tan pronto decidimos esa nomenclatura al lado de nuestro asesor publicitario y amigo, Freddy Chirinos Peña.

El arribo de quien suscribe a Arequipa cayó de sorpresa no solo al elenco artístico que llegaba de Lima sino a los mismos empresarios, quienes de inmediato ofrecieron las disculpas del caso y, como siempre ha sido la costumbre arequipeña, atendernos de la mejor manera. A esas alturas, a nosotros no nos quedaba más que apoyar el intento. Lo otro hubiera sido entablar una acción legal que, en el Perú, tal vez, no hubiera llegado a ningún cause. Además, el empeño puesto en la producción no merecía ser como el perro del hortelano, como, coincidentemente, diría años después García Pérez.

A continuación, la crónica del evento de dos días realizado en el coliseo de la Ciudad Blanca, al que habíamos asisitido en varias ocasiones desde los días de La Más Más. Apareció en las páginas del diario peruano Expreso, el 25 de septiembre de 1991.

SEIS GRUPOS PARA UN FESTIVAL
Sólo faltó el público

Llegamos a Arequipa procedentes de Ica, ciudad en la actualmente residimos. El objetivo era uno: estar presentes en el festival de rock que el grupo Excalibur había anunciado para el viernes 20 y sábado 21, con las actuaciones de Catedral de Humo, We All Together, Frágil, Rio, Nina Mutal y Miki González. Después de todo, eventos como éste no se dan todos los días.

VIERNES 20:
CATEDRAL DE FUERZA
Faltando dos minutos para las veinte horas, el coliseo cerrado de la blanca ciudad estaba listo para el inicio. "Violación" fue el tema elegido por Catedral de Humo, un quinteto local de experimentados músicos, para dar inicio a su espectáculo.

Alfredo Villavicencio (voz), Roberto Otoya (guitarra), Pedro Requena (bajo), Lucho Escobedo (bajo), y Oscar Chaúd (batería), interpretaron un set de ocho canciones de las que hicieron un bis de "Violación" y "Sueños del alma".

Con fuerte influencia de los setenta, Catedral fue, con temas propios, un buen comienzo para el festival de dos días que los organizadores denominaron Perú Rock 91.

WE ALL TOGETHER, SIEMPRE
Pasadas las 21 horas, Carlos Guerrero subió al escenario con sus compañeros, al momento que el público, apostado en las graderías, decidió bajar a la cancha.

"Carry On Til Tomorrow", fue solo una muestra -la primera de muchas- que Guerrero junto a Varvarande, Samamé, Pacheco y Saldarriaga, mostrarían muy bien sobre el gran escenario que de fondo lucía el logotipo del espectáculo (que no era el mismo que patentamos hace unos años con Sammy Sadovnik).

FRÁGIL NO ES TAL
Demostrando una vez más que, en su larga carrera de quince años, el quinteto no tiene nada de lo que significa su nombre, Dulude, Bustamante, Valderrama, Castillo y Durand, dieron el súper show de la noche. No en vano pasan los años y los ensayos en Jirón Yurúa del distrito de Breña.

Frágil, para el final, dejó sus populares "Como un loco" y "Avenida Larco", esta última solicitada desde los primeros minutos que los músicos subieron al estrado.

La energía de su cantante y el sentimiento de todos, amén de su reconocida calidad, hicieron de Frágil lo más destacado de la primera fecha.

Boleto de cortesía en Arequipa (Archivo Perú Rock).

SÁBADO 21
RIO, EL MEJOR
Con menos asistencia que la noche anterior, Rio andaba preparado para iniciar su presentación. Hacía un mes, el grupo solo había llenado el mismo recinto. Esta vez lo hacía compartiendo el cartel con Nina Mutal y Miki González.

"Al Norte de América" marcó el punto de partida del quinteto de Pueblo Libre. Rio no perdió tiempo en modular su sonido.

Pocho, Cucho, Chachi, Lalo y Armando, nos sorprendieron con una nueva y larga versión de "Son colegialas", la que no presentaba en vivo desde hacía mucho tiempo. También con el avance técnico del grupo que, actualmente, hace uso de los modernos secuenciadores. La ciencia y la tecnología al servicio de Rio, lo mejor del festival. Buen sonido, conocidos temas, carisma y popularidad, la que tienen de sobra en Arequipa, fueron suficientes para su presentación que duró cerca de hora y media.

NINA, SE SIENTE EL RITMO
"Una y otra vez" mostró la figura de Nina Mutal en el escenario. Con el estrenado "Siente el ritmo", la artista agradeció al público. Con "Mírame", Nina demostró sus notables progresos como artista y cantante. "Lo que quiero", otro estreno de la noche, y "Cuerpo a cuerpo", le sirvieron para ser muy aplaudida y despedirse de la platea que, a esa hora -las once de la noche- no era mucha.

La banda de Nina Mutal es muy buena. Nos agradó el trabajo del teclista. El guitarrista, por su parte, le da mucha fuerza a las canciones.

MIKI, SABOR
Finalizado el festival realizamos una breve encuesta entre los asistentes a los dos días del evento. El triunfador fue Miki González. Y es que Miki sabe cómo hacerla.

La presencia de la familia Ballumbrosio en el escenario arequipeño, como era de esperarse, le dio un toque único a su show. Sobre todo, cuando pasadas las doce de la noche, el cantautor y guitarrista invitó a don Amador, padre de los muchachos y maestro del violín y el zapateo. Palmas para don Amador, palmas para Filomeno. Más palmas para el maestro, más palmas para su hijo. El espectáculo se convirtió en aplausos, baile, color, aquel que le pone el sabor chinchano que Miki González bebió en El Carmen.

Un envidiable final para un festival en el que hubo organización, buen trato, nivel artístico, mucha promoción y, en el que solo faltó el respetable, base fundamental para el éxito.

Javier Lishner
Santa Clara, California
15 de abril de 2008

2011-01-24T15:22:00.000-08:00

JONATHAN LIVINGSTON SEAGULL - "Be"

Si algún día me pidieran llevar cinco discos a una isla desierta, no dudaría en elegir entre ellos el Juan Salvador Gaviota de Neil Diamond. Posiblemente, los otros cuatro serían música para locos, como hace cuatro décadas algunos le llamaban a mi música favorita. Entre ellos, seguramente, alguno de Jethro Tull.

Richard Bach es un escritor norteamericano nacido en Oak Park, Illinois. Uno de sus más famosos libros lleva por título Jonathan Livingston Seagull, el que publicó en 1970. Debido a su extraordinario éxito en ventas, y a solo tres años de su publicación, la Paramount Pictures decidió hacer una película. Fue dirigida por Hall Bartlett, quien por coincidencia había nacido un día como hoy, en 1912. En 1974, el filme, en el que no participó ningún actor, y más bien fue realizado con imágenes naturales, no fue bien recibido ni por la crítica ni por el público que, seguramente, andaba esperando ver películas como El Exorcista, Dillinger o La Aventura del Poseidón. No obstante, fue nominado a dos premios de la Academia. Ese mismo año, ganó un Golden Globe y un Grammy. Ambos, gracias al talento de uno de los mejores compositores de nuestro tiempo: Neil Diamond, quien escribió la música.

"Be"
(Letra: Richard Bach / Música: Neil Diamond)

Lost
On a painted sky
Where the clouds are hung
For the poet's eye
You may find him
If you may find him
There
On a distant shore
By the wings of dreams
Through an open door
You may know him
If you may

Be
As a page that aches for a word
Which speaks on a theme that is timeless
While the one God will make for your day
Sing
As a song in search of a voice that is silent
And the Sun God will make for your way

And we dance
To a whispered voice
Overheard by the soul
Undertook by the heart
And you may know it
If you may know it

While the sand
Would become the stone
Which begat the spark
Turned to living bone
Holy, holy
Sanctus, sanctus

Be
As a page that aches for a word
Which speaks on a theme that is timeless
While the one God will make for your day
Sing
As a song in search of a voice that is silent
And the one God will make for your way

El año anterior, Diamond había publicado un apetitoso álbum que marcó toda una época. Se llamó Hot August Night. El disco doble, que fue en vivo, fue grabado el 24 de agosto de 1972 y resultó ser parte de una serie de diez noches que el cantautor neoyorquino había hecho en el Greek Theatre de Los Angeles.

"Be", parte del Juan Salvador Gaviota, si bien a algunos nos trae cierta nostalgia por la época y los lugares en que lo escuchamos [en mi caso personal, muchas veces frente al mar], casi a cualquiera podría traerle un poco de paz en este mundo donde cada día necesitamos más de hacer un alto en el camino para revitalizar el espíritu. Creo que la música de Neil Diamond y sus respectivas imágenes, logran ese objetivo.

Si le gusta el mar, las olas, la naturaleza, la paz y la libertad, tal vez esta canción sea para usted. Del álbum en sí, hablaremos otro día.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de noviembre de 2008

2011-01-20T20:34:00.000-08:00

ÉRASE UNA VEZ... UN 21 DE ENERO

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de enero de 2011

2011-01-15T09:33:00.000-08:00

Etérea rivalidad

NEIL YOUNG vs LYNYRD SKYNYRD

Un día de agosto, mientras andaba en Palo Alto, camino a San Francisco, me tocó escuchar una canción de Lynyrd Skynyrd, grupo estadounidense originado en Jacksonville, Florida. La canción me hizo recordar lo difícil que fue para el conjunto, hace treinta años, levantarse casi de las cenizas luego del accidente aéreo en Gillsburg, Mississippi, en el que perdieron la vida el vocalista Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines y, su hermana, la cantante Cassie Gaines. "Sweet Home Alabama" es parte importante de su historia. En ella, la banda de southern rock respondía a Neil Young por la autoría de "Southern Man" y "Alabama".

"Southern Man" - Neil Young.

Neil Young se dio a conocer en la década del sesenta como integrante de the Buffalo Springfield. Allí, con Young, andaban Jim Messina, futuro compañero de Kenny Loggins, y, Stephen Stills, eterno amigo y socio en el siguiente proyecto de ambos: Crosby, Stills, Nash & Young. El músico, residente de esta Bahía, nació en Toronto, Ontario, en 1946.

En "Southern Man", del álbum After the Gold Rush, lanzado en septiembre de 1970, Young escribió:

"Southern man
better keep your head
Don't forget
what your good book said
Southern change
gonna come at last
Now your crosses
are burning fast"

Años más tarde, en 1974, Lynyrd Skynyrd, en su disco Second Helping, replicó con la que fue una de sus más populares canciones. La controversial "Sweet Home Alabama", escrita por el entonces vocalista Ronnie Van Zant, dice:

"Well, I heard Mister Young sing about her
Well, I heard ole Neil put her down.
Well, I hope Neil Young will remember
a southern man don't need him around anyhow..."

"Sweet Home Alabama". Lynyrd Skynyrd, 1976.

Lo cierto es que mientras iba pensando en toda esta historia, en escasos segundos, el tema de Lynyrd Skynyrd terminaba y, coincidentemente, daba paso a uno de Neil Young. La coincidencia no llegó a tanto pues la 98.5 KFOX transmitió "The Needle And The Damage Done", otro clásico del cantautor canadiense mas no el tema de la polémica.

No mucho tiempo atrás, recuerdo haber visto a Neil Young portando una camiseta de Lynyrd Skynyrd. Me pregunté si lo estaría haciendo para firmar la paz o por burla. De Neil Young, a pesar de su honestidad, nunca se sabe. Y como habla poco y nunca fue parte del mainstream rockero (que otros como Poison o Elton John, le sacaron el jugo), me quedó la duda. Quise creer que el tiempo había acabado con los sinsabores de cuando ambos jugaban al sex, drugs & rock and roll. Existe, incluso, una leyenda que dice que Ronnie Van Zant fue enterrado vistiendo una camiseta de Neil Young. He leído, entre otras cosas, que Van Zant era admirador de Young. Y, también, la contraparte, que "Sweet Home Alabama" está dentro de las favoritas del viejo Neil. De acuerdo a una entrevista en la Revista MOJO, el cantante y compositor asegura que la ha tocado en vivo un par de veces. O sea, la rivalidad pareciera ser una fábula. No obstante, a pesar de ello, muchos seguidores a través de los años han querido abrir la tumba de Van Zant para, de una vez por todas, despejar la incógnita.

Ronnie Van Zant con la imagen de Neil Young. Oakland, julio de 1977.
(FOTO: Michael Zagaris)

Lynyrd Skynyrd estuvo el mes pasado en el área, participando de un festival al lado de Pat Travers y Kenny Wayne Shepherd. En tanto, Neil, acaba de anunciar el Bridge School Benefit, evento anual cuyas regalías van para un centro de niños con problemas de aprendizaje, en Hillsborough, y al cual nos hemos ausentado solo un par de veces en más de una década.

[LA ÚLTIMA LA TRAIGO YO] El Gobernador de Alabama, Bob Riley, hizo público que "Sweet Home Alabama", el título del famoso tema de Lynyrd Skynyrd, es el nuevo slogan del Estado, y formará parte del programa de promoción que cuenta con un presupuesto de cuatro millones y medio de dólares. "La frase es saludable, alegre y cálida...", dijo Riley. Pero lo que no dijo fue si la canción también iba a formar parte del paquete.

Javier Lishner
Santa Clara, California
19 de septiembre de 2007

NOTA RELACIONADA:
- THE ALLMAN BROTHERS: La fatalidad tan de repente

2011-01-08T12:59:00.000-08:00

LA CANCIÓN DE LA PISTOLA

Hace un par de días, en un mensaje a través de la red, nos pidieron si podíamos colaborar en la búsqueda "de una canción ochentera del tiempo de "Elevator Boy"... Recuerdo que la tocaban en Panamericana y 1160 de Lima. Yo sólo llegué a escucharla una vez cuando el disc jockey dijo, ahí teníamos a los chicos con pistolas". Cuando preguntamos si aquello de "las pistolas" era algo relacionado al nombre de la banda o al título del tema, desafortunadamente, la respuesta no fue algo que nos pudo haber ayudado a ir cerrando la búsqueda.

"Elevator Boy" es un tema de la banda danesa Laid Back, que fue publicado como parte del disco Keep Smiling de 1983. En eso alguien intervino preguntando si es que era una canción "comercialona", y obtuvo por respuesta: "¿Te acuerdas de "I Feel For You" de Chaka Khan? Bueno, es más o menos de ese tiempo. El tema llegó a estar en los rankings de Radio Pananamericana y de 1160". Es otra pequeña ayuda, aunque aún no suficiente para armar el rompecabezas. "I Feel Fot You" es un tema de 1984.

"Elevator Boy" - Laid Back

"Lo único que recuerdo es aquello de "los chicos con pistolas" y que era parecida a "Elevator Boy", es lo último que leemos. ¿Habrá alguno de nuestros visitantes que puediera si quiera acercarnos al título?

Gracias de antemano por cualquier intento. Pero sin balas.

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de enero de 2011

2011-01-06T10:39:00.000-08:00

Syd Barrett
EL HOMBRE QUE CREÓ PINK FLOYD

Guitarrista, vocalista, músico y miembro de Pink Floyd desde sus inicios hasta 1968. Roger Keith Barrett nació el 6 de enero de 1946 en Cambridge. Su carrera fue corta pero su influencia fue grande. Al lado de Roger Waters, Richard Wright y Nick Mason fundó Pink Floyd en Londres antes de volver a su ciudad natal. Con ellos publicó dos discos: el psicodélico The Piper at the Gates of Dawn, en 1967, y, el más progresivo A Saucerful of Secrets, un año después. Ambos, cuya producción fue encargada a Norman Smith, el músico que grabó, entre otros, el famoso Rubber Soul de los Beatles.

Luego de Pink Floyd, y de un par de años alejado de la vida pública, Barrett regresó a los estudios Abbey Road para grabar su primera obra solista, The Madcap Laughs, la que concluyó en 1970 con la ayuda de Roger Waters y David Gilmour, su paisano y contemporáneo, dos meses menor que él, quien finalmente ocupó su lugar en Floyd. En la placa también participó Jerry Shirley, baterista de Humble Pie. Barrett, el siguiente intento solista, fue grabado poco días después en los mismos estudios londinenses. Allí volvió a colaborar Gilmour pero no Waters. Más bien lo hizo Wright, quien no solo lo apoyó en el teclado y el piano, sino en la co-producción.

Sin mayor suceso con sus discos en solitario, Syd Barrett decidió regresar a Cambridge donde trabajó con una banda llamada Stars. Con ellos hizo música de sesión. Se sabe que en esa localidad realizó solo tres espectáculos en vivo antes de decidir su retiro. Y el retiro le duró más de treinta años. Se dice que solo se dedicó a la pintura. De acuerdo a Rosemary, su hermana, entre sus hobbies más preciados estaban la fotografía y la jardinería. Fue ella, quien vivía en el área, la persona que el músico tuvo más cerca durante las siguientes décadas.

Pero el 7 de julio de 2006, Syd Barrett, quien desde mediados de los setentas se había recluído por decisión propia, falleció en su residencia de Cambridge. Antes de eso, la leyenda ya había nacido.

Happy Birthday, Crazy Diamond. We all wish you were here.

Javier Lishner
Santa Clara, California
6 de enero de 2009

NOTA RELACIONADA:
- MARTES NEGRO: Luto de nuevo

2011-01-04T12:27:00.000-08:00

ROCK IN RIO 2011

Hace diez años que Rock in Rio hizo su última presentación en aquella ciudad brasileña. Empero, entre 2004 y 2010, y paradójicamente, llegó cuatro veces a Lisboa. De esa manera, la capital portuguesa superó en número a las versiones hechas en el país de origen, Brasil. Allí, en Rio, se organizaron únicamente tres. En 1985, 1991 y 2001. Y en Madrid, dos más, en 2008 y 2010. Sin embargo, el sueño continúa. Ahora, la empresa de Roberto Medina anuncia un nuevo evento para septiembre de este año. Y volverá a ser en Rio. Aleluya! Por el momento hay algunos números confirmados, entre locales y extranjeros.

A continuación, los artistas y grupos confirmados:

24 DE SEPTIEMBRE
Día del rock

Red Hot Chili Peppers
Snow Patrol
Capital Inicial
NX Zero
Stone Sour

25 DE SEPTIEMBRE
Día del metal

Metallica
Slipknot
Motörhead
Coheed and Cambria
Sepultura
Angra

1 DE OCTUBRE
Día del rock alternativo

Coldplay
Skank

Algunos números volverán a participar del evento, como es el caso de Metallica y Red Hot Chili Peppers, por ejemplo; en tanto que otros llegarán a Rock in Rio por primera vez. Saludos a 26 años de la versión original, realizada en esa área pantanosa de Barra da Tijuca.

Si desea escuchar la canción que se convirtió en el himno del festival durante todos estos años, interpretada por Eduardo Souto Neto, presione aquí.

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de enero de 2011

2011-01-01T07:32:00.000-08:00

Radio Doble Nueve
2010: LAS MÁS MÁS TOCADAS

La mejor noticia del fin de año para los oyentes de la FM limeña fue saber que Radio Doble Nueve sigue en pie. Tras un año de más bajas que altas, en donde algunas de las emisoras identificadas con la música pop en la capital peruana fueron desapareciendo por obra y gracia del dinero, Radio Doble Nueve fue fiel a los deseos de su dueño y fundador, quien, además, se encargó de desmentir los rumores sobre la venta de su prestigioso medio de comunicación. Aquellos rumores, que hasta hoy continúan, fueron también promovidos en este mismo espacio. Lo cierto es que hoy amaneció la lista de Las Más Tocadas o, como ellos también le llaman, The Most Played, en un comentario de este blog. Fue publicada por Rockero_Empedernido. A continuación, únicamente las veinte primeras.

20. "Eclipse"- METRIC

‎19. "My Best Theory" - JIMMY EAT THE WORLD

18. "Aftershave" - THE HUSSY'S

‎17. "Impossible" - ANBERLIN

16. "Believer" - GOLDFRAPP

15. "Jilted Lovers and Broken Hearts" - BRANDON FLOWERS

‎14. "Dog Days Are Over" - FLORENCE AND THE MACHINE

13. "Tighten Up" - THE BLACK KEYS

12. "Me and the Moon" - THE DRUMS

11. "Pumped Up Kicks" - FOSTER THE PEOPLE

10. "Lisztomania" - PHOENIX

9. "Outta my Mind" - VICKY AND THE VENGENTS

8. "Radioactive" - KINGS OF LEON

7. "Roller Disco" - THE HUSSY'S

6. "Rocket" - GOLDFRAPP

5. "Crossfire" - BRANDON FLOWERS

4. "Animal" - NEON TREES

3. "Waiting for the End" - LINKIN PARK

2. "Lay me down" - DIRDTY HEADS feat. ROME

1 . "Girlfriend" - PHOENIX

De esta manera hacemos nuestra primera entrega musical del nuevo año. Ahora, si desea ver la lista completa de las 125 canciones, presione aquí y busque en los comentarios dejados por Rockero_Empedernido.

Buena vibra y los mejores deseos para todos. Un próspero y venturoso 2011. Y con Doble Nueve por siempre y siempre.

Javier Lishner
Santa Clara, California
1 de enero de 2011

NOTA: De acuerdo a otro comentario de Rockero_Empedernido, "Este Most Played ha marcado el regreso más esperado: Belly acompañó a Christian y Óscar en la presentación. Y Óscar tuvo la gentileza de ceder la presentación del primer lugar a Belly, que se le notaba emocionada por el regreso, habló un poco de su tiempo de ausencia y con lo que la caracteriza hizo una muy hermosa introducción a la Most Played 2010".

2010-12-31T07:31:00.001-08:00

FELIZ AÑO 2011

Vamos llegando al final de otro año, el quinto para Rock Around the Blog, y solo tenemos buenos recuerdos. La participación de ustedes, las historias que nos vienen a la mente, que ya no está tan clara como hace 30 años cuando comenzábamos en esto de los medios de comunicación, o cuarenta cuando nos iniciábamos en el tema de la música, son parte de la vida misma de quien escribe. Por ello solo tengo más que agradecimiento para quienes visitan el blog, para quienes se dan el tiempo de comentar, para quienes nos entrevistaron en sus espacios radiales y escritos, y para quienes de una u otra manera se comunicaron a través de esta página que ya pasa las 1,300 notas publicadas. Todas, con el mismo cariño y pasión que la primera vez.

Es tiempo de mirar hacia el nuevo año, sin olvidar el pasado. Es mi deseo, que el 2011 les traiga a ustedes y sus familiares todo lo mejor. La buena vibra que les permita seguir avanzando en este camino lleno de tantas sorpresas. Muchas de ellas, hermosas.

Nos reencontramos muy pronto.

Javier Lishner
Santa Clara, California
31 de diciembre de 2010

2010-12-29T06:16:00.000-08:00

The Wall Live

Roger Waters

El pasado 8 de diciembre, se conmemoraron los primeros treinta años de la partida de John Lennon. Y ese día, por esas cosas que tiene el rock, nos tocó recordarlo al lado de unas 20,000 personas. Todos, aguardando la aparición de Roger Waters en el escenario del HP Pavilion de San Jose, California. Entonces, "Mother", en la voz del difunto cantante, nos hizo paralizar la garganta. Sin embargo, el público, que continuaba llegando al moderno coliseo, cantó con él varias estrofas. Pero ese no sería el único homenaje al tan afamado artista.

Más tarde, empezado The Wall Live 2010, Waters, el prolífico músico, cantante y compositor inglés, le haría una especial mención en medio de su espectáculo.

Javier Moreno, peruano, musicólogo y coleccionista de historias y anécdotas, estuvo allí para contarlo. A su lado, un servidor quedaba asombrado de tan brillante puesta en escena. A continuación, la pluma de mi tocayo.

WHAT SHALL WE DO NOW?

San Jose, California, 8 de diciembre del 2010
México DF, México, 21 de diciembre del 2010

Cuenta la leyenda que, en un concierto de Pink Floyd durante la gira mundial de su macabro Animals, Roger Waters, para entonces ya amo y señor del grupo, sentía que ya no soportaba a su audiencia. La detestaba tanto...

A Roger le reventaba matarse componiendo canciones acerca de la sombría realidad de occidente y compararla de una forma musicalmente orwelliana, sólo para ver que los chicos de la primera fila estén gritando incoherencias en pleno vuelo marihuanero. Antes, las presentaciones de Pink Floyd eran más reducidas e íntimas, en clubes nocturnos y lugares de mediana capacidad –hablo de los de la era de Syd Barrett hasta incluso los conciertos del Dark Side of The Moon-, y la idea de tocar en estadios aún no les había llegado. Moon y el super-disco Wish You Were Here les dieron el bien merecido estatus stadium.

La del Animals fue una gira desastrosa. Waters varias veces tuvo que cantar y tocar el bajo enfermo, y fue en aquel concierto que mencioné en el primer párrafo, en un momento de hastío y arrebato, al ver a un chico de la primera fila gritarle en la cara quién sabe qué cosa, Waters no pudo evitar lanzarle un escupitajo cual auquénido progresivo.

Quién sabe qué habrá sido de la vida de ese chico fanático. Quizás le gritó “¡Waters, eres un genio!” o “¡estoy volando!” Es lo de menos. Sabemos que Waters, después de ese incidente, se sintió pésimo: en vez de encontrar una catarsis mandando a la mierda a ese mocoso, se sumergió en una profunda depresión. Notó que entre la banda y la audiencia había una especie de barrera, una especie de muralla que impedía la comunicación. Él cantaba canciones de desolación, de amor no correspondido, de cartas no contestadas, y el público cada vez quería más luces y efectos de sonido sorprendentes, aviones estrellándose en el escenario, cerdos volando.

Como con cualquier gran artista, la depresión dio paso a la creatividad. Esta vez, la idea de una pared siguió dando vueltas en el cacumen de Waters: una pared dividiendo a la audiencia y a la banda... cada canción es como un ladrillo, y qué espectacular sería que el concierto acabe con la pared construida, como gran final, y la banda tocando sobre ella como gatos techeros. Pero Waters, como buen introspectivo que es, se percató que la pared tenía que ser derrumbada como analogía de una verdadera catarsis. Imagino que Roger debe haberse puesto a escribir su obra con el corazón saliéndose del pecho. Mientras construía su pared musical, Waters construía otra: una separándolo a él del resto de Pink Floyd

Obviamente, ninguno de los otros tres miembros de Floyd, el baterista Nick Mason, el guitarrista David Gilmour y el tecladista Richard Wright estaban a la altura del nivel creativo que Roger Waters tenía (esto según el propio Waters. El tiempo se aseguró de darle la razón a Waters, pero hablaré de esto luego).

"Quítenme las cámaras, que os parto la madre".

Al salir The Wall, el álbum más vendido de los setentas, Pink Floyd ya no era una banda de cuatro integrantes con la misma influencia y capacidad creadora: era Waters y una tropa de músicos de apoyo, entre los que se encontraban los demás miembros de Floyd, esparcidos por aquí y allá. El mismo Roger Waters se encargó de despedir oficialmente a Richard Wright, pero éste último participó, sin problema alguno, en la gira The Wall como músico asalariado (esto a la larga le salió más conveniente puesto que la gira arrojó pérdidas que tuvieron que ser absorbidas por los miembros activos de Floyd. Wright en verdad no perdió una sola libra esterlina). Cuatro ciudades y muchas fechas: Londres, Los Ángeles, Nueva York y Dormund. Una pared inmensa que se iba construyendo y se iba derrumbando en cada actuación. Waters se saturó con su egolatría y, cual arrogancia extrema, decidió continuar el tema de The Wall en un disco llamado The Final Cut, en donde oficialmente Richard Wright estaba fuera del bote y Waters componía absolutamente todo. Gilmour y Mason simplemente lo seguían y miraban de lejos. Al finalizar el disco, Waters anuncia que Pink Floyd ya no va más y se iba del grupo. Los otros dos decidieron seguir con la banda y se inició uno de los conflictos más vergonzosos de la historia. Digo vergonzoso porque ninguna de las dos partes quería ceder: Waters por un lado, impidiendo que Gilmour tome las riendas del grupo usando el catálogo de canciones compuestas por el mismo Waters, y Gilmour por el otro, pisando el palito de Waters y hablando pestes de él cada vez que podía. Al final, Gilmour y Mason ganaron el juicio a Waters y pudieron seguir como Pink Floyd, reclutando a Wright de vuelta.

Como vemos, Roger Waters había construido una pared mucho, muchísimo, más grande que la que había planeado. Esta vez la pared se había vuelto parte intrínseca de su propia vida. Pero los vientos de cambio no se hicieron esperar: en 1989, un muro mucho más dañino, el de Berlín, se derrumbó y Waters aprovechó la oportunidad para presentar, al año siguiente, su obra en dicha ciudad, con invitados como Cyndi Lauper, Ute Lemper, Paul Carrack, Thomas Dolby y Sinead O'Connor. Waters, magno y pedante, seguía siendo la versión real de aquel músico descrito por él mismo en The Wall e interpretado por el músico Bob Gedlof en la película de Alan Parker sobre el mismo disco, una excelente película musical que fue malentendida en su momento.

La pared seguía creciendo hasta que, el año 2005, Gedlof, quien era además de músico el organizador de Live Aid, contacta a Roger Waters y a David Gilmour y les pide reunirse para una nueva versión de su festival anti-pobreza, Live 8. Waters, increíblemente, aceptó. Gilmour al principio se mostró reticente pero de todas maneras sabía que tenía que hacer algo grandioso, trascendental, para ayudar a eliminar la pobreza en el mundo. Qué sacrificio más grande que el de perdonar a su enemigo. Esa fue la primera grieta en la pared.

Pues bien, en el 2010 llegó el momento de derrumbarla. Roger Waters recreó y repotenció el show de 1980 y salió a por el mundo para volver a contar la historia de Pink, el músico cuyos traumas crean una pared entre él y los demás. Una obra personal, magna, pomposa como lo mejor del rock de los setentas, The Wall fue exactamente lo que el público de ahora, 2010, necesitaba: un evento multimedia en el cual la pared se torna nuestra pantalla de computador, nuestro teléfono móvil. No hay mayor diferencia en la temática de la obra de 1979 con la del show del 2010… bueno, ahora en vez de "trece canales de mierda de donde elegir" tenemos trescientos. Pero la idea es la misma: nos hemos encerrado tras una pared de miedo, de jarabe de maíz, de noticias malas y comerciales para comprar productos y servicios que no duran más de tres meses. Cada uno de esos ladrillos es presentado con la espectacularidad que ya es insignia de Roger Waters y, claro, de Pink Floyd. El bajista no pudo haber escogido un mejor momento para derrumbar su pared personal que ahora, en que el mundo está “igual de peor que siempre”. Waters, con su pared, intenta imitar a la Guernica de Pablo Picasso, con majestuosidad, dramatismo, sufrimiento, indiferencia, colores, las tradicionales letras pintarrajeadas y, claro, con la constante escala en re menor de tres notas que perfila toda la obra, aquella de we don't need no education... Dichas tres notas están muy arraigadas en la psique de Waters: ya las había presentado en 1968 en su “Set The Controls For The Heart Of The Sun”.

“Comfortably Numb”, la mejor canción de Pink Floyd y el mejor momento del show, está basada en una experiencia de Waters durante la gira del Animals. Aún con hepatitis, tuvo que salir a tocar para satisfacer a la manga de ignorantes de la primera fila, gracias a una inyección que supuestamente "haría magia" en su organismo. Waters, en The Wall, pareciera que desnudara su propia alma pero en verdad lo hace con la de todos: ¿Quién no ha gritado alguna vez “don't leave me now"? ¿Quién no ha sentido cólera ante la sociedad de consumo? Es más, ¿quién, de una forma u otra, no se ha sentido inconforme con la realidad actual en general y la suya propia?

Roger Waters dijo, al finalizar su concierto, que cuando escribió estas canciones él era un "sujeto miserable" y que mucha, muchísima agua había pasado por el río. Esta vez, concluyó, se sentía bien consigo mismo y con su público. No hubo escupitajos por parte de él, ni críos que gritaban sin saber qué estaban escuchando y viendo. A Waters le creí no por sus palabras sino por sus actos: recordar a los caídos en las últimas guerras, de todos los bandos posibles; afirmar que la paz es un deber y un derecho; haber limado asperezas y enterrado el hacha con sus ex compañeros de Pink Floyd antes de la muerte de Wright. Esa fue la verdadera base del show de Roger Waters y su equipo multimedia: la autoridad musical y moral de decirle al mundo que es hora de derrumbar paredes, porque la suya ya lo estaba.

Gracias Javier. Que tengas un próspero y muy musical año 2011.

Javier Lishner
Santa Clara, California
29 de diciembre de 2010

2010-12-26T19:57:00.001-08:00

facebook Y YO SOMOS AMIGOS

Viviendo en el Silicon Valley he podido ser testigo del nacimiento de muchas empresas, principalmente tecnológicas, pero también de su cierre. De las primeras, por ejemplo, eBay, Google y Yahoo! De las segundas, el caso de 3Com. Las primeras, enquistadas entre San Jose, Mountain View y Sunnyvale, y, la última, en la ciudad de Santa Clara. No obstante, también pude ver llegar otras, como fue el caso de facebook, fundada en 2004 en Cambridge, Massachusetts. El arribo de fb, creada por unos chiquillos de Harvard, fue en Palo Alto, la ciudad en donde varias décadas antes, en un desordenado garage con espacio para un solo carro, dos estudiantes de Stanford habían iniciado un juguete llamado HP. Eran William Hewlett y David Packard.

Las redes sociales, o social network, como se dice en inglés, aquella hermienta que conecta a personas con algún interés común a través de la Internet, han ido evolucionando de manera rápida. Y facebook ha tenido un rol importante en esto. Cuando en octubre de 2008 opté por registrarme, no sabía a ciencia cierta los alcances a los que esta específica red social me iba a llevar. Intuía que un poco lejos. Pero, como alguna vez lo comenté en este mismo espacio, no tuve intención de entrarle al juego.

Finalmente, un año más tarde, decidí por empezar a darle uso a mi cuenta. Sabía que el asunto me iría a matener un poco ocupado. Sin embargo, lo que descubrí de primera fuente, valió, con creces, la pena. Me reencontré con viejos amigos. Volví a entablar comunicación con familiares a quienes tenía distanciados (incluso, a algunos que no conocía); pero, sobre todo, pude tratar con muchas personas que, alguna vez, habían sido oyentes de varios de mis programas, incluyendo los dos en los que alguna vez participé en la televisión.

Así, la lista de amigos, que aún no es muy amplia, sigue creciendo. Y si no está John Lennon entre ellos -pues Yoko, su viuda, asegura que a John le hubiera encantado facebook y otras redes sociales-, es porque ya falleció. Después de todo no solo nos uniría la música sino hasta nuestras iniciales...

Al momento solo tengo 766 amigos. Un poquito más que el Día de todos los Santos, que amanecí con 666.

Javier Lishner
Santa Clara, California
26 de diciembre de 2010

2010-12-22T09:38:00.000-08:00

FELICES FIESTAS AMIGOS

Este año no pude encontrar una mejor canción para desearles a todos unas felices y dichosas fiestas de fin de año. Se nos va el 2010 y, en este camino que nos ha tocado vivir, miramos hacia adelante con la fe y esperanza de que algún día, como siempre quiso George Harrison, exista la verdadera paz en la Tierra, aquella que comienza en el interior de cada uno de nosotros. Con el mejor deseo para ustedes y sus respectivas familias.

"GIVE ME LOVE (Give Me Peace On Earth)"
(George Harrison)

Give me love
Give me love
Give me peace on Earth
Give me light
Give me life
Keep me free from birth
Give me hope
Help me cope, with this heavy load
Trying to, touch and reach you with,
Heart and soul

Oh... My lord

Please take hold of my hand, that
I might understand you

Won't you please
Oh won't you

Give me love
Give me love
Give me peace on Earth
Give me light
Give me life
Keep me free from birth
Give me hope
Help me cope, with this heavy load
Trying to, touch and reach you with,
Heart and soul

Oh... My lord

Won't you please
Oh won't you

Give me love
Give me love
Give me peace on Earth...

Felices Fiestas con un Venturoso Año 2011.

Javier Lishner
Santa Clara, California
22 de diciembre de 2010

2010-12-20T11:14:00.001-08:00

I DON'T LIKE MONDAYS

El lunes es, por definición, el primer día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el segundo. Es aquel que se encuentra entre el domingo y el martes y cuyo nombre proviene del latín dies lunae que significa día de la luna.

La triste historia de la canción comienza cuando Bob Geldof escuchó que Brenda Ann Spencer, desde su casa en San Diego, había disparado al patio de la escuela que quedaba en frente, matando a dos adultos e hiriendo a ocho niños y a un oficial de la policía. Sucedió el 29 de enero de 1979 en el Cleveland Elementary School. Cuando la interrogaron a Spencer preguntándole porqué había hecho eso, la joven de 16 años solo atinó a decir: "I don't like Mondays". Desde aquel lunes, la asesina se encuentra entre rejas.

Los Boomtown Rats se formaron en Dublin, Irlanda, en 1975. Un año más tarde estaban en Londres, y, un año después, lanzaban su primer disco titulado The Boomtown Rats. "I Don't Like Mondays" fue escrita por Bob Geldof, su vocalista (ver video), y formó parte de su tercer disco, The Fine Art of Surfacing, co-producido por Robert "Mutt" Lange, quien también había puesto su esfuerzo en las dos primeras grabaciones. El tema llegó al primer lugar de las listas en varios países del mundo (Inglaterra, Irlanda y Australia, entre ellos) pero, sorprendentemente, no en los Estados Unidos, en donde solo alcanzó el puesto 73. La versión original del video puede ser vista presionando aquí.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de abril de 2009

2010-12-19T10:32:00.001-08:00

SUNDAY BLOODY SUNDAY

El domingo es, por definición, el séptimo día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el primero (el día inicial de la Creación). Es aquel que se encuentra entre el sábado y el lunes, y cuyo nombre proviene del latín dies Dominicus, que significa día del Señor (en referencia a Jesús). En la antigua Roma se le llamaba dies solis, o día del sol, por lo que en el idioma inglés se dice Sunday y en el alemán, Sonntag.

"Sunday Bloody Sunday" fue parte del disco War, el tercero en la carrera de U2, lanzado en 1983. Esa fue la placa que tuvo a "New Year's Day" como caballito de batalla. War, fue también el único que pudo poner de lado al Thriller de Michael J., quien por esos días, entre otras cosas, andaba obteniendo sendos récords con su producción. "Sunday Bloody Sunday" hace referencia al acontecimiento del 30 de enero de 1972 en Derry, Irlanda del Norte, cuando un batallón británico disparó contra varios manifestantes. Aquel domingo, trece personas murieron en el acto. Siete de ellos eran adolescentes.

El disco de U2 fue producido por Steve Lillywhite, conocido esos días por sus trabajos con Ultravox, Siouxsie & the Banshees y Peter Gabriel. Lillywhite, además, había estado al frente de Boy y October, los dos primeros discos del cuarteto irlandés. Ese año, el combo formado por Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr., fue considerado como uno de los mejores actos en vivo. Y "Sunday Bloody Sunday", desde entonces, se empezaba a convertir en una de las piedras angulares de sus presentaciones.

Javier Lishner
Santa Clara, California
26 de abril de 2009

2010-12-18T12:36:00.000-08:00

SATURDAY NIGHT FEVER

El sábado es, por definición, el sexto día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el séptimo y último (el día final de la Creación). Es aquel que se encuentra entre el viernes y el domingo, y cuyo nombre proviene del latín sabbatum, y éste del hebreo shabbat, que significa descanso.

Saturday Night Fever fue el título de la película producida en 1977 por Robert Stigwood y estelarizada por un veinteañero de nombre John Travolta. El filme, enteramente musical, tuvo una banda sonora que se convirtió en el disco de película más vendido de la historia. En ella participaron algunos de los más populares nombres de la época. Entre otros, Yvonne Elliman, Kool & the Gang, Tavares, The Trammps y, por supuesto, los más codiciados, the Bee Gees. Fueron justamente los Bee Gees, quienes acapararon el éxito de la placa. Algunas de las canciones que interpretaron fueron "Stayin' Alive", "How Deep Is Your Love", "More Than A Woman", y el tema principal, "Night Fever" (ver video).

El filme fue dirigido por John Badham, el inglés de nacionalidad norteamericana que, con años de experiencia en televisión, tuvo su big break con Saturday Night Fever. La música disco estaba en todo su esplendor.

Javier Lishner
Santa Clara, California
25 de abril de 2009

2010-12-17T06:18:00.001-08:00

THANK GOD IT'S FRIDAY

El viernes es, por definición, el quinto día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el sexto. Es aquel que se encuentra entre el jueves y el sábado, y cuyo nombre proviene de la lengua latina Veneris díes, o día de Venus, la diosa romana del amor y la belleza.

Thank God It's Friday fue el título de una cinta cinematográfica producida en 1978 por Casablanca Filmworks y la Motown Productions. En la película, enteramente musical, participaron algunos de los más populares nombres de la época. Entre ellos, Diana Ross, Thelma Houston, Santa Esmeralda, The Commodores y, por supuesto, la reina de todos, Donna Summer. Fue Summer, por "Last Dance", la que al final del año ganaría un premio de la Academia y un Golden Globe.

Sin embargo, fue a Love and Kisses, un grupo originalmente formado en estudio, a quien le correspondió interpretar la canción principal de la cinta (ver video). Love and Kisses fue obra del productor Alec Costandinos (el egipcio de padre armenio y madre griega, que había trabajado con Aphrodite's Child), en tanto que "Thank God It's Friday" se convirtió en uno de los temas más populares del álbum; por supuesto que de la mano del éxito comercial que obtuvo dicha película distribuida por la Columbia Pictures. Qué tiempos de música disco.

Javier Lishner
Santa Clara, California
24 de abril de 2009

2010-12-16T05:43:00.001-08:00

THURSDAY'S CHILD

El jueves es, por definición, el cuarto día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el quinto. Es aquel que se encuentra entre el miércoles y el viernes, y cuyo nombre proviene del latín Iovis dies, día de Júpiter; en la mitología romana, principal deidad del panteón. Dios supremo.

Bautizado como David Robert Jones, David Bowie publica su primer disco en 1967. Al año siguiente graba Space Oddity, el cual aparece en 1969, coincidiendo con la llegada del hombre a la Luna. Un par de discos después, en 1972, lanza The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. El disco lo consagró como una de las más importantes figuras de la época. Desde entonces grabaría unos veinte discos más, amén de participar en unas cuarenta películas; algunas de ellas, documentales. Conocido también por el sobrenombre de "The Thin White Duke", David Bowie es, sin duda, uno de los artistas más innovadores de la música contemporánea.

"Thursday's Child" es una canción que fue originalmente compuesta por Bowie y el guitarrista neoyorquino Reeves Gabrels para el juego Omikron: The Nomad Soul. Finalmente, fue incluída en el disco 'hours...' de Bowie, publicado en 1999. Y, aunque para alguno el tema no sea nada del otro jueves, hoy se lo presentamos a ustedes.

Javier Lishner
Santa Clara, California
30 de abril de 2009

2010-12-15T06:52:00.001-08:00

WAITING FOR WEDNESDAY

El miércoles es, por definición, el tercer día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el cuarto. Es aquel que se encuentra entre el martes y el jueves, y cuyo nombre proviene del latín Mercurii díes, o día de Mercurio; en la mitología romana, el dios del comercio.

Lisa Loeb es una cantautora y actriz norteamericana nacida en Bethesda, Maryland, pero criada en Dallas, Texas. Se dio a conocer en 1994 con "Stay (I Missed You)", tema que le dio su primer número uno. La canción perteneció a su disco Tails, aunque un año antes había aparecido como parte de la banda sonora de la película Reality Bites, producida por Danny DeVito y protagonizada por Ben Stiller y Winona Ryder. Tails, de 1995, también incluyó "Waiting for Wednesday", el cual llegó al Top 40 americano al año siguiente.

Desde entonces mucho ha sucedido en la carrera de Loeb, incluyendo unas diez producciones, la conducción de programas de televisión, actuación en películas y su cercanía a los niños de escasos recursos a través de The Camp Lisa Foundation. Recién en enero de este año, fue desposada por Roey Hershkovitz, un joven graduado en la Universidad de Long Island, diez añitos menor que ella. ¡Qué miércoles!

Javier Lishner
Santa Clara, California
29 de abril de 2009

2010-12-14T08:19:00.001-08:00

TUESDAY AFTERNOON

El martes es, por definición, el segundo día de la semana. En algunos lugares, y para la liturgia, es el tercero. Es aquel que se encuentra entre el lunes y el miércoles, y cuyo nombre proviene del latín Martis díes, que significa día de Marte; en la mitología romana, el dios de la guerra.

Days of Future Passed, muy aparte de que nos guste o no, ha de ser uno de los discos mejor realizados en la historia de la música contemporánea. Por lo menos, de los años maravillosos. Apareció en noviembre de 1967 y fue el segundo de un grupo llamado the Moody Blues, originario de Birmingham, Inglaterra. En la placa, aparte del debut de Justin Hayward y John Lodge entre sus integrantes, participó la London Festival Orchestra. La sola fusión de una orquesta con un grupo de rock -en plena época de la psicodelia-, le daba al rock refulgencia.

"Tuesday Afternoon", fue parte de una obra conceptual, como lo fue el álbum en cuestión. Originalmente llamada "Forever Afternoon (Tuesday?)", fue escrita por Hayward. Fue uno de los dos temas más populares del disco. El otro fue el clásico "Nights in White Satin", también de la pluma de Hayward. De acuerdo al cantante y guitarrista, "Tuesday Afternoon" fue escrita mientras se encontraba sentado en el medio de un campo cercano a su residencia, en Inglaterra. Era una hermosa tarde de primavera, diría más tarde el compositor. Por esas cosas de la vida, el músico andaba con su guitarra entre manos, y la canción, según él, fluyó de manera casi natural. Luego sería grabada con sus compañeros John Lodge, Mike Pinder, Ray Thomas y Graeme Edge. Lo demás es historia.

Javier Lishner
Santa Clara, California
28 de abril de 2009

2010-12-10T08:41:00.001-08:00

EL MICRÓFONO Y YO (PARTE FINAL)

Concluí mi reunión en gerencia y cuidadosamente cerré la puerta. Acababan de decirme que haría bien si me iba de la radio. No hacía mucho que había sido uno de los ganadores de un concurso al que Radio Miraflores denominó Nuevas Voces, y luego de morar mañana, tarde y noche en los predios de la emisora, me decían que "en el negocio de los seguros me iba a ir muy bien". Habían llegado a lo más profundo de mi corazón, a mi orgullo.

Liliana Sugobono, otra de las figuras que pertenecía a ese equipo de 1980, era la directora de programación de la FM. A Liliana, la había escuchado años antes mientras estaba en América y conducía esa lista anual que llamaba Casillero 60. Su inconfundible voz, y su apellido -que era el de un compañero de colegio quien resultó siendo el sobrino-, era inconfundible. Cuando tuve oportunidad de conocerla personalmente, pude apreciar su calidad y don de gentes. Amén de su labor como programadora, Liliana conducía diariamente El Expreso de las seis, el mismo espacio con el que la había escuchado años antes. Era un programa dedicado a la música del alma, el soul.

En frente de la radio, había un discreto establecimiento al que algunos de nosotros íbamos para adquirir desde bebidas gaseosas y emparedados hasta caldos y comida de fondo. Se llamaba Las Gaviotas. Si bien es cierto que no era la única tienda del área, sí era la más informal. Una cortina de plástico era lo único que separaba al comedor de la cocina. Lo que pasaba allá detrás fue siempre un misterio. Pero era como nuestro refugio. Juanito, el dueño, era buena gente y no se metía en nuestras conversaciones. Y ahí me quedé esperando a mi nuevo colega Jorge Muñiz, otro de los ganadores del concurso, quien desde esos días se convirtió en mi compinche. Hoy es como un hermano.

Jorge, quien actualmente reside en Toronto y dedica su vida al cine (acaba de regresar de la India, por ejemplo), era una de esas personas que nunca fallaba cuando se trataba de dar la mano. Pero esa vez, yo no necesitaba una mano sino un par de oídos. Y Jorge escuchó mi rabieta. Cruzamos la pista y regresamos a la radio, en donde algunos de nosotros solíamos quedarnos mirando y aprendiendo de los que más experiencia tenían. Sino que lo diga Gerardo Manuel, con quien pasábamos La Hora Pirata escuchando sus historias y viendo la espontaneidad con la que conducía su programa.

En ese entonces no había emisión nocturna del Noticiero El Momento, y -entre Liliana a las seis y Gerardo a las ocho-, a la siete de la noche iba Jorge Henderson. Su programa se llamaba Mundo Musical Iberoamericano y sería la base de su posterior éxito televisivo: Enhorabuena. El espacio fue muy sintonizado. Jorge era un poco celoso con su producción, sus discos, su operador técnico. Además, estudiaba voz con Margarita Ponce, que ya era bastante. Para tratar de acercarme a él, un día le presté un disco titulado Alto Voltaje, que era una recopilación de temas de grupos y artistas argentinos, entre los que recuerdo a Piero ("Soy un hombre que viene, soy un hombre que va") y Roberto Livi ("La fiesta inolvidable"). Lo recibió con gusto, agradeció, lo guardó en su casillero, y nunca más -ni mi hermano que era el dueño ni yo- lo volvimos a ver. O no fui muy claro cuando se lo presté, o no me comprendió.

Esa tarde, Liliana me vio cabizbajo y, como no era costumbre, me llamó a su cabina. El Expreso de la seis ya había empezado. Liliana era una persona muy comprometida con su quehacer cotidiano. Yo admiraba su convicción y la pasión con la que conducía cada minuto de su Expreso. Mientras iba de la cabina de locución a la del operador técnico llevando los discos que iba transmitiendo (por lo general, de su propiedad), me preguntó qué pasaba. Le comenté que era mi último día en la radio. Que había decidido irme porque algunos creían que iba a tener más éxito en la industria de los seguros. Me miró y, con esa voz que solo da la experiencia, me recomendó que me quedara. Compartió conmigo algunos pasajes de su carrera y me sembró nuevamente la duda. Pero de que me iba a trabajar a Seguros El Sol, no había duda. Ya me habían entrevistado, aceptado, y me esperaban, digamos, el lunes siguiente. Y en casa, solo de pensar que me iban a ver con saco y corbata, andaban felices. Liliana era la programadora y, como tal, me ofreció hablar con Buby, el gerente, al que le cerré cuidadosamente la puerta.

Terminado el programa llegó Jorge Henderson. Me vio ofuscado. Yo andaba con el 666 en la cabeza (o la "J" en la espalda, que es aún peor) y era muy fácil de darse cuenta. A Jorge no le gustaba mucho que hubiera gente mientras salía al aire. Para realizar un buen programa debía existir compenetración entre el disc jockey y el operador técnico, solía decir. Yo pensaba igual. Pero esa noche, Jorge me llamó a la cabina. Volví a encerrame entre viejos casilleros de madera de color plomo y un par de enclenques sillas, desde donde en las mañanas Pedrito, Enrique y Rómulo (Flores) leían las noticias. "Javier, esta carrera no es fácil", me dijo haciendo un gesto, mientras con la otra mano se acomodaba los bigotes. "Si ahora te vas, nadie te va a llamar. Nadie te conoce. Espera un tiempo, hazte de un nombre y recién has lo que quieras", me dijo casi literalmente. Jorge, por lo general, no andaba en bromas. Era una persona muy ocupada y, a la vez, uno de los engreídos de la programación por el éxito de su espacio musical y el de su estelar de los sábados, La Revista del Momento. En aquel programa de dos horas entrevistaba (conversaba debería decir) con importantes artistas, alcaldes, políticos y ministros de Estado. Me ofreció hablar con Buby, el gerente, al que le cerré cuidadosmente la puerta.

Nunca, hasta hoy, supe quién abogó literalmente por mí. Nunca supe cómo lo hicieron ni qué dijeron. Solo sé que al día siguiente se me dio un nuevo espacio en la FM, esta vez nocturno, para seguir conduciendo Reunión Acústica con la misma cortina musical de Rick Wakeman y la misma convicción de hacerme un nombre entre los Henderson y Sugobono. Al año siguiente, el que le cerré cuidadosamente la puerta, me haría programador de ambas frecuencias. Casi inmediatamente, junto a Juan Alberto Mata, habilitaríamos una oficina al lado de la de Pedrito Roncallo. Los que recuerdan deben saber que para ingresar a ese despacho, que también se convirtió en la discoteca de FM (porque la de AM siguió en la oficina de Pedro), había que pasar por un armatoste negro que pesaba una tonelada y cuyo sistema de transmisión, en tiempo (casi) real, nos traía la información alrededor del mundo. Teletipo, le llamaban. Era como el Yahoo! News de la época.

Jorge Henderson es aquel quien años más tarde, encontrándose en un hotel de Nueva York, mientras tomaba desayuno, vio en la otra mesa a un rubio y se dijo: "A este lo he visto en la carátula de algún disco". Era Rod Stewart. Liliana Sugobono es aquella que una vez, encontrándose en la cabina de Radio América, mientras contaba el dinero de su quincena que acababa de cobrar, mirando la luz roja encendida dijo al aire: "Esta es la hora en nuestro programa, son las seis de la tarde y quince centavos". A los dos les debo el que no hubiera pateado el tablero ni que hubiera habido jaque mate.

Javier Lishner
Santa Clara, California
16 de mayo de 2008

2010-12-09T09:23:00.001-08:00

EL MICRÓFONO Y YO (PARTE II)

El ambiente que se vivía en Radio Miraflores al momento de iniciar mi carrera era admirable, en contra de lo que uno podría pensar. Habiendo tantas figuras, a veces, el celo profesional ronda a los personajes. Cruzarse a cada momento con gente de la televisión con los cuales uno había crecido, como eran Linda Guzmán y Ricardo Fernández; o con profesionales que tenían en ese tiempo un espacio en la pantalla chica, como era Zandrox; o, escuchar en directo a voces como las de Enrique Llamosas o Pedro Roncallo, a quienes nunca les habíamos puesto una cara, nos empezaba a hacer sentir importantes. Pero, ello no era algo negativo. Muy por el contrario, nos alentaba a prepararnos para si quiera intentar estar al nivel de aquellos que, por lo general con buen semblante, subían y bajaban las escaleras del viejo local de Alcanfores 592.

No es que esos famosos nombres nos hubieran impresionado. No. Al menos, a quien suscribe, no. Era más que nada una cuestión de respeto. Poco tiempo antes de ingresar al concurso que me condujo a esta genial carrera, anduve personalmente entregando publicaciones a todos los líderes de los partidos políticos que, ese año, participaban en la carrera a la presidencia de la República, incluido el Jefe de Acción Popular y futuro presidente del país. Ahí conocí las viviendas de algunos candidatos como Alfonso Barrantes Lingán, Genaro Ledesma Izquieta y Luis Bedoya Reyes. Y hasta el estudio de don Luciano Castillo Coloma, presidente y fundador del Partido Socialista del Perú, en el centro de Lima. Además, había vivido en frente de un Presidente de la República a quien constantemente veía desde la otra acera. Y la Primera Dama, su esposa, visitaba la casa con mucha frecuencia. Por eso, la fama y la popularidad no me sorprendían. Después de todo, por unos años, había tenido de vecino al mismísimo Zandrox, el correcto profesor de astrología, quien por esos días conducía su espacio a las nueve de la mañana en los 1240 del dial, la AM de Radio Miraflores.

En ese entonces, la diferencia entre la AM y la FM, en cuanto a programación, era aún notoria. La AM tenía mayor sintonía y, las empresas que tenían la suerte de contar con ambas frecuencias, se preocupaban más de promover (digamos, vender) su estación de AM. En 1980, decían que la AM aún mantenía a la FM. En 1160 estaban, entre otros, Rafael Ortega y Jorge Rivera Basurto, ampliamente conocido como "El Abuelo". Posiblemente también, Pedro Silva. En Inca, seguramente, Coco Valderrama, Lucho Elías y Barry de las Casas. En Radio Panamericana AM destacaban Humberto Velásquez con las Súper Mañanas, Walter Gonzales con Disco Show, el "Chino" Lyon con La Hora Estelar y El Momento del Recuerdo, Kike Chávez con Esta Noche es la Noche, y, el maestro Iván Márquez, dando cátedra con Eva y Yo. En Radiomar sobresalían el popular "Ronco" Gámez y "el Primo Coco" Urbina. En tanto, en Miraflores, a unos pasos de su FM, en el mismo segundo piso, compartían la camiseta, Quique Cano-Alva, Nelly Mendívil Castro, Henry Venegas, Jorge Múñiz, Johnny López, Enrique Llamosas, Jorge Henderson y Perico Durán. Sammy Sadovnik, quien aún iba al colegio, había dejado Roller Disco, su diario programa en las tardes, y empezaba a tener sus audiciones los fines de semana.

Al lado del equipo que daba la cara, o sea, la voz, hubo también algunos nombres que fueron tan populares como los disc jockeys. Y es que, siendo los operadores técnicos las personas que estaban en todo momento al frente de la cabina, sus nombres eran mencionados casi cada vez que los deejays se autoreventaban cohetes. Esa era como una regla que todos aprendimos. Así, el más popular que encontré cuando llegué a la radio en 1980 fue Freddy Acarley. Además, se la creía. Un muchacho buena gente pero con un mood, como diríamos aquí, muy especial. Ese humor o genio que le cambiaba y que hacía que uno nunca supiese si estaba de buenas o no. Freddy se las sabía todas, porque había vivido los años de gloria de la emisora. Su hermano trabajaba en la administración, y su tía era una de las secretarias. Además, otro tío suyo era el asistente de la oficina y persona de confianza de la gerencia general. Se llamaba Willy Acosta, otro nombre que alguna vez oímos nombrar mucho a los disc jockeys de moda en los setentas, cuando Miraflores y Atalaya se peleaban el primer lugar. Con mood y todo, Freddy terminó siendo mi compadre, aunque esa es otra historia.

Para ese entonces, Diana García, luego de su brillante paso por Radio Miraflores con Tú, yo y mis discos, había tomado otros rumbos. Se había ido a la FF de América, que no era más que la refundada frecuencia modulada de la radio de Montero Rosas, con el sobrenombre de Frecuencia Fina. Y Diana -quien ya trabajaba para América Televisión- no se fue sola. Se llevó consigo a Speedy González, puntal de la FM miraflorina, y a dos de los mejores operadores técnicos que tenían en Alcanfores: José "Chepito" Ríos y Raúl "El Chato" Rosales. A ambos, cuyos nombres escuché desde mis primeros días de oyente casi una década antes, pude conocerlos posteriormente en los mismos estudios de Radio América. Recién, la banda de Frecuencia Modulada en Lima comenzaba a tomar impulso. Sin embargo, la selección de discos de la AM y la FM, todavía seguía teniendo sus diferencias. Una canción solista de Jon Anderson, el vocalista de Yes, como "I Hear You Now" (en realidad con Vangelis), por ejemplo, ni loco se podía tocar en la AM, a modo que uno tuviera corona y se llamara Johnny López. Y "Mestizo" de Joe Batan, tampoco en la FM, a modo que alguien fuera directora de programación y se apellidara Sugobono. Con todo esto, cuántas ganas daba de trabajar en la radio. Y nunca lo hubiera cambiado por una labor de saco y corbata, por más prestigiosa que fuera la compañía, como era Seguros El Sol.

Javier Lishner
Santa Clara, California
15 de mayo de 2008

2010-12-08T09:21:00.000-08:00

EL MICRÓFONO Y YO (PARTE I)

Hoy, 8 de diciembre, se celebra el día del Locutor en el Perú. Coincide que es un día feriado, por esto de la Inmaculada Concepción, y el ente regidor de los locutores, la Asociación de Locutores del Perú -que últimamente recargó baterías y cuyas elecciones generales son justamente hoy- celebrará la ocasión con una reunión de colegas y amigos en un almuerzo de camaradería. Para todos mis colegas y amigos, un feliz día.

Entre 1992 y 1994, junto a Johnny López, sempiterna figura peruana de la radiodifusión, realizamos una gira educativa de dos años por diversos lugares del territorio peruano. La principal razón fue la de llevar nuestras experiencias por algunos rincones del Perú profundo donde, al igual que en la capital, los jóvenes, ávidos de interés por el micrófono, se esmeraban por aprender.

Durante esos años de imaginación y creatividad, como le llamo al tiempo que trabajé en la radio, pude a la vez aprender de otros; algunas veces, desde las cabinas, y, en otras, a través de instituciones educativas. Por ejemplo, con Juan Alberto Mata, ahora apostado en Costa Rica, asistimos a un curso de Producción de Televisión Educativa de 120 horas dirigido por Óscar Mavila, en el Centro de Teleducación de la Universidad Católica del Perú. Años más tarde, con Sammy Sadovnik, actualmente en Telemundo, acudimos a seminarios de la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Lima que, por esos años, tenía como Decana a la españolísima Rafaela García. En el verano del 87, con músicos como Juan Carlos Caipo y los hermanos Óscar y Coco Bravo, concluimos un curso de Producción de Radio y Televisión en el Instituto Toulouse Lautrec de Lima. O sea, mientras trabajábamos y avanzábamos en la carrera, también nos íbamos cultivando.

En las cabinas, hubo algunos nombres que nunca podría olvidar. De ellos, existen dos que si bien es cierto no me descubrieron, sí les debo la razón de haber continuado en la profesión. La primera, una dama. El segundo, un caballero.

En 1980, con apenas unos meses en los micrófonos, quien suscribe era un vil desconocido. Claro, con algunos pergaminos personales bajo el brazo pero nada importante en lo que a medios de comunicación se refiere. Lo cierto es que en casa me habían conseguido un trabajo "serio" en la Compañía de Seguros El Sol. Y, seguramente, iría a ganar más soles, la moneda peruana por excelencia, que los que me pagaban en la radio por conducir Reunión Acústica, un programa diario de tres horas que comenzaba a las diez de la mañana.

La programación de Radio Miraflores FM por aquellos días era algo así: Noticiero El Momento de 6 a 9 a.m.; Miraflores a las Nueve, con Ricardo Fernández; Reunión Acústica, de 10 a.m. a 1 p.m.; música continuada de 1 a 2 p.m. hasta que llegó Juan José Vizcarra con un espacio demasiado loco para la época y las primeras llamadas al aire en la historia de la FM peruana; Jorge Cox a partir de las 2 p.m. con El Juke Box International (La Hora del Juke Box), y Hugo Salazar de 3 a 6 p.m. con La Música está aquí. Liliana Sugobono seguía con El Expreso de la seis y, una hora después, aparecía Jorge Henderson en la versión con sonido dolby de Mundo Musical Iberoamericano -el embrión de Enhorabuena-, que en la AM iba a las 10 de la noche. Le seguía Gerardo Manuel con La Hora Pirata. A las diez, Martha Mifflin dedicaba una hora a la música clásica. La salsa no existía en la frecuencia modulada aunque, paradójicamente, sería en Radio Miraflores, muy poco tiempo después, en donde se escucharía por primera vez bajo la conducción de Luis Delgado-Aparicio Porta.

Para tomar el puesto en Seguros El Sol, que nunca quise, hube de haber dejado el matutino programa que desde hacía pocos meses -con la cortina musical tomada de Viaje al Centro de la Tierra de Rick Wakeman-, animaba en la emisora de Alcanfores. Al llegar a gerencia con la noticia, se me invitó a que me fuera. "Tú puedes tener éxito en seguros", me dijo Buby, el director-gerente, quitándome casi el último apoyo que me quedaba. No tenía ni veinte años y el mundo se me derrumbaba. Salí de la oficina y si no tiré la puerta fue porque en casa nos habían enseñado que eso no era de gente educada. Preferí mantener la educación aunque quise mandar a la mierda a la radio y buscar un futuro diferente. Por primera vez se me hacía un nudo en la garganta. Pero fue ahí cuando aparecieron un par de personas, y la historia viró con el viento a mi favor. Reunión Acústica, a pesar del trabajo de saco y corbata en Seguros El Sol, no desapareció.

La dama y el caballero, no solo hicieron que me quedara sino que se convirtieron en verdaderos ejemplos para lo que vino después. Él por perfeccionista, ella por apasionada.

Javier Lishner
Santa Clara, California
14 de mayo de 2008

2010-12-06T15:32:00.000-08:00

Reencuentro con Sammy Sadovnik
DIOS LOS CRÍA Y ELLOS... SE JUNTAN

Ha pasado un tiempo desde que, en marzo de 2008, recibí una llamada de Sammy Sadovnik, el conocido hombre de radio y televisión, peruano, colega y hermano. Me dijo que había arribado a la Bahía de San Francisco por motivos de trabajo. Al día siguiente iba a narrar un encuentro de fútbol para su televisora, la cadena Telemundo. Cuando le pregunté en dónde se encontraba, me dijo que en el Marriott de Santa Clara... Y quedamos en encontrarnos. Lo que sigue fue parte de nuestro reencuentro, el que acontecía luego de unos catorce años. Hoy, con motivo de su cumpleaños número taitantos, la volvemos a publicar con la misma amistad y respeto de siempre. Feliz día, Sammy. Y que sean mil más.

Sammy Sadovnik en Santa Clara, California. Marzo de 2008.

Si alguien me preguntara qué es lo primero que se me viene a la mente cuando se trata de Sammy Sadovnik, sin duda, diría que su convicción. Podría asegurar que fue lo primero que me llamó la atención de Sammy cuando, hace casi tres décadas, lo ví por primera vez conduciendo un programa en la AM de Radio Miraflores, en Lima, Perú. Se llamaba Roller Disco y transmitía a Genesis, Christopher Cross, Steely Dan y, por supuesto, los Bee Gees. Sammy hablaba de música con convicción; o sea, a sus 13 años de edad, sabía de lo que estaba hablando. Y, por esas cosas de la vida, de acuerdo a algunos de nuestros comentaristas del blog, es algo de lo que muchos ahora adolecen.

Han pasado 28 años desde que nos conocimos, y la mitad desde que nos vimos por última vez. El pasado sábado fue un buen día para el reencuentro. Y sucedió como si nos hubiéramos visto el día anterior. Fue un encuentro simple, natural, espontáneo. Creo que tal y como nos identificó mucha gente cuando anduvimos compartiendo programas de radio (Buenos días, día, Instantes, Perú Rock), en la década del ochenta, antes de que cada uno decidiera ir por su lado; y Sammy ingresara a la televisión de la mano de un maestro, el que, según recuerdo, nos hizo la misma propuesta a los dos. Sammy la tomó, yo la dejé. Fue en diciembre de 1987 con don Pablo de Madalengoitia, un día antes de que viajáramos al norte peruano, a Chiclayo y Piura, para el inicio de la Gira Perú Rock, que por esos días comenzaba.

Sammy entrevista a Danai en TV.

La entrevista surgió luego de conversar por un rato en las instalaciones del hotel, en Santa Clara, California, hasta donde Sammy llegó por motivos de trabajo, representando a Telemundo, su nueva casa televisiva. Al día siguiente, tenía que narrar un encuentro amistoso de fútbol, una de sus pasiones desde siempre. Fue entre México y Australia, en el nivel Sub 23, con miras a los Juegos Olímpicos de Pekín. El resultado fue de a 1 por lado.

Anecdótico es que, ya nos son los estudios sino los estadios los que nos mantienen relacionados. Ayer, Sammy transmitió desde el McAfee Stadium de Oakland, donde hace poco más de un año vi a los Stones por última vez. Ahí, entre otros, he visto a U2. Muy pronto estará viajando a Seattle, Washington, para realizar su trabajo desde el Memorial Stadium, donde he visto a Black Crowes y David Lee Roth. Hablamos del Rose Bowl de Pasadena, donde asistí -con mi amigo Javier Fernández- a la Voodoo Lounge Tour de los Rolling Stones, con the Red Hot Chili Peppers y Buddy Guy. Ha visitado, entre otros, los mundialistas estadios Maracaná, en Rio de Janeiro, y Stanford, en Palo Alto. En el monumento carioca -en 1991- viví el Rock in Rio II; en el de la universidad californiana, fui testigo de varios encuentros del Mundial del 94. Sammy se inició en esto del deporte narrando partidos de fútbol en el Estadio Nacional de Lima, donde nunca pude ver un concierto (Michael Jackson lo canceló a escasas horas de su presentación), pero donde sí pude jugar al fútbol representando al once campeón de ese año en el torneo interescolar que participamos. Estaba en el último año de la secundaria.

- Sammy, ¿Qué es lo que más recuerdas de Perú Rock?
- Lo que costó. Lo que nos costó hacer el programa. Digamos, presentar el proyecto, que la gente creyera y que la radio creyera en un espacio exclusivo de artistas nacionales... y fundamentalmente, la gira.

- Tienes alguna anécdota que recuerdes de la gira?
- Sí. Definitivamente, aquella de Tarma y Chanchamayo. La del transbordo cuando cayó el huaico y tuvimos que bajar con los equipos, y cruzar corriendo un tramo de carretera derrumbada mientras al otro lado nos esperaba otro ómnibus para seguir hacia La Merced. Y aquel episodio de la mezcla del pisco con las charadas de chocolate... jajaja. Desde aquel momento, nunca más pude tomar pisco.

- Sí me acuerdo. Fue la vez que perdí una apuesta y tuve que raparme la cabeza. Sinceramente, no pensé que la hiciéramos. Pero en la noche, ahí estuvimos, en el coliseo de la Cooperativa Villa Rica, anunciando Perú Rock Gira 88. Lo del pisco vino después del show.
- Ese fue un éxito por partida doble.

Arte gráfico de Instantes en 1986.

- ¿A cuántos mundiales has asistido?
- A tres. En 1998 en Francia, 2002 en Corea-Japón, y 2006 en Alemania.

- ¿Alguna anécdota que te haya sucedido en alguno de ellos?
- En realidad, el mejor recuerdo es la gente con la que trabajamos. El equipo no es de periodistas, porque no son periodistas, son ex-futbolistas o ex-técnicos. Por ejemplo, trabajar con Bilardo, estar con Bora, estar -en el caso del fútbol mexicano- con Hermosillo y Galindo, o con el Pibe Valderrama, símbolo del balompié colombiano... Todo lo que uno aprende de ellos. Yo relato los partidos, pero ellos viven el fútbol desde adentro. Sus experiencias son un permanente aprendizaje.

- ¿Qué te gusta más, el box o el tenis?
- El boxeo.

- ¿Te gusta el tenis?
- Sí, me gusta verlo. Hasta lo practiqué en algún momento...

- ¿El béisbol o el fútbol americano?
- Ninguno de los dos.

- Aquí se practica el hockey. Tenemos en San Jose a los Sharks que juegan en el HP Pavilion, también conocido como el Sharks Tank. ¿Qué opinión tienes del hockey sobre hielo?
- Violento.

- Esta es una pregunta un poco compleja. ¿Qué nos puedes decir de la actual selección peruana de fútbol? Del cuerpo técnico, de la dirigencia, de los jugadores, de ese sueño cada vez más lejano de estar en Sudáfrica 2010.
- A mí me gusta el Chemo como técnico, creo que el tema de dirigir a la selección le llegó muy temprano por una coyuntura y por una emergencia... Los dirigentes son unos incapaces, o sea, no es posible que en las tres últimas comisiones de selección sigan los mismos dirigentes... comenzando por el Presidente de la Federación que se quiere enquistar en el cargo. Y después, los jugadores, muy poco profesionales. No todos, por supuesto. Hay ejemplos y hay excepciones. Pero, lamentablemente, son muy pocos los profesionales. Lo que sucedió en el Hotel Golf Los Inkas los pinta de cuerpo entero. Eso es lo que está pasando en el fútbol peruano.

- Entiendo que el fútbol en el Perú anda por los suelos. Los medios se esfuerzan por hacernos ver el "éxito" de individuos fuera del país. Pero la realidad es muy distinta...
- Sí, lo que pasa es que los jugadores que están afuera sí marcan una diferencia. O sea, Solano en un equipo inglés de media tabla, Farfán, un venido a menos Pizarro... Hay elementos que, digamos, sí marcan una diferencia en sus equipos, y también a la hora de jugar con la selección. Pero, lamentablemente, son la minoría.

- ¿Tienes alguna opinión para que el fútbol en el Perú pueda levantar su nivel?
- En primer lugar, yo cambiaría a los dirigentes. Renovar a los dirigentes y renovar, además, el trabajo que se hace con las divisiones inferiores. Se tiene que hacer debutar a jugadores mucho más jóvenes. No empujados porque los "jotitas" hicieron una buena actuación... Lo que pasa es que te das cuenta de casos como, por ejemplo, este chiquito Manco, ahora dice, yo no quiero jugar en Alianza porque no quiero que me rompan una pierna, ya que me esperan en el PSV Eindhoven en agosto. Entonces, así tampoco es. No le han ganado a nadie. Creen que le han ganado y no lo han hecho.

- ¿Tienes fé que algún día el Perú pueda volver a estar en un lugar privilegiado como alguna vez fue?
- Hmmm. Creo que no lo veremos nosotros.

- ¿Crees que algún día el Perú pueda tener una liga importante y no ese mamarracho de campeonato?
- No, en Sudamérica, no. Con los dirigentes, con los jugadores y como se maneja el fútbol en el Perú, no.

- Por favor, el nombre del mejor jugador de fútbol en el mundo.
- ¿En este momento? Cristiano Ronaldo.

- ¿Y de básquetbol?
- Para mí, no sé si será el mejor del mundo pero... me gustan dos, Ginóbili y Pau Gasol.

Sadovnik durante el programa Titulares del domingo en Telemundo.

- Te iniciaste desde muy joven como disc jockey, ¿sigues envuelto en la música? En todo caso, ¿cuál es tu posición actual con respecto a la música?
- Sí, la música me gusta y me gusta lo de siempre. Un poco de todo. Aunque, sinceramente, ahora escucho poca radio musical.

- ¿Extrañas?
- Creo que fue una etapa, la cumplí y me gustó. Pero no la extraño.

- ¿Qué música escuchas?
- De todo. Escucho salsa, baladas, rock... escucho oldies, mucho oldies. Recientemente he asistido a los shows de Billy Joel y The Police.

- ¿De todo? ¿Reggaetón también?
- No, eso no. Ni reggaetón ni perreo...

- ¿Qué diferencias ves entre el medio del espectáculo de hace 20 años y el de ahora?
- La base me parece que sigue siendo la misma. Creo que por ahí existen más elementos que apoyan el trabajo de hoy. Pero básicamente... bueno, ¿te refieres al Perú?

- En general.
- Creo que, hoy, la tecnología y la era digital es una gran ayuda.

- ¿Y en los medios de comunicación?
- Ah! ¡Una diferencia total! ¡Abismal! El Internet ha revolucionado totalmente. O sea, hoy, el Internet es una maravilla, es increíble.

- ¿Qué opinión te merece, por ejemplo... Paris Hilton? Puedes hablar con libertad, porque estamos en un Marriott.
- (Risas) Me parece que ella, Britney, Lindsey Lohan, y todo ese grupo, es la degradación del concepto de lo que a veces cae la sociedad americana.

- ¿Qué opinión te merece la cobertura que, por ejemplo, se le da a los problemas personales de Britney Spears?
- Es un negocio. Los paparazzos venden las fotos, les pagan muy bien, y las revistas lucran con ellas y siguen vendiendo.

Con su música a otra parte: TV Sol anuncia el gran cambio en 1998.

- El Oscar.
- A mí me gusta... Me aburre porque el show es muy largo pero lo sigo viendo y lo sigo acompañando. En algún momento lo conduje en español y, aunque me fue muy mal, sí me gusta.

- El Grammy.
- Lo veo menos. Porque conozco menos a los artistas que ahí participan.

- El Circe.
- ¿El Circe? jajaja. ¿Todavía existe? ¿Ganamos alguno?

- Yo nunca gané nada y no sabes lo orgulloso que eso me hace.
- Jajajaja.

- Política. ¿Cómo ves al Perú?
- Ha mejorado. Yo estuve en agosto y la verdad que se ve bien. Económicamente es un país estable pero, desgraciadamente, en nuestros países uno no sabe lo que pueda pasar cada cuatro o cinco años. Lo veo bien.

- ¿Cómo ves al Presidente García en este segundo término?
- Maduro. Tratando de no cometer los mismos errores de antes. Y ha tenido una brillante oportunidad que le ha dado la historia de limpiar todo lo malo que hizo en su primera gestión.

- Esta es una pregunta trillada pero, ¿qué le podrías recomendar a un joven con deseos de ser un comunicador?
- Que siga sus sueños y busque sus objetivos. Que tenga paciencia... en este país he aprendido a tener mucha paciencia. Hay que ser persistentes.

- ¿Recuerdas a Village People?
- Claro que sí, en el cine Colina.

- Estuviste recientemente en Cuzco, ¿qué diferencia con aquel al que viajamos en 1986 para celebrar un aniversario más de Radio El Sur?
- Mucho más caro, y vi también otro tipo de turismo. Un turismo de mayor poder adquisitivo, o sea, me parece que el Cuzco ha cambiado en ese sentido. Hoy es un lugar mucho más caro y es una atracción turística importante, además de ser una de las siete maravillas del mundo.

Con Phil Collins en 1995.

- ¿Qué significó Taxi en tu carrera?
- Una linda experiencia. Una posibilidad de competir con Jorge Henderson en televisión... Una linda oportunidad de viajar, visitar otros países, y de conocer más de cerca a los artistas.

- Hay gente que pasa y no se le olvida. ¿Quién fue Diana García para Sammy Sadovnik?
- Un ídolo. Una diosa, la verdad, la locutora que uno siempre seguía.

- Elvira Gálvez.
- Autoridad... y a la vez, cariño y amistad.

- Pepe Ludmir.
- Maestro en lo que hacía. Para mi eso de traducir simultáneamente... El único en su género.

- Pablo de Madalengoitia.
- El que me dió la oportunidad en televisión, así como Jorge Eduardo Bancayán me dió la oportunidad en la radio. Si hoy hago televisión es por Pablo.

- ¿Qué te dicen las siguientes palabras?
- Pax. "Exterminio".
- Chanchamayo. Gira Perú Rock.
- Wolfie. Gastón Medina.
- Rio. La Universidad cosa de locos.
- Nito Mestre. Concierto que nos tocó presentar en la Universidad de Lima (con G.I.T. y Miki González).
- Radio Panamericana. La Más Más.
- Radio Miraflores. Buby Palma.
- Radio Ritmo. Branny Zavala.
- Marcos Mendoza. Sono Radio.
- Michael Jackson. Gran bailairín
- Johnny López. El que me abrió las puertas de Radio Miraflores. Fue el que me presentó con Buby (Palma), con Diana (García), con Liliana (Sugobono)... Diga lo que vale, el Bob Barker peruano.
- Olimpiadas. Una asignatura pendiente.
- Mundial de fútbol. Lo máximo. Los 45 días más espectaculares cada cuatro años.
- Cine. Una pasión.
- Jorge Muñiz. Un loco lindo, la verdad.
- Rulli Rendo. Rulli Rendo... De toque a toque. Y un cariño muy especial pues tocó el día que me casé.
- Televisión. Una pasión.
- Luis Almeida Magallanes. Entrebambalinas.
- Internet. ¡La salvación!
- Miami. Mi casa.
- La "U". Mi equipo.
- Alianza. Jajajaja. No te puedo decir...
- Gol TV. La oportunidad de hacer televisión en Estados Unidos.
- Telemundo. La oportunidad de crecer en televisión en Estados Unidos.
- Perú. Mi país.

Artículo de prensa de la era Perú Rock aparecido en RTV.

- ¿Algo más?
- ¿Qué faltó? Nada. Gracias y te sigo leyendo.

- Ah! Y para terminar, ¿a qué revista le vendemos nuestras nuevas fotos juntos luego de veinte años?
- (Risas) A ver si alguien las quiere comprar. Ya no existe ninguna revista de nuestra época. No existe Gente, no existen Teleguía, RTV, Telecolor, Éxitos, As Rock... jaja.

Javier Lishner
Santa Clara, California
3 de marzo de 2008

2010-12-04T14:04:00.000-08:00

4 DE DICIEMBRE, DÍA DEL ADIÓS

Siete años después de este video de 1986, un día como hoy, de cáncer a la próstata, murió Frank Zappa. Fue más que un prolífico músico. Tenía 52 años.

Frank Zappa en Crossfire. 1986.

El 3 de diciembre de 1976, el guitarrista Tommy Bolin telonea a Jeff Beck en Miami. Ese mismo año, Bolin había retomado su carrera solista luego de la desintegración de Deep Purple y andaba haciendo la gira de su álbum Private Eyes. El 4 de diciembre es encontrado muerto por lo misma causa que mató a varios de sus colegas. Hendrix, entre ellos. Y no tuvo tiempo para más. Tenía 25 años.

"Savanah Woman" - Tommy Bolin

Bolin y Zappa, fueron dos que sucumbieron muy pronto a esta vida. El primero, por sobredosis; el segundo, al cáncer. Que descansen en paz.

Javier Lishner
Santa Clara, California
4 de diciembre de 2011

2010-12-03T10:19:00.000-08:00

OZZY CUMPLE 62

Un día como hoy, en 1948, nació John Michael Osborune. Con el tiempo, se iría a conocer como Ozzy, y también como Prince of the Darkness, el príncipe de las tinieblas, de la oscuridad.

Su nuevo cumpleaños coincide con la buena nueva de que el otrora fundador y vocalista de Black Sabbath, con más de cuarenta años de carrera a cuestas, estará con nosotros en el Silicon Valley, el próximo mes de febrero [Foto tomada en el HP Pavilion de San Jose]. Para entonces, nosotros también habremos cumplido un año más de vida. Felicidades Mr. Madman. Y que sean muchos más.

Javier Lishner
Santa Clara, California
3 de diciembre de 2010

2010-11-30T11:05:00.001-08:00

Exile On Main St.

HUBO UNA VEZ... EN 1972

Sin duda que, el Exile on Main St, anda entre los mejores discos en la carrera de los Rolling Stones. Tributo a la creatividad de la banda y al talento de cada uno de sus integrantes, y de algunos invitados. Entre ellos, Bobby Keys, Al Perkins, Nicky Hopkins, Ian Stewart y Billy Preston. Keith Richards y Mick Taylor tocan el bajo en algunos temas, Mick Jagger y Bill Wyman van al teclado y así. Incluso, el productor, Jimmy Miller, se sienta en la batería en un par de canciones. "Happy" es una de ellas.

Disco doble: Exile On Main St. publicado en 1972.

Lo cierto es que la placa, que de acuerdo a la crítica es una de las más importantes de la historia del rock and roll, fue posiblemente el último disco de los Rolling Stones con extraordinarias calificaciones. Aunque algunos dicen que hubo uno más: el Some Girls, de 1978. Como en todo lo que hizo Taylor durante el lustro que perteneció al quinteto, la fineza fue una de sus características. Al igual que Clapton, tranquilo y sin mucho aspaviento, es su calidad la que sobresale. No en balde alguna vez, los dos surgieron del mismo núcleo: los Bluesbreakers de John Mayall.

Exile on Main Street fue publicado en mayo de 1972 y llevó a sus dueños a su famosa gira norteamericana de aquel año. El disco, grabado en diversos lugares, también incluyó a diferentes ingenieros de sonido. No obstante, quien asumió la responsabilidad de la grabación fue Glyn Johns, reconocido por sus trabajos con los Beatles, Led Zep, the Who, Eric God, y un largo etcétera (como los tres primeros discos de the Eagles). El primer simple del Exile fue "Tumbling Dice" que llegó al Top 10 en los Estados Unidos, y lo mismo sucedió en el Reino Unido. El álbum, como tal, llegó a número 1 coincidiendo con la gira norteamericana en la que el grupo se embarcaba luego de tres años.

Toma de una de las sesiones del Exile On Main St.

El ambiente en el que se grabó este disco doble merece un capítulo aparte. La droga y toda esa cochinada de la que Bill Wyman y Charlie Watts no estuvieron muy cerca, hizo que el proceso de producción durara más tiempo del calculado. Si Jimmy Miller viviera, podría ser el mejor testigo para contar la historia de aquellos días (y noches) cuando, además, Jagger se casaba con la modelo nicaragüense Bianca Pérez-Morena... Richards, de a poquitos, ha ido soltando los recuerdos que le trae la grabación de ese ejemplar. Después de todo, gran parte de ella fue realizada en su casa de Nellcôte, en el sur de Francia. El bajista Bill Wyman, en su obra "Stone Alone", de 1990, también describe algunas historias que para muchos resultan anécdotas.

Lado A
1. "Rocks Off"
2. "Rip This Joint"
3. "Shake Your Hips"
4. "Casino Boogie"
5. "Tumbling Dice"

Lado B
1. "Sweet Virginia"
2. "Torn and Frayed"
3. "Sweet Black Angel"
4. "Loving Cup"

Lado C
1. "Happy"
2. "Turd on the Run"
3. "Ventilator Blues"
4. "I Just Want to See His Face"
5. "Let It Loose"

Lado D
1. "All Down the Line"
2. "Stop Breaking Down"
3. "Shine a Light"
4. "Soul Survivor"

Y, entre la casi decena de voces que apoyaron el disco, sobresalió la de Merry Clayton, la artista de New Orleans, quien anteriormente había colaborado con ellos. Su prestigiosa voz puede ser escuchada a dúo con el ahora Caballero del Imperio Británico, en "Gimme Shelter", del disco Let It Bleed, de 1969.

Luego de varias décadas, este es nuestro homenaje a uno de los discos mejor logrados, en la larga carrera de Mick & the Boys.

Javier Lishner
San Jose, California
12 de abril de 2007

2010-11-27T15:58:00.000-08:00

EL GUSANO CONTRAATACA : Fausto en acción

La primera obra completa que Fausto obtuvo se tituló Killers. Lo interpretaba un grupo inglés de nombre Iron Maiden y sucedió en 1981. Fue en el Club del Disco Sears, y debido a su insistencia mamá se vio prácticamente obligada a adquirirlo para ver feliz a su hijo. No obstante, no era la primera vez que el muchacho tenía un disco entre manos. Ya desde 1978, se había acostumbrado a hurgar en la colección de la hermana mayor y de sus amigos que llegaban con acetatos bajo el brazo. Discos como el Zeppelin II y el Out of the Blue de la Electric Light Orchestra, fueron parte del comienzo. Luego empezarían los apuntes musicales en los cuadernos del colegio y una larga e interesante historia. Hoy, Fausto Vivanco Ronco, orgulloso esposo y padre de Antonio y Andrea, se dio tiempo para hacer un setlist muy especial para EL GUSANO CONTRAATACA. Adelante Fausto.

Debutaron en 1971 con el excelente larga duración Very 'eavy... Very 'umble y, durante los primeros años de la década, su inconfundible estilo y la perfecta armonía de sus composiciones [de temática mística], los posicionó como una de las más interesantes bandas surgidas en el Reino Unido. "July Morning" pertenece a Look at Yourself, disco que inicia el vertiginoso ascenso de la banda con trabajos de gran calidad como Demons & Wizards, The Magician’s Birthday, Uriah Heep Live, Sweet Freedom, Wonderworld y Return To Fantasy.

"July Morning" - Uriah Heep

Miles Davis eliminó barreras, se saltó las normas y se convirtió en un pionero de nuevas músicas, estando atento a todo nuevo e innovador sonido. Suya es la frase: "El jazz es terminología blanca para una tradición negra". Y de esa gran tradición pertenece "On The Corner". Defínanlo como ustedes quieran pero este tema y el disco del mismo nombre es de eterna escucha.

"On the Corner" - Miles Davis

Rock the Casbah perteneció al Combat Rock, disco que marcó el inicio del fin de una de las más esenciales bandas surgidas del punk inglés. Con una postura enérgica y sus excelentes composiciones, se diferenciaron de lejos con muchos grupos surgidos en la misma oleada. Un grato recuerdo que nos lleva a los ochenta.

"Rock the Casbah" - The Clash

The Open Mind fue una de esas bandas que podríamos citar como ejemplo para tratar de explicar la causa desconocida, y sin poder explicar aún de cómo no llegaron tan lejos teniendo talento de sobra. "Magic Potion", tema que fue vetado por su supuesto incentivo al consumo de drogas, es un single psicodélico que pertenece a uno de los mejores álbumes psicodélicos editados en la compleja historia del rock and roll.

"Magic Potion" - Open Mind

Toca la guitarra como si su madre hubiese muerto. Eso comentan que le dijo el Starman, George Clinton, al inventivo guitarrista Eddie Hazel para su participación en uno de los mejores trabajos de funk psicodélico. Ritmos tribales apoyados por una banda que funciona a las mil maravillas y una guitarra que seguramente penetra hasta los huesos.

"Maggot Brain" - Funkadelic

Originarios de Leicester Inglaterra. Black Widow fue una banda que combinó las artes del rock progresivo con el hard rock. En su sonido hay mucho melotrón, Hammonds y flauta, tapizada por la psicodelia de los sesenta. Letras oscuras que hablan de brujas, demonios y cultos paganos. En algunas presentaciones, solían hacerse acompañar por el elenco de teatro de Leicester, simulando sacrificios humanos y resucitando las fuerzas ocultas. El siguiente tema fue apadrinado por Alex Sanders.

"Come to the Sabbat" - Black Widow

La bola de cañon de Texas es para muchos uno de los mejores y más grandes guitarristas de su tiempo. Dotado también de una portentosa voz, es influencia innegable de muchos músicos que siguieron y recogieron su legado. Con ustedes Mr. Freddie King.

"Have You Ever Loved a Woman" - Freddie King

La siguiente canción nos traslada a los ochenta y la primera vez que lo escuché me pregunté: ¿quiénes son estos individuos con peinados a lo Happy Days que hacen un irresistible rock revival y que obliga a mover los pies y subir el volumen del amplificador? Eran los Stray Cats comandados por Brian Setzer y su estupendo "Stray Cats Strut".

"Stray Cats Strut" - Stray Cats

Subo el volumen, bebo un sorbo de mi vaso de cerveza, me tomo una pausa y prosigo con mi pregunta interna sin encontrar respuesta. ¿Cómo otra banda con tanto talento pudo ser ignorada? Incredible Hog, un power trio británico, honesto y que no cedió a la presión de las grandes corporaciones de la industria fonográfica. Se mantuvieron firmes y editaron esta maravilla de hard blues. Aquí, una prueba de ello.

"Tadpole" - Incredible Hog

Desde la España del jamón ibérico y los Rioja, llega Pan y Regaliz, una banda psico-progresiva caracterizada por el uso de la flauta, presente en casi todas sus canciones y la peculiar manera de cantar de su vocalista, que podría parecernos a Serrat bajo los efectos de los hongos alucinógenos. La siguiente es solo una muestra de su producción.

"One More Day" - Pan & Regaliz

Gracias Fausto. Hoy nos tocó estar al otro lado de la cabina. Y la pasamos muy bien. Ahora, de vuelta en el planeta, te decimos hasta la próxima. Gracias también a ustedes amigos por habernos acompañado en este imaginario viaje.

Javier Lishner
Santa Clara, California
27 de noviembre de 2010

2010-11-22T20:52:00.001-08:00

Entrevista con José Ortega
APDAYC, DERECHOS DE AUTOR Y PROYECTOS

En buen castellano, APDAYC es la institución peruana que se encarga de recaudar y repartir lo que le corresponde a sus socios, autores y compositores. Como toda entidad pública, está expuesta a críticas desde distintos frentes. Por esa razón, la intención de esta nota fue aclarar algunas de ellas. A diferencia de hace un par de años, cuando virtualmente nos encontramos con Pepe Ortega y lo entrevistamos para este mismo espacio, esta vez no hablamos de su carrera.

El contacto con el experimentado músico y compositor fue para tratar sobre APDAYC, la Asociación Peruana de Autores y Compositores, de la que es uno de sus flamantes ejecutivos. Pepe, economista de profesión, cuenta que es asesor de la Presidencia Ejecutiva de la importante institución peruana fundada hace más de cincuenta años. A continuación, nuestro reciente encuentro, el cual coincidió con el día del músico.

- Hola Pepe, qué te parece si comenzamos con una pregunta del ciudadano común. ¿Qué significa APDAYC y para qué sirve?
- Hola Javier y gracias. Apdayc es la Asociación Peruana de Autores y Compositores del Perú. Una Sociedad de Gestión Colectiva que representa a compositores asociados nacionales e internacionales. Básicamente recaudamos los derechos por la explotación de música -en diversos rubros- de las obras de nuestros asociados, administramos esa recaudación y la distribuimos.

- Entendiendo que es una asociación, ¿quiénes pueden inscribirse?
- En Perú tienen que ser autores y compositores que se dediquen a este oficio, para lo cual hay un proceso que incluye varias partes; entre ellas, dar un examen de conocimientos y presentar pruebas físicas de obras grabadas. Por medio de contratos de reciprocidad representamos también al 99% de autores de otros países.

- ¿Cuáles son los requisitos más básicos de inscripción para alguien que no conoce mucho de la institución?
- A los interesados les agradecería visitar aquí nuestra página donde todo está muy claro.

- Gracias. ¿Cúando se fundó la APDAYC y quiénes la fundaron?
- Se fundó el 20 de febrero de 1952. El primer Presidente fue el maestro Eduardo Márquez Talledo (más info en Quiénes Somos).

- ¿Sabes cuál es la posición de algunos de sus fundadores con respecto a la APDAYC de hoy? La que dirige Armando Massé y de la que tú eres uno de sus directivos.
- Los fundadores, que son algo de doce, están muy contentos con la Apdayc. Siempre los vemos en las Asambleas y, por su condición de fundadores, reciben un beneficio económico mensual muy aparte de su producción autoral. Justamente los fundadores son de los más felices y agradecidos ya que antes no tenían el trato de hoy. Yo no soy Directivo, soy Ejecutivo... Trabajo en la Presidencia Ejecutiva.

- ¿Recuerdas cuándo ingresó José Ortega a la APDAYC y cómo lo hizo?
- Sí, claro. Yo me hice socio el 25 de Marzo de 1998. Pagué mi inscripción y seguí el procedimiento de aquella época... ja ja.

- ¿Alguien te llevó o te recomendó asociarte?
- Yo era amigo del Presidente saliente Juan Mosto y más aún del entrante, Armando Massé. Me recomendó, entre otros, Julio Andrade.

- ¿Qué ganaste durante todo ese tiempo como asociado de la APDAYC?
- Todo autor sigue la suerte de su obra. Si tus obras suenan, en radios, televisión y lugares públicos, recibes pagos, si no suenan no recaudas. He recibido liquidaciones de acuerdo a la difusión de mis obras. Aparte de eso hay ciertas ayudas socio-culturales en caso de problemas de salud o sepelios. Ayuda por sepelio no he recibido gracias a Dios... ja ja.

- Pepe, la última vez que nos comunicamos (antes de facebook) tú vivías en Oklahoma. ¿Qué te hizo regresar al Perú? ¿Cuándo regresaste?
- Yo vine por un tema medio 'protocolar". Me quedaban dos años más de visa religiosa, pero necesitaba hacer sellar aquí mi pasaporte. Tenía un trabajo en USA que me esperaba, mi hijo es americano, tengo Social, etc. Pero... la Embajada decidió no sellarme y me quedé aquí. Me va muy bien aquí en mi país, gracias a Dios.

- Cuando volviste a Lima, ¿cómo encontraste a la Asociación?
- La verdad que muy bien. Las cuentas estaban en azul pero lo más interesante eran los proyectos que se estaban planeando.

- Qué bien. Pero seguramente que también sabías que había críticas públicas en contra de ella. ¿Qué pensaste?
- Que no eran nada en comparación a lo que era antes.

- ¿Cuáles eran las principales críticas que recuerdas?
- Yo empecé a leer sobre Copyright y Derecho Autoral en USA y me daba cuenta que la mayoría de críticas eran por ignorancia, desconocimiento del tema autoral. Era algo obvio. Hasta ahora veo eso en algunos blogs, algunos chibolos que salen a hablar como eruditos y están hablando "rocones" (disculpando la expresión).

- ¿Qué ha cambiado desde aquel entonces aparte de que los chibolos hayan crecido? Porque sigue habiendo críticas... ¿Son las mismas de antes?
- No para nada. Las críticas de antes eran por malversación, por dolo. Puedes preguntar a quiénes corresponda, cuáles fueron los resultados de esas acusaciones (a las anteriores directivas). Yo creo que una de las cosas que les molesta ahora es el tono o estilo de Armando, pero te diré que él defiende el Derecho de Autor con uñas y dientes. Quizás no sea un gran comunicador, pero en el fondo tiene razón.

- Entonces se puede decir que hoy por hoy APDAYC es una institución que recauda y reparte...
- Por supuesto. Indecopi (el gobierno) nos chequea al milímetro.

- Es y siempre será difícil satisfacer a todos los asociados. Como experimentado productor, compositor e intérprete que eres, ¿dónde crees que pueda estar el punto medio? ¿En qué elementos esenciales deberían de converger los asociados?
- En Apdayc, así como en otras asociaciones hay categorías de socios. Quienes más producen económicamente, tienen mayores derechos. Los socios que más producen no se quejan. Se quejan quienes tienen una percepción sobre el éxito de sus obras mayor que la realidad o que no aceptan que en su condición societaria no pueden reclamar demasiado. No les asiste el derecho. Por otro lado, la prensa se deleita propalando las quejas de ciertos socios, pero no averiguan si producen recaudación. Cuando un socio recibe ayuda (por una emergencia médica, por una tragedia familiar, si lo dejan varado en una gira, etc.), nunca va a la prensa a decir "miren Apdayc me ha ayudado". Quizás atenta contra su "imagen". Nosotros no pregonamos eso, pero sí lo publicamos en nuestras memorias. Allí figura exactamente cuánta ayuda societaria ha recibido cada socio.

- Y me imagino que esas Memorias están al alcance de todos los socios. ¿Por qué crees entonces que parte de la prensa e importantes espacios de Internet critican a la APDAYC?
- Por supuesto, las Memorias se publican y allí aparece todo. No hay secretos. Los balances y estados financieros también. Las críticas son porque en el Perú no hay "cultura" de derecho de autor. Porque no se conoce la legislación. Y también porque hay organismos poderosos malintencionados. Francamente no he visto "importantes" espacios de Internet criticando a Apdayc. He visto críticas personalizadas, calumnias y agravios hacia personas... Al Dr. Massé en particular.

- Es posible que sea cierto que en el Perú no exista cultura en materia de derecho de autor, por lo tanto, no sería bueno que APDAYC fuese un poco más pro-activa con los usuarios. Por ejemplo, haciendo campañas de educación hacia restaurantes, bares, comercios pequeños en general. O ya lo están haciendo?
- Lo primero que hacemos con el usuario es visitarlo e informarle de sus obligaciones legales. A veces te tiran la puerta, o incluso tiran la carta a la basura delante nuestro... Dicen que no van a pagar. No es fácil Javier...

- Me imagino.
- Cuando llega la demanda por no pagar, pegan el grito al cielo. Pero, felizmente, no todos los usuarios son así. Tenemos también extraordinarios usuarios. En Apdayc la Recaudación está "tercerizada". Contratamos services a quienes supervisamos lo mejor que podemos. Estamos en 25 departamentos y en todos los distritos de Lima. Si hay excesos o fallas garrafales, sancionamos e incluso revocamos contratos. Lo que nos falta, y lo reconocemos, es un mejor trabajo con la opinión pública. Este año mejoraremos pues estamos contratando alguien muy idóneo para esa área que, además, está siendo potenciada e independizada.

- Una de las críticas que yo recuerdo haber leído, y te confieso que fue hace buen tiempo, fue que buen porcentaje de las regalías de los autores y compositores se iban en la planilla de los trabajadores. ¿Es eso un mito o una realidad? Por ejemplo, ¿sabes que porcentaje se va en la planilla?
- El 30%. Es lo que la Ley permite. Indecopi supervisa eso al milímetro.

- Radio Nacional. ¿Cómo llega APDAYC a manejar Radio Nacional?
- Por invitación del Presidente García. Fue un alivio para el Presupuesto Nacional. Hemos asumido muchos pagos e invertido en esa institución. Hemos donado miles de canciones, pusimos una nueva red de Internet, software de última generación y mucho más.

- Me enteré que Radio Nacional había sido cedida en administración a APDAYC por una deuda que la radio tenía con la Asociación, por concepto de Derechos de Autor. La deuda era tan grande, prácticamente impagable, y fue por ello que el gobierno (o el mismo presidente de la República) les cedió la administración.
- Falso totalmente. Yo mismo participé en las reuniones técnicas antes de firmar el convenio y eso nunca sucedió. Si fuera así, más bien seríamos dueños de cierto canal de televisión que sí nos debe un montón.

- Gracias por la aclaración. ¿Existe otras radios que hayan sido tomadas o compradas por APDAYC?
- "Tomadas"?... ja ja. ¿Cómo se "toma" una radio? Hemos comprado algunas radios sí, con el mismo derecho que tiene cualquier asociación privada, una ONG o una Iglesia.

- Cuando digo tomadas me refiero a tomar su administración. Uno cede, el otro toma. Aunque tal vez no haya sido el término apropiado. No obstante, discrepo un poco con lo último que has afirmado pues hay algunos artículos en el Decreto Legislativo 822, el que trata de derechos de autor y derechos conexos, que delimitan el campo de acción de una sociedad de gestión colectiva.
- Te agradecería Javier que me mencionaras cuáles. Lo que mas bien yo te puedo mencionar de dicha ley es:
Artículo 147º.- Las sociedades de gestión colectiva estarán legitimadas, en los términos que resulten de sus propios estatutos, para ejercer los derechos confiados a su administración.
Nuestra Función Social la definen nuestros propios estatutos los cuales son aprobados por INDECOPI (El Gobierno). Nuestros estatutos dicen:
Su objeto social principal atendiendo a las disposiciones de la Confederación General De Sociedades De Autores Y Compositores (CISAC) es la Gestión Colectiva del Derecho de Autor y Conexos dentro y fuera del territorio nacional, asimismo dentro de sus Beneficios Socio Culturales podrá promocionar y difundir el repertorio que administra a través de medios de radiodifusión, sin fines de lucro, a fin de consolidar los derechos que representa.
- Celebrar toda clase de pactos y contratos, sin reserva ni limitación alguna, en observancia a la ley, con entidades o personas naturales o jurídicas de derecho público o privado del país o del extranjero, para la defensa, recaudación y administración de los derechos de autor y en general de el mejor logro de sus fines sociales.

- Yo encontré esto:
Artículo 146º.- Las sociedades de autores y derechos conexos, consitituidas o por constituirse para defender los derechos patrimoniales reconocidos en la presente Ley, necesitan para los fines de su funcionamiento como sociedades de gestión colectiva, de una autorización de la Oficina de Derechos de Autor del Indecopi y están sujetas a su fiscalización, inspección y vigilancia en los términos de esta Ley y, en su caso, de lo que disponga el Reglamento. Dichas entidades serán asociaciones civiles sin fines de lucro, tendrán personería jurídica y patrimonio propio, y no podrán ejercer ninguna actividad de carácter político, religioso o ajena a su propia función.

Artículo 151º.- Sin perjuicio de lo establecido en las disposiciones legales aplicables a la solicitante por razón de su naturaleza y forma, sus estatutos (los de una sociedad de gestión colectiva) deberán contener:
...
b. El objeto o fines, con especificaciones de la categoría o categorías de derechos administrados, no pudiendo dedicar su actividad fuera del ámbito de la protección del derecho de autor y de los derechos conexos".

A simple vista pareciera que estamos ante una contradicción legal, pues mientras que la Ley claramente dice que el objeto de una sociedad de gestión colectiva debe dedicarse única y exclusivamente a la protección de los derechos de autor (y conexos), y además, que su existencia debe ser aprobada por la autoridad competente (INDECOPI) de acuerdo con los estatutos de la solicitante, los estatutos de APDAYC, no obstante, sí facultan a dedicarse a otras actividades. Y han sido aprobados por el propio INDECOPI.
- No veo la contradicción. Las sociedades de Gestión Colectiva (asociaciones privadas) se crean por gente que tiene un objetivo común, definido por sus estatutos. Nuestro Órgano Supremo de Gobierno es nuestra Asamblea General. El consejo directivo ejecuta lo que la asamblea aprueba. El Consejo Directivo también propone líneas de acción. Indecopi no puede decirte qué puedes o debes hacer de una manera "controlista" pero sí puede y debe supervisar. Para nosotros (Apdayc) es necesario, imprescindible, para cumplir nuestras fines de protección de nuestras obras, el poder tener medios de radiodifusión (radios) para cumplir nuestro rol. Ahora para serte sincero, estamos evaluando otras formas de gestión también respecto de las radios; pero lamentablemente no puedo adelantar nada, ya que está en proceso.

- ¿Qué ganan los autores y compositores peruanos con el manejo de estas radios por parte de APDAYC?
- Ganan espacios para promocionar sus obras. Está dentro de nuestros estatutos. No tenemos radios para lucrar, ni siquiera tenemos experiencia en eso. Nos interesa cubrir nuestros costos de operación, no lucrar. En nuestras radios suena música peruana que no se oiría en radios comerciales. También se oye música comercial por supuesto. Las radios son negocios particulares y en vez de criticarlos o quejarnos por la poca difusión de la música nuestra, tenemos nuestras radios.

- Pero no solo han comprado radios. También han comprado IEMPSA y el catálogo de Discos Independientes, por ejemplo. ¿Tiene APDAYC tiendas de discos?
- De Iempsa compramos la sala de grabaciones que hemos implementado como una de las mejores del país. Allí nuestros socios reciben tarifas preferenciales. Mas bien los catálogos fueron solo cosas circunstanciales de mercado pero se ofrecieron a nuestros socios. Apdayc no va a manejar eso. Tenemos dos tiendas de discos y es nuestra forma de demostrar que el negocio legal no ha desaparecido. La piratería en Perú es 99.9% no podemos abandonar al autor a negociar solo con piratas y que desaparezca la industria formal. Nuestra tiendas tampoco tienen fines de lucro, son una alternativa de bajo precio para contrarestar la piratería y son vitrina para las producciones legales que aún existen.

- No crees que siendo APDAYC una sociedad de gestión colectiva del derecho de autor, y a la vez broadcaster y productora fonográfica, está en un escenario poco común. O sea, con radios, disqueras, repertorio, tiendas de discos. Es como que si de pronto se metiera de promotora de espectáculos, y comenzara a comprar restaurantes y bares. Como si no existiera separación de poderes en una sociedad. O sea, no hubiera querido utilizar el término "acaparar" pero...
- Buena idea lo de los espectáculos ah... ja ja ja (no te olvides quién nos dio la idea). Lo de los bares no... ja ja. Javier, separación de "poderes" se refiere más al Estado (poder legislativo, judicial y ejecutivo). La idea moderna de gestión de organizaciones va por allí; Ripley vende ropa, no?, pero tiene una tarjeta de crédito; Virgin, tú sabes todo lo que ese nombre implica (celulares, aviones, etc). La Universidad San Martín debería disolver su equipo de fútbol? El Movimiento Misionero Mundial (iglesia) debería cerrar su canal Bethel y sus muchas radios en todo el Perú? Mientras todo se haga para beneficiar al socio sin infringir las leyes todo está bien. Como economista no solo apruebo eso... Lo promuevo.

Portal de APDAYC en Internet.

- Pepe, hablemos un poco de los locales donde se hace música en vivo. Por allí también he leído comentarios. ¿Es verdad que ustedes llegan acompañados de policías? ¿Es eso lo usual o se debe a alguna razón específica?
- Primero se le visita y empadrona, se le hace saber de su tarifa... Si no hace caso se le notifica, y si aún no hace caso, se acude con el policía. El policía solo hace una "constatación policial" que se está infringiendo una ley. Es todo lo que el policía hace. En la sanción por el delito obviamente la policía no interviene, sino Indecopi o el Poder Judicial.

- No hace mucho, alguien los llamó "coyotes de presas débiles". Pidió que entraran al "Hueco", como diciendo que allí, y no en su pequeño local, es donde está la verdadera piratería, la cosa más peligrosa. El bulto que hay que ordenar.
- Es como alguien que roba un banco y dice, por qué me castigan? Allí hay un asesino... Ambas cosas son delitos. No pagar el derecho de autor en un local público es un delito contra el pago por ejecución pública. La piratería es otro delito. Es contra el derecho fonomecánico, desde el punto de vista del autor.

- Pero les compete también a ustedes? O APDAYC no tiene nada qué hacer en el llamado "Hueco" donde la piratería es el negocio del día?
- Claro que la piratería nos afecta. Afecta a Indecopi, a la Sunat, a la Sociedad Nacional de Industrias, a Unimpro (productores), a Anaie (intérpretes) y a Apdayc (autores). Te refieres a tomar la justicia en nuestras manos? Ir a requisarles sus discos? Terminaríamos presos. ¿Qué haces cuando para empezar una Municipalidad les da licencia para vender algo robado? (como un disco pirata). Cuando la Policía Fiscal nos convoca participamos en los operativos, por supuesto. Te repito, es uno de nuestros frentes. "Los piratas dirán... por qué no vas y les cobras a los locales?, a los canales... Ellos deberían pagarte... yo soy un humilde comerciante... ellos sí tienen plata". Nos afecta la piratería del Hueco y más el P2P (File Sharing), eso que ciertos chibolos blogeros aman y creen que es "su" derecho.

- Volviendo a la radio, ¿sabes cuál es la meta de acaparar radios? Porque eso es como ser juez y parte... ¿Existe alguna ley que trate de eso?
- ¿Acaparar? Te refieres a Corporación Radial? o a Panamericana? o a Karibeña? ja ja. Apdayc no está "acaparando" nada, créeme. Te han mal informado. Todo se hace de acuerdo a la ley. Mi querido Javier, muchos "periodistas" dicen que estamos en contra de la Ley y ni siquiera conocen las leyes... Eso sí que me da vergüenza.

- Pepe, sabemos bien que una radioemisora es por naturaleza un medio de comunicación que sirve para comunicar, difundir, informar, etc. No tiene qué ver con una sociedad que protege y administra los derechos de autor.
- Tú lo has dicho querido Javier, "protege'. Eso está claro en nuestros estatutos. No sé de veras a quién le preocupa que tengamos radios. Crees de verdad que podríamos hacerle la competencia a los zares de la radiodifusión peruana? Es como que D'Onofrio esté preocupado por el gordito que vende chups en su ventana. Los compositores queremos poder promocionar nuestra música sin tener que humillarnos llevando polos, o bolsas de arroz o regalando conciertos... tú sabes a lo que me refiero Javier. Tú eras de los pocos que no lo hacían... de los muy pocos.

- Lo de D'Onofrio y el gordito que vende chups en su ventana me recuerda al ejemplo entre el Hueco y el dueño de ese pequeño local... Pepe, como hombre de radio, alguna vez disc jockey, programador y director, sé que siempre se tiene que seleccionar temas para luego transmitirlos. Siendo APDAYC administradora o dueña de las radios, ¿qué criterios utilizan sus radios para transmitir las canciones? ¿No crees que algunos de sus socios podrían quejarse por la poca difusión de sus temas en comparación de otros? Y la radio pertenece a todos los socios...
- Sí, claro que podrían quejarse. Siempre se tratara de servir a todos. Lo que no podemos negar es que hay canciones exitosas y no exitosas, canciones con buen sonido y con mal sonido, buenas producciones y malas producciones. Siempre hay que seleccionar, tratamos que la radio crezca en sintonía. Eso es entendible.

- Conocí a Armando hace muchos años. Siempre me pareció no solo un caballero sino una persona correcta. Además de ser muy inteligente y profesional. ¿Cuándo y cómo toma las riendas de la APDAYC?
- Tomó las riendas hace diez años en un momento de emergencia en que INDECOPI lo nombra interinamente y luego es elegido por los socios.

- De acuerdo a estatutos, ¿cuándo debería Armando dejar la presidencia?
- Armando ya dejó la Presidencia. Actualmente el Presidente es José Escajadillo. Los socios pidieron a Armando que continuara, y como por Estatutos no era posible, él ha asumido una función de Gestión como Presidente Ejecutivo.

- ¿Serías tan amable de decirnos quiénes conforman la actual directiva y sus respectivos cargos?
- Claro. José Escajadillo (Presidente), Marino Valencia (1er Vicepresidente), Julio Andrade (2o VicePresidente), Franklin Cabrejos (Vocal), Walter Fuentes(Vocal) y Jaime Moreyra (Secretario).

- Una auditoría es algo que he leído se ha sugerido. ¿Les han hecho alguna auditoría? En todo caso, ¿cuándo fue la última vez que les hicieron una?
- Nos han hecho muchas. La última fue el año pasado. La próxima será a principios del 2011. Siempre hemos salido bien librados. Las auditorías nos han señalado áreas en las que debemos mejorar, sobre todo, en el área de procesos, pero nunca nada grave.

- Leí una carta que uno de sus asociados y dueño de un local donde se toca música en vivo, Delfin Garay, envió con fecha 14 de octubre. En ella daba varias sugerencias para la mejor relación entre la APDAYC y sus asociados. ¿Sabes algo de ella?
- ¿Asociado? ¿Podrías decirme cuál es su número de asociado y su fecha de inscripción? Lo que vi fueron varios insultos hacia Apdayc en su página de facebook. El pidió una cita con el Dr. Massé, a la que nunca asistió. Lo estuvimos esperando, nunca se disculpó por no asistir a la cita que pidió.

- Pepe, es cierto que Delfin no es un asociado pero como dueño de un local es un "usuario". Y esa carta de dos páginas fue recibida, sellada y firmada por la presidencia ejecutiva de APADYC. Yo la tomé de esa misma página de Delfin en facebook a la que tú haces referencia. Y sí hubo una reunión de Delfin con Armando, y sus palabras luego de la reunión con él fueron muy diferentes. Diría, muy positivas. Y también fueron publicadas en su página... Estamos prácticamente acabando el 2010. ¿Cuáles son los objetivos para el año que entra?
- Si se reunió después me alegro. Igual los insultos y acusaciones graves (que tenemos impresas) no son una buena forma de iniciar un "diálogo". Aprecio a Delfin, lo considero un conocido cercano... casi "wuaiky". Respecto de los objetivos... son muchos Javier. Los acabamos de informar en nuestra última Asamblea General de hace unos días. Estamos consolidándonos como marca, implementando herramientas de gestión de calidad de primer nivel, estamos creciendo en solvencia (por eso las radios, tiendas de discos, etc.). No todo el mundo tiene la misma visión y está bien, pero mientras estemos al timón seremos responsables frente a quienes han confiado el manejo a la actual Junta Directiva. Hemos alcanzado cifras históricas de recaudación.

- ¿Se cumplieron los objetivos del año que va acabando?
- Se han superado.

- ¿Cuáles fueron los más importantes?
- Mayor recaudación y distribución más oportuna. Se han ampliado los beneficios societarios, etc. Se ha potenciado lo de las radios que fue decisión soberana de la Asamblea General.

- A propósito de la recaudación y distribución más oportuna. Creo que ese es uno de los motivos de queja. ¿Existe algún sistema que les permita distribuir la recaudación lo más equitativamente posible? Imagino que ser exacto es como una utopía... pero, para comenzar, ¿cuentan con algún sistema preciso y correcto para medir la difusión de las obras? Por ejemplo, ¿las radios les dan a ustedes listados completos de lo que transmiten?
- Por supuesto Javier...

- Qué bien.
- ... Nuestros sistemas de distribución están en constante perfeccionamiento. No son perfectos y tenemos mecanismos para resarcir si hay un error documentado. A veces los socios no registran sus obras a tiempo, a veces los canales, empresarios de espectáculos o artistas no llenan las planillas. Todos (empezando por mi) quisiéramos recibir más. Además contratamos una empresa de investigación de mercados que nos informa detalladamente lo que suena en la casi totalidad de radios (con resultados ponderados de acuerdo al share).

Charly García, socio honorario. (FOTO: APDAYC)

- De todo esto, ¿qué gana el ciudadano común? Aquel al que nos referimos en nuestra primera pregunta.
- Con todo respeto, ¿tendría que ganar algo, además del uso de música que tiene dueños?... ¿Qué gana el ciudadano común con el Colegio de Ingenieros?, o con la Asociación de Radio y Televisión? Apdayc es una Asociación Privada aunque apoyemos a la sociedad en diversos frentes, nuestra función social está orientada al bienestar del socio. Los compositores forman parte de la sociedad y son también ciudadanos. El ciudadano común paga por el uso de luz, agua, etc... y también por el uso público de música. Nosotros cobramos por ese último rubro, lo administramos y distribuimos a los dueños de ese derecho. El usuario paga un derecho y puede usar la música en espacios públicos. El pago por un cd "legal" le da derecho solo al uso privado (doméstico). Hay usuarios que usan música protegida para sus negocios, la bajan de Internet o compran pirata y encima no quieren pagar por el uso público !!... eso es vivir en la época cavernaria, ¿no crees?... ¿de qué vive el autor? ¿No merece educar y alimentar a su familia?

- Por supuesto que sí.
- ... Muchos autores conocidos, famosos habrían muerto en la indigencia si no hubiera sido por Apdayc. Quisiéramos ayudar a todos, a los que más necesitan, pero por ahora se hace por lo menos con los que producen más, cuyas obras son exitosas, son más difundidas.

- El mejor de los éxitos para ti, para la Junta Directiva y para los socios de APDAYC. Un fraterno saludo Pepe. Y gracias por habernos aclarado un poco el panorama. Como siempre, un afectuoso abrazo.
- Gracias por la entrevista Javier. Solo quisiera agregar que si bien tengo un alto cargo ejecutivo muy cercano al Consejo Directivo, no soy directivo. Mi trabajo es como Economista, un asesor, y tengo la camiseta de Apdayc bien puesta, ya que también soy compositor... Hay muchas cosas que mejorar en Apdayc y te puedo garantizar que somos conscientes de eso. Yo mismo observo fallas y el deseo de enmendarlas es inmediato. Si yo con mis propios ojos viera algo grave o abusivo, sería el primero en retirarme si es que no hubiera intención de subsanarlo. Hay un asunto moral de por medio. Eso sí... las cosas hay que corroborarlas, no dejarse llevar por impresiones o habladurías. Te agradezco mucho la entrevista, espero haber aclarado en algo las cosas. Un abrazo.
- Nuevamente, muchas gracias. Y felicidades por el día del músico.

Javier Lishner
Santa Clara, California
22 de noviembre de 2010

2010-11-20T14:21:00.001-08:00

MINCETUR, MENSA CAMPAÑA

Pedro es uno de los visitantes a este blog. Nos hizo saber de su frustración al escuchar las pocas radios de música pop rock que quedan en el dial limeño. El término que Pedro utilizó al despedirse de su último comentario fue "asado". Es así como en el Perú se le llama a la persona molesta, fastidiada, enojada. Así también me puse yo cuando vi el siguiente video producido y promovido por MINCETUR, el Ministerio de Comercio Exterior y Turismo peruano. En Internet algunos lo han llamado Gringos.

Los adjetivos que se le ha dado van desde la P hasta la M. Como se puede apreciar, es parte de una campaña de promover el buen trato de la población a los turistas. Una idea que pudo haber sido inmensa terminó por ser mensa. Motivos sobran. Y los adjetivos, al menos aquí, por ahora, me los guardo.

Javier Lishner
Santa Clara, California
20 de noviembre de 2010

2010-11-16T16:54:00.000-08:00

EL GUSANO CONTRAATACA III.2

Lo primero que supe de este intérprete es que era el número uno en el Reino Unido antes de que los Beatles aparecieran. Era de la edad de John, quien hubiera cumplido 70 en octubre. Y mas bien, él cumplió 70 en octubre. Y para la ocasión organizó seis presentaciones en el codiciado Royal Albert Hall de Londres. Su discografía es vasta, al igual que los premios obtenidos y sus condecoraciones. La siguiente es una de sus canciones que, en 1976, lo volvió a poner en el número uno. Se llama Cliff Richard, aunque tampoco no es su nombre de pila.

"Evil Woman" - Cliff Richard

Esta historia es más simple que las letras de sus canciones. Duró menos de una década y la contaron Walter Becker y Donald Fagen. En 1980, con la publicación de Gaucho, la alianza comenzó por desbaratarse. No obstante, para entonces, ya habían dejado suficiente material para los historiadores. Algunas de ellas fueron, "Do It Again", "Rikki Don't Lose That Number", "Pretzel Logic", "Peg", "The Royal Scam", y esta de su primer disco, Can't Buy a Thrill. Años más tarde llegaría recién el reencuentro.

"Reelin' In The Years" - Steely Dan

Hubo un tiempo que fue hermoso... cuando Nito y Charly disfrutaban de su juventud y amistad, de sus composiciones y sus locuras. Esto llega directamente del Buenos Aires Rock 1972. Simplemente, canción para mi muerte.

"Canción para mi muerte" - Sui Generis

‎ He aquí otro que vio la luz en New Jersey, cuna de tantos grandes artistas. Su nombre: Al Laurence Dimeola. Conocido desde hace mucho como Al Di Meola. Creo que escuché por primera vez de él cuando fue publicado el Friday Night in San Francisco, exquisito disco en vivo grabado en el famoso Warfield, que compartió con Paco de Lucía y John McLaughlin. Aunque antes ya había participado en Return to Forever, el súper grupo de Chick Corea y Stanley Clarke. Hablar de su historia es hablar de uno de los mejores guitarristas de jazz en plena vigencia. A sus 56, tiene cuerda para rato.

"Kiss My Axe" - Al Di Meola

Un dúo de amigos se unió para formar una banda. La llamaron Daddy. Pero solo duró unos meses antes de que le cambiaran de nombre. La integraban Richard Palmer, Robert Millar, Roger Hodgson y Richard Davies. Por esos días de 1969, la A&M acababa de afincarse en el Reino Unido. Y fue con ellos con quienes firmaron. Hubo un disco, hubo otro disco, pero fue recién el tercero, titulado Crime of the Century, el que les dio el espaldarazo. Para ese entonces, solo quedaban Hodgson y Davies de su original formación.

"Bloody Well Right" - Supertramp

Psicodelia en esta banda que en 2001, pude ver en el salón más alto del Experience Music Project, en Seattle, Washington. Se llamaba the Sky Church. El combo aún andaba con sus dos talentosos fundadores, el guitarrista Eddie Glass y el batero Ruben Romano. Fue una noche inolvidable llena de rayos láser y fuertes sonidos que parecían interminables. En el bajo, un rubio de nombre Mark Abshire completaba el poderoso trío. En algunos pasajes, Glass nos hizo recordar al más famoso de los guitarristas de rock, Jimi Hendrix, muy aparte de que estuviéramos coinicidentemente en su tierra natal.

"Giant" - Nebula

Inmerso en la música hecha por Jaco Pastorius. Y como buen seguidor del rock and roll, sigo asombrado. Aquí, el extinto bajista se luce al lado de Joe Zawinul y Wayne Shorter, fundadores de Weather Report. Esta es la banda en la que hasta el año anterior había estado el peruano Alex Acuña. En realidad, la versión original de este tema fue hecho con Acuña en la batería. Fue parte del Heavy Weather. Pero ya era 1978.

"Birdland" - Weather Report

Creo que fue con esta canción con la que conocí a Elton John. Era 1971 y el músico inglés la había escrito para una película titulada Friends. Hoy que veo que mi lista de amigos sigue creciendo gracias al blog y a algunas redes sociales, quiero dedicársela a todos. Gracias por su amistad.

"Friends" - Elton John

Hay una historia que dice que cuando Jimi Hendrix terminó de tocar en Woodstock, alguien se le acercó y le preguntó: "¿Qué se siente ser el mejor guitarrista del mundo?". El guitarrista lo miró y le contestó: "Vaya pregúnteselo a Rory Gallagher". Uno de los más grandes en su instrumento, irlandés, poco afamado, sencillísima persona, y gran influencia para tantos que hoy son famosos. Brian May y The Edge, entre ellos.

"Bullfrog Blues" - Rory Gallagher

Recordaba que hace casi 25 años, un grupo que formamos, Diana García de Palacios, Lucho Argüelles, Johnny López, Sammy Sadovnik y un servidor, nos acercamos a don Richard Ajello, dueño y fundador de Stereo Lima 100, la primera FM en Lima, Perú, para ofrecerle el alquiler de la estación. Con sus grandes dotes humanos, el señor Ajello nos escuchó atentamente. A los pocos días nos hizo una llamada. No, la idea no le había convencido del todo. Y claro, su pasión por la radio, por la que, además, pasaron grandes voces, no le permitió una respuesta favorable para nuestra propuesta. Solo el tiempo llevaría a su radio por otros senderos. Desde aquí, nuestro mejor recuerdo a ese gran señor, tan interesado en la "buena" radio y en la preparación de sus locutores.

"Love Is Blue"- Paul Mauriat

This could be the last time... Maybe the last time, I don't know. Lo vengo escuchando desde que tengo uso de razón. Ya los he visto ocho veces en seis giras y sus shows siguen siendo rebuenos. Y si el próximo año se despiden, como se ha publicado en algunos lugares, nos emborracharemos pues. Después de todo, ya lo hicimos una vez -hace más de veinte años- con el pisco que iba a ser entregado a Mick Jagger y que nunca le dimos.

"This Could Be The Last Time" - The Rolling Stones

Hasta la próxima. Me voy preguntándome qué se dará primero... Si la despedida de los Rolling Stones, la venta de Radio Doble Nueve o el regreso de JL al Perú. Allí se los dejo como chamba...

"Driver's Seat" - Sniff'n'the Tears

Gracias por estar con la música de El Gusano Eléctrico. Los esperamos muy pronto.

Javier Lishner
Santa Clara, California
16 de noviembre de 2010

2010-11-15T19:10:00.001-08:00

Discoteca particular
JERICHO, CINCO SON SUFICIENTE

En 1971, el rock -que no hacía mucho había cumplido sus primeros quince- ya había calado profundo en muchos lugares del mundo. Por esos días, si bien es cierto que el gran porcentaje de nombres seguían siendo angloamericanos; en otros países, algunos ya habían asentado el suyo. Fue el caso de los Aphrodites Child de Grecia, Premiata Forneria Marconi de Italia, Golden Earring de Holanda o los franceses Magma. Y en el medio oriente, se gestaba la semilla del futuro Jericho.

Así, llamados como la antiquísima ciudad palestina situada casi a orillas del río Jordán. Los músicos, todos israelíes, formaron un grupo de rock, entre psicodélico y progresivo. Lo bautizaron The Churchills. Era 1965. Hasta que un día empacaron sus maletas, tomaron sus sueños y decidieron viajar a Londres. En la capital inglesa, cambiaron su nombre a Jericho Jones. Tiempo después, con la inclusión del guitarrista británico Robb Huxley, terminaron por denominarse como la antigua ciudad.

Con su primera y única placa, que contiene cinco temas, la banda convence casi desde el primer canal. Este se titula "Ethiopia" [video] y recorre instrumentalmente las venas de cualquier oyente hasta que, a mitad de canción, ingresa el vocalista, Danny Shoshan. He leído que Shoshan es canadiense, pero hay diferentes versiones. Le siguen "Don't You Let Me Down", "Featherbed", "Justin and Nova" (para algunos el mejor tema del disco) y "Kill Me With Your Love", una épica y matadora canción de más de diez minutos que por ahora acompaña mis viajes de un lado a otro.

Algunos críticos sitúan la obra en el camino de los primeros discos de Deep Purple. Contiene rock fuerte, gracias a la guitarra de Huxley, y elementos típicos del medio oriente. Un sonido que además incluye el órgano Hammond y un poco de psicodelia que aún perduraba en la época.

Un disco de cinco perlas para todo amante del rock puro y honesto. Eso fue lo único que quedó del quinteto que, junto a Huxley y Shoshan, terminaron de formar: Michael Gabriellov en bajo, Haim Romano en guitarra y Ami Triebich en batería. El apoyo de los teclados salió de los dedos de Rob Eberhard Young. Y, delante, en las perillas, estuvo el maravilloso Todd Rundgren, quien para ese entonces ya había producido nombres como The Band y The Butterfield Blues Band. El disco fue originalmente publicado en 1972. El resto es historia.

Javier Lishner
Santa Clara, California
21 de octubre de 2009

2010-11-08T11:40:00.000-08:00

RADIO MIRAFLORES Y EL ADIÓS A DIANA GARCÍA

Hoy, Juan Lecca Castillo, el buen colega que conocí en Radio Miraflores cuando recién hacía sus pinitos en los medios de comunicación, me sorprendió con un regalo que podríamos tomar como imperecedero. Es una grabación del programa especial que produjeron Helene Ramos y Guillermo Llerena, y que fue transmitido al mes del fallecimiento de una de las personalidades más populares que tuvo la radio en el Perú: Diana García. El resto es parte de ese especial programa. Incluida la presencia del entonces director gerente de la radio, Ricardo Palma Michelsen, y de Ángel Palacios García, el segundo de sus hijos, de quien ella siempre se refirió como "mi Angelito".

DIANA GARCIA by juanlecca

Juan tuvo la gentileza de enviármelo y publicarlo en la red con su propia presentación: "Este es el homenaje que le hiceron locutores de todas la épocas a Diana García, a un mes de su partida. Helene Ramos cedió las dos horas de su programa para realizar este homenaje donde estuvieron Enrique Llamosas (QEPD), Renato Shols, Speedy González, Bianca Ysla, Liliana Sugobono, Javier Lishner, entre otros...". Gracias Juanito, y mucho éxito en tu carrera de Locutor Profesional y Comunicador Social. Diana, presente!

Javier Lishner
Santa Clara, California
8 de noviembre de 2010

2010-11-03T08:55:00.000-07:00

75 años
CADA 3 DE NOVIEMBRE, RADIO MIRAFLORES

Cada 3 de noviembre era una gran celebración. No en balde trabajábamos en la radioemisora comercial más antigua del Perú. Había sido fundada en 1935 por los hermanos Clemente, Clemencia y Ricardo Palma Schmalz. A mi me tocó llegar en 1980, pero pude conocer a gente que lo había hecho en el mismísmo año de su fundación. Incluso pude conocer a dos de los fundadores, quienes aún mantenían una oficina -la que compartían- en su local de Alcanfores 592, Miraflores. Y fuimos muy felices.

1993. Especial de El Gusano Eléctrico. (FOTO: Víctor Becerra).

Hablar de la gente que ha pasado por los micrófonos de Radio Miraflores, sería casi imposible, principalmente, por la cantidad de personas que durante los últimos veinte años llegaron con su pan bajo el brazo. La radio, carente de un buen manejo administrativo, no vio mejor idea que, primero, entregar espacios a cambio del 50% de la publicidad por el mismo, y, luego, vender [alquilar sería el término más apropiado] los espacios al mejor postor. Así, por ejemplo, llegó en su momento La Hora del Chino.

Nuestra relación con la emisora que en 1986 volvió a cambiar de local, mudándose a la calle Manco Capac (esquina con Larco), duró 14 años. Pero pareció un siglo. Y, por diferentes razones, no fue una relación contínua.

La primera duró hasta 1983 en que, por un desacuerdo, terminamos en Radio Panamericana. El regreso -que fue al lado de Sammy Sadovnik, compañero desde nuestros primeros días de radio- fue en enero de 1986. Pero, dos años después, el "paquetazo" económico del gobierno de Alan García, motivó retirarnos e ir en busca del pan por otros rincones. Terminamos en Canal 13 conduciendo Mirando la Radio, un programa diario de videos y entrevistas, ambientado en una cabina radial. Paralelamente anduvimos Por los caminos del rock, cada tarde -desde las cuatro- en Radio Nacional del Perú. Giras al interior del país con los grupos de rock, iban y venían.

Instantes, entre el 86 y el 88. (FOTO: Javier Lishner).

Luego llegó Panamericana Televisión y un corto tiempo en Radio 1160, con El lado oscuro de la radio. En 1991, un contrato nos llevó hasta Ica para dirigir una nueva emisora en la sureña ciudad. Se llamaba Radio Efextos, al igual que la moderna discoteca que quedaba en el primer piso. Terminado el contrato, de regreso a Lima y sin chamba. Hasta que un día se apareció un ángel que me sacó para siempre del anonimato. Se llamaba Diana García de Palacios y era una de las más importantes personalidades que alguna vez trabajó en "la radio chiquita de corazón grande". Diana había vuelto con sus clásicos programas Tú, yo y mis discos, y Memories. Los transmitía de lunes a viernes desde las 5:00 p.m. Y me sugirió regresar. Le dije que no. Que no quería. Me convenció. Hablé con el gerente, que era el mismo que me había visto llegar doce años antes sin nada, solo con la ilusión de iniciar allí una carrera. Era Ricardo Palma Michelsen. La reunión concluyó con El Gusano Eléctrico al aire, cada tarde de tres a cinco, inmediatamente antes de quien aquella vez me había recomendado.

Cuando en 1994 decidí retirarme de la radio para viajar al exterior, tuve la suerte de irme con cuatro auspiciadores al aire. Ese es uno de los buenos recuerdos que me dejó la radio, en especial Radio Miraflores. Otros fueron, por citar solo algunos, haber conocido a Nelly Mendívil Castro y Pedro Roncallo, dos de sus locutores fundadores. A Enrique Llamosas y Gerardo Manuel, dos de su más legendarios disc jockeys. A Johnny López, Hugo Salazar, Jorge Henderson, Jorge Muñiz, Juan Alberto Mata y Sammy Sadovnik. A Diana y a Liliana Sugobono, directora de programación y conductora del dedicado Expreso de la seis. Y haber compartido la casa con tanta gente, Linda Guzmán, Ricardo Fernández, Zandrox, Martha Mifflin y hasta Luis Delgado-Aparicio, conductor de Maestra Vida, a quien tuve la responsabilidad de presentar por primera vez en la radio. Cuando nunca antes, en una FM peruana -o por lo menos limeña-, se había dedicado un programa exclusivo de salsa. Radio Miraflores bajo la batuta del ingeniero Palma, lo hizo.

1987. Perú Rock con Sammy Sadovnik. (FOTO: Cortesía de Lucho Gallegos).

Ahora que la FM, en los 96.1 del dial, fue vendida a una corporación y no existe más, me da un poco de pena. Porque la FM, con sus treintaitantos años de vida, albergó a muchos de los que celebrábamos cada 3 de noviembre el cumpleaños de la AM. Porque de verdad, fuimos como una familia. Hoy, que solo queda la radio madre, todavía nos da el tiempo para decirle Feliz Cumpleaños. Son 75 y sus Bodas de Diamante. No es poca cosa. Felicidades Radio Miraflores. Y que sean muchos más.

Eso sí, a lo lejos, extrañaré esas reuniones en el entonces Chifa El Pacífico. Con las bromas de Hugo Salazar y las ocurrencias de Gerardo Manuel. Y por supuesto, muchas cosas más.

Javier Lishner
Santa Clara, California
3 de noviembre de 2010

NOTAS RELACIONADAS:
- ADIÓS RADIO MIRAFLORES 96.1 FM
- EL MUSEO DE RADIO MIRAFLORES

2010-11-01T10:42:00.000-07:00

EL DÍA DE TODAS LAS ALMAS

De acuerdo a la tradición católica, el 1 de noviembre es el día de todos los santos. Y el día siguiente, el día de todas las almas. Los muertos, podríamos decir. Pues, a diferencia de la mayor parte de países con mayoría católica, en México, la población celebra el día de una peculiar forma. Lo hacen de una manera positiva lo que, en otras latitudes, es más bien tenue y triste. Si bien es cierto que para todos es un día para visitar a parientes y amigos que se nos adelantaron, los mexicanos ven la ocasión como un día festivo. En naciones como el Perú y Brasil, el día es considerado feriado.

El fin de semana, mientras caminábamos por el centro de San Jose, tuve oportunidad de toparme con dos publicaciones bilingües. Ellas son, La Oferta y El Observador. Son periódicos semanales de distribución gratuita. Y en ambas pude advertir el mensaje.

Démmosle vida a la muerte. Celebremos la vida como debe ser. Y la muerte también. Feliz día de las almas.

Javier Lishner
Santa Clara, California
1 de noviembre de 2010

2010-10-30T17:36:00.001-07:00

HALLOWEEN: DE MAGIA, DULCES Y BRUJERÍA

No recuerdo la primera vez que me disfracé para Halloween, pero sí de la última. Lo hice pintándome la cara como Peter Criss, el baterista original de KISS, por el que gané un premio. En realidad, el premio lo compartí con quienes hicieron de Paul Stanley y Gene Simmons, líderes de la banda. Aquella vez, Ace Frehley nos falló. No obstante, quien hizo de Stanley -profundo seguidor de los enmascarados-, llevó uno de esos muñecos de colección y lo puso como el cuarto miembro del grupo. Y así salió la foto. Era octubre de 2001 y compartíamos labores en Align Technologies, en Santa Clara, donde había músicos, música y bastante rock and roll.

Detrás del popular término en inglés, Halloween, que proviene de la cultura celta, de países como Escocia e Irlanda, existe toda una tradición. Dicen que se origina en la festividad conocida como Samhain que, en irlandés antiguo, significa el fin del verano; o, su equivalente, el final de la cosecha o, como también se le llama, recolección. El Halloween es la noche de los espíritus, de la magia. Dícese en la cultura popular, que es el día en que se pueden ver brujas y fantasmas. Personalmente, yo veo brujas todos los días.

En realidad, Halloween corresponde a la noche de todos los santos, y se celebra el último día de octubre. Los cristianos inventaron esa celebración para sobreponer a lo que consideraban una fiesta pagana. De una u otra manera, son los niños los que más esperan la celebración. Sueñan con el disfraz que papá o mamá deberán de comprarles y preparan sus recipientes, la mayoría de veces en forma de calabazas, desde varios días antes del 31. Con esos recipientes, llegado el día, salen a caminar, por lo general en grupos y vigilados por un adulto, visitando a los vecinos y pidiendo los clásicos dulces y chocolates, luego de mencionar las mágicas palabras Trick or treat.

Además de la celebración y de la cultura, se encuentra la parte económica. La industria de Halloween en países como Inglaterra e Irlanda es muy grande. La venta de dulces y de disfraces deja millonarios dividendos. Según Heidi Scrimgeour, en los Estados Unidos, la industria mueve unos 4.7 billones de libras esterlinas (Heidi es inglesa). Esta es, sin duda, una de esas fechas en que la recesión pasa a un segundo plano. Todo sea por los niños y por mantener la tradición de los celtas. (FOTOS: Javier Lishner).

Javier Lishner
Santa Clara, California
31 de octubre de 2009

NOTA RELACIONADA:
- Una vieja costumbre. HALLOWEEN: LA NOCHE DE LAS BRUJAS

2010-10-28T20:30:00.000-07:00

Discoteca particular
HIGH TIDE, ENTRE PROGRESIVO Y JAZZEADO

Es muy posible que los nombres de Tony Hill, Simon House, Pete Pavli y Roger Hadden, no le digan mucho. Para mi eran como cuatro ingenieros del Silicon Valley, hasta que, un día de 2001, supe de esta joya escondida del rock de finales de los sesenta.

Sea Shanties de High Tide, exquisitez escondida. (FOTO: Javier Lishner).

En Sea Shanties, que es el título del disco, es donde podemos decir que convergen el rock pesado y el blues, con el jazz y el progresivo, sumado a una gratificante influencia psicodélica de la época, que, por momentos, nos recuerda que alguna vez hubo un grupo llamado Iron Butterfly. La voz de Hill, quien también domina las cuerdas, tiene un ligero sabor a Morrison, el de los Doors. El violín de House, en tanto, le da una característica muy especial, teniendo en cuenta que el disco fue publicado en 1969 y, por esos días, el instrumento aún no era muy popular en los dominios del rock. Supongo que fue un poco después cuando Jean-Luc Ponty lo introdujo a través de la música de Frank Zappa, y posteriormente, desde 1973, con la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin. Pero, esa es otra historia. Lo cierto es que el contrapunteo del violín de House y la guitarra de Hill le dan un toque de distinción a la obra.

High Tide se formó en Inglaterra en 1969 y solo lanzó dos discos; Sea Shanties, el año de su nacimiento, y, High Tide, en 1970. El tercero, que ya había sido grabado, quedó en compás de espera por la temprana desaparición del conjunto que, a pesar de no haber tenido reconocimiento, seguramente, el rock le debe mucho más de lo que podríamos imaginar.

Sea Shanties, seguramente adelantado para su época, es una joya a la que alguien le puso 11 estrellas, sobre un puntaje de 10. Yo le pongo 10, y la otra la guardo para dársela a usted cuando lo escuche. Pero eso sí, debe gustarle lo innovador, lo experimental, lo un poco loco; caso contrario, podría haber usado su tarjeta de crédito en vano.

Javier Lishner
Santa Clara, California
30 de octubre de 2007

2010-10-25T15:57:00.001-07:00

CAMEL

Camel es más que una famosa marca de cigarrillos. Es también una banda que desde que apareció en el firmamento dio muy buenos resultados. Si por "buenos resultados" entendemos que la calidad debería estar siempre por encima de la cantidad. Cosa que en nuestros tiempos, no siempre es una constante. Mas bien, la cosa suele ser al revés.

Blog: Blues Cafe y Rock & Roll

Fausto Vivanco es peruano, es bloggero y reside en España, desde donde se da tiempo para compartir su pasión: el rock y el blues. Es por ello que mantiene en la red un espacio llamado Blues Cafe y Rock & Roll. Hoy quiso compartir con nosotros una nota sobre Camel, la banda inglesa nacida en el Londres de princpios de los setenta.

Escribe: Fausto Vivanco

Como es costumbre en este blog mezclaremos un poco de la historia de la banda sin caer en temas tipo Enciclopedia Larousse, más bien opinaremos de lo que la banda significa para el autor de esta nota.

Camel es una banda británica tiene colgada la etiqueta de banda progresiva (y siempre me he preguntado el porqué de esas etiquetas en el rock) que será tema de debates posteriores.

Su núcleo inicial estaba formado por Andrew Latimer como guitarrista y flautista, en el bajo Ferguson, en la bateria estaba Andy Ward y en las teclas Peter Bardens que es el que le concede ese aire particular a la banda. Sus primeros lps Camel y Mirage el disco famoso del camellito similar a la famosa cajetilla de cigarros. Es un trabajo destacado que muchos no han sabido apreciar para mi es uno de sus mejores discos. Es un disco con toques jazz y se huele el sonido heredado de bandas como Caravan y Soft Machine. No entiendo como un tema tan bien hecho como Lady Fantasy no los haya catapultado al éxito de bandas como Yes o Emerson Lake & Palmer. Tuvieron que esperar a The Snow Goose para que su nombre empiece a ser tomado en cuenta, la banda funciona como una maquinaria perfecta,trasmitiendo sensaciones a través de su perfecta instrumentación. Ojo Camel no eran unos oportunistas que tuvieron la suerte de grabar un buen disco... Ellos sabian muy bien lo que hacían y como trasmitir emociones si los amigos lectores de mi blog y el de Javier escuchan piezas como Princesse Perdue [video], Migration o Rhayader comprobaran lo buenos que son y lo injusto de su olvido. Tan Injusto que Moonmadness pasó sin pena ni gloria a pesar de ser otro pedazo de disco. Los cambios en la formación y la marcha de sus piezas claves como Ferguson y posteriormente Bardens debilitaron a la banda que se mantuvo activa en los 80 pero que los oyentes de los nuevos sonidos pasaron por alto. Camel es de esas bandas que te enganchan con sus 3 primeros discos y que si todavía no has descubierto es hora de hacerlo.

Un saludo

Fausto Vivanco

El agracedicimento a Fausto, quien nos tiene acostumbrados a comentarios y anécdotas publicados no solo en este blog sino a través de diferentes espacios de la Internet. Esta vez fue Camel. La próxima, no sabemos.

Javier Lishner
Santa Clara, California
25 de octubre de 2010

2010-10-20T13:49:00.000-07:00

Paul Cole
EL HOMBRE EN LA FOTO DE ABBEY ROAD

En la mañana del 8 de agosto de 1969, mientras Iain MacMillan tomaba las fotos a John, Paul, George y Ringo, en esa esquina frente a los estudios de la EMI, hubo algunos detalles que ni el fotógrafo ni los populares músicos, ni la policía, pudieron evitar. Uno, por ejemplo, fue mover ese automóvil Volkswagen que aparece en el lado izquierdo de la foto. Más al fondo, hay tres personas que tampoco se movieron. Mientras MacMillan hacía su trabajo; en la acera de la derecha, muy cerca al primer automóvil estacionado (que resultó siendo un carro de la policía), un señor de lentes miraba el temporal escenario sin saber que su imagen iría a quedar impregnada para la posteridad. Su nombre era Paul Cole.

Cuenta Bill DeYoung que mientras Cole vivía en Deerfield Beach, una ciudad en el Condado de Broward, en Florida, se fue de vacaciones a Londres. Allí, rehusó ingresar con su esposa a un museo. "Le dije a ella que yo había visitado numerosos museos. Que se tomara su tiempo que yo me quedaría afuera viendo lo que pasaba", recordó Cole en 2004. "A mi siempre me gustó hablar con la gente. Estando allí, en la calle, me encontré en frente de un policía sentado en su carro patrullero. Le anduve preguntando sobre la ciudad de Londres, el control del tráfico y cosas como esas. Solo para pasar el tiempo...".

A esa hora de la mañana, MacMillan y los Beatles trabajaban en sus fotos. "En esos precisos momentos levanté la cabeza y vi a esos muchachos cruzando la pista en línea como patos. Un grupo de excéntricos, pensé. Y es que en esa época tenían la pinta de radicales. Nadie caminaba en Londres sin zapatos...". La conversación entre Cole y el oficial concluyó, al igual que la sesión fotográfica en frente de los estudios EMI.

Cerca de un año después, Cole encontró el álbum Abbey Road encima del tocadiscos familiar. Su esposa estaba aprendiendo a tocar "Because", en el piano. Y al ver la portada, le prestó una especial atención.

Recordó Cole: "Yo tenía puesto un saco nuevo y acababa de comprar un par de lentes antes de viajar... Me tomó mi tiempo convencer a los niños que ese de la foto era yo. Les dije: 'Traigan la lupa, muchachos, y verán que ese soy yo! ¡Soy yo!'". La imagen de Cole había quedado para la posteridad.

El 15 de febrero de 2008, DeYoung dio la noticia sobre la muerte de Cole, viejo residente de Barefoot Bay, Florida. Tenía 96 años.

Javier Lishner
Santa Clara, California
9 de agosto de 2008

2010-10-17T09:18:00.001-07:00

EL GUSANO CONTRAATACA II.5

En marzo de 1972, Stevie Wonder publicó Music of My Mind, el disco con el que se embarcó en la famosa tour norteamericana que ese año, entre junio y julio, hicieron los Rolling Stones. Tres meses después de terminado el periplo, apareció el Talking Book, que, al igual que el anterior, le dio muy buenos resultados. De esa placa sobresalieron, entre otros, "Superstition" y "Blame It On The Sun". Además, participaron varios de sus amigos. Entre ellos, el saxofonista David Sanborn y el guitarrista Jeff Beck. Pero hubo una canción que se fue rápidamente al número uno. Oh, Dianita García, si tan solo pudieras volvernos a presentar este tema.

"You Are the Sunshine of My Life" - Stevie Wonder

Esta es de la época de la Radio Panamericana con Lucho Argüelles, Mauricio Alcántara, Albertín Ríos y Pepito Giraldo, entre sus disc jockeys. Yo andaba en la Universidad y, cuando estudiaba, o sea a veces, los sintonizaba. Aquí colaboraron con el cantautor, los famosos Mick Fleetwood y John McVie del legendario grupo que lleva por nombres sus apellidos. Rock In Peace, Warren!

"Werewolves of London" - Warren Zevon

Que se dijera que Linda Ronstadt era la Reina del Rock nunca fue una molestia. Porque lo fue. Aunque luego de haber hecho con el rock casi todo lo que le dio la gana tuviera los co, perdón, la fuerza para cambiar de estilo musical y volverse cantante de rancheras y música a la que ella llamó "canciones de mi padre". Vaya que esta mujer ha cantado de todo. Para mi, sigue teniendo el alma de rock and roll. Long Live, Linda!

"Tumblin' Dice" - Linda Ronstadt

‎ Ella era hermana de un compañero de él. Se conocieron en casa de ella cuando él iba a escuchar música con su compañero de clase. Muy pronto comenzarían las fiestas y las reuniones entre ellos y ellas. Fueron lindas épocas de pubertad e imaginación. Hasta que todos crecieron. Ella y él hicieron sus vidas y se dejaron de ver. Por alguna coincidencia, ambos decidieron residir en el extranjero. Pero como el mundo es ancho y ajeno, luego de un webo de años, resulta que ahora, lejos de su patria, menos de 75 kilómetros los separan. Y ella sigue tan radiante, como cuando bailaban pegaditos esta canción.

"Guitar Man" - Bread

Cuentan que alguien le echó un poco de tranquilizante para caballos al vaso de Keith Moon. Era 20 de noviembre de 1973. The Who andaba en una de sus mejores épocas, aún con su formación original y frente a un público relativamente exigente como el de la Bahía de San Francisco. Esa noche, la banda iniciaba su gira del Quadrophenia en el Cow Palace. Mientras The Who hacía su presentación, el baterista cayó desplomado. Como muchas paradojas alrededor de la vida (y de la muerte) de Keith Moon, el grupo, a la hora del incidente, tocaba "Won't Get Fooled Again".

"Won't Get Fooled Again" - The Who

Algún día quisiera escribir imaginariamente cómo hubiera sido esa noche si en vez de tomar el vuelo de regreso a Lima, lo hubiéramos hecho al día siguiente. De esa manera nos quedábamos a ver a Jeff Beck. Era la gira del 89, la que compartió con Stevie Ray Vaughan. Con un nudo en la garganta subí al avión casi a la misma hora que estaba programado el show. Menos de un año después, en agosto del 90, todos sabemos lo que pasó en East Troy, Wisconsin. El helicóptero cayó y Stevie falleció. Jeff, quien no era parte de la tripulación, siguió adelante. Pasarían más de cinco años para verlo. Aquella vez, compartiendo la gira con Carlos Santana. Pero cuando llegamos a Lima, la triste noche del 89, al menos pudimos contar que habíamos visto a los Rolling Stones y a Bob Dylan. Let's Boogie!

"Jeff's Boogie" - Jeff Beck y Stevie Ray Vaughan

Carmine Appice, el baterista de Vanilla Fudge, parece ser uno de los que mejor recuerda el debut de Led Zeppelin abriéndoles su gira cuando ellos andaban arriba. Como complemento tenía a Tim Bogert, el loquito del bajo, con un estilo único en su instrumento. En guitarra estaba Vince Martell, y, en teclados y voz principal, Mark Stein. Su debut en 1967 fue con esta canción de Brian Holland, Lamont Dozier y Eddie Holland, que tan solo un año antes la habían hecho las Supremes de Diana Ross. Por si acaso, así como hoy es el Día del Pollo a la Brasa en el Perú, el 23 de mayo es el Día de Carmine Appice en Los Angeles.

"Youu Keep Me Hangin' On" - Vanilla Fudge

En 1987, Anthony Kiedis, Hillel Slovak, Flea y Jack Irons, salían de los Estudios Eldorado de Hollywood, California, con su tercera placa bajo el brazo. La titularían The Uplift Mofo Party Plan. A partir de allí, la historia de Red Hot Chili Peppers cambiaría radicalmente. En 1992 (con la aparición del recopilatorio What Hits!?), esta canción -escrita por los cuatro miembros originales- la volvimos a tocar en nuestro programa de radio. Irons se retiró de la banda en 1988 y, un par de años más tarde, formaría parte de una nuevo grupo llamado Pearl Jam. Recién en 1994 nos tocaría verlos abriendo la gira Voodoo Lounge de los Rolling Stones.

"Behind the Sun" - Red Hot Chili Peppers

Casi desde siempre he admirado la facilidad con la que canta Paul Rodgers. Supe de él a través de una revista importada de Europa en donde aparecía la letra de "The Hunter", el clásico tema de Booker T. & the M.G.'s. Su carrera ha sido vasta, porque al igual que Steve Winwood y Rick Wakeman, comenzó muy joven en la liga de mayores. Free, Bad Company, The Firm (con Jimmy Page), The Law (con Kenney Jones), Hendrix's Cry of Love (con Mitch Mitchell y Noel Redding), Queen (minus Freddie), y muchos más probaron su brebaje. Esta es solo una muestra de su calidad.

"Wishing Well" - Free

El 21 de agosto de 1986, Danai, la cantante chilena con un profundo amor al Perú, subió al tercer piso del edificio levantado entre la avenida Larco y la calle Manco Cápac, en el distrito limeño de Miraflores. Allí, a cargo de Walter Gutiérrez, estaban los estudios de grabación de Radio Miraflores. Junto a Sammy Sadovnik le hicimos una larga entrevista, cuya edición fue transmitida al aire dos días después. En ella, la cantautora nos presentó varias de sus canciones, entre ellas, esta que andaba promoviendo. Entre septiembre y octubre, ella y su banda tuvieron una temporada en la discoteca Reflejos. Aquí el audio de una de esas presentaciones.

"Hevy Rats"- Danai

Esta es una de esas canciones que me recuerdan escuchando música en mi radio a transistores y escribiendo sobre mi cama los títulos de las canciones que, disc jockeys como Rolly Cadillo o Freddy Morales, presentaban a través de la radio. Y la recuerdo especialmente porque me demoré un poco en escribir su título correctamente. Recién hace unas cuantas semanas, luego de casi cuatro décadas de eso, me hice amigo feisbukero de Freddy Morales, quien continúa en los medios de comunicación, ahora, en el Estado de Arizona.

"Lady D'Arbanville" - Cat Stevens

Psicodelia en esta banda que en 2001, pude ver en el salón más alto del Experience Music Project, en Seattle, Washington. Se le llama the Sky Church. El combo aún andaba con sus dos talentosos fundadores, el guitarrista Eddie Glass y el batero Ruben Romano. Fue una noche inolvidable llena de rayos láser y de sonidos fuertes que parecían interminables. En el bajo, un rubio de nombre Mark Abshire, completaba el poderoso trío de nombre Nebula. En algunos pasajes, Glass nos hizo recordar al más famoso de los guitarristas de rock, Jimi Hendrix, muy aparte de que estuviéramos en su tierra natal.

"Giant" - Nebula

Gracias por estar con la música de El Gusano Eléctrico. Los esperamos en cualquier momento con más.

Javier Lishner
Santa Clara, California
17 de octubre de 2010

2010-10-14T16:49:00.000-07:00

EL GUSANO CONTRAATACA II.4

Alguna vez, Graham Nash, el ex-integrante de The Hollies y entonces miembro de Crosby, Stills, Nash & Young, anduvo enamorado de la canadiense Joni Mitchell. De allí, mientras el súper grupo se preparaba entre Los Angeles y San Francisco para grabar el Deja Vú, posiblemente su obra más clásica, escribió esta maravilla. Era 1969, tiempo de paz, música y amor. Casi como ahora...

"Our House" - Crosby, Stills, Nash & Young

Highway to Hell fue el sexto disco en estudio de AC/DC, banda australiana que tenía como cantante a un escocés de nombre Ronald Belford Scott. Fue grabado en Londres bajo la producción de Robert "Mutt" Lange y vio la luz a fines de 1979. En febrero del siguiente año, el cuerpo del vocalista fue encontrado en el interior del Renault de un amigo en el número 64 de Overhill Road, en East Dulwich, South London. Había sido el final.

"Highway to Hell" - AC/DC

Eran dos niñas cuya afición por la música, la radio y los deportes, terminó por unirlas en una linda amistad. Los años pasaron, ellas crecieron, encontaron dueño y formaron sus respectivas familias. No obstante, su amistad se mantiene incólume a pesar de la distancia que separa a Sydney de Chaclacayo, donde ellas residen. Y siguen tan lindas como cuando eran chiquillas y seguían a los disc jockeys de moda. Aquello de moda, es un decir. Dedicada a Yelitza y Marilyn.

"California Blue" - Roy Orbison

‎ ATENCION: Las imágenes de este video no corresponden a la música. La música corresponde a un disco publicado en 1973 y producido por Giorgio Gomelsky, el dueño del famoso Crawdaddy Club, donde los Stones dieron sus primeros pasos. Ni la música ni el video son recomendables si usted está bien de la cabeza.

"Flying Teapot" - Gong

Cuando en el día del Juicio Final llamen a los grupos que debieron llevarse todos los premios y no ganaron nada; entonces, uno de los primeros en pasar será Camel. Con Peter Barden y Andy Latimer a la cabeza. Detrás, no muy lejos de ellos, estarán Doug Ferguson y Andy Ward. Y cuando papalindo pregunte, ¿por qué? Allí estaré yo para decirle que por la culpa de los disc jockeys del siglo XX. Y, mirando al suelo de vergüenza, levantaré mi brazo derecho y le entregaré estos extractos.

"Snow Goose Excerpts" - Camel

Conocida por ser una de las primeras damas inglesas envuelta en líos de caballeros y rock and roll. Asumió el cargo de teclista y a veces cantante en Chicken Shack, uno de esos buenos grupos de blues de la época en Inglaterra. Era 1968. Al año siguiente, y tras conocer a John McVie, se retira del combo y, entonces casada con ese, pasa a formar parte de Fleetwood Mac. Con ellos hace maravillas. Entre otras, "You Make Loving Fun", "Don't Stop", "Say You Love Me" y "Over My Head". Aquí otra con su inconfundible voz.

"Love Shines" - Christine McVie

David y Howard, a diferencia de los Doobie Brothers, sí son hermanos. Se apellidan Bellamy y vienen haciendo música desde hace cuatro décadas. En 1975 firmaron un contrato discográfico, y al año siguiente lanzaron Let Your Love Flow. Sería el principio de su carrera que aún continúa, más en el género country que el pop. La canción principal del disco la escribió Larry Williams, un roadie de Neil Diamond. Y ni Neil ni Johnny Rivers la tomaron en cuenta. Hasta que los hermanos Bellamy la escucharon. Desde ese momento, el joven Williams se volvió en uno de los roadies más ricos de su tiempo.

"Let Your Love Flow" - Bellamy Brothers

Detrás de esta canción había un nombre muy bien posesionado en los predios del rock and roll. Era el del bajista de la respetable banda Black Sabbath. Aunque, por ese entonces, entre el 86 y 88, el bajista había dejado a la banda. Hizo la suya propia a la que llamó The Geezer Butler Band. Si algún día nos tocara hablar de Butler, habría que decir que no solo fue el que sugirió el nombre a BS sino el que más empujó para que BS se fuera por los camino de la oscuridad, siendo él un angelito. Luego vino Heaven and Hell, G/Z/R, su regreso a BS... en fin. Una larga historia.

"Heat in the Street" - Geezer Butler Band

Era la época de los cantautores. De la cabeza de Carole King, se establecían, entre otros, nombres como los de James Taylor, Gordon Lightfoot, Carly Simon, Cat Stevens y Dan Fogelberg. En ese grupo de principios de los setenta, también hubo un norteamericano de origen italiano llamado Jim Croce. En 1972 publicó un álbum titulado You Don't Mess Around with Jim. En esa placa, considerada hoy un clásico, apareció esta canción. Rock in Peace, Jim.

"Operator" - Jim Croce

Ray Sawyer, el vocalista, nunca fue Dr. Hook. En realidad, ninguno de los integrantes de esta banda fue Dr. Hook. Porque ese fue el nombre del grupo. Y aunque su carrera se movió más por los linderos del country, también le entraron al pop y al rock. La siguiente fue solo una las canciones de su amplio repertorio, el que había comenzado en 1971 con el disco Dr. Hook and the Medicine Show. Perteneció al Sometimes You Win de 1980, la que me tocó presentar más de una vez en la radio.

"Sexy Eyes"- Dr. Hook

Aquí están Andy Summers, Sting y Stewart Copeland, quien realizó estudios en el Area de la Bahía de San Francisco. Para la próxima a ver si le dedicamos una de Curved Air. Pero hoy, con ustedes, The Police en vivo.

"Synchronicity" - The Police

Gracias a mis amigos por sus sugerencias y buenos deseos. Creo que al final del día el balance ha sido positivo. Espero que mañana sea mejor para todos, y el sábado y domingo sean aún mejor para ustedes. Por ahora puedo decir como Kenny Loggins...

"I'm Alright" - Kenny Loggins

Volveremos muy pronto con más música de El Gusano Eléctrico. Permiso.

Javier Lishner
Santa Clara, California
14 de octubre de 2010

2010-10-10T17:41:00.000-07:00

¿QUIÉN FUE? EL GRAN BILLETÓN

Ayer, Radio Miraflores FM de Lima salió al aire por última vez. Mi alma mater, enclavada en los 96.1 del dial, fue comprada por la Corporación Universal. Radio Miraflores FM, además, fue alma mater de muchos de mis amigos; entre ellos, Jorge Henderson Palacios, Hugo Salazar, Jorge Muñiz, Juan Alberto Mata, Gina Castro, Raúl Cabrera, Umberto Toso y Sammy Sadovnik. El apagado de su transmisor se hizo a las cuatro de la tarde, y la despedida fue en silencio sepulcral. A lo lejos, fui testigo de ese triste momento para la mencionada FM peruana.

La emisora "madre", Radio Miraflores AM, fue creada el 3 de noviembre de 1935. En tanto que la que se le vendió al grupo de Higinio Capuñay, fue fundada unos cuarenta años después de manos de Ricardo Palma Michelsen, hijo de uno de los tres fundadores. La siguiente es una nota que trata de describir un poco la manera como el nuevo dueño de Corporación Universal se fue haciendo de muchas radios en el Perú.

Haciendo un poco de historia, en 2001, Higinio Capuñay Sarpán ingresó a la ciudad de Ica con su radio, La Karibeña. El empresario había escogido situarse en los 107.1 de la FM. Lo que pocos sabían era que lo había hecho de una manera ilegal. A raíz del roche, decidió alquilar la frecuencia de los 102.7 de la FM, la cual recuerdo tanto como que fui el director-fundador de la radio que se inició en esa señal y a la que le dediqué seis meses de mi ahora larga vida. Entonces se llamaba Radio Efextos FM, y era propiedad de Augusto Marañón García. Pero, como todo se sabe, la falta de pago hizo que Marañón le diera forata. Pero algo más. El transmisor nunca le fue devuelto.

Por esos días también apareció Radio La Exitosa, en los 95.5 de la FM iqueña. Según un reporte periodístico del diario Correo, allí también tuvo problemas con las emisoras locales, Sistemas y Mega Star. Su señal entorpecía a las dos mencionadas radioemisoras. Pero eso no fue todo. La Exitosa también fue ilegal. Y luego de la intervención del Ministerio de Transportes y Comunicaciones, se fue con su música a los 88.9 del dial. Cuando esa radio salió del aire, el espacio fue ocupado por La Karibeña. Ya era 2006.

Dos años después, en el día de los enamorados, los Capuñay tuvieron un intríngulis en la Quinta Fiscalía Provincial Penal de Ica. Fueron denunciados por piratas, o como se diga en el lenguaje legal. Digo, si es que lenguaje legal es lo que merecen. Pero mientras la cosa se comprobaba, ya habían dejado los 88.9 y tomado los 104.7 de la FM. No es difícil suponer que, con tanto quiebre, tampoco tuvieron licencia para operar. Dicen que eso fue admitido por su administrador.

El 24 de mayo del mismo año, miembros del Ministerio de Transportes y Comunicaciones realizaron decomiso de equipos a algunas emisoras que andaban transmitiendo ilegalmente. No obstante, nunca se hizo lo propio con Radio La Karibeña. Cuando los representantes del ministerio fueron a Radio Líder, ubicada en el distrito de Pueblo Nuevo, los dueños cuestionaron la razón por la que no se intervenía a La Karibeña. Insólitamente, dijeron que no había denuncia en contra de ellos. Pero hubo más.

Radio La Karibeña había empezado a transmitir en forma ilegal desde la vecina ciudad de Pisco. Según el reporte de Correo, fuentes del Ministerio de Transportes y Comunicaciones aseguraron que Higinio Capuñay Sarpán transitaba cómodamente en la ilegalidad, "porque tendría como padrino al congresista Javier Velásquez Quesquén". Hoy, justamente cuando las papas queman en el dial, Velásquez es el flamante Presidente del Consejo de Ministros. Ta ta ta taaaan!!!

Pero allí no termina la historia. Hace dos años, el 24 de septiembre de 2008, el propietario de Radio La Exitosa de Chiclayo, Capuñay Sarpán, hijo de Monsefú (a propósito, Velásquez Quesquén es de allí nomás, de Eten, a un paso); decía, Capuñay Sarpán, enfurecido, mandó cancelar el noticiero de su radio. Y lo hizo porque a sus conductores, Víctor Manuel Vidaurre Ñopo y Jorge Pizarro Mori, se les ocurrió opinar sobre la ineficacia del alcalde distrital, Anselmo Lozano Centurión, por un problema de inseguridad ciudadana. Aparentemente, Lozano, era uno de los principales anunciadores de la radio. Finalmente, los periodistas llegaron a un acuerdo pero se les prohibió volver a mencionar al alcalde. Qué bonita familia. ¡Viva la libertad de expresión! Pero así, don Higinio ya cuenta con más de cien emisoras en todo el Perú. Hoy, me dijeron que son 142... No sé.

Mejor me quedo aquí mientras este tipo se hace dueño de otra señal, la que hoy a las cuatro de la tarde dejará Radio Miraflores en los 96.1 FM de la capital peruana. Verdaderamente, como dicen, nadie sabe para quién trabaja. Pero de que alguien se está preparando muy bien para las próximas elecciones... no tengo la menor duda. Quién sabe si será su gran amigo, mi tocayo Velásquez Quesquén.

Javier Lishner
Santa Clara, California
10 de octubre de 2010

NOTA: El escrito es parte de una nota publicada el 17 de enero de este año a raíz de la venta de Telestereo. Esta vez volvemos a publicarla con fecha de hoy, porque parece no haber perdido actualidad. Con la única diferencia de que la Corporación en cuestión sigue haciéndose de más radios a nivel nacional. Y parece que no se dice mucho.